詹姆斯．吉鲁东（James Giroudon）自一九八二年与皮耶-亚兰．杰夫荷努（Pierre-Alain Jaffrennou）创立法国里昂国立音乐创作中心（GRAME）。担任中心主任至今三十余年，持续地以鼓励创意、促进创作、保障发行、促进科技和音乐研究发展与搭起创作和群众之间的桥梁为使命。他不仅是作曲家，也是音乐节及音乐装置艺术等活动的策展人。
吉鲁东与所领导的团队近年来与台湾的接触频繁，近期更带来「形、音、异：法国里昂国立音乐创作中心声音装置展」在台北市立美术馆展出。本刊借由此次越洋专访，让这位音乐创作中心的主持人与我们分享音乐创作中心概况、北美馆展览的宗旨，与多年来对现代音乐与创作所抱持的观点。
Q：您是里昂国立音乐创作中心的创办人之一，请您谈一下当初创立此中心的动机与使命。
A：我和作曲家兼研究人员皮耶-亚兰．杰夫荷努，于一九八二年共同创立了里昂国立音乐创作中心，我们希望透过这个中心，协助作曲家运用最新科技，从事创作。同时，也期盼作曲家能与来自不同领域的艺术家携手合作，更有要领地使用最新科技，而这些技术自一九八○年代起，有了日新月异的发展。亚兰和我，我们一致认为，音乐的创作势必需要适当的组织作为后盾，这个组织不但能供应硬体设备，更能提供知识与专业能力等软体资源，以期为音乐创作开辟新途径。
Q：贵中心具有哪些特色？
A：首先就内容而言，在法国音乐史上，「具象音乐」或「电子原声音乐」（electroacoustic Music）流派占有很重要的地位，它诞生于一九四八至一九五○年，代表音乐家有皮耶．雪费尔（Pierre Schaeffer）。此流派发展了别树一格的音乐创作方式，特别喜欢运用「原声素材」（acoustic materials）或「具象素材」：举凡能被用来操纵与改变声音的材料。这种创作音乐的方式与德国的纯电子音乐大异其趣。我们可以说，自一九五○年起在法国兴起的「电子原声音乐」，极为重视声音素材的写作。后来，电脑合成音乐也应运而生，不过，声音的创作仍停留在实验性的阶段，因此，我们试图利用日新又新的科技，继续探索声响的世界。就形式而言，法国电子原声音乐中心最初都由作曲家创立，堪称一大特色，自一九六○年代起，许多以作曲家私人名义成立的音乐中心，获法国文化部的协助与支持，继续蓬勃发展，这是一个很特别的现象。而在美国，类似的音乐中心都由大学成立。
Q：贵中心每两年办一个大型艺术节之外，有没有举办其他活动？
A：与大众接触是敝中心最基本的任务。我们想一改现代音乐只为专家而作的观念，因此举办了许多活动，旨在与更广大的民众交流，其实敝中心也是为了这个目标而诞生。自一九九二年起，我们每年在里昂举办「舞台音乐节」，直到二○○二年之后才改为双年展；近几年来，我们每届都针对一位作曲家策划节目。中心另一项重要活动，是接待作曲家与艺术家，协助他们完成创作计划。我们每年接待大约十五位作曲家，让他们与专业的研究人员一起在适当的环境中工作。最后，敝中心也是一个研究实验的基地，让研究人员长期从事研发。
Q：作为一个现代音乐创作中心，为什么要做声音装置艺术？
A：声音装置艺术虽然牵涉到声音，但与造型艺术的关系更为密切。声音为了一首音乐或音乐会而创作之外，它本身也是一种活生生的表演、一种完整的创作，而且与现代造型艺术的发展息息相关，譬如二十世纪的音乐家约翰．凯吉与荀贝格（Arnold Schoenberg），他们的音乐就结合了造型艺术。当音乐不再只由乐器奏出，声音的素材（sound materials）成为音乐场域的一部分，声音会向其他艺术张开双臂，而声音与视觉艺术的组合特别有意思。装置艺术饶富趣味之处，是当我们聆赏音乐会时，必须安静谛听，不能轻举妄动。然而面对装置艺术，我们可以来回走动，对视觉与听觉的创作者来说，这是个很有趣的特质。二十世纪初可以找到许多结合音乐与绘画的实例。而今天，我们的科技技术有助于声音与其他艺术的连结。
Q：您和台湾已有丰富的合作经验，台湾观众对您们也愈来愈熟悉，不知您和台湾有无新的合作计划？
A：目前我们跟台北数位艺术中心一起合办驻村创作计划，交换台法艺术家。另外，我们定期参加彼此举办的音乐节，譬如去年我们在台北数位艺术节演出，或是台湾应邀参与我们的「舞台音乐节」，接下来我们将于十一月的「里昂国立音乐创作中心日」合作。
Q：请您谈谈这次北美馆的声音装置展，选择作品的考量有哪些？
A：当北美馆与我们确定合作筹划一个大型装置展后，我们马上决定以展览视听装置作品为主。接著我们必须考量展览的空间，所有装置作品的「并存」问题，譬如声音是否相互干扰，这也是为什么放映影片的作品另附耳机。此外，我们必须设计一条路线，有效传递不同类型的感官经验；视觉的与听觉的，类似舞台装置。我们并不要求所有作品必须达成某种一致性，相反地，这些作品大异其趣，甚至产生强烈对照。当然，更要紧的是每件装置作品都应具有内涵，言之有物，内涵不一定得明显而具体，有时候是和感情与想像力有关，譬如提耶瑞．德．梅（Thierry De Mey）的《海前奏》，即散发极为动人的情感。
Q：本展览放映许多老片，不知有何特殊用意？
A：的确，是有一、两部老片，一部是裘爱乐．布维耶与瑞吉．欧巴狄亚联袂创作的《房间》，大约拍摄于一九八○年代，提耶瑞．德．梅的《自由之家》也断断续续播放影片，同样是黑白片，但摄于《房间》之后。我之所以选择这两部影片，一来因为片中舞者身体的姿势与动作极其夸张，二来两部影片独立观赏起来也很有意思。《房间》并非数位影像，因为拍摄的年代有些久远，影片略微耗损，却因而散发一股诗意，别有情趣。《房间》很感动我，我曾与该片搭档，举办过两次演奏会。此外，透过这部影片，我们走进一个由暗沉的黑色与明亮的白色，形成强烈对比的美丽世界。
Q：现代音乐创作是否有「集体创作」的倾向？
A：集体创作的潮流已有二十年的历史，双人合作的模式也各有不同。首先，许多作曲家虽有创作的计划，却缺乏技术上的专业知识，无法发展并使用适当的高科技，顺利完成创作；也就是说，作曲家虽然主导创作，但却无法独立完成，他需要一位具有专业背景的「音乐助理」，这个角色大约在二十年前应运而生。「音乐助理」可能只负责操作与执行，但也可能积极参与，提供重要的意见。第二种组合是跨艺术、跨领域的合作。其实，来自不同领域的艺术家的集体创作像一场赌注，得冒点风险。这次参展的伯诺瓦．莫迪克与伊夫．马利．路尔即是一例，他们自高中时代起认识至今，两人各有所长。就像电影一样，音乐势必逐渐演变为集体创作，而高科技的发展与应用为创作者之间搭起沟通的桥梁，为集体创作起推波助澜的作用。
Q：音乐中心以跨领域的作品居多，请问您是否认为未来的表演艺术将无法再区分音乐、舞蹈、戏剧等类型？
A：我觉得没有一种类型可以取代另一种类型，也没有迂腐的艺术形式，而每一种艺术类型都可能出现拙劣的作品。现今崭新的艺术形式正在百花齐放，不过，我们仍然需要纯粹的表现方式，我觉得各种创作形式能够共存而且与时并进，是很有趣的一件事，我们可以多做尝试，而前进的路线也非得笔直不可。最重要的，是别为艺术或任何事物画分等级，我们应该以更开阔的心胸面对新的艺术形式。
Q：艺术结合高科技是必然的趋势，请问您认为数位音乐的前景如何？
A：我不太喜欢数位音乐这种说法 ，因为这它似乎把科技摆在优先的地位。我以为科技是必要的，它有利于思想，也有益想像力的发挥，但最重要的还是具有艺术思想的计划，科技是为了推动艺术思想而存在。数位音乐意味了纯粹以电脑数位科技制成的音乐。不错，可以有很棒的数位音乐计划，不过这些计划并不排除融合其他方式。我一直相信创作是混和的结果，长久以来如此，未来也是，而且会日渐蓬勃。
