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李秋玫
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艺@CD穿越时空，重现巴洛克本真之声
台北室内合唱团（Taipei Chamber Singers）的第13张专辑《璀璨巴赫》（Bach Cantatas），是台湾合唱界迈向国际古乐（早期音乐）领域的重要里程碑，也是历时3年的「音乐本真行动」计划的完美总结。这张专辑不仅是合唱团首次与国际唱片公司合作发行，更是他们第一张提供线上串流的专辑，以及台湾第一张以古乐版本诠释的巴赫清唱剧专辑。 跨越浪漫，追寻巴赫音乐的「心法」 长久以来，台北室内合唱团在「文艺复兴」与「当代音乐」两个相对的领域皆表现出色、屡获国际奖项。有鉴于在诠释巴洛克音乐时，台湾多数合唱团仍以「交响管弦乐团＋交响合唱团」的模式呈现，较少关注「音乐本真演奏」（注）的观念。合唱团企划经理郑逸伸提到，当团队思考如何与古乐团合作时，欧洲古乐专家强调的重点并非只是音色或情感，而是「从手稿、乐器特性去理解音乐线条与音形的真实样貌」。他引用欧洲专家的说法指出：「他们能掌握心法，那个心法就是音乐的思维。」 为了掌握这样的演奏语汇，合唱团展开了为期3年的研究与训练计划，向欧洲古乐与巴洛克声乐专家取经，将欧洲领先的音乐语法知识转化为实际的演唱技巧。 乐器与人声的共振 《璀璨巴赫》的制作阵容可谓星光熠熠，由屡获「留声机大奖」的古乐大师皮耶．韩岱（Pierre Hanta）担任指挥。韩岱曾任教于巴塞尔音乐院，被誉为大键琴宗师雷昂哈特（Gustav Leonhardt）的精神继承者。 专辑邀集法兰西古乐团（Le Concert Franais）4位欧洲顶尖独唱家合作女高音朵洛．梅尔蒂（Dorothee Mields）、女中音玛格特．奥辛格（Margot Oitzinger）、男高音弗罗．西弗斯（Florian Sievers）、男中音马蒂亚斯．维尔（Matthias Vieweg）。 为达到巴洛克时期的演奏标准，合唱团经历了严格训练。郑逸伸透露，团内特别挑选16位成员参与，加上独唱家共20人。这正是韩岱心目中清唱剧的理想规模。在长时间的训练与排练中，团员们学会与古乐器「共呼吸」与「共聆听」：「我们第
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焦点专题 Focus台北市立交响乐团首登韩国富川
台上谢幕再谢幕，台下仍意犹未尽、迟迟不愿离席。台北市立交响乐团（TSO）与指挥殷巴尔合作带来马勒第5号交响曲的深刻诠释，乐声在富川艺术中心（Bucheon Arts Center）音乐厅的美好音响中层层回荡。这场演出，不仅是台湾与韩国的一次艺术交流，演出获得韩方录影播出，场馆软硬体设备与经营更是北市交未来音图中心的借镜。 从城市精神到声学完美 作为一个新城市，富川市位于首尔与仁川之间，虽然不是韩国的一线城市，却以文化厚度著称。自1980年代起，韩国变计划让富川市以「文化」作为城市品牌核心，率先成立了富川文化财团，并于1988年成立市立艺术团，成为地方文化建设的先驱。富川将文化视为城市发展的关键资源，不仅提升市民的生活品质，也为城市带来独特的精神象征。 在这样的城市背景下，富川音乐厅于2022年5月落成启用，成为韩国首座为古典音乐量身打造的古典公演场地。音乐厅的设计兼具规模与声学精准度，拥有1445个座位，为观众提供理想的视听体验；舞台上方设有可调式反响板，可根据钢琴独奏、室内乐、管弦乐及合唱等不同编制，调整出6种最佳音响模式。此外，音乐厅更建置了管风琴，是韩国地方城市中首座具此设施的古典音乐专用场馆。 富川音乐厅位于富川市的黄金地段，拥有极佳的交通便利性，市民可轻松搭乘地铁或公车等大众运输工具前往。这座音乐厅不仅是演出场地，更象征富川多年文化耕耘的成果，提供常驻艺术团专属空间，也成为亚洲古典音乐交流的重要平台。 跨国合作的文化愿景 富川艺术中心节目企划部经理尹普渼（Bomi Yoon）坦言，邀请TSO的构想并非偶然。她表示：「与其不断邀请欧洲顶尖乐团，我们更希望与亚洲交响乐团建立网络与共鸣。这样的交流能让亚洲音乐界彼此学习、共同成长。」TSO的巡演计划与其理念不谋而合，促成了这场具象征意义的合作。 此次演出阵容更被艺术中心视为亚洲古典未来图像的缩影，因为由欧洲传统象征的殷巴尔执棒、代表亚洲创新力量的TSO演奏，再加上韩国传奇钢琴家白建宇的参与，构筑出横跨文化、世代与地域的艺术对话。尹普渼认为：「这种组合不仅仅是一场单纯的音乐会，而是一场能够展现亚洲艺术水准和深度的标志性演出。
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焦点专题 Focus 音乐家的声音日记（一）日本篇声响之旅：北市交日韩巡演音乐厅体验
巡演对音乐家而言，不仅是技术的磨练，更是对整体默契与临场应变的重大考验。各地音乐厅在空间结构与残响条件上的差异，往往深刻影响音乐的层次与呈现。指挥殷巴尔会依据场馆的音响特性，细致调整演奏细节，并透过彩排掌握厅内的声音回馈。团员们也必须保持高度敏锐，在短时间内灵活调整速度与力度，以维持声部间的平衡，让每一场演出都臻于完美。 以下将介绍此次巡演所造访的音乐厅，并依演出顺序收录TSO音乐家分享对音乐厅的的个人感受。期望随著这些文字与照片，带您一同展开一场纸上的音乐旅程。
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焦点专题 Focus 音乐家的声音日记（二）韩国篇声响之旅：北市交日韩巡演音乐厅体验
巡演对音乐家而言，不仅是技术的磨练，更是对整体默契与临场应变的重大考验。各地音乐厅在空间结构与残响条件上的差异，往往深刻影响音乐的层次与呈现。指挥殷巴尔会依据场馆的音响特性，细致调整演奏细节，并透过彩排掌握厅内的声音回馈。团员们也必须保持高度敏锐，在短时间内灵活调整速度与力度，以维持声部间的平衡，让每一场演出都臻于完美。 以下将介绍此次巡演所造访的音乐厅，并依演出顺序收录TSO音乐家分享对音乐厅的的个人感受。期望随著这些文字与照片，带您一同展开一场纸上的音乐旅程。
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焦点专题 Focus双巨匠领航，台北市立交响乐团暌违6年亚洲巡演
台北市立交响乐团（TSO）于10月中旬圆满结束了前往日本福冈、熊本、防府，以及韩国富川、统营共5大城市的亚洲巡演。这是 TSO 继 2019 年美国巡演之后，暌违6年再次踏上国际舞台的重要里程碑。本次巡演所有场次皆为邀演，由现任桂冠指挥伊利亚胡．殷巴尔（Eliahu Inbal）领军，并于韩国场次携手韩国国宝级钢琴家白建宇（Kun Woo Paik）同台。值得注意的是，这是乐团第一次到韩国，也是首度在富川音乐厅的演出。 马勒权威展现TSO国际级实力 本次巡演的核心曲目为马勒（Gustav Mahler）第5号交响曲，韩国场则特别加入萧邦（Frdric Chopin）F小调第2号钢琴协奏曲。殷巴尔认为，当一个乐团的实力达到相当水准后，就会希望拓展视野，向更广大的听众展现他们的成果。他观察到 TSO 近年来持续成长，并自觉身负重任。殷巴尔表示：「TSO近年持续成长，透过这次巡演，他希望让不同国家的乐迷认识『真正的 TSO』，也将最用心、最真诚的演出带给每一位观众。」 殷巴尔从2019年起以首席指挥与TSO合作，至2023年开始担任桂冠指挥。经过马勒、布鲁克纳、萧斯塔可维奇等系列作品及多张的录音作品至今，他自信地认为 TSO 已经具备国际级的水准（international level），因此他感到有责任（responsibility）跟随乐团巡演，展现他们的实力并分享音乐。
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焦点专题 Focus 让台北的乐音走向世界北市交团长郭佩瑜的经营哲学
台北市立交响乐团（下简称北市交）近日完成了一次意义深远的日韩巡演，不仅演出成果亮眼，更象征著乐团正式朝「走入国际市场」的目标迈出稳健的一步，也具体展现了团长郭佩瑜所倡导的「务实经营哲学与稳健发展策略」。 稳健布局：从地方出发，开启亚洲的敲门砖 郭佩瑜将这次巡演视为乐团在国际舞台上踩著稳定脚步前行的重要行动。巡演的城市选在福冈、熊本、北九州与韩国富川，并非一线大都会，而这样的选择其实是深思熟虑的结果。由于指挥大师殷巴尔（Eliahu Inbal）的合约限制，在6个月内需避开他近期曾演出的城市，因此郭佩瑜笑著比喻他们采取的是「从地方包围中央」的策略。 她认为，从地方城市建立口碑与关系，不仅务实，也能为未来更大的挑战铺路。「这是我们开启亚洲的一块敲门砖，期望能与更多亚洲音乐厅建立长期合作。」 务实经营：让行政成为音乐的后盾 郭佩瑜出身公务体系，熟悉行政与财务运作，上任以来，她以「务实」为核心，为乐团打下稳固的行政基础。她重视跨部门的「横向联系」，让节目、行销等单位能同步运作，使音乐家能专注在最擅长的音乐专业上。 这样的经营理念不只让组织运作更顺畅，也在财务上开花结果。她举例，北市交的自有财源收入在她任内3年间已翻倍成长，展现了稳健经营的实力与远见。 国际舞台的回响：成绩亮眼的亚洲巡演 这次巡演的成果同样令人振奋。5场演出全数受邀举行对乐团的国际地位意义重大。票房表现几乎场场爆满，日本3场几近售罄，韩国的门票更在开演前就销售一空。结合殷巴尔的国际影响力与北市交的整体实力，乐团成功在亚洲市场留下深刻印象，也为未来更广阔的巡演版图铺下基石。 巡演的过程，更成为团员彼此激励与成长的契机。她笑著透露：「在日本首场演出结束后，回到饭店仍能听见同事练习的声音。」这份自发的投入与热情，是乐团近年最动人的改变。郭佩瑜说：「让团员走出台湾，是一种刺激，也是一种推力，让他们在短时间内迅速训练耳朵、培养默契。」 展望未来：打造台北的声音，迈向下一个舞台 身为公立乐团的掌舵者，郭佩瑜始
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焦点专题 Focus北市交新世代崛起，在国际舞台绽放光芒
演出结束，收拾了乐器、换掉了礼服，坐上回饭店的游览车里，音乐厅外还下著雨，但台北市立交响乐团（下简称北市交）首席姜智译因为在台上激动亢奋而胀红的脸，仍旧是红的！问他还好吗？他笑了：「我每一场都是这样。在国际舞台上演出，承载著骄傲啊，还要有必须要展现出的那些荣誉感！」一句话道出了北市交团员们的专注与热情，也揭示了这次日本与韩国巡演背后的高压与荣耀。 挑战中的荣誉感：在极限中保持专注 巡演的节奏紧凑，对团员的体力与专注力都是一场考验。姜智译回忆，在日本的行程中，乐团甚至要在 46 小时内完成3场演出。尽管如此，每位团员仍保持高度纪律与专业精神，展现对音乐的执著与责任感。站上国际，不只是表演，更是一种荣誉的承载。「那是一种必须被展现的光荣。」姜智译说。 马勒第5号交响曲层次丰富的作品更像是一种养分，促使乐团在结构解析与情感表达上同步成长。姜智译说：「每一场我都很兴奋，最真的是在情感和音乐的章理中，努力呈现指挥想要的画面。」
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焦点专题 Focus 台湾之声，跨海绽放台北爱乐首席四重奏的东瀛文化之旅
2025年9月初秋，来自台湾的古典音乐之声，以室内乐的优雅形式跨越海洋，在日本「大阪・关西世界博览会」与东京两地连续带来了多场精采展演，成功在国际舞台上留下鲜明的台湾印记。这股力量，便是由台北爱乐管弦乐团首席弦乐四重奏团所组成，由国立台北艺术大学音乐学院前院长苏显达领军，携手第二小提琴林天吉、中提琴朱育佑、大提琴孙韵淳，以及打击乐首席陈思廷，肩负起文化交流的重任。这次演出不仅展现了台湾古典音乐的精湛技艺，更透过东西方元素的巧妙融合，诉说著在地的情怀与故事。
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焦点专题 Focus 第4届东亚乐派论坛追寻根源、重塑记忆与文化主体性的三重奏
由台北爱乐管弦乐团主办、聚焦东亚文化传承与现代发展的「东亚乐派论坛」，于2025年9月9日在东京台北驻日经济文化代表处盛大举行，邀请了日本、台湾3位重量级文化领袖，以跨越千年历史与多学科的视野，剖析东亚三地如何在儒家文化基底与全球化浪潮下，形塑其独特的艺术与文化面貌。 3位讲者分别是日本萨摩琵琶演奏大师塩高和之、台语雅歌作词作曲家陈维斌，以及台北爱乐管弦乐团创办人赖文福。他们从古老的乐器、濒危的语言，到现代的古典乐发展，展开了一场关于文化记忆与自我表述的深刻对谈。 第一讲：琵琶的千年传承从皇室雅乐到国民叙事诗 塩高和之一开场便透露了传统艺术家所面临的实际挑战。他指著体积庞大的琵琶幽默地说：「为了要运这把琵琶，都要花两倍的价钱。」 这种不易搬运的「现代日本琵琶」，承载了日本音乐上千年的声音史诗。 他首先追溯了日本音乐的源头中国文化的输入。早从飞鸟、奈良时代（西元6到8世纪）起，包括新罗、百济、高丽、林邑等地的乐舞便已传入日本。尤以雅乐的传入为关键。西元701年雅乐寮（歌舞司）的设立，被誉为当时的「国际音乐大学」，女性学员比例相当高。他强调，雅乐琵琶能够千年形制不变，持续流传至今，在世界范围内极为罕见。这稳定性的关键，在于天皇制度：「天皇周边的高阶层人士会去学习雅乐、研究雅乐、欣赏雅乐。」 然而，琵琶的历史在镰仓时代（12世纪）迎来了革命性的转捩点。随著《平家物语》的诞生，日本音乐出现了第一个完全本土化的作品。《平家物语》的传播形式，不再是纯粹的书写，而是透过弹唱，让琵琶艺术从原本的皇家专属，变为「一般国民可以听到的艺术」。琵琶因此小型化，更易于携带。塩高和之总结，镰仓时代是包括茶道、花道在内，「现代的日本文化的起点」。 虽然江户时代琵琶一度因琉球传入的三味线普及而衰落，但在江户末期，萨摩地区（鹿儿岛）诞生了新的萨摩琵琶弹唱形式，强调边弹边唱，将想要讲述的故事表现出来。 进入现代，琵琶在战后与军国主义的联想一度使其衰退，但在1960年代末，鹤田锦史等大师开始将琵琶从歌唱伴奏转变为纯乐器演奏，并与武满彻合作，走向国际。塩高和之为第一讲做出深刻的结语：「仅模仿师父的技艺
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焦点专题 Focus 演出之外Tech World 科技下的台湾故事
在2025年大阪．关西世界博览会中，台湾馆以「Tech World」为名，以科技为主轴，向世界展现台湾在科技、文化与生命议题上的思考与能量。这座邻近西侧入口的展馆，是整个世博场域中不可忽视的一座独立馆。 Tech World 馆的外观灵感来自台湾山脉的轮廓，采用金属绿建材折板技术，塑造出山峦起伏的动态效果。白天在光照下闪耀光芒，夜晚则透过室内光线流泻出山影轮廓。建筑采永续理念，是一座在环境与科技对话中落实绿建筑理念的典范。馆内共有3大剧场与多种展演空间，每7分钟开放 40 人进入体验。全馆分为历史、自然、未来3条主题线，不仅呈现台湾的生态、人文、技术，也结合智慧手环互动系统，即时记录参观者的心跳、情绪、体验数据生成专属的心动曲线。 Tech World 馆长邱挥立受访时提到，馆内动线从头走到底大约需要 35 分钟，这是特别设计要让观众能完整沉浸于展览的流程与节奏。
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焦点专题 Focus 在乐声中前行台北爱乐管弦乐团日本巡演的文化观察
走过40年，台北爱乐管弦乐团2025年再次踏上日本舞台，完成大阪与东京巡演。这不只是音乐交流，更是一场民间乐团在资源有限下求新求变的实践。创办人赖文福直言：「真的很不容易，尤其在经费方面。」在台湾，音乐人口增加、乐团数量激增，使得资源被稀释，民间乐团能否在此生态下长期维持艺术水准，是一个值得思考的问题。 台北爱乐管弦乐团与公立乐团不同，没有政策的保障，也无财团支持。自由自主，代表著弹性，却也注定艰辛。赖文福说：「最大的困难不在音乐，而在永续，那是我们的挑战。」这句话道出民间乐团生存的核心矛盾艺术自主性是理想，却也是压力。 弦乐四重奏：规模缩小的策略思考 日本巡演采取弦乐四重奏形式，表面看似缩水，实则构思精妙。赖文福说：「大型管弦乐团是一种形式，但我们也需要用更灵活的方式去表达。」这种小规模编制不仅降低经费压力，也让乐团在城市与场馆间更自由移动，以「累积」取代大团声量的效应。 大阪演出结束后立刻转战东京，赖文福强调：「这样大家才会知道，有一个台湾乐团持续在日本发展。」民间乐团在国际舞台上的存在感，需要时间、策略与不断重复的演出。观众组成除了台侨，也包括日本听众，乐团甚至与日本作曲家合作编曲，并且在当地透过论坛叠加自身的影响力。这种计划显示，艺术行销与文化对话已经成为民间乐团生存的重要手段。 「东亚乐派论坛」文化定位的挑战 艺术不只是演出，更传递思想。台北爱乐管弦乐团启动亚洲之窗计划之后，持续在韩国、台湾与东京等地进行作曲论坛与学术交流，又从2021年逐步发展出「东亚乐派论坛」的架构。赖文福指出：「我们以『东亚乐派』为学术框架，去发展理论与实践。」这背后隐含两个冲击：一是「台湾能否在东亚文化对话中占据凝聚角色？」二是「民间乐团又能否以有限资源持续推动学术与创作？」即便资源有限，爱乐依然在创作上积累成果，不仅展现台湾音乐实力，也试图打破「旁观者」的身分，向东亚文化提出主动性的发声。 布袋戏交响诗：本土化的文化实验 台北爱乐管弦的布袋戏系列，是最具象征性的文化实验。赖文福回忆：「我发展布袋戏交响诗是从台湾元素开始的
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音乐 暌违10年重登台北国家音乐厅高雄市交响乐团「无界摇摆」 挥洒爵士与交响的对话
暌违10年，高雄市交响乐团（KSO）将到台北国家音乐厅，以一场划时代的跨界之作宣告全新篇章。由指挥吴曜宇领军，携手爵士大乐团TPO Big Band演出的「无界摇摆 The Unbounded Swing」音乐会，从古典到爵士、从欧洲到美国，跨越地域、风格与世代的界线，不仅是一次声响的融合，更是一场文化的对话开启。 音乐会上半场将以两首法国作曲家的作品揭开序幕。首先登场的是杜卡（Paul Dukas）的《仙女》（La Pri），以波斯神话为灵感的舞蹈诗，这次演出也是此曲台湾首演。 「大家都知道杜卡的《魔法师的学徒》，但其实《仙女》才是他的真正巅峰之作，连作曲家自己都这样认为。」吴曜宇指出，这首作品以华丽的铜管与细腻的配器描绘出梦幻神秘的氛围。 接续登场的则是拉威尔的《圆舞曲》（La Valse），原本是受俄罗斯最具影响力的艺术推动者与芭蕾制作人迪亚基列夫（Sergei Diaghilev）委托创作的作品，后来因理念不合而未被搬上舞台。吴曜宇说：「这两首我将它们看成是乐团炫技的曲目，不论是单纯的技术，还有音色、节奏与速度的转换都是相当有可看性。」 下半场则带来美国当代爵士大师温顿．马沙利斯（Wynton Marsalis）的《摇摆交响曲》（Swing Symphony），这将是该曲在亚洲的首度演出。
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音乐2025台湾国际古乐节 双大键琴的对话
自2023年起，大键琴家许舒尧发起古乐节，从个人大键琴独奏发展至去年库普兰诞辰400年主题的多面向策展。今年古乐节迈入第3届，以「A Colpi di Tasto」为题，深入探讨义大利音乐教育与键盘即兴传统。主打节目「双琴争鸣」由义大利与台湾键盘家携手演出，并辅以座谈、讲座与教学示范，拓展古乐的教育性与当代表达力。 应邀共同演出的阿尔贝托．布塞蒂尼（Alberto Busettini）是欧洲知名的大键琴家与指挥，长期致力于巴洛克音乐的诠释与教育，并曾与义大利多个古乐团合作录制专辑。许舒尧说：「他对即兴的理解非常深，我们的合作像是在对话，不只是合奏。」 解读巴洛克密码：Partimento即兴演奏法 本场演出的核心是以双大键琴呈现「帕蒂门托」（Partimento）。Partimento 源自义大利，是一种18世纪义大利特有的作曲与教学法，曾对巴赫（Bach）、韩德尔（Handel）及巴黎音乐院的教学及即兴演奏方式产生深远影响。许舒尧指出，Partimento 等于是作曲家仅提供结构设计（蓝图），让演奏者在键盘上即兴完成。虽然主题与曲式已载于手稿中，但最终的呈现全凭演奏者的想像力与解读。 由于当时音乐家鲜少将这套即兴法书面化，直到近10年，这些手稿的实际演奏方式仍是一大谜团。Partimento 训练演奏者直观的逻辑思维，曾盛行于18世纪的拿坡里，当地4所著名的孤儿院就是以此法培养街童，训练他们成为专业音乐家与作曲家。 聚焦曲目：从双帕蒂门托到热情协奏曲 而古乐节不只是聆听古老乐器的机会，更是一次关于创作与诠释边界的探问。正如许所言：「音乐有时候不需要太多，只要两台大键琴，一段旋律，就能说完整个故事。」 音乐会上半场主要聚焦于义大利巴洛克作曲家伯纳多．帕斯奎尼（Bernardo Pasquini）的《双帕蒂门托奏鸣曲》，这是目前已知最早的双大键琴曲目。许舒尧解释，这套曲目的手稿只为两部键盘乐器提供了两条单一线条（通常是低音旋律）。旋律上会有数字，演奏者
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四界看表演 Stage Viewer穿越现实与幻想的地狱旅程（上）
人类对未知的恐惧与想像，始终蕴藏著无限的可能。近年来，全世界共同面对流行病毒的肆虐与国际局势的动荡，人们对生存环境的不安更加深切，也因此激发出更广阔的想像力。作为对社会动向最敏锐的一群，艺术家如何透过创作回应这个世界的脉动，并与观众分享心中的感受，已成为重要的课题，他们经过时光淬练、打磨而出的作品，正是人类表演艺术最真实且珍贵的宝藏。2025年8月初，日本东京新国立剧场（New National Theatre，Tokyo）全新制作、世界首演的歌剧 《娜塔莎》（ナターシャ）就是这样一部杰作。
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四界看表演 Stage Viewer穿越现实与幻想的地狱旅程（下）
《娜塔莎》歌剧在形式上最令人瞩目的做法就是多语言的使用。主角娜塔莎来自乌克兰，但生活在德国，因此她说著以上两种语言，而阿拉托则以日语对应。多语言的做法是来自于剧本作者多和田叶子、指挥大野和士及导演克里斯蒂安．雷特（Christian Rth）等人的构思，不仅是形式上的实验，而是关乎于歌剧主题核心与哲学观点。
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焦点专题 Focus 澳洲名导莫辛斯基致敬电影大师费里尼威尔第《弄臣》 从经典到当代的对话
在歌剧史上，威尔第（Giuseppe Verdi）的《弄臣》（Rigoletto）一直被视为划时代的作品。它旋律优美，戏剧张力强烈，更因尖锐揭露人性与权力的黑暗面而广受关注。今年台中国家歌剧院将以《弄臣》揭开「遇见巨人系列」的序幕，带来已故澳洲名导伊莱亚．莫辛斯基（Elijah Moshinsky）的经典版本。这部作品自1991年于澳洲歌剧院首演后巡演逾30年，至今仍是国际舞台的常青树。而这一次，它将以崭新的角度，向义大利电影大师费里尼（Federico Fellini）致敬，并与现代观众展开深刻对话。 作为威尔第「中期三部曲」的第一部，它以强烈的戏剧冲突与细腻的音乐语言，探讨了爱与背叛、权力与人性的矛盾。台中国家歌剧院艺术总监邱瑗补充：「这次的版本，不只是19世纪末20世纪初的作品，他谈论的主题还是16、17世纪的题材，这么遥远得时空如何让现代人感受其中要讨论的价值观是什么？」她相信，透过莫辛斯基的重新诠释，《弄臣》不仅能唤起观众对经典的共鸣，更能引发对当代社会价值的思索。
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音乐 维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团相伴杜达美领军洛杉矶爱乐 10月献演斯特拉温斯基与马勒经典
在乐迷翘首期盼下，指挥巨星古斯塔沃．杜达美（Gustavo Dudamel）在今年秋天将率领暌违31年的洛杉矶爱乐（Los Angeles Philharmonic），携手欧美两大殿堂级合唱团维也纳金色大厅合唱团、洛杉矶大师合唱团来台，重返国家音乐厅。规模超过250人的庞大阵容，将以两套曲目展开旅程，一晚属于斯特拉温斯基的火焰与节奏，一晚则是马勒的生命与永恒。这样的组合，世界仅此一场，而且是「台湾限定」。 斯特拉温斯基与洛杉矶爱乐的不解之缘 1935年，斯特拉温斯基首次与洛杉矶爱乐合作，演出后送给各声部首席一个吻与一朵红玫瑰。这份浪漫而深刻的举动，开启了他与乐团超过30年的情谊，后来更让他选择定居洛杉矶。 《春之祭》在洛杉矶爱乐的历史上占有特殊地位，乐团105年历史中演出已逾150次，既是乐团的传统，更是每任音乐总监的试金石。2003年，这首作品更成为华特．迪士尼音乐厅启用后的首张录音，象征著乐团与作曲家的深厚渊源。 《洛杉矶时报》评论杜达美对《春之祭》的诠释：「既能释放潜藏于我们体内不可抑制的毁灭能量，又能以精湛的音乐掌控力驾驭这股近乎超人的张力。」此次来台，他将以《春之祭》搭配色彩缤纷的《火鸟》组曲，带来火焰般的节奏与诗意。 曾于洛杉矶求学的钢琴家严俊杰直言：「第一场《火鸟》、《春之祭》很节奏型，乐曲等于洛杉矶爱乐的代表，为他们自己的庆典都是演这些曲子。此外第一场的第一首约翰・亚当斯（John Adams）的作品《狂热》短篇交响曲（Frenzy: a short symphony）也是非常重要，因为那是他为了洛杉矶爱乐去年才写的。」
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音乐 迎向团队40周年庆击乐剧场《泥巴》大幅改版上演 朱团为自己说声生日快乐！
为迎接明年朱宗庆打击乐团40周年的到来，乐团将于9月起推出击乐剧场《泥巴》全新版本。本作原为2019年、2021年推出的第2号击乐剧场，描述「瓷林」创办人林光清从苗栗芦竹湳乡间走向国际品牌的故事，在乐团40周年前夕的2025年，朱团再度重演《泥巴》，并以乐团4个世代的人脉，重新打造一个「彻底归零、再出发」的版本。 艺术总监朱宗庆表示：「2022年底的仓库火灾，把前一版所有布景、道具和部分乐器都烧光了，让我们这次一定得重新制作。再次检视的同时，发现《泥巴》其实不只是林光清先生的故事，也很像是乐团即将迈入40周年『再燃斗志』的心境。」
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音乐 睽违7年的再临佩特连科首度领军访台 柏林爱乐带来3晚音乐盛宴
睽违7年，柏林爱乐管弦乐团将重返台北，由首席指挥基利尔．佩特连科（Kirill Petrenko）首度率团来台，在国家音乐厅带来3场演出。这不仅是柏林爱乐第6度访台，更是佩特连科上任以来首次领军登上台湾舞台。 柏林爱乐与台湾的20年情谊 自2005年首度来台，柏林爱乐便与台湾乐迷建立深厚连结。当年两厅院广场聚集逾3万人观赏户外转播，轰动的场景促成了「数位音乐厅」的诞生。牛耳艺术行销总监张懿之回忆：「2005年两天晚上举办户外转播，第一次迎接柏林爱乐到来，当音乐会结束我走出音乐厅，看到广场满坑满谷的人，他们发自内心的激动与呐喊的情景是我一辈子忘不了。也因为当下强烈感染力，让拉图爵士还有乐团觉得感动而催生了『数位音乐厅』。」 台湾蹦艺术协会理事长林仁斌则形容：「照武侠小说的说法，江湖上如果柏林爱乐谦称自己是第二的话，那没有什么乐团可以摆第一位。在我的心中，他是全世界唯一首席天团。」
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音乐 纪念马水龙逝世10周年「孕育于山海之间」 重现台湾音乐巨擘的经典与深情
在马水龙（1939-2015）逝世10周年之际，国立传统艺术中心台湾音乐馆与国家交响乐团（NSO）携手呈献「孕育于山海之间」音乐会，邀观众一同走进这位台湾音乐巨擘的心灵世界，感受他笔下山海交织的情感与音符。 音乐会将于 9 月 11 日晚间在国家音乐厅呈现，演出阵容坚强，由指挥张佳韵领军NSO，钢琴家辛幸纯与梆笛演奏家赖苡钧担任独奏，并由台北爱乐合唱团与朗诵者雅柏苏咏．博伊哲努、邱文隆共同演出，主持人为颜绿芬。 马水龙是台湾音乐史上相当具代表性的作曲家与教育家，其作品融合西方现代技法与台湾本土情感，展现出独特的音乐语言，也是第一位在美国纽约林肯艺术中心以整场形式发表个人作品的台湾作曲家。他曾连任亚洲作曲家联盟总会5位执行委员之一，担任过亚洲作曲家联盟中华民国总会暨中华民国作曲家协会理事长，以及亚洲作曲家联盟副主席等。作为国立台北艺术大学音乐系的创系主任与前校长，他在课程架构与教育理念的规划上，深深影响了一代又一代的音乐人。此外，他创办了「春秋乐集」，鼓励同侪与年轻人创作，并积极参与文化政策与国际交流，为台湾音乐界带来深远的影响。因其非凡贡献，亦获中华民国总统府颁授二等景星勋章。 纪念音乐会中，将演出4首具有代表性的马水龙作品，涵盖其创作的中期与晚期，展现他音乐语言的多样性与深度。首先为《梆笛协奏曲》，此曲应中国广播公司委托创作，首演于1981年；全曲采用连乐章形式，融合梆笛的清丽音色与管弦乐团的丰富音响，展现出台湾音乐的独特风貌。管弦乐曲《孔雀东南飞》以中国古代诗词为基础，融合西方管弦乐技法，呈现出浓厚的台湾情感。《关渡狂想曲》钢琴与管弦乐以关渡地区的自然景观为灵感，钢琴与管弦乐的对话展现出马水龙对故乡的深情。《无形的神殿》男声合唱与管弦乐结合李魁贤的诗作，表达对台湾土地与文化的敬意，音乐语言深刻而感人。 这些作品不仅是马水龙音乐创作的精髓，也是台湾音乐史上的重要篇章。在同一场音乐会中，观众将有机会一同聆听这些经典之作，感受马水龙对音乐、对故乡、对土地的深厚情感。