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李秋玫
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PAR你不知道？！相信魔法，就会出现奇迹！
陪伴全球无数人长大的经典作品《魔女宅急便》全球首演第一站就要飞向台湾了！ 今年（2026）夏季，由日本原装70人团队带来的「2026交响乐全新制作版」音乐剧，将在国家戏剧院与台中国家歌剧院展开全球首演。日前，曾荣获「国际安徒生大奖」、高龄91岁的日本国宝级原著作家角野荣子，亲自率领主创团队与演员现身东京富士电视台的国际记者会，正式宣布这项重磅消息。但这出经典改编的舞台作品背后，究竟藏著哪些你没注意到的巧思与趣事？这次就让「PAR你不知道」带你一探究竟，揭开琪琪这趟飞行背后的8个幕后魔法！ 1. 这不是单纯扩编，而是为台湾「量身重编」的听觉魔法！ 你以为交响乐版只是多加几把小提琴和铜管吗？大错特错！音乐总监小岛良太透露，这次绝对不只是增加乐器编制，而是特别针对国家戏剧院与台中国家歌剧院的剧场空间，进行全剧管弦乐的重新编曲。更难得的是，这次的音乐是由东京与台北顶尖音乐家与录音团队「共同录制」，就是为了让台湾观众在剧院里，能体验到层次分明、震撼力十足，真正「听得见的魔法」！ 2. 一句话等了15年！角野荣子与年轻创作者的浪漫约定 这出音乐剧的诞生，其实源自于一个跨越10多年的承诺。大约15年前，当导演岸本功喜和音乐总监小岛良太还是两位不到30岁的热血青年时，就大胆向角野荣子提出了改编音乐剧的构想。当时感受到他们热情的角野答应了，但也告诫他们：「不能只是因为憧憬而创作，而是要真正认真地、持之以恒地完成作品。」 如今他们真的带著升级版的作品走向世界舞台，让角野在记者会
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音乐 鲸鱼之声、赛夏古调、传统皮影戏《Sisila ila ila 别离之歌》 留住消逝的呼唤
在深海里悠游的巨大鲸鱼，与台湾山林中传唱多年的赛夏族古调，有著什么样的交集？时光倒转至1966年，在德国前东亚研究院院长欧乐思的鼓励下，民族音乐学家史惟亮与李哲洋在台湾展开了抢救原住民与地方声音的「民歌采集运动」。这批珍贵的史料原先一直保存在德国，直到2012年，年事已高的欧乐思院长认为这些资料应该属于台湾人民，于是亲自将其带回，无私捐赠给台湾师范大学的数位典藏中心。而在大洋彼岸的美国，恰巧在同一年也推动了动物保护法案，掀起日后全球的护鲸浪潮。这两道看似平行的历史轨迹，最终在旅美作曲家陈士惠的心中温柔交会，化作了一场名为《Sisila ila ila 别离之歌》的跨域音乐剧场。
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艺号人物 People 旅美指挥家陈美安 跨越重重高墙 挥洒生命乐章
那天，夜都深了，校园的演奏厅和琴房就要关门。一群学生只能移师中庭围成一圈，拿著指挥棒，随著音乐聚精会神边唱边比划著。那不是什么魔法学园，空气中却洋溢著不可思议的力量。带著他们练习的，正是以优异的才华与刚毅的意志，跨越无数古典乐坛高墙的旅美指挥家陈美安。 她创下的纪录无疑是辉煌的，自2011年起接掌美国芝加哥小交响乐团（Chicago Sinfonietta）音乐总监，并带领该团成为全球首个获颁「麦克阿瑟奖」的交响乐团；2021年，她出任奥地利施蒂利亚格拉兹管弦乐团（recreation Grosses Orchester Graz）首席指挥，写下奥地利交响乐团史上首位亚裔女性首席指挥的历史新页；迈入2026年，她更将正式接下纽约顶尖的曼哈顿音乐学院（Manhattan School of Music）管弦乐活动总监暨指挥系主任的重责大任。 面对这些常人难以企及的卓越成就，陈美安的眼神依然透著对音乐的悸动与谦卑，感性地说：「音乐把我带到意想不到的国家、见过从来没想过的人物。我的音乐生涯其实就是我的人生。」这位在全球客席指挥超过160个乐团的指挥，其背后所经历的汗水、泪水与挫折，正如同一部跌宕起伏的交响史诗，激昂、深邃且动人。
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话题追踪 Follow-ups推开历史的大门 探看打击乐蜕变的未来
午后的阳光洒落在斑驳的建筑上，微风吹拂著庭院里的绿叶。跟随著朱宗庆与朱宗庆打击乐团（下简称朱团）行政团队的脚步，我们踏入了这座曾经见证台湾无数影视辉煌、如今静静伫立在北投的制片厂。经历了长达两年多的低调筹备与无数次的讨论，朱团终于取得ROT案的最优申请人资格，准备在这里打造一座充满温度与深度的「打击乐文化园区」。 走在空旷的园区内，朱团创办人暨艺术总监朱宗庆的步伐显得轻快而踏实。回首这40年的岁月，乐团从最初在自家客厅敲敲打打起，历经了6次的搬迁，甚至在2022年底遭遇了八里仓库被大火吞噬的无情打击。然而，正如他常挂在嘴边的那句话：「上帝关上一扇门，同时会帮你开一扇窗。」 漫步在落脚已逾四分之一世纪的北投，能够在这里生根建造属于自己的家，对团队而言意义非凡。回想起这段期间承受的各种不确定性与庞大资金压力，朱宗庆坦言内心深处充满矛盾与煎熬，即使口中说著「随缘」，但他总是以正向的心态勇往直前。如今，这片曾被淡忘的地方，终将成为承载乐团未来愿景的应许之地。 无柱挑高摄影棚震撼曝光，市府前期修缮成关键推手 走出捷运复兴岗站，漫步一小段路，便能感受到周遭独特的氛围。北投制片厂的地理位置紧邻著国防大学政治作战学院，这里过去主要作为拍摄军事与军教电影的重镇，拥有极为浓厚的军事历史样貌，不过自1995年拍摄完最后一部电影后，便进入长期闲置的状态。 随著厚重的门扉被推开，大伙儿走进了被列为历史建筑的「摄影棚A」，瞬间，眼前的景象震慑住所有人那是一个极度开阔、完全没有任何柱子阻挡的巨大空间，抬头仰望，不仅挑高的视觉效果令人惊艳，过去制片厂时期专供灯光师与工作人员行走作业的「猫道」，也被整理完善，在半空中拉出极具历史氛围的俐落线条。 虽然市府曾有意招商来经营北投制片厂这个园区，但卡在影视音产业面积必须占7成的严格规范，让许多团队望之却步。幸运的是，在台北市政府灵活调整产业比例后，更由市府先行出资，替摄影棚A与录音室完成了结构上的修复。朱宗庆指著稳固的屋顶与四周，语气中满是感恩：「包括上面都修了，我们还上去走过，真的让我们省下很多力气。」 面对这完善的空间与硬体基础，他难掩激动，直呼这简直就是上天的巧妙安排。
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焦点专题 Focus汇聚世界力量，共创击乐奇迹
光阴淬炼下，朱宗庆打击乐团在2026年迈入了深具意义的40周年。作为台湾击乐发展的领航者，乐团不仅在艺术造诣上持续蜕变，更在今年5月，再次为这片土地献上3年一度的跨国艺术盛宴第12届台湾国际打击乐节（Taiwan International Percussion Convention，TIPC）。这场汇聚全球顶尖音乐家的节庆，不仅是乐团最隆重的文化献礼，更是展现台湾在世界打击乐发展重镇地位的最佳写照。本届以「来自世界的力量」为主题，集结了台湾、日本、韩国、印度、美国、希腊、法国／伊朗、古巴、荷兰等10个国家的155位音乐家齐聚一堂。
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焦点专题 Focus3大系列、9档节目怎么挑？第12届台湾国际打击乐节全解析
第12届台湾国际打击乐节（TIPC）精心策划了9档兼具深度与广度的精采节目，总共邀请了11组国内外优秀团队，其中更有多达8组团队是首度来台演出。整体内容划分为「张力无限」、「跨文化视野」与「魅力迸发」3大类型，展现全球击乐风景的多样性与潮流魅力。
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焦点专题 Focus击乐狂想，绮丽酣梦的回首
当艺术总监朱宗庆毅然决然宣告要举办第一届台湾国际打击乐节（TIPC）时，那份宏愿，彻底翻转了台湾击乐的命运。要成就这场盛会，背后仰赖的是全体幕后人员不分昼夜的分工作业，当时办公室里无论部门职级全员出动，每个人都被分配了任务，连会计都得亲自下场支援。 在这场盛会中，最令人津津乐道的，除了严谨的幕后筹备，便是对国际艺术家无微不至的「台湾体验」。这份传统，源于当时击乐文教基金会中一群平均年龄才20多岁的热血年轻人所创下的经验。在当年团队中，担任宣传主任的刘家渝，不仅身兼媒体、宣传、票务与接待等多项任务，为了让国外团队留下无可取代的回忆，从艺术家落地台湾下机的那一刻起，她便安排专人全程拍照记录。无论是紧锣密鼓的排练、生活起居的点滴，还是充满台湾味的吃宵夜时光，全都被悉心捕捉入镜。不仅如此，当这些艺术家回国之前，团队还会送上这几天最即时的相片，并将媒体报导辑编成册寄给他们，将这份感动化作永恒的纪念。 这份超乎预期的用心，深深震撼了国际团队，在那个还需要用底片洗照片的年代，需要多少个通宵熬夜，才能赶制出热腾腾的相本，而这套充满人情味的接待方式，也成为往后历届TIPC不可撼动的最高作业标准。那份将心比心、热情款待的初衷始终如一。从客制化卡片到让人惊艳的在地水果，种种贴心细节都让国际团队感受到身为客人的尊荣。 如今，回眸那段跌跌撞撞却璀璨无比的来时路，刘家渝的记忆依然鲜明。那不仅是一场盛会的筹备，更是燃烧青春、突破自我局限的奇幻旅程。
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音乐尼尔森斯领军 莱比锡布商大厦管弦乐团呈献交响史诗
拥有280多年历史的莱比锡布商大厦管弦乐团（Gewandhausorchester Leipzig），孕育了欧洲古典音乐最深厚的传统，更是当今世上历史最悠久的民间管弦乐团。如今，在极具个人魅力的指挥大师安德里斯．尼尔森斯（Andris Nelsons）带领下，这支承袭了正统德奥声响的劲旅即将来到台湾，将纯粹的浪漫主义与充满戏剧张力的交响史诗，呈献给本地乐迷。 点石成金的指挥魔法：长达10数年的深厚情谊与绝对权威 自2017╱18乐季正式接掌这支名团以来，尼尔森斯凭借其坚定的艺术视野，成功淬炼出极具标志的「莱比锡音色」。尼尔森斯早年以小号演奏家起家，后受名指挥大师杨颂斯（Mariss Jansons）发掘与提携，逐步在国际乐坛大放异彩。 谈及尼尔森斯与乐团的渊源，指挥吴曜宇特别点出这段关系的难能可贵。他提到，尼尔森斯就任后，目前的合约已一路续签至2032年。能在这样历史悠久的乐团深耕长达10几、20年绝非易事。吴曜宇认为，长年的合作造就了不可思议的化学反应，背后的关键必定是大师极佳的人和与说服力。不仅如此，吴曜宇更精辟点出尼尔森斯令人折服的艺术特质：「他有一个特点是：他只要指挥过的东西，好像就变成那一个音乐的权威。」 钢铁意志的震撼重现：4座葛莱美奖背后的坚强实力 这趟巡演所带来的曲目，堪称乐团最引以为傲的黄金招牌。在俄系交响方面，将携手萧邦大赛金奖得主阿芙蒂耶娃（Yulianna Avdeeva）演绎拉赫玛尼诺夫绝美的《第2号钢琴协奏曲》；而重头戏则是萧斯塔可维奇的《第10号交响曲》，这部作品在作曲家历经长期政治高压后诞生，充满著挣脱束缚的爆发力。 吴曜宇对这套曲目给予极高评价，他强调尼尔森斯在俄系交响乐上的惊人成就绝非虚言，因为他在录制萧斯塔可维奇交响曲专辑后，扎扎实实地拿下4座葛莱美奖的肯定。这份无庸置疑的深厚功力，绝对能完美诠释出乐曲中从压抑嘶吼所带来的庞大震撼。
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话题追踪 Follow-ups 欧阳慧刚 X 水蓝走过长路，再听见彼此
音乐的伟大往往不在于舞台上那短暂的辉煌瞬间，而在于排练室里日复一日的打磨以及音乐家之间跨越岁月所累积的深厚信任。初春午后，国立台湾交响乐团（NTSO）于高雄举办了一场「水蓝来了！NTSO乐友见面分享会」，主要由两位引领乐团的灵魂人物团长欧阳慧刚，以及享誉国际的首席客席指挥水蓝对谈，分享了他们在音乐长路上携手同行的点滴。 孤独的总谱与喧嚣的行政，交响乐团背后的极限运动 指挥与团长的日常总是令人好奇，当被问及时，两位说出了相异又相仿的答案。水蓝坦言，大众所看见的总是舞台上灿烂的景象，但他直言：「其实指挥这个工作是很孤独的工作，大部分时间其实坐在房间里，可能是一张桌子，面前是一份谱，然后有不同颜色的铅笔、橡皮擦用来做记号。」每一次翻开乐谱，他总能从中挖掘出全新的细节。水蓝以充满哲理的口吻道：「这就是音乐最奥妙也是最有意义的东西，永远在发掘，永远在进步，不管年纪多大，随著你的生活的经历成长，音乐永远永远是无止境的。」他认为，这是一个非常充实的世界，从另一种角度来看一点也不孤独。 相对于水蓝在乐谱中寻找平静，团长欧阳慧刚幽默地表示，自己通常没什么时间孤独，因为总是不停地绞尽脑汁想办法解决各项协调工作。国台交不仅是一个艺术团体，更是国家的公务机关，必须在繁杂的行政法规与极致的艺术追求之间取得巧妙的平衡。由于具备音乐家背景，欧阳慧刚能敏锐听懂团员与指挥的需求，并尽可能在每一个细节上提供最坚实的后盾。他比喻自己的职责像是「桶箍」，把所有相关的人紧紧地箍在一起。 欧阳慧刚选择用最真诚且温暖的方式来凝聚人心，甚至亲自撰写寿星团员的「生日卡片」。他感性地说：「团长没有那么多的资源，所以最起码在一年中很重要的那天给一张卡片，谢谢团员这么多年对乐团的贡献跟付出。」水蓝也深表认同与敬意，他特别提到欧洲乐坛对乐团管理者的形容：「在欧洲把乐团的团长比喻为『极限运动』，就是一不小心没命！」水蓝解释，团长不仅要把乐团推向艺术高峰，又必须给予艺术家充分的尊重，这正是交响乐团运作中最艰难的艺术。
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艺号人物 People 唢呐演奏家郭雅志 吹开传统的界限，寻觅鲜活的灵魂
在传统国乐的光谱中，唢呐向来以其宏亮且具穿透力的音色著称，许多人常将其与民间的「红白喜事」产生联想，认为这是一项充满性格却难以驾驭的传统乐器。不过，在被乐界盛赞为「天下第一吹」的当代唢呐名家郭雅志手中，这把乐器不仅能展现出细腻多变的音韵，更成功打破了中西与传统现代的界线。他曾于1998年受邀为访中的美国前总统柯林顿演奏，亦与流行音乐团体进行跨界同台合作。这位持续挑战自我、颠覆大众对唢呐既定印象的艺术家，其背后蕴含著从基层戏班起步，历经千锤百炼最终站上国际舞台的精采历程。 文革中以法国号启蒙 在「无谱二股弦」习得即兴底蕴 郭雅志出生于中国文化大革命时期的山西，父母当时皆在当地的戏曲学校任教，母亲专职教导山西梆子，父亲则是精通舞台美术与多种乐器的全才。文革爆发后，戏曲等传统文化受到压抑，学校遭解散，双亲被下放到纺织厂工作。即便在工厂，父亲仍担任宣传队队长，时常组织管乐队演出。9岁时，父亲交给他一把法国号，并请托好友亲自指导，自此开启了他的管乐之路。在当时艰苦的条件下，教材全靠姊姊手抄苏联乐谱，但他凭借天分与苦练，小学时便能登台吹奏儿歌，广受长辈赞誉，无形中奠定了强大的自信。 文革结束、戏校恢复招生后，父母考量到拥有一技之长的重要性，让他凭著法国号的基础免试进入艺术学校音乐班。然而，入学后他转换了跑道，开始学习传统戏曲伴奏四大件之一的「京二胡」（二股弦）以及唢呐。回忆起京二胡的学习过程，郭雅志笑著形容那是一种高度灵活、无乐谱的演奏方式，「它就像个鱼一样的，在水里面飘来飘去的」。这段看著曲谱即兴「加花」的无谱训练，培养了他敏锐的直觉与即兴能力。此外，为了配合戏曲过场、开幕与尾声的需要，乐手们皆须兼修唢呐，因此他每天清晨6点便起床苦练，为日后的民间音乐底蕴打下稳固的根基。
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音乐双钢琴的极简幻境
当两双手在黑白琴键上默契交织，所创造出的不单是音乐，更是一座流动的声光迷宫。来自法国的卡蒂亚与梅瑞儿．拉贝克（Katia Marielle Labque）姊妹，自1960年代末便凭借著一股不羁的艺术灵魂，舍弃了古典钢琴独奏的传统道路，以双钢琴组合开创出属于自己的疆域。 半个世纪以来，她们的琴声响彻国际，不光是欧洲各大顶尖交响乐团如柏林爱乐与维也纳爱乐的常客，更因为不受限的音乐品味，让布列兹（Pierre Boulez）、梅湘（Olivier Messiaen）等现代音乐巨擘都乐于为她们提笔谱曲。 说起双钢琴的艺术，还有什么比亲姊妹的默契还要高呢？拉贝克姊妹的音乐启蒙源自于同为钢琴家的母亲，而她们的母亲更是承袭自法国钢琴巨匠玛格丽特．隆（Marguerite Long）的琴艺。这对姊妹在巴黎音乐院以优异成绩毕业后，便决定携手以双钢琴打江山。两人在琴键上的表现，被《泰晤士报》盛赞为拥有「精准的灵敏度、精湛的琴艺、心有灵犀的协调」。也正是这份难以言喻的契合，让她们与美国极简主义大师菲利普．葛拉斯（Philip Glass）结下不解之缘，进而孕育出此次演出的重头戏双钢琴版《考克多三部曲》。
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艺妙人物事琥珀色佳酿与百年乐音的微醺共舞
在繁华喧嚣的台北大稻埕，沿著迪化街深处的历史建筑寻觅，推开一扇低调的门扉，迎接你的不是震耳欲聋的流行节拍，而是流淌于空气中、优雅的弦乐与醇厚酒香。2025年11月底，全台第一家深度结合古典乐与威士忌的音乐酒吧「奏ZOU Listening Bar」在此开幕。店主周郁然，将珍爱的音乐与专业高阶音响安排于店内。这里不仅提供专业的聆听环境与丰富的选酒，更著重不设限的自在氛围，让顾客能在乐曲中细品威士忌，接受音乐与品酒的薰陶，成为城市里让疲惫灵魂得以栖息的专属庇护所。 感恩的晨间仪式，与数字「132」的宿命羁绊 这方微醺之所，每日皆上演著一场神圣而浪漫的「开店仪式」。源起于周郁然对贝多芬弦乐四重奏Op.132第3乐章的深深喜爱。这首乐曲是乐圣经历大病后，为感谢上帝治愈其疾病，特意采用古老教会调式「利底亚」（Lydian mode）谱写的感恩之歌。对店主而言，这首曲子曾在生命中诸多关键时刻给予陪伴，如今蜕变为每日带著满怀谢意启动营业的专属洗礼。 不可思议的是，「132」这组密码与此地有著冥冥中的巧合。初次寻觅至迪化街时，他发现店址竟恰好座落于「一段322号」。周郁然笑言，当下也为这暗号般的巧合心震了一番；回首来时路，仿佛这家店注定要在此落地生根。于是，在迎来首位顾客前，他总会独自播放这首乐曲，让乐声成为开门的仪式，也让感恩与祝福在空间中缓缓展开。
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艺号人物 People 当代法朵女伶玛丽莎 将非洲狂野揉入葡萄牙怨曲 与当代对话的无限生命力
回溯历史的长河，在里斯本那斑驳的石板路与幽暗的巷弄里，曾诞生一种专属于孤寂与无尽思慕的旋律。这便是「法朵」（Fado），一种承载著分离之苦、造化之痛的古老乐音，它曾是底层人民与离乡背井者唯一的慰藉。然而，随著时代的变迁，这份属于葡萄牙的独特忧郁，迎来了一位拥有截然不同生命历程的继承者。她不仅接下了传奇前辈的火炬，更将异国大陆的狂野灵魂揉合进这门古典艺术中，让原本幽暗的悲歌绽放出耀眼的现代光芒。她，就是当今乐坛无可取代的法朵女王玛丽莎（Mariza）。 法朵葡萄牙的「怨曲」 「法朵」（Fado）一词，源自于拉丁文的「fatum」，其字面上的意义即是「命运」或「宿命」。有时也被冠以葡萄牙「怨曲」的称号，这个充满哀愁的译名，其实深深牵系著它诞生的历史背景与社会底层的悲凉刻痕。 19世纪初期，法朵萌芽于葡萄牙首都里斯本的港口区域，例如阿尔法玛（Alfama）与莫拉里亚（Mouraria）等古老街区。当时的港口聚集了大量的水手、城市移民与下层劳工。他们的生活充满了未知与艰辛，歌曲的内容大多刻划著水手面对大海的无常、底层劳动者的艰苦岁月，还有那些在岸边苦盼伴侣归来的妇女们心中难以排解的忧伤。 正因为这些歌曲承载了离别、乡愁与生活的重担，其曲调通常极为悲凄且充满对命运不可抗拒的宿命感，因而被世人视为感叹世事无常的「怨曲」。光阴荏苒，这股交织著浪漫与哀愁的歌曲，在历史长河中吸收了非洲大地的律动、巴西民谣（modinhas）的韵味、摩尔人留下的阿拉伯音乐色彩，以及欧陆上流社会的沙龙艺术，慢慢交织出我们现在听见、层次丰满的法朵面貌。这份背负著葡萄牙民族记忆与漂泊历史的音乐，不仅是国家的灵魂之声，更于2011年被联合国教科文组织正式列入「人类非物质文化遗产」的瑰宝。
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音乐 打破观演边界的感官实验《众人协奏曲》 让步伐化为声响的共创仪式
走入剧场，没有制式的观众席，也没有正襟危坐的乐团。取而代之的，是一片由63格声响方块构筑而成的巨大网格。在这里，《众人协奏曲》打破了聆听与演奏的二元对立，观众不再是被动的接收者，而是这场大型互动声响装置与参与式作曲剧场中的触发者与共创者。 这部酝酿逾5年的跨界巨作，由旅美作曲家张玹与装置暨空间设计马圆媛携手打造，并集结编舞家刘奕伶、笙演奏家李俐锦，以及国际顶尖的比利时强音当代古典乐团（Ictus Ensemble）与斯图加特人声团（Neue Vocalsolisten Stuttgart）共同演出。透过科技与艺术的精密交织，他们向大众递出一份邀请函，用你的脚步，共同编织一幅不断变形、流动的声响地图。 空间化作巨大乐器 从「学步车」寻觅自我的原初叩问 任何前卫的艺术形式，往往源自创作者最私密的生命探问。张玹将这部作品的源头，追溯至童年最初的记忆。那是他推著木头学步车，随著步伐敲出「叮、咚、当」的声响。这份将行走与触发声音紧密相连的原初体验，促使他跨越艺术边界，去探寻「我们从何而来、我们是谁」的哲学命题。 张玹一语道破了这部作品的核心命题：「基本概念就是把一个空间变成一个超大的乐器，一般观众走在里面会根据个体跟集体的行为让这个声音产生变化。」 在这个被放大到占据整座剧院的学步车空间里，乐谱被模糊化、没有发号施令的指挥，更没有固定的视角中心。每一位走入其中的观众，其步伐与停顿，都是独一无二的随机音符。
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PAR你不知道？！ 当华丽水晶灯再次升起——解码《歌剧魅影》40周年的剧场美学与人性叩问
剧院的灯光缓缓暗下，令人屏息的管风琴前奏如狂潮般袭来，在剧情发展紧张的时刻，悬挂在穹顶的华丽水晶吊灯在观众的惊呼声中急遽坠落这是无数剧场迷心中无法抹灭的震撼印记。2023年4月，当纽约百老汇的《歌剧魅影》（The Phantom of the Opera）在经历了35年、近14,000场的辉煌演出后，因疫情后的市场变化与营运成本压力而黯然落幕时，全球剧迷无不为之惋惜。然而，正如知名制作人卡麦隆．麦金塔（Cameron Mackintosh）当时所许下的豪语：「它当然会回归，所有伟大的音乐剧都会。」 果不其然，这句承诺在2026年化为璀璨的现实。由安德鲁．洛伊．韦伯（Andrew Lloyd Webber）谱写的旷世巨作，在问世40周年之际，不仅没有走入历史，更挟带全面升级的声光视觉与舞台科技，以「40周年纪念演出版」的磅礡之姿重返舞台。这部在全球47个国家、缔造破1.6亿观赏人次与60亿美元票房的不朽传奇，究竟凭什么能在岁月洗礼下持续闪耀？本文将带您拨开迷雾，从剧场美学、音乐语汇及深层的心理神话原型，深度解码这张半白面具背后，历久弥新的艺术底蕴。 跨越雅俗的音乐语汇与视觉奇观 《歌剧魅影》的诞生，始于韦伯1984年在纽约二手书摊偶然发现法国作家卡斯顿．勒胡（Gaston Leroux）于1910年出版的同名惊悚小说。韦伯在一个下午内读完此书，并产生了强烈的改编「顿悟」。他在创作时，打破了传统音乐剧的框架，将古典歌剧的磅礡华丽与1980年代的电子音效完美镕铸一炉。正如美国作曲家威廉．博尔科姆（William Bolcom）所评价：「这种剧场真正试图拉近流行与歌剧世界的距离。」 除了极具感染力的旋律如〈The Music of the Night〉与〈All I Ask of You〉外，《歌剧魅影》在舞台设计上更是立下了难以超越的标竿。剧中最具标志性的「坠落水晶吊灯」，不仅是舞台机关技术的重大突破，更成为全球戏剧文化中无法磨灭的符号；百老汇博物馆（Museum of Broadway）（注1）中甚至珍藏了一盏缀有超过13,000颗水晶的魅影吊灯，每一颗水晶皆象征著一场百老汇的演出。在40周年纪念版中，制作
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音乐专属现场的沉浸式声响探险
当合唱团不再乖乖站立在舞台上，指挥不再全程给予拍点，这会是一场什么样的音乐体验？台北室内合唱团将带来第7号人声剧场作品《岛屿上没有四十四只石狮子》，由作曲家林桂如与导演洪千涵携手共创，集结了合唱指导许瀞心（Apo Hsu Ching-hsin）、文字顾问鸿鸿（Yen Hung-ya）及动作设计林祐如（Lin Yu-ju）等优秀阵容。这将不仅是一场音乐会，更是一次打破传统镜框式舞台、将观众包围在四维空间里的全新声响旅程。 这部作品的诞生，源自于台北室内合唱团长年对当代音乐的坚持与探索。行政经理高端禾表示：「与其说创新是方向，不如说它是台北室内合唱团的 DNA」，他们在营运与制作上始终拒绝处于「模仿的状态」，期盼能对人声艺术产生原创的贡献。他说：「我们希望在这个人声这个领域打开一个新的窗，」让演出「从第一颗音符、一个动作都是原创。」面对这条充满未知的挑战之路，团长暨歌手方素贞坦言排练有时实在「太硬了」，但她深知合唱团具有不可推卸的社会责任，她坚定地说：「以台北室内合唱团累积到现在的实力，我们不做，谁做啊？」她认为既然团队有能力，就应该尽一份社会责任，为台湾甚至亚洲的当代人声艺术，开创出无可取代的品牌软实力。
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音乐从都会角落到歌剧院 一趟城市里的声响之旅
如果说建筑是凝固的音乐，那么当音乐流淌进城市的血脉，城市本身是否也能成为一座巨大的乐器？要理解《浮声之城》（City of Floating Sounds）这部跨界巨作的独特美学，我们必须先走进作曲家黄若的创作世界。这位旅居纽约的华裔作曲家，被《纽约时报》盛赞为「风格独具的作曲家」，他的音乐语言活泼而富有创意，灵感汲取自中国古调与民俗乐、西方前卫与实验音乐、自然与处理声响、摇滚与爵士；其多元的曲风横跨管弦乐、室内乐、歌剧、剧场、舞蹈、跨界创作、声音装置、建筑装置、多媒体、实验即兴、民谣摇滚与电影等，以其融合东、西方文化元素的独特声响闻名。 黄若不愿仅被视为一位作曲家，他更将自己定义为概念艺术家（Conceptual Artist）。长期生活在西方的他，提出了一种第三文化的观点，它既不是纯粹的东方，也不是纯粹的西方，而是融合这两者产生的一种新的文化有机体。 这种融合风格衍生出他自创的「多维立体主义」（Dimensionalism）创作技法，强调声音的空间感与动态，这正是《浮声之城》的核心灵魂，让音乐不再平躺于乐谱，而是立体地生长于空间之中。
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艺号人物 People 作曲家李志纯 以音符反思社会 将「台湾」织入乐章
在当代国际音乐的浩瀚星河中，有一种声音，既带著西方管弦乐的壮阔繁复，又深藏著东方岛屿的温婉与韧性。当英国权威《留声机》（Gramophone）杂志盛赞她「探索多种另类的织度和不寻常的技巧，为最引人注目的作品」、当美国《波士顿环球报》（Boston Globe）形容她的音乐「让人大开眼界，恰当且复杂，却又让人著迷」时，来自高雄的作曲家李志纯，早已用她的音符在世界舞台上刻下了无法抹灭的印记。她是台湾首位、全球第4位荣获美国波士顿交响乐团（BSO）委托创作的亚裔作曲家，更是波兰新艺术合成艺术节（NeoArte Syntezator Sztuki Festival）首位受邀常驻并举办专场音乐会的亚洲作曲家。然而，褪去这些国际大奖与耀眼头衔的光环，李志纯的音乐灵魂，其实始终扎根于那座她日夜思念的岛屿台湾。 破晓前的琴声：从叛逆少女到坚定的追梦者 李志纯的音乐之路，并非始于安逸的温室，而是充满了对声响的极致渴望与近乎疯狂的执著。时光倒转回她在专科时期的岁月，那时的她就读于台南家专（台南应用科技大学的前身），是一个令老师又爱又头痛的叛逆女孩。当刚从维也纳留学归国的黄燕忠老师在台上教授古典和声学时，底下的李志纯总喜欢拿著放大镜挑毛病，甚至在课后追著老师问哪里有平行错误的问题。然而，正是这位宽容的恩师，看见了她骨子里的音乐天赋，不仅没有责骂，反而给予她更多的功课，一步步为她打下了深厚且扎实的传统和声底子。 回忆起那段青春岁月，李志纯的眼中总闪烁著光芒。她笑著诉说当年为了争取练琴时间，这群住校的女孩过著宛如军队般严格的生活，总在清晨6点不到，就熟练地找出音乐系馆哪一扇窗户没有上锁，爬窗进去抢琴房，一天苦练6个小时也不喊累。更有趣的是，她当时的主修竟然是电子琴。这项在古典音乐圈看似非主流的乐器，却成为了她日后掌握复杂交响语言的秘密武器，电子琴丰富的音色库与系统，让她在年少时便不知不觉地训练了对管弦乐配器法的敏锐度，成为她日后驾驭庞大交响乐团的基石。 当作曲家温隆信老师来到学校任教，她阴错阳差地成为了填补名额的第3位作曲门徒，却从此深陷于魏本（Anton Webern）、布列兹（Pierre Boulez）等现代主义大师的魅力中无法自拔。面对这条
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音乐 双钢琴演奏48年魏乐富与叶绿娜 琴牵半世纪
台湾双钢琴演奏的先驱、享誉国际的音乐伉俪魏乐富（Rolf-Peter Wille）与叶绿娜，将于台北国家音乐厅举办「魏乐富＆叶绿娜双钢琴48年演奏会」。这场音乐会不仅标志著两人携手近半世纪的合作里程碑，也是一场凝聚经典改编、创意声响与深厚情感的音乐飨宴。 从填补空档到开创双钢琴时代 魏乐富与叶绿娜的合作始于1978年魏乐富来台，并于1979年正式组成双钢琴搭档且结为连理。回顾当时的台湾，音乐环境尚未如今日多元成熟，双钢琴演出更是罕见，他们可谓此一表演形式的重要开拓者。多年来，两人除在双钢琴舞台上持续创新，也在独奏、合奏、创作、广播与文字书写等领域累积丰硕成果、获奖无数。长年在艺术上的卓越展现形塑横跨世代、影响深远的艺术风景。 外界看双钢琴或四手联弹优雅和谐，但实际上两人在舞台上的互动充满了细腻的计划与默契。关于声部的选择并非固定，而是基于实际考量。叶绿娜透露，通常会先看谁的手比较大、谁比较适合哪个声部、谁前谁后、谁踩踏瓣，都需要极高的协调性。除了听觉，视觉上的安排也是关键。魏乐富形容，四手联弹时两人的手在键盘上交错，若太久没合奏，动作会感到陌生。一旦恢复练习，那种不想撞到对方、流畅交替的肢体记忆便会像「时光机」一样回来。谈及与其他人合作的差异，魏乐富笑著直言，跟别人合作必须保持礼貌，但跟叶绿娜一起演奏时「可以说真话」。对他们而言，双钢琴比四手联弹更好玩，因为两架钢琴提供了更大的自由度，在台上如同对话，若没有互相抛接球的挑战与反应，演出就会变得无聊。这种在台上随时感知对方速度与情绪变化的「心电感应」，正是48年默契的极致展现。 向经典致敬 本次演出的曲目安排极具巧思，且环环相扣。音乐会将以舒曼与巴赫的作品揭开序幕。首先演出的舒曼《以 B-A-C-H 为主题之赋格》的四手联弹，展现浪漫乐派对巴赫的崇敬。紧接著是巴赫的《西西里舞曲》以及4首《创意曲》，后者这几首创意曲是由布拉姆斯的学生、荷兰裔美籍作曲家 Louis Victor Saar 所改编，据推论，这次演出应可视为这几首曲子的「台湾首演」。同样具有传承意味的，还有葛利格改编自莫札特C大调第16号钢琴奏鸣曲（K.545）的双钢琴版本，增添
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音乐罗大佑「四季恋红交响宴」 以流行「交响乐」叩问音乐初心
被誉为「华语流行音乐教父」的罗大佑，将带著他对音乐的全新思考与编制，展开「四季恋红交响宴」音乐会的巡回演出。这位现年72岁的传奇音乐人，不仅将于3月及4月分别在台中歌剧院与高雄卫武营登场，更将在4月18日成为首位登上纽约古典音乐圣殿「卡内基音乐厅」（Carnegie Hall）举办个人音乐会的华语流行音乐家。这一次，罗大佑不只是歌手，更是一位将流行音乐「交响化」的音乐人，他舍弃了在大型体育馆开流行音乐演唱会的喧嚣，选择走进声响细腻的音乐厅，向这个混乱的时代提出他最深情的音乐回应。 音乐会名称「四季恋红」寓意深远：「四季」象征著地球的循环与内在韵律，而「恋红」则代表著热情与希望，尤其对应2026年（丙午年）火能量满溢的意象。罗大佑感慨，现代人类活动导致气候变迁，四季已经不分明了。对他而言，音乐的功能在于找回秩序与初心，罗大佑说：「当四季回到春夏秋冬分明的时候，就是幸福的时候。」这场音乐会便是希望透过音乐，让观众在纷扰的世界中找到沉静内心的所在，重拾与宇宙、地球对应的相处状态。 为了这次以「原声」（acoustic）为核心的演出，罗大佑展现了惊人的毅力与对音乐的执著。虽然现年已72岁，但他每天仍维持长达8小时的钢琴练习。他透露最近沉迷于练习萧邦的曲目，特别是高难度的练习曲，这不仅是为了手指的灵活度，更是一种生理与心理的连结训练。罗大佑认为：「年纪愈大，手愈要能够活动。手活动的话可以连接到神经，自己思考会更细。」除了钢琴，罗大佑也将在这次巡演中挑战「乐器之王」管风琴。中学时他便开始学习弹奏双层且需要脚踩低音踏板的电子琴，奠定了手脚并用的基础，这份年少时的记忆，将在高雄卫武营场次得到回响，届时他将亲自弹奏管风琴，让震撼的低频与建筑共鸣。 为了呈现最纯粹的听觉体验，罗大佑与「春龙交响乐团」合作，这是一个融合了摇滚（鼓、吉他、贝斯）、古典（钢琴、弦乐四重奏）、国乐（笙、笛、扬琴）及人声合唱的16人编制乐团。为这系列音乐会担任音乐总监及指挥的华语流行音乐音乐制作人朱敬然表示：「其实我们这个演出的第17个成员，是各个场地。」他强调，在体育馆演出可以靠巨大的喇叭声压「压倒一切」，但在音乐厅，每个场地的残响与声学设计都是独一无二的。演出者必须去与场地「磨合」，找出那个听觉的「甜蜜点」（Sweet Spot