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李秋玫
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话题追踪 Follow-ups 当AI音乐走上实体剧场艺术与演算法的肉身对话（上）
当虚拟的演算法与程式码穿透冷冰冰的萤幕，被拉进讲求即时呼吸、充满随机性与肉身温度的实体舞台，会产生什么样的结果？由广艺基金会主办、文化部补助、桃园市文化局协办的「Aizart Spark 2026 爱札特─AI音乐新声带成果发表会」，即将于9月中在桃园广艺厅登场。作为台湾首创引领AI音乐走入实体剧场、人机共创融合的计划，这项专案旨在提供制作辅导与展演平台，协助创作者将线上虚拟的AI生成音乐，实体转化为具备剧场体感的舞台作品，进而实验、观摩AI技术与表演艺术碰撞的多种可能。 本次发表会共呈献6部极具实验性的作品，结构上明确划分为「3组公开征件作品」与「3件广艺特别制作」：公开征件入选包括朱约信与「朱头皮真人AI搞不清乐团」的人机即兴互动《Ai就像癌细胞试著和平相处绝不躺平》、「光合奏」探讨命运与自由意志的《不渡项羽、虞姬与现代人的乌江跨时空对话》，以及刘芝佐让真人与虚拟角色同台的音乐剧《春雪II星星在闪耀》；特别制作则包括杨忠衡特邀媒体人陈文茜合作的AI歌乐《对爱沉默》、AI 专家连启杰融合虚拟角色的《Cyber Her》概念音乐剧，以及跨域音乐人李婉菁以古典轶事为灵感的《莫札特与前女友》读剧。 这场发表除了创意的展演外，更著重于透过实际剧场流程，累积AI表演艺术在智慧财产权、创作署名与分工权益等现实议题上的实务经验。为了深入理解这次科技与剧场的碰撞，PAR特别专访广艺基金会执行长杨忠衡，剖析这场AI剧场的新浪潮。 Q：是什么关键契机，让您决心将AI音乐从线上的数位创作，拉进需要高度即时性、充满人性的「实体剧场」？这中间最难克服的剧场技术或观念瓶颈是什么？ A：我倒不认为是什么特别的「关键契机」，它就是新事物发展到一个阶段后，人们自然而然会产生的回应。面对新科技，人们大致有两种态度：一种是「节制性的防弊」，另一种是「开拓性的研发利用」。 当前世界科技发展竞争非常剧烈，甚至有些盲动。每当新技术出现，基于安全考量，必然激发使用新工具
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话题追踪 Follow-ups 当AI音乐走上实体剧场艺术与演算法的肉身对话（下）
Q：在这次与各团队实际合作、排练的流程中，针对「智慧财产权」与「创作署名」两点，广艺内部或与创作者之间进行了哪些具体讨论或辩论？ A：这是一个世界性问题，不可能透过一次活动解决。未来这个问题一定会透过各种案例磨合，逐渐形成新游戏规则。所以这次活动并没有把它当成主要讨论重点。目前一方面要看业界如何形成共识，另一方面则观察国际潮流，是否形成共通的解决方式。我们现在可以观察到，一些西方大型影视、唱片公司与AI平台之间的协商。有些AI平台透过支付授权费取得原始素材使用权，再授权给它的付费用户，可以商业使用平台的生成作品。真正困难的是，技术变化实在太快。这个月制定的规则，下个月可能因为新技术而不适用。以Suno为例，我使用它的这段时间，规则已经改变很多次。 创作署名也是一样。未来作品可能要标示是否使用AI，就像食品必须标示成分，逐渐形成一套共同规范。署名权的规范也会形成，如同我上面所说，很多单位已经用「人为介入的比例」来判断作品著作权。 权益分配也一定会改变，例如以前创作一整出音乐剧可能要几个月，现在使用AI可以迅速完成，费用如何计算？如果是多人合作或分阶段进行，又如何界定？作者、素材原权利人、AI平台之间又如何分配？但有一点可以确定：新法律一定会形成。台湾现在也已经开始正视这些议题，今年应该会是一个重要的起点。 Q：《对爱沉默》著重「由AI参与剖析作品内涵并设定音乐创作细节」。在实际运作中，AI 对陈文茜文字与概念的剖析能力如何？这种「文学想像＋AI 剖析＋音乐转换」会不会成为未来跨界创作的新常态？ A：这次我花了大量时间和AI讨论陈文茜的文字，对话量远超过今天的访谈。AI对作品的理解与分析能力，确实给我很多惊讶。所以现在
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焦点专题 Focus 爵士灵魂无所不在小号家魏广晧 优雅的音乐行旅与职人温度
演奏家的旅途风景，有时并非透过双眼探索，而是透过乐器来产生共鸣的。在魏广晧的行囊里，小号永远是最不可或缺的旅伴。带著这份近乎信仰的虔诚，他的身影穿梭于世界各地的展演空间、深夜的异国酒馆，甚至连旅馆的阳台上，都有他伴著海风与啤酒吹奏练习的轨迹。在看似自由随兴的爵士音符背后，藏著对人际温度的细腻捕捉，日复一日、宛如苦行僧般的深刻自律。 聆听场域，在未知中寻找共创的声音 「演奏会的表演是我们跟场地共创出来的声音，我并不是只有表现自己而已。」 这不仅是魏广晧对声学的理解，更是他对每一次相遇的谦卑。每到一个新的演出空间，在音响设备架设之前，他总习惯先找个角落，静静感受空间最原始的氛围与回馈。这份对场域的尊重，让他总能在面对突发状况时，展现出稳健的底气。例如去年夏天，他与团队受邀前往马来西亚槟城「乔治市艺术节」，在充满华人传统氛围的「大华戏院」演出。不料当他们抵达现场时，舞台空荡荡的，音响甚至还未装配完成。 面对这样的情况，魏广晧没有惊慌，反而卷起袖子与当地的人员并肩作战，一路从下午测试声响到午夜12点。「我的理念是我们要跟他们共同完成这件事情，」他笑著说，「我是带著交朋友的心境，去跟他们一起工作的。」 那场演出，他们不仅吹奏了泰雅族古调、李泰祥的〈橄榄树〉，更在安可时以一曲〈明天会更好〉瞬间穿透了语言与地域的隔阂，让全场观众沸腾。对他而言，音乐的技术固然重要，但「艺术最根本的是要传递、表达感情，把人拉得更靠近。」
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焦点专题 FocusTSO汇集当代名家，挑战会「吃掉歌手」的《崔斯坦与伊索德》
在音乐史上，理查．华格纳有著突破传统、颠覆音乐史的定位，而他所创作的《崔斯坦与伊索德》，无疑是这场美学革命中最具代表性的里程碑。这部作品不仅打破了传统和声的疆界，更是对人类情感与潜意识最赤裸、最深邃的挖掘。 今年9月，台北市立交响乐团（TSO）将推出这部德奥歌剧最具挑战性的巅峰之作。这也是 TSO 首席指挥亚历山大．里柏瑞契（Alexander Liebreich）首度率领乐团制作歌剧，在他的引领下，结合国际一流的华格纳歌手与国际知名歌剧导演克里斯蒂安．雷特（Christian Rth），带领台湾乐迷一同走进这场震撼心灵的作品。 挑战歌唱极限，与死亡擦身的「歌手吞噬者」 演出长达4个小时、充满极端情感张力与高密度管弦乐声响的《崔斯坦与伊索德》，至今仍被公认是歌剧史上最具挑战性的作品之一。对所有歌者而言，这部作品都是体力与精神的极限挑战；其中饰演崔斯坦的男高音，更被公认是歌剧界最艰巨的角色之一。尤其在第3幕中，几乎全由崔斯坦主导，他必须在濒死、恍惚的状态下，几乎独力支撑起近一个小时的演出。正是因为如此超乎常人的体能与情感负荷，无怪乎歌剧世界里长期流传著一句话：《崔斯坦与伊索德》是一部会「吃掉歌手」的作品！ 回顾历史，此剧的诞生过程确实充满了近乎神秘的悲剧色彩。1862年华格纳完成此作后，维也纳宫廷歌剧院展开首演准备。然而，面对前所未见的调性模糊、庞大的背谱负担与乐团演奏难度，在历经两年、多达77次的排练后，维也纳宫廷歌剧院最终宣布这部作品「无法演出」，首演计划也因而被迫取消。当时参与排练的男高音安德（Alois Ander），甚至因长期排练与巨大压力而身心俱疲，在公开表示作品「无法演唱」后，也在首演计划取消后不久辞世，为这部作品添染上了悲剧况味。 即便后来在巴伐利亚国王路德维希二世的全力支持下，觅得有传奇「施诺尔夫妻档」（Das Ehepaar Schnorr von Carolsfeld ）之称的男高音路德维希（Ludwig Schnorr von Carolsfeld）及女高音玛尔维娜（Malvina Schnorr von Carolsfeld） ，首演之路依旧波折不断。虽然饰演伊索德的玛尔维娜在首演前夕突然失声，导致演出延期3周，
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音乐 2026 Taiwan Connection音乐节胡乃元、王健领军 携手9位国际首席与女高音共赴秋季之约
在追求速度与声量的现代，古典音乐提供了一处承载细腻与专注的空间。一年一度的 Taiwan Connection音乐节（下简称TC）以「巅峰之上」为题，在两周内密集带来8演出，巡回于台北、台中、高雄与嘉义等地。今年，大提琴名家王健睽违多年再度与 TC 音乐总监胡乃元携手。乐团不仅集结9位国际顶尖乐团的声部首席，更首度在音乐节中引入声乐编制，特邀两届葛莱美奖得主的次女高音莎夏．库克（Sasha Cooke）诠释舒伯特艺术歌曲，与台湾青年音乐家共同探寻古典杰作的当代意义。
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音乐琴弦上的烈火与深水
「一位有话要说，且具备极佳技巧能将其完美表达的小提琴家。」在这个聚焦神童、明日之的当代古典乐坛中，《纽约时报》却以敏锐的目光洞察她的不凡。23岁的西班牙小提琴家玛莉亚．杜尼亚丝（Mara Dueas），谢绝浮夸的炫技，转而以敏锐的琴音、高度的叙事张力，征服了各地乐迷挑剔的耳朵。 黑胶沟槽间的浪漫余温 杜尼亚丝2002年生于西班牙，虽然不是生长于音乐世家，但父母对古典音乐的热爱，滋养了她的童年。幼时，家里总是播放著收藏的黑胶唱片。海飞兹（Jascha Heifetz）、曼纽因（Yehudi Menuhin）及大卫．欧伊斯特拉赫（David Oistrakh）等一代小提琴巨擘的琴声，无形中形塑了她对声音的敏锐感知。 5岁那年，在音乐会席间亲炙独奏家在舞台上散发光芒后，她便确定了一生的志业。6岁学琴，7岁破格进入当地音乐院。11岁时，她凭借天赋取得奖学金，远赴德国深造，其后移居奥地利，考入维也纳音乐与戏剧艺术大学，投身于小提琴教父波利斯．库什尼尔（Boris Kuschnir）门下。 在老师的悉心磨练下，她自14岁起便在欧美各大音乐殿堂崭露头角。2021年，18岁的杜尼亚丝在「前进卡内基厅」小提琴大赛中折桂，更于曼纽因国际小提琴大赛中横扫高年级组首奖与观众票选奖，震撼了当代乐坛。
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特别企画 Feature 后浪：接班人的当下与未来卢焕韦X陈宏岳：朱宗庆打击乐团，刚柔并济的和谐与共振
当韶光拂过无数个击乐声响的日夜，台湾表演艺术界见证了一个深具历史意义的里程碑。2026年1月2日，朱宗庆打击乐团正式欢庆了40周年的生日。从「倒数1000天」的沉淀与准备，到团庆的繁花盛开，这个曾经只是「一个人的意志」，如今已长成一片茂密的音乐森林，正式宣告迈向「制度的共治」。 在记者会的聚光灯下，创办人暨艺术总监朱宗庆与第一代资深团员，将象征传承的鼓棒，交托到了下一代的手中。这不仅仅是一场职务的交接，更是一场世代经验的揉合与延续。第二代团员卢焕韦接任团长，陈宏岳接任副团长，他们将携手带领这个编制庞大、充满活力的团队，昂首阔步地迈入「JPG 2.0」的全新篇章。
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艺@CD南国声响的当代转译
在第37届传艺金曲奖入围名单公布的聚光灯下，一张由屏东县政府出品、为纪念恒春建城150周年所推出的音乐专辑《春城小唱》，成为本届颁奖典礼前备受瞩目的焦点之一。这张作品横跨传统与当代界线，一举囊括最佳跨界音乐专辑、最佳专辑制作人、最佳作词、最佳编曲及最佳演唱等 7 项提名。当大众对传统民谣的印象仍停留在博物馆式的采集标本或附庸配角时，《春城小唱》何以能以强大的声响能量与艺术完成度征服当代评审与听众？其背后所展现的，正是一场关于传统符号的重构与台湾音乐主体性的深刻实验。
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焦点专题 Focus 团员巡演日常与幕后与「阿毛」的巡演行囊足迹——郑闻欣的赌物思情
那天，通讯软体群组上通知大伙儿将单据拍照上传，一时间，林林总总回传的照片让手机响个不停。有独照的、合照的、发挥创意的，团员们个个阳光灿烂的笑容让人不自觉地染上了明朗的热情。其中一张照片引人注目，是琵琶首席郑闻欣抱著一个绒毛娃娃喂它喝饮料。没多久，果然在她上巴士时看到娃娃本尊，不料同车同事们也打趣地回答：「它呀！也是我们的团员之一！」 在严谨、讲究细节的舞台上，郑闻欣以内敛纯熟、音色温厚细腻的演奏技艺深获肯定。然而，在这样的形象背后，却有著一个持续了多年的感性日常。每当她踏上巡演旅途，包包里总会静静躺著一只娃娃。这项特别的「随行仪式」，不仅是她镜头下替代自我的独特标记，更像是一面心灵的镜子，在漫长寂寞的旅途中，温柔地安顿著她真诚、随性的纯净灵魂。
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焦点专题 Focus 团员巡演日常与幕后云端与人间的和谐——张舒然与萧奕飞的自媒体胡琴实验
胡琴这个乐器上，有两条琴弦并行，但在乐团中，也有两个人共同拉奏出不同世代的艺术合声。自入团超过30年、曾任二胡首席与乐团首席的高胡与京胡演奏家张舒然，资历深厚，风格深沉且圆融；而2023年甫考入乐团的青年二胡演奏员萧奕飞，则以不羁与跨界见长，涉猎流行、现代与即兴等多样乐种。这两位在乐团舞台上合作的演奏家，近年也跨界出现镜头前，在社群平台掀起了一场温暖的传统音乐革命。当传统国乐深奥的「口传心授」与现代短影音演算法相遇，两人在键盘与琴弦之间，建构了一个跨越资历、打破门户之见的数位空间。
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焦点专题 Focus 团员巡演日常与幕后用双脚跑步认识这个世界——郭珊如的异地跑旅对位
舞台上，她是专注于细腻弦音的专业演奏家；舞台下，她则是名列台湾全马女子百杰的马拉松跑者。这看似一静一动的双栖人生，对她而言，并非灵魂的分裂，而是在琴房与赛道之间，一场关于专注与意志的对位演出。她是中胡与二胡演奏员郭珊如，当巡演启程前，团员们都在思考要带什么的时候，她总是义无反顾地将跑鞋放进行李箱，在世界各地的道路上，用双脚探索世界，重新度量音乐与生命的宽度。
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焦点专题 Focus汇聚岛屿爵士群英，从厅堂到广场的顶尖交锋
爵士乐，如同一座城市的隐形脉动，在呼吸之间连结著无数渴望自由的灵魂。2026年的仲夏，国家两厅院的「夏日爵士派对」再度让节奏流淌于乐迷之间，场域横跨了国家音乐厅、国家演奏厅及两厅院艺文广场，不仅展现爵士乐的多元面貌，更试图打破年龄与空间的界线。策划的演出一次排开，能看见客语、台语及台湾原创的爵士音乐百花齐放。今年3场核心演出，更是国内顶尖爵士好手汇聚交锋的重要舞台，并邀请了国际大师共襄盛举，为不同世代的听众带来跨越听觉藩篱的深刻共鸣。
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两厅院橱窗 Hot at NTCH理工脑加上文化心 期许让老店走在时代前端
甫接任国家两厅院艺术总监，邱瑗第一件做的事，便是走出办公室，走访各个组室。她热情地与新人寒暄，好奇探看同仁布置的工作空间，远远看见资深员工，便能立刻认出老面孔这份对人的关怀与热情，是她多年来在表演艺术界无可取代的温暖标记，她的亲切，也让总监室的空间也随之改变。习惯了阳光的邱瑗，主动地拉开了总监室与秘书之间的窗帘，才让同仁们惊呼「原来这里有一扇窗」，秘书自此可以直接透过玻璃看见总监，空间的隔阂顿时消散。这一拉，不仅拉进了光线，更拉近了人心的距离，也因此对许多同仁而言，她的现身并非客套的「就任」，而是令人欣喜的「回来」。 从年轻时就与两厅院结下不解之缘，再回到这个地方，邱瑗发现，这座具历史的场馆制度完善、运作顺畅，就像一辆能「自动驾驶」的豪华劳斯莱斯。然而，进入这台豪车，她却拒绝在后座安逸度日。邱瑗常比喻，卫武营是一辆 8 缸的大房车；台中国家歌剧院是扭力大、很好掌控的超跑；而两厅院，则是一辆豪华的劳斯莱斯。但喜欢开车的人，绝对不喜欢自动驾驶，当亲自开车时候，「手感」就是关键。因此不甘于自动驾驶的执念，也成为她重掌舵盘、重塑两厅院未来营运的核心。 跨界双栖的艺术养成：从台北市音乐季的歌剧助理到芝加哥的无课本修练 在表演艺术界，邱瑗独特的音乐与戏剧「双栖」特质备受推崇，她曾以编剧身分催生两厅院旗舰歌剧《福尔摩沙信简黑须马偕》。这份热情源于她大学毕业时参与「台北市音乐季」的契机。当时台北市立交响乐团刚开始制作歌剧，她在恩师徐颂仁的引荐下担任场记与导演助理。虽然起初对剧场陌生，但在年年参与的磨练中逐渐做出兴趣；眼见台湾当时极度缺乏歌剧导演，她便萌生深造想法，赴美时除音乐行政外，也以戏剧攻读第2个硕士。 留美期间，邱瑗接受了极具跨界视野的专业训练。她的课程分配相当独特，商学院、音乐系与戏剧系各占三分之一。为了培养多面向的感受力，她修习了非欧美剧种、亚洲戏剧与世界音乐。这种跨领域的养成，让她看待大型节目制作时能跳脱单一领域的局限，对剧场空间与视觉尤为敏锐，无形中建立起强大的审美眼光。 在这段实务与学术并进的岁月里，经验尤为关键。她的指导教授上课从不用教科书，而是由学生自行研读、主动提问再由其解答，教授甚
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焦点专题 Focus 以「台北之声」绘成台湾风情画郑立彬领军北市国，让欧洲三大殿堂听见海岛脉动
台北市立国乐团（TCO）的国际巡演版图，始终是展现台湾文化实力的重要指标。回顾乐团历史，不仅多次出访欧、美、亚超过20多个国家，近年来最具历史意义的一役，莫过于2018年11月，团长郑立彬于上届任期内带领乐团征服美国纽约，成为台湾首个登上卡内基音乐厅演出的乐团。时隔多年，这股来自文化岛屿的悠扬乐音再次跨越重洋，于2026年6月踏上欧洲大陆。当北市国的丝竹之声在德国柏林爱乐厅、莱比锡布商大厦音乐厅与奥地利维也纳金色大厅接连响起，不仅象征著台湾第一个同时登上欧洲三大顶级音乐殿堂的职业乐团诞生，更是郑立彬向世界递出的一张精致文化名片。 站在西方古典音乐发展的最高殿堂，郑立彬的节目规划具有细腻的思维与编排 。许多亚洲乐团在海外巡演时，往往选择以西方经典曲目来证明自身的演奏实力，但他深知，要让西方观众留下深刻印象，唯有展现自身无可取代的文化主体性。「我一直觉得国乐团在国际上的可能性是非常大的，因为我们带出去的全是台湾的元素。」这样的信念铿锵有力，道尽了他长年深耕本土原创作品的自信。为此，今年欧洲巡演的曲目规划，从柏林场到维也纳场，贯彻了极具一致性的在地特色，以全场台湾作曲家作品为核心，由台湾的音乐家来演绎台湾的作品，用乐团一直以来所自豪的「台北之声」，挑战欧洲最挑剔的耳朵。
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焦点专题 Focus 琴弦上的原乡呼唤大提琴家杨文信携手北市国，以完美共鸣向欧洲诉说台湾
当台北市立国乐团规划将台湾的专属乐音带向欧洲三大艺术殿堂，挑选一位能深刻演绎东西文化交融的独奏家，便成为这趟巡演的灵魂所在。放眼国际乐坛，出生于瑞士伯恩、双亲来自台南的大提琴泰斗杨文信，无疑是呈现台湾意象的最佳选择。他不仅在24岁时即考取巴伐利亚广播交响乐团大提琴首席，1991年更夺得日内瓦国际音乐大赛首奖，如今则身居慕尼黑音乐与戏剧学院副院长要职。这位曾被欧洲乐评誉为罗斯托波维奇接班人的独奏家，技巧细密精确、风格沉稳风格，以及台湾人特有的热情浪漫。由他领衔诠释已故作曲家萧泰然揉合西方交响语言与东方五声音阶的大提琴协奏曲（作品52），不仅能精准掌握乐曲脉络，更能以文化桥梁的姿态，引领欧洲听众跨越国界的藩篱，感受来自遥远岛屿的真挚呼唤。 求学岁月，乐音中的深刻牵绊 对于踏上柏林爱乐厅、莱比锡布商大厦音乐厅及维也纳金色大厅这趟非凡的欧洲巡演，杨文信的言语中满溢著光彩与期待。回忆当乐团邀请他参与这趟伟大的旅程时，他雀跃地说：「这3座场馆无疑是历史上最卓越的音乐殿堂，它们在古典乐界拥有极为深厚的传统。」他略将身体向前倾，笑著：「我怎么可能拒绝呢？！」。 其中，柏林爱乐厅对他而言更是盈满著难以忘怀的青春记忆。想起那段岁月，杨文信眼中闪烁著光芒：「1986至89年在柏林求学时，我总是频繁地去听音乐会，而且『从没买过票』！因为卡拉扬学院的学生可以带朋友进场，我就靠著这张站票，总是站在音乐厅的最末端，聆听一场又一场令人难以置信的绝妙演出。」这份深刻的连结，让他对环境之于演出的重要性有著透彻的体悟。他深知要成就一场极致的展演，除了顶尖的音乐家与乐器，更需要契合乐曲氛围的优质声学空间与听众。这3座声效极佳的场馆，绝对能让大提琴与丝竹乐团的共鸣发展至最完美的境界。
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焦点专题 Focus 从柏林、莱比锡到维也纳现场倾听台北之声，三大殿堂中的宝岛拼图
在当代古典音乐的主流版图中，国乐团的推广一直是一场持续进行、既具开创性又充满美学争议的实践。带著凝聚两年缜密筹备的精锐编制与浩大声势，横跨德奥两国，在短短时间之内，连续挑战了世界音乐界的三大指标性圣殿。这不仅创下了台湾首个在单一趟巡演中同时登上这三大顶级殿堂的职业国乐团历史纪录，更是一场关于东方丝竹乐器如何在西方声响语汇的最高标准中自我定位、寻找主体性的深沉思辨。
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焦点专题 Focus 为3座城市量身打造限定安可曲考验空间的声学辩证，展现文化的跨域回响
横跨德奥3大顶尖音乐厅的历史性巡演，绝非单纯的礼仪性出访，而是一场对声响适应力极度严苛的考验。带领一个乐手加上行政与工作团队达90多人的庞大乐团前进欧洲，不仅是艺术上的顶尖挑战，更是后勤调度与预算管理的极限考验。要在有限的预算、资源与时程内，在欧洲不同城市与顶尖音乐厅之间穿梭，每一个细节的背后都必须经历精密计算。即使过程艰辛，面对紧凑的彩排、高压的正式演出及接连不断的外交文化交流行程，团长与团队依然将资源发挥到极致。「是开心啦，但是好累啊！」郑立彬在巡演途中由衷的感叹，道尽了这趟越洋征途的无数辛劳。 西方音乐殿堂的音响试炼 此趟值得思考的是，在西方最知名的经典音乐殿堂中，其空间设计理所当然以最适合西方乐器演出的声响为评断标准，在这样的地方演奏国乐，音响本身就是一个极大的冲击。这3大音乐厅的声学物理结构大相径庭：柏林爱乐厅采用葡萄园式的环抱空间设计，声音呈多向散射，极度考验声部的均匀度与穿透力；莱比锡布商大厦音乐厅的设计同为葡萄园式，具备精确的现代音学残响，音色偏向清晰与明亮，其残响时间稍长；而维也纳金色大厅则是传统的「鞋盒式」结构，悠长饱满的残响虽然能赋予弦乐温润的包覆感，却极易使颗粒感强、高音尖锐的国乐器产生声部失衡。 面对高度陌生的空间声学，团员们几乎没有余裕「慢慢适应」。例如在首站柏林爱乐厅，乐团面临准备与排练时间极其短少的严苛考验。最终站维也纳金色大厅亦同，由于前晚仍有其他演出，乐团工作团队被迫在极短的时间进场装台，且在后勤上更面临必须将乐器从地下室以人工接力方式搬运至2楼舞台的体力考验。接著极其紧凑的试音与排练，才得以在早上11点准时开演。在排练时间紧迫的情况下，全赖乐团、指挥与行政团队高度的专业精神与心理素质，团员发挥高度专业素养与效率，方能精准地「集中火力」完成每一次的完美呈现。
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音乐2026台北国际合唱音乐节 跨越疆界的声响对话
当多声部旋律交叠，异域艺文便在无形中相遇。将于7月下旬登场的「2026年台北国际合唱音乐节」，汇聚多国卓越队伍与演出篇章，不仅是一场听觉飨宴，更是灵魂碰撞的实践。正如台北爱乐艺术总监杜黑的创立初衷所述：「希望台湾观众不用出国，也能欣赏到全世界最优秀合唱团。」
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PAR你不知道？！韩国催泪神作变身音乐剧 《如蝶翩翩》首度访台的必看亮点！
梦想，难道会因为岁月的流逝而超过保存期限吗？曾横扫影音平台排行榜、被观众封为「年度最催泪神作」的韩国知名IP《如蝶翩翩》（Navillera），将以音乐剧的崭新面貌首度登台！这部改编自人气网路漫画的经典，讲述70岁退休老者与23岁迷惘天才芭蕾少年的忘年之交，细腻描绘了现实与期盼的拉扯。在准备迎接这场梦幻且深刻的逐梦旅程前，「PAR你不知道」单元特别为你整理了结合社会现象与幕后秘辛的8个必看亮点，带你抢先了解这部充满魅力的动人佳作。 1. 《如蝶翩翩》到底有多红？为何被誉为「人生必看」？ 这部作品的改编版影集曾连续3周挤进Netflix台湾排行榜前10名，被观众形容为「年度最催泪」、「人生必看」之作。此外，其原著是在韩国知名网漫平台Kakao Page累积观看近90万次、长期维持近10颗星满分评价的超高人气连载，更曾荣获美国威尔．艾斯纳漫画产业奖（Will Eisner Comic Industry Awards）提名并入选「最佳网漫奖」，是具备全球认可的强大IP。
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戏剧 台湾本地制作 首度完整授权演出概念音乐剧《Company》 写给孤独灵魂的最暖情书
在无拘无束的单身生活与相知相守的伴侣关系之间，你会如何抉择？2026年盛夏，台中国家歌剧院与活性界面制作将携手带来美国音乐剧泰斗史蒂芬．桑坦（Stephen Sondheim）与知名编剧乔治．弗斯（George Furth）共同创作的经典名作《Company》。这部诞生于1970年代的巨作，在百老汇首演后便一举夺得东尼奖最佳音乐剧与最佳词曲等6项大奖，更被后世誉为「现代音乐剧」的分水岭。 破除传统叙事，开创概念音乐剧的先河 这部作品之所以被视为音乐剧史上的划时代之作，原因在于它成功创造出所谓的「概念音乐剧」（Concept Musical），彻底改变了百老汇的说故事方式。这种崭新的演出类型具备了几个核心特色：首先是打破传统线性叙事，大胆舍弃了过往音乐剧必须依赖线性、完整故事情节发展的传统框架，观众看到的不再是男女主角从相识到结婚的标准套路；其次是采用碎片化的情境结构，不依照单一的时间轴，而是以刻意的片段式或非线性叙事的场景来串接全剧；最后则是聚焦特定的核心命题，相较于讲述具体的剧情，它更著重于多面向地深入探讨某个特定主题。 在《Company》中，史蒂芬．桑坦与乔治．弗斯正是以现代社会的婚姻与感情作为核心命题。全剧围绕著即将度过35岁生日的黄金单身汉劳勃展开，在看似欢乐的庆生派对背后，他内心却藏著挥之不去的空寂。跟随著劳勃的脚步，我们看见他身边5对已婚挚友以及3位约会对象的生活百态。有的人在婚姻中紧密相依，有的人却因日常摩擦而心力交瘁，有人害怕寂寞而选择步入礼堂，也有人畏惧承诺而迟迟不敢给出真心。剧中精准捕捉了现代人渴望建立连结却又惧怕失去自我的矛盾心理。《每日新闻》曾给予极高评价，认为它如同曼哈顿中城的钢筋玻璃大厦般平滑流畅，又像巷弄里的流浪猫一样焦躁不安，这是百老汇第一部直指敏感神经的音乐剧作品。 直击灵魂的叩问，在婚姻与单身间的抉择 桑坦以其标志性的洗炼文字与多变和声，将现代人的情感拉扯描写得淋漓尽致。剧中充满了让人发笑却又无比真实的对白，完美点出了单身旁观者与婚姻局内人的价值观碰撞。例如劳勃曾引述名言「未经审视的人生不值得活」，而他的已婚好友彼得则妙语反击：「未曾活过的人生不值得审视」。 面