南管音乐家王心心，虽然一身传统气息，但在创作的路途上，却是开放不拘的。从与现代舞合作的《昭君出塞》、《琵琶行》，到近期将上演的两档演出：与歌剧导演汉柏斯合作的《羽》及与指挥家简文彬、导演魏瑛娟合作的《时空情人音乐会》，跨界的实验让王心心一次次尝试超乎以往的南管演出形式。而她最在意的，仍是在这些跨界的实验中，找到让钟爱的南管音乐，与时代俱进的路途。
从二○○四年的《天籁》开始，一路推出《胭脂扣》、《昭君出塞》、《琵琶行》、《葬花吟》、《声声慢》，到即将上演的《羽》、《时空情人音乐会》……从节目名称看来古典唯美，然而流传了千年的传统艺术──南管音乐，却在这些作品的呈现过程中，悄悄地转了个弯。
第一次以音乐舞剧形式演出、第一次与西方古典音乐结合、第一次放下乐器做戏剧上的表演、第一次摆脱束缚穿上时装，一步步的突破，让南管再也不是端坐在堂前的演唱，而是配合剧情作表演，让这由来已久的南音与现存时代相衔接的精心设计。然而这重要的灵魂人物王心心却谦虚地说：「我的跨界演出，其实都是随缘，而且这些点子都不是由我发想的。」
带著传统 开创演出新思维
就像命题作文一样，只要有人出题目，王心心就能够从传统中提炼，填写出满满的篇章。即使是带著全身上下的传统气息，她前卫的思维却一点也不受约束。她表示：「我很喜欢尝试，因为我认为对于传统，我们只能维护它、保存它。可是我常想，在我的能力范围内，我能为南管做些什么？如果不去尝试，它永远就是停留在原来的状态。」当然做什么尝试，都一定要以传统作为根基，才能考虑如何在这些深厚的背景下做结合。但如果开发得太厉害，听起来就容易有荒腔走板的危险，所以在创作上，仔细考虑南管的浓度是王心心做跨界实验前，首要考虑的因素。
跨界合作中，最先受到冲击的，就是南管既有的「室内乐」式的演奏模式。舞台上原本都是固定四个乐器，演唱的时候拿拍板吟唱。但在跨界中，便衍生出单独的演唱模式，让二弦、三弦、洞箫等角色成为一种配乐，时而相和、时而停顿，并不像传统南管从头到尾四样乐器都合在一起。王心心清楚地指出：「声音上，南管所有乐器加起来演奏听起来是很饱满的，偶尔让某些乐器停顿时，其他在合奏时比较难听出特别个性、音色的部分，就有机会被突显出来。」就像独奏一样，听众会发现某种乐器非常有特色，并且也可以表现另外一种情绪、找到新的可能性。这是在传统演奏的模式中较无法达到的效果，也可以说是一种突破。
小剧场氛围 促使开发新声响
与西方音乐的合作，优雅细致的南管在音量上有先天上的劣势。例如钢琴本来音量就大，基本上不需要经过扩音，男高音以声乐的发声方式，身体就是他共鸣的音箱，因此声音强度也很高。然而南管发声位置就比较不一样，王心心说明：「南管的吟唱本身是比较生活化的，所以就不像声乐那般要去找共鸣点。」相较于西洋的美声唱法，南管的发声反而没有那么严格。她举例歌唱时，就很像平时叙说心情一样，如果是用了发声的位置去唱，听起来就会「假假的」，很像要跟亲近的朋友地倾吐心事，却用了一个很不寻常的声音来表达，那么对方也会觉得听起来会极度的不自然。因此音响上面就经常需要借助现代化的扩音设备来帮助声音平衡。
氛围，有时候是很难处理的。剧场有限制的元素，南管也有它的规范，只能靠南管本身的几种乐器来做发展虽然有所阻碍，但王心心也发现小剧场有那种静谧、亲近的特色，这种与众不同的感觉，让她也有了突发奇想：「大家应该都有过这样的经验。处在一个非常密闭、毫无声响的空间里，耳朵是不是也跟著全然地静下来呢？不一定，你会听见自己细微到难以察觉的耳鸣声。」在剧场中，观众是非常安静的，南管的声响要如何帮助观众去扩大这种体验？这是她思考的问题。因此在《羽》的演出中她尝试做一些特别的「音效」。她想出了一个办法，用手轻拉琴弦，让指头的皮肤与琵琶、二弦、三弦做摩擦而产生出特别的声响，模拟那个存在耳朵内部的声音，刻意让那种高频又不和谐的声音产生某些惊悚、胆颤的联想。这些乐器上的突发奇想，却为南管带来了全新的声响与表现手法。
乐器不在手 是音乐家也是演员？
为了要做到肢体的扩展，南管演奏家们也不能够一字排开、「并肩」演奏，在剧场中放大了彼此间的距离，也等于是考验著乐手们之间的专业和默契。分散在舞台前后左右四个角落，不管是演奏家们的距离，声音本身传播的距离也让细致的南管产生了困难度。而其中最困难的，还是让怀抱胸前的乐器离开身体。王心心严肃地解释道：「南管的音乐特质是很内心的，可以说是唱给自己听，而不是唱给别人听。」平常拿著拍板，眼神就固定一个地方，营造平静悠远的感觉。但没有乐器在手上，对一位演奏家来说必定是一件最不安的状况。离开了乐器的歌唱，双手要放哪里、眼睛要看哪里都令人惶恐。加上南管的节奏又是慢条斯理，这时间让她实在不知所措。
有别于早期在汉唐乐府时期的戏剧性演出，著重于音乐性的演出是王心心这几年的摸索。借用南管戏才有的调式，或者在既有的诗词歌赋中以南管的基础作创作，促使她从一位演奏家的角色走向创作。究竟将自己当成音乐家还是演员？她还没有机会好好思考：「没有时间训练，即使是，也不可能演出前短短时间就能够达到，就算这样做也是很皮毛。」然而这些演练在心中早已反复千百回：「维护传统的人听到一定会非常讶异，怎么可以在南管的表演中做如此超乎范围的演出？」在这么多的实验当中，相信她比任何人更担忧南管的跨界走向：「要如何将音乐演奏好，要顾虑观众听音乐的感受。」将最遥远的带到最现代，致力于南管艺术的传承与创新。在南管跨界中，如何定位自己？早已没有那么重要，王心心最惦记的，该是钟爱的南管音乐，是否又往前跨进了一大步。
剧场中寻《羽》演仙女 抱琵琶随舒曼吟咏《时空情人》
「以前只要担忧演唱与演奏，现在短短的几分钟可以看到许多不一样的呈现，有传统南管的演奏和演唱，也有很多身体上的对话。」不到一个月的时间，南管演奏家王心心即将连续肩挑两场南管跨界演出的重担。又弹、又唱、又演、还需要跳舞。即使长期致力于创新南管艺术的她，在极大的压力下，也只能苦笑地说：「我已经豁出去了」！
首次穿时装 放下乐器演仙女
《羽》所诉说的就是一个被遗忘的时空、也是我们熟知的民间故事「七仙女」。不同的是，失去羽衣的仙女无法回归仙界，困在人间牢笼中看尽生死枯荣。寻寻觅觅后，终于在婚纱店的礼服中里找到她的羽衣。为了一泄羽衣被私藏的愤恨，她让婚纱店男性老板变身为女人，使他切身体会自己的折磨，最后老板在急促的音乐中舞别、坠湖，留下临别前、在象征眼泪的羽毛雨中回眸人间的仙女。
在剧中，王心心将首次穿上时装、丢下乐器，以戏剧性动作及唱腔扮演仙女的角色。全剧并不遵照南管乐师紧邻的坐法，而以梨园戏仪式「踏四门」入坐，取东南西北与春夏秋冬之概念，将音乐家们分别安排在舞台四个角落演奏，让观众像被包围在其中般，受著神秘的气氛吸引。舞台中央则配置橱窗，以书法家董阳孜所写的「羽」字为霓虹灯作为招牌，适时地往舞台前方推进。乐器上更加了国乐琵琶、印度西塔琴、日本的萨摩琵琶，让传统的南管加上不同的韵味，并在必要时呈现弹拨乐器那种铿锵有力、打击的感觉。届时还会在舞台上洒下八百多颗透明弹珠，呈现银河般晶莹剔透的情境。
简文彬弹舒曼 抱琵琶交错唱和
为了纪念舒曼两百周年诞辰，《时空情人音乐会─舒曼与南管的邂逅》设计将作曲家以海涅的作品所谱写的十六首联篇歌曲《诗人之恋》中，加上南管吟唱曹雪芹的《葬花吟》、李煜的《乌夜啼》及李商隐「春蚕到死丝方尽，蜡炬成灰泪始乾」来呼应爱情的苦涩与伤怀。观众在音乐会上，可听到三种有趣的尝试──有《诗人之恋》的歌曲与南管曲牌交错衔接，有两者的叠唱呈现，还有南管音乐为艺术歌曲配奏。由此，观众可以在欣赏男高音提尔曼．利希第（Tilman Lichdi）演唱的同时，听见王心心唱出德文歌词意境的延伸，其中包括思念的声音、快乐的声音，或者说不出的情绪表达。而最特别的是指挥家简文彬亲自弹奏的钢琴，不仅是作为男高音的伴奏，还具有多重意义，例如情绪的带动，让演唱者能够在酝酿出的气氛后接续，或者是模拟南管乐器，为吟唱托腔，并在适当时机，将场景在东方与西方之间转换，让他即使不拿指挥棒，却也肩负著「指挥」的重责大任。
当他们遇见南管……
《羽》导演
汉柏斯 为南管加上西方剧场新氛围
从二○○六年来台执导汉唐乐府的《洛神赋》开始，法裔德籍剧场导演汉柏斯即对南管产生浓厚的兴趣，喜爱的程度让他不仅欣赏，短时间内更学会辨识一些简单的南管乐谱，并且随兴吟唱。
从西方歌剧的角度看来，他认为：「南管的节奏非常缓慢，却绝非不是一般人心中认为的那种『拖』出来的刻板印象。」歌唱方式虽然与西洋歌剧不一样，但却很像咏叹调那样唱著内心深处的情感。尤其是音乐线条的纯粹与细腻，让他更为倾心，因此运用西方的剧场概念与想法，发挥想像，共同寻找新的一种表现形式。
「南管的音乐是活的！」即将推出第一出南管现代歌剧，汉伯斯认为「新的创作还是根基在南管的基础上，《羽》让传统与现代作连结，两者彼此融合而不矛盾，这是我认为非常完美的。」而由王心心担任主角，汉伯斯更认为她有著仙女一样的气质，非常适合这个角色。
《羽》可以说是一个跨国制作，但却在戏剧院的实验剧场演出，与以往的演出规模相较似乎精简许多。但汉伯斯确认为，过去在大的剧场演出，舞台设计、灯光等元素非常强大，但移师到小剧场中，更能够感受到南管特别细腻的气氛，相当适合这次所要传达的氛围。
《时空情人音乐会》钢琴家
简文彬 揣摩音乐与南管恰当配合
在《时空情人音乐会》中，鲜少公开演奏的简文彬即将放下指挥棒，以钢琴伴奏作为桥梁，将舒曼的连篇歌曲《诗人之恋》与南管音乐连接起来。事实上简文彬所负担的工作并不只有伴奏而已，而是要合情合理地将舒曼这十六段歌曲给予分段，并且要考虑男高音的情绪连贯、兼顾美的呈现，才能够让南管进入到如此的设计当中。因此他强调：「这不只是一次跨界合作，最大意义和特殊性，在于这是一次全新的创作。」
第一次欣赏南管是在王心心工作室，简文彬记得当时近距离欣赏一位艺术家如何准备、如何营造气氛并且演出他完全陌生的表演非常感动。「好像手指一拨，就可以跳脱时空。」而相同的，舒曼在他生存的年代的作风也是特立独行的，他并不完全走传统的路线，而且也总是在追求片刻之间的美感，因此才让他有结合两者的构想。然而《诗人之恋》原本就已经是很完整的连篇歌曲，要如何在这个基础上再做延伸？简文彬则表示：「并不是说要在原本西方作品中『强加』上一些东西，而是在原本的作品中配上东方的对照，并且让两条线同时进行。」
从《诗人之恋》中获得感受，进而从南管原有的曲目中选出可以对应的作品来，王心心的工作确实相当不容易。「一起合作的音乐家是不是有那种敏感度，能够马上抓到一些东西？这是很重要的。」而从一开始南管曲牌的选择，就可以感觉得到她非常灵敏，而且可以完全掌握到自己的专业。反倒是钢琴的伴奏，简文彬笑著说：「即使只有几个音，都必须要认真揣摩，才能够将韵味与南管音乐配合得恰当，并且将歌词情绪相融合。」
《时空情人音乐会》导演
魏瑛娟 以光影铺陈时空的跨越
「某种程度上，音乐已经提供了一个基础，整个音乐会的结构是很清楚的，从情绪比较低落、激昂到如何去收，其实灯光只是加强那个氛围，提供视觉上的想像。」《时空情人音乐会》的导演魏瑛娟，一语点出整场表演的重要安排。
没有太多戏剧演出的空间、完整的音乐会更无法用复杂的灯光声效来破坏，导演的工作在此看似容易，实则困难。由于整场演出还是在音乐会的架构下，音乐本身的结合包括了钢琴、男高音及南管的演唱和演出，内容已经相当丰富，因此魏瑛娟所采的方式就是「低限处理」，让多方结合的音乐会在一个简单、纯粹的情感下，仅以光影的进行为辅助。
基于「时空情人」的主题，她开始思考如何将不同的元素在同一个画面中呈现。「右舞台是非常西方的钢琴、高脚椅、盆栽、立灯、复古沙发椅，而左舞台有古董、琵琶、洞箫等。」有趣的是，以左右舞台划分东西，却由于舞台不大，没有办法真正做明确的分别，所以也会让演出者时而突破界线、在其中穿梭，具有十足的「跨越时空」及「跨界」的象征寓意。而演出地点──二级古迹的中山堂光复厅有非常浓厚的历史韵味，漂亮的建筑、延伸到二楼的楼梯及水晶灯……都能够立即取材，不必重新布置就有的背景，能够让呼应歌曲、带著东方线条的王心心在楼梯上下及舞台做简单的走位。「一般想到这种音乐会感觉都是比较一板一眼，所以我希望这个表演能够轻松、休闲一点，让大家有上海的『钢琴酒吧』里那种混搭的风格。」回到情感的本身，让两方的音乐在这极简的辅助当中，发挥最强的力度。
