PAR 表演艺术杂志

观众的南北流动  

有了在地剧院后，表演场地不再局限在台北，团队得以多开场次在各地巡演，中南部爱好艺文的观众们也能就近欣赏演出，可谓双向受益。但由于某些节目仅在中南部开演，造成观众的大量流动，让以往只有单向的「北上」现象，一转成为「南移」。

南北互流的确造就了艺文热络的表象，但不可讳言的是，看表演所附带的负担也随之增加。交通上，选择节省时间便提高了成本；选择了节省成本则须付出更多时间。再者，若演出时间过长，还须加上过夜的花费。因此在决定是否观赏表演前，也不得不先惦惦荷包了。不过，即使南北流动，观众数量还是有限，作为一个大剧院，能否深耕在地、活络地方团队并且开发观众，这又是另外一个问题。

 剧场与团队的关系

未来剧场与团队间的合作模式可能出现重大变化：委托制作、共同制作，甚至串连多地剧场、以连锁院线的方式进行签约、执行巡回，都会因大剧院时代而生。演出团队与各地剧场的关系更形紧密的同时，台湾有多少表演团体可以胜任大剧场的制作规模、预算运用、票房销售？则是在这样的合作状态之下，势将面临的问题。

剧场大了也多了，即使在一定程度上解决了以往僧多粥少的窘境，团队们其实也早已习惯各凭本事、自寻出路，如今这大碗公一端上桌，尺寸不小，谁吃得下？还得秤秤斤两、摸摸肚量。馆方敢不敢把制作交到某某人手上，这是个问题。或许将来也会出现较长期、更稳定的关系，甚至是由某团队艺术总监直接经营剧场，或每年的某一季，完全由某团体规划使用，行之一定年数后再行招标、轮替也不无可能。

剧场与剧场的关系

台北的国家两厅院、台中国家歌剧院与卫武营国家艺术文化中心，是国家表演艺术中心辖下的三场馆，在「一法人多馆所」的组织架构下，不仅得「异中求同」，思考合作机制，还得「同中存异」，保有场馆特色。如何思考彼此的竞合关系，将是未来挑战。

就节目而言，除了国际邀演节目的三地巡演、艺术节品牌的串连，三场馆将共同推出「国家表演艺术中心场馆共同制作计划」，以千万制作费征求国内团队与场馆共制作品；在行政上，馆际之间将建立服务平台，表演团队可望透过单一窗口，申请三场馆场地租用。

中小场馆的特色与定位

大剧院时代来临之后，其实也意谓著表演艺术的「分层」得以底定，中小型场馆将有更多空间去发展、探索自己的定位。最好的例子，大概是如伦敦皇家宫廷剧院（Royal Court Theatre）那般，长年专攻、培育新文本的制作与演出；或似牯岭街小剧场的经营方式，与周遭社区、来访团队建立伙伴关系，同时以自制展演节目、论坛交流，延续场馆的风格属性；另外，如水源剧场近年的长销式节目扶植计划，也不失为一种策略方针，实际上也确实为其立下口碑与知名度。

在大、中、小型剧场的规模、数量都有所扩增之后，不同层级的展演空间，才能寻觅其专属的路径，自有特色也应就此而生。

票房影响生态

大剧院只要一开门，便有数千个位置空出，无论北中南，多一场就多了沉重的票房压力。以往表演集中在北部，容易造成抢票热潮，如今中南部加开场次，虽然嘉惠了当地观众，却分散了票房来源，使得几场热门的节目的购票情况，顿时显得疲软。

此外，以往团队申请场地演出并自行负责售票，但在大剧院形成之后合作模式增加，团队开始由主动演出化为被动接受邀演。如此一来，票房的销售便由剧院执行，压力也从团队转嫁至剧院。去年度就已有团队单靠邀演支撑营运，无须背负票房的案例。这对行之有年以补助为主、票房为辅两大经济支柱生存的大部分表演艺术团队而言，绝对是一大改变，当然，邀演单位的品味、经济、承担、压力等种种因素，是否也将间接地转嫁到团队身上？以往补助所恪守的臂距原则是否还能持续？此「成也剧院、败也剧院」的结果是好是坏？尚待后续观察。

大舞台的创作导向

因应新场馆的舞台规格与观众席次，未来势必有更多大型制作的产生。然而，放眼目前台湾创作者，作品能登上大舞台者屈指可数，将来可能被迫一夕之间「长大」、「升级」。

虽说大剧场、小剧场没有优劣之分，然而，面对两百人与一千五百人的观众席次，是绝对不同的事，市场性势必隐然影响作品的走向。从体裁、形式到行销、包装，创作者如何保有作品的初衷？场馆能够给创作者多少发挥空间？环境可以给创作者多少时间？观众又能包容创作者几次「失手」？展望大剧院时代，这是整体必须要面对的现实课题。

制作寿命延长

过去朝生暮死的表演艺术，因进剧场工作的时间有限，首演场即整排场的状况并不乏见，明白地说，作品早产早夭、速速封箱亦是耗损创作者能量与资源的主因之一。如今大剧院时代的来临，剧场彼此串联，演出团队有机会因全台演出空间、资源增多，而摆脱耗尽心血的制作却仅有一至两周生命的宿命。

另一方面，透过作品与观众对话时间的延长，创作者亦有机会能倾听意见，较为充裕的时间能使作品的调整空间与幅度增加，也让作品有臻至完美的可能，以形塑更健全的观演关系。

节目策划方式与内容

各地大剧场共同策划节目并串连巡演，或将本来各施其政的国际艺术节，统整为一个大型的年度表演艺术盛会；抑或是在各自的艺术节外，另规划一个年度主题（譬如英国当年的国际莎士比亚戏剧节）；也可能由场馆举办系列活动后，将其中的演出节目，特别规划交换巡回的档期。在演出内容上，不同地区的剧场，其自制表演、受邀团队，自有个别希望发展的目标和脉络，然而于此同时，也能更进一步考虑，北中南剧院间的合作、不同地区观众的接受度，是否能在策划之初、邀演敲定之前，即有资源共享、预算均摊的机会。

可以想见的是，未来不管是来台公演的国际大型制作，或各剧场筹划的剧节、有意扶植的当地艺术团队等，深具场馆特色的作品，都有机会纳入纵横全台的国家表演艺术中心演出系统之内。

因应环境在地经营

文化作为日常生活的展现，北中南因应截然有别的都市纹理，剧场经营势必将深入在地脉络，寻求有效的扎根策略。比如地处台中七期重划区的台中国家歌剧院，腹地较小，四周环绕高耸入天的豪宅，便以时尚、设计为剧院定调，曾被誉为「全球最美书店」的好样团队进驻后，以设计选物、美食、精酿啤酒吸引年轻族群进入剧场；之后也可能因高雄卫武营艺术中心地处大片绿地，迎合社区居民喜爱户外运动的生活习惯，举办大量户外演出、社区剧场吸引邻里叔伯婆妈，触角伸入在地居民生活领域，稳扎稳打培养观众群。

大剧院时代，各地剧场不再以「艺术殿堂」自居，顺应地方性格的经营规划，才是艺术与观众搭桥的路径。

公共空间的活化与运用

观众到剧院除了观赏演出之外，还能做什么？若能多元运用剧院内外部的公共空间，除了加强社会连结与在地营造，也能让剧院更贴近观众的生活。例如，户外空间的装置与推广演出，通常是一般民众接近表演艺术的第一步。前台的展览与讲座，让观众在看戏之前，就能深入了解演出特色。主题式书店与商店的设计，提供看戏之外的知识延伸与消费体验。甚至更进一步，以剧院的建筑结构为主体，量身打造特定场域的演出，挑战创作者不同的思维。

表演艺术将不只局限于舞台上，更在剧院有形、无形的空间发散、连结、深植。