PAR 表演艺术杂志

Q：伍斯特剧团已进入第四个十年，如孔子所言，四十而不惑，您的剧团正值壮年，想必标的清晰，请问剧团作为前卫剧场的领头羊，如何不断更新、保持青春，不断站在前卫最前端？还是这根本不重要？站在前卫尖端需要付出何种代价？

A：这问题让我想到了两句格言，一句是「旧的总会翻新」，另一句是 「死亡乃是永恒的刺激来源」。我至少能够说继续做剧场的欲望绝对还在。本团持续吸引年轻新血，带进新的想法新与技巧。这也算是种回春吧。永远保持在前卫的前缘并没有让我们付出高昂的代价，至少在前卫浪头居于领先并非我们在艺术上追寻的目标。即便在当下的环境，连维持剧团的生计都困难重重，尤其在开源方面。

Q：伍斯特剧团的成立与谢喜纳的表演剧团关系密切，而谢喜纳与纽约大学 Tisch艺术学院关系深厚，你本身就是杰出校友。请问学院理论对於戏剧创作是助力或阻力？八○年代风起云涌的解构理论是否对于伍斯特解构改编经典名作，例如《哈姆雷特》与《小镇风光》有所影响？

A：我们的确从理论获得发想。理论其实唾手可得，我们并不会特别偏重学院理论来求指引。我们汲取理论，就如同我们吸收所有其他任何启发我们的管道一样：新闻、电视、电影、音乐等。每出戏都花相当长时间研究，来吸纳各种题材，最终发展出集体理论。理论是种工具，而非学院派的应用。

Q：你的剧团以破除禁忌而声名大噪，甚至声名狼藉，这包括挑战政治正确。妳个人演出欧尼尔的《琼斯皇帝》就是跨界性别与种族的典范，性别跨界属政治正确，跨种族黑脸办非裔却引起广大争议，尤其在卅年前就已经因为ROUTE 1 & 9引发白人扮黑脸的争议。请你谈谈卅年来的改变。所谓的前卫剧场经常被视为在形式上高度实验性，妳认为这与拥抱特定议题或社运有无背道而驰呢？

A：种族议题造成美国文化相当大的鸿沟，也挤压出源源不绝的题材。这是不容忽视的。在我们的社群，我们支持各式各样的艺术家，并且透过我们已成立廿年的学校及暑期班，培育了许多有色人种的年轻人。我们的作品探索过像电视这种媒体，将其与黑人喜剧演员马克汉姆著名的综艺秀笑料并置。在此事件之后，我们尝试探讨白人创作者 「书写」黑人应扮演的道德角色，例如探讨亚瑟．米勒（Arthur Miller）以史实沙林镇猎巫审判来批判白色恐怖的《熔炉》里的黑仆角色提图巴，我们就在L.S.D. (…JUST THE HIGH POINTS…) 深入探究。《琼斯皇帝》的黑人角色扮演算是高度美学化，运用日本能剧与歌舞伎的面具。我将其看作剧团多年来以面具来探讨种族问题的集大成总结。而今THE B-SIDE的题材是由黑人艺术家带入，由我们作为回应方，双方合作，期待火花。 

Q：即将在台北首演的新戏THE B-SIDE是以唱片录音为本的创作，请谈谈音乐及其他媒介对于伍斯特创作的影响。你们在十余年前巴洛克歌剧演出才刚重新起步时，就大胆演出了十七世纪卡瓦里的义大利歌剧《狄多女王》LA DIDONE（2009），也请一并介绍。

A：音乐及其他各种媒体都在我们的戏剧创作扮演重要角色。这出戏的关键点就在于真人实况演出所传达给观众的，以及预录的声音所传达给现场观众的，这两者之间的辩证。我们剧场想探讨的是文献、文物，与遗物的戏剧，如何与当下此地的现场表演有所互动。我们运用所有的纪录媒介，包括唱片、录像、影片及录音谈话等，在不同个表演都有不同的功用。表演风格也从表演素材中应运而生。

巴洛克歌剧是由艺术节所委托制作，以卡瓦利（Francesco Cavalli）的歌剧搭配巴瓦（Mario Bava）一九六四年的电影《吸血鬼星球》Planet of the Vampires。我们从开始就跟专业歌剧演唱家与音乐家密切合作，他们完全现场演出，跟伍斯特剧团演员同时表演，并运用录音与录影资料。

将在台北演出的THE B-SIDE我们特地采用不同的手法，吾人称之为「唱片诠释」，之前就用于《早期震教徒灵歌》。这两出戏都用唱片作为组织准绳，表演者运用耳机装置对嘴模仿唱片歌者演唱，唱片的解说及其他附带文本也都会用到。

Q：不少人对于伍斯特剧团集体创作的方法深感兴趣。导演伊莉莎白．勒坎特是否掌舵所有制作？其他团员如何加入己见？你们的制作会议是否有些独到之处可以对外透露的？

A：伊莉莎白．勒坎特长久以来一直领导整个团及所有创作。每一位团员都可在排练室尽情发表意见，基本上每个人都算是戏剧顾问。我跟莉莎（勒坎特）的工作伙伴关系最久，也获益良多。她对我非常信任，甚至让我当导演，指导《早期震教徒灵歌》。THE B-SIDE也是我当导演，她担任舞台设计，关系完全对等。

Q：接著以上提问，虽然伍斯特剧团人才辈出，每个创团团员都可独当一面，值得专书研究。请问个人自尊是否会影响集体创作？或者遵循布莱希特式的集体利益压倒个人意志？

A：个人团结在工作下。导演勒坎特说了算，因为大家都信任她的独到眼光。透过这样的信任，我们都愿意「信心大跃进」来跨越鸿沟。而且不同人会在不同创作案里，找到属于自己的情操与精神核心，依据不同的文本，一旦抓到这核心，即可超越个人自尊，让大家为了创作而产生向心力。

Q：我个人于九四年在美国加州大学圣塔芭芭拉校区求学时，曾经观赏斯伯汀．葛雷（按：已不幸于○四年自杀身亡）的单人表演《格雷氏解剖学》Gray’s Anatomy感到相当震撼。虽然我俩生活经验毫无交集，但除了所谓人性共通处外，表演时有股莫以名之的特殊魅力令人折服。作为表演者妳是否有类似体验可分享？即将来台演出的作品，有其特定的美国文化脉络，在海外演出时，你会特别考量文化障碍嘛？有特别希冀与国际观众达成的对话与交流吗？

A：你所谓的「莫以名之」（je ne sais quoi）特质我相信是源自于导演莉莎（勒坎特）的指导，她有能耐找出演员的真实样貌，探其所欲、竭其所能，使其更上层楼……想办法框出演员最真善美的一面。接著她会微调自己的编导策略技巧，旨在引出演员最明澈、超越的向度。她对葛雷就用这套。他开发自己的单人表演时就是透过莉莎的指导。她把我们全体都带进新的艺术境地。

至于你问到在海外演出文化障碍的问题，我认为语言是首要障碍。不过学习如何在不同的文化语境演出特定作品，也恰好是我们进一步了解这异质文化的方式。作品会得到不同的反响，这不同的经验当然也就因而会改变了这出戏。我们热切期待在台北所有正式与非正式的交流。能在台北艺术节演出，我们备感荣幸。