2025 FOCASA马戏艺术节-澳洲．引力神话马戏团《一万小时TenThousandHours》
2025/10/4～6 21:00
2025/10/10～12 15:00、21:00
高雄 M探险号 马戏篷（高雄展览馆轻轨站旁大草地）
观众还未入场坐定，8位赤脚、身著日常排练服的表演者已经在场上暖身，有人倒立、有人翻身落地，有人抱著肩膀喘气，汗珠顺著手臂滴在黑色地版。这里既是排练场，也是舞台。演员身后，是一座巨大的 LED 时钟，冷峻白光显示著「10,000：00」的倒数起点。表演还没正式开始，空间早就充满能量。
这是来自澳洲阿德雷德（Adelaide）、最具代表性的当代马戏团队引力神话马戏团（Gravity & Other Myths，简称GOM）去年首演的最新作品《一万小时》（Ten Thousand Hours）。此作接连拿下2024年阿德雷德艺穗节「最佳马戏表演奖」（Best Circus Award）以及2025年「评论人协会奖」（Adelaide Critics Circle Award）。今年10月将应FOCASA马戏艺术节之邀，来台演出。
一封献给练习历程的情书
《一万小时》由 GOM 创团成员拉克兰．宾斯（Lachlan Binns）担任导演，灵感来自英国作家麦尔坎．葛拉威尔（ Malcolm Gladwell） 在著作《异数》（Outliers）中所提出的「一万小时法则」，意味著「要成为某领域的大师，需要投入一万小时的练习」。然而，作品并不颂扬完美，它反而礼赞过程——那些汗水、重复、无聊与突破交错的时刻。宾斯说，这是一封写给身体的情书，一场向专注、锻炼与毅力致敬的演出。
「艺术家一生都在追求技能的极致，无论是杂技、体操、音乐还是舞蹈——而这些旅程之间有著惊人的相似性。我们经历了初学时的兴奋、技能进展中遇到的挫折、突破后的欣喜、以及随之而来的快速进步。还有那些血泪交织的深夜，无数被训练、比赛与演出占据的时间，错过朋友聚会与社交场合。 但也有我们一起工作的喜悦，一起游戏、竞争、互相扶持的过程。」宾斯强调，这些经验，每个人都曾经历：我们都在数千条旅程的起点、中段，或接近尾声——有时甚至同时处于这3个阶段。这出戏正是要庆祝这一切。而对他而言，这也是他作为导演的全新旅程的开始。
演出由鼓声与身体双重引导，倒数计时器不断提醒观众时间的流动，同时也形塑了节目内部的结构——从暖身、反复、打破惯性，到最后的连续飞跃与对抛，每个段落都让观众看见技巧从零到有的累积痕迹。扮演画龙点睛角色的，是乐手尼克．马汀（Nick Martyn）的现场演奏，他以爵士鼓与电子声响混合建构节奏空间，时而模拟心跳，时而拉出思绪张力，与表演者的肢体推进节奏，同步协作。
GOM 长年以「集体共创」的工作方法著称，演出可看之处不仅来自高超技术，更来自表演者之间真实的互动与强烈的团队默契。在《一万小时》中，表演者在观众面前反复挑战高难度的身体技巧：叠罗汉、翻滚、接抛，每一次尝试、失败、跌落与重来，都真实发生，也真实被接住，毫无矫情造作。观众不再只为「成功瞬间」用力鼓掌，更为了「无畏失败」深刻共鸣。信任协作与高难度技巧，同等重要。
《一万小时》展示的是当代马戏如何从传统的炫技展示，转为对人类的失败与脆弱更深的凝视。透过群体的合作关系，谁在底座，谁站二阶，谁失败时伸手拉回谁，演绎的是马戏，也是人生——努力不一定成功，练习本身，就已值得搬上舞台。
我们不是超人，更无需伪装成钢铁
专访《一万小时》导演拉克兰．宾斯
从 2009 年共同创办引力神话马戏团（GOM）以来，拉克兰．宾斯（Lachlan Binns）一直是这支澳洲当代马戏团队的核心人物。他从小接受马戏训练，成长于阿德雷德（Adelaide）的青年马戏机构 Cirkidz，如今已从台上的表演者，逐渐退居幕后，成为导演与创作引导者。《一万小时》是他在 GOM 首度担任导演的作品，也是一场延续他对马戏艺术长年投注的身体与精神实践。
GOM 长年以「集体共创」的创作方式闻名于国际，在这部作品中，宾斯延续团队「集体共创」的传统，从一个简单的概念出发，带领团队透过训练、即兴与身体任务逐步推进，创造出一场献给「训练过程」的舞台演出。专访中，宾斯深入分享他如何从表演者转型为导演，GOM 如何维持集体创作的张力与开放性，及《一万小时》开始酝酿到登上舞台的历程。
Q：可否介绍一下你的训练背景，以及如何成为 GOM 团队的一员？
A：我是 GOM的创始成员之一。从 12 岁开始学马戏，在南澳阿得雷德的 Cirkidz 马戏学校接受训练。高中毕业后，我和6个朋友都想继续走这条路，于是我们在 2009 年一起创立了 GOM。
Q：GOM 的作品一向以「集体共创」（ensemble‑driven creative process）著称，从概念酝酿到实际形成的过程大致为何？
A：我们的创作常常从一个小小的灵感出发。《一万小时》的起点，是来自麦尔坎．葛拉威尔（Malcolm Gladwell）的一句话，也刚好呼应我们长年的训练经验。
从这个想法开始，我们会设计一些身体任务，用即兴方式快速生成很多内容，再慢慢挑出精华、组成完整场景。
接下来，我们会边排练边发展音乐与舞台设计，让所有元素能融合在一起。就算作品已经首演，我们还是会持续修改与打磨，对我们来说，创作永远不会真正结束。
Q：《一万小时》是你担任导演的第一部作品。你是如何决定从表演者正式走向导演角色的？这样的角色转换，是否也改变了你们以往的共创模式？
A：某种程度上是因为年纪到了，身体快到极限。但其实我一直对创作这件事很有兴趣，也很享受深入思考的过程。因为我从 GOM 创团就一路走来，对团队的核心精神非常熟悉，跟大家的关系也很好，这让我可以自然地转换角色。最重要的是，这群人是我真的很想继续合作的伙伴。
Q：你形容《一万小时》是一封「献给训练过程的情书」，这样的创作动机，是否来自你身为表演者长年训练的亲身经验？
A：我们发现观众对于「幕后」或「排练场」发生的事往往比舞台上更感兴趣，所以我们乾脆把这个主题搬上舞台。这不是个人的故事，也非单纯只是我的经验，我们是一个团队，这个作品与我们每个人的生命经验紧密相连，是整个团队一起走过的历程。
Q：观众在这部作品中，会看到演员在尝试与失败之间反复。为什么你认为「展示失败」这件事，在这部作品中如此重要？
A：我们觉得观众应该看到演出背后真实的风险和挑战，每一个完美技巧，高难度动作的背后，都藏著无数次的失败与重来。我们不是超人，也不必假装无坚不摧。
把失败放进表演里，让观众更能感同身受。他们会跟著我们一起屏气凝神，一起经历那个「到底会不会成功」的瞬间。
Q：音乐一直是 GOM 作品的重要元素。在这个作品中，音乐如何与演出的节奏与情感结构互动？与尼克．马汀（Nick Martyn）的合作有何特别之处？
A：尼克不仅仅是打鼓。他与我们合作已久，但过去总是演奏别人的音乐。这次终于有机会为新作品作曲，对他来说是很棒的挑战。
我们认为与杂技同时创作原创音乐，能达到更完整的整合效果。音乐与身体并行推动演出，而不是事后再叠加上去。尼克的音乐将动作提升到另一个层次，且他丰富的现场演出经验也让整合几乎天衣无缝。
此外，我们还与申索．葛雷哥里欧（Shenzo Gregorio）合作，录制了大量电子声响，与现场打击乐融合。两人搭档非常出色。
我们喜欢高节奏、高能量、高分贝——这让演出充满乐趣。
Q：时间的流动与技艺的积累是这部作品的核心，你如何强化观众对「时间」的感受？
A：有时候最简单的方法就是最有效的。我们在舞台后方放置一个大型 LED 时钟，随著演出推进持续计时。时间、数数、重复都是这个概念的核心，因此我们用许多明显与隐晦的方式来呈现它。
Q：从 2023 年的《纯粹之境》（A Simple Space）到今年的《一万小时》，这是你们第2次来台湾。你会如何向台湾观众介绍这部新作？相较上一部作品有何不同之处？
A：这部作品规模更大，也更复杂，多了两位演员，让我们能完成更多前所未有的挑战。过去 13 年来，我们的杂技语汇已经发展到全新的境界，内容感觉新鲜又独特。音乐在这部作品中也扮演更重要的角色，观众将能明显感受到与以往不同的声音景观。
（本导演专访与《读马戏 Do Circus》同步刊登）
