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评论 戏曲热闹讨喜的当代政治预言
评《转生到异世界成为嘉庆君——发现我的祖先是诈骗集团！？》依据史实，清朝嘉庆皇帝从未到过台湾，但「嘉庆君游台湾」却是台湾民间传颂不已的传说，1970年代以后，被多次改编为电视连续剧与歌仔戏，引发的收视热潮，与当时逐渐成形的本土文化景观（乡土文学、洪通与陈达、兰陵剧坊、《科学月刊》与《汉声》、台湾新电影）之间的关联，应该是一个值得探究的议题。 明华园戏剧总团的《转生到异世界成为嘉庆君发现我的祖先是诈骗集团！？》（后简称《转》），以流行概念（异世界转生）融合民间传奇与热门时事，作为2025年戏曲艺术节旗舰制作，是否也反映了本地当下的政治态势与社会情境？ 《转》的创作组合，备受瞩目。编剧蔡逸璇曾经担任2024年大型歌仔音乐剧《1624》共同编剧，并且有两部作品入围2024年传艺金曲奖（《国姓之鬼》、《红喙须的少女》），导演宋厚宽则以《国姓之鬼》成为台新艺术奖与传艺金曲奖双料得主。演员部分，除了明华园孙翠凤、陈昭婷，更邀集一心戏剧团孙荣辉、孙诗珮、孙诗咏，绿光剧团吴定谦共同演出，母女、兄妹、天团当家名角、传统与现代同台竞艺，不仅有话题性，更有丰富的可能性。明华园戏剧总团的制作能量，如何能让这样的组合迸发出最大的能量，自然让人有高度期待。
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专栏 关於戏剧的五四三戏长怎么算？
刚开始创作的时候，并不会有「戏长应该要多久」的思考，只能从一次次课堂作业的时间要求，渐渐累积对戏长的掌握，随著同时作为观众与创作者的经验逐渐累积，理解到情感与核心还是得仰赖技术的辅助才能呈现，而思考「长度」的同时，也同时引领思考整体的架构布局。 都是先去做了，才去看技巧类的专书，编剧也好导演也好剪接也好，做中学，毕竟没有自己走过一遭，光看技术书难以理解具体的流程，看完也可整体出符合自己习惯的方法，按照书上的方法不一定能做出成品，但得经历了一定的实务经验，才整理得出方法。 去年拍了短片，找了信任又仰赖的徐汉强导演担任剪接，剪接时我还无法决定最终时长，在监制宗翰跟汉强的指引下，了解了国际影展上，最严格的短片长度要求不超过15分钟（含演职人员表），金马影展往年都是60分钟，今年改成40分钟。15分钟是一个神奇的单位，《超棒影集这样写》提到，在20世纪初期，电影放映师每过 15 分钟，便必须起身更换一盘胶卷。某些编剧理论学家则根据过去此一做法，将电影诠释为8个 15 分钟的片段。有线电视时代，每一段戏有很明确的分隔，那就是广告破口，像是舞台剧分4幕，影集也有，依循著每13到15分钟由广告破口，将1集分为4幕，有时到5幕，或者4幕加上序场，剧本最重要的就是结构，时间如何被分配影响著结构。 与翠贝卡、日舞影展等美国指标性大影展有合作的「The Film Fund」电影发展基金，其网站简介了短片的时长，以及须包含的：一、先简单决定一个可以努力实现的预设短片长度，约为10分钟，10分钟刚好足以让观众了解角色个性、角色发展、故事情节。二、创作剧本时要了解电影最后透过剪接来呈现，原本计划的10分钟可能变成5分钟或15分钟，当下唯一要专注的是写出精采的故事。三、1页剧本1分钟（指的是美式剧本格式）。四、删减不必要的对话，短片篇幅有限，与核心无关的对话都得删除，如果自己做不到，请客观的第三方来协助你。五、比起对话，短片更不能容纳一些缺乏明确目的、没有办法推动情节的场次，1场大约1到3分钟，是以短片不要超过15场。六、短片可以以一个神秘性或戏剧性的结尾结束。 带著实际操作过的体感，回看之前的短片剧本，总共写了13场，在范围内，剪接时因对话与庞杂资讯较多，拿掉了一场，对话也经过裁剪拿掉重复资讯；不必要的场次不只后制，拍摄期也
希望女儿来到我们家，可以好好地做自己
竺定谊、孙瑞君与女儿跳跳
从小听、但没什么感觉的动作，在女儿身上得到印证
舞蹈家董怡芬与她的女儿Nikar
是母女，也是两个演员的拥抱与对话
王世纬与女儿廖宇墨
女儿扮家家酒，就跟我排戏很像
剧场编导宋厚宽与他的双胞胎-
国际 槟城乔治市姑婆屋的沉浸式演出 述说「妈姐」人生
1930年代有一群来自中国广东省的自梳女，为了家计离乡背井，来到南洋一带当华人家庭的帮佣。为了不再成为盲婚哑嫁的受害者，她们选择终身不嫁，通过自梳仪式扎起一条长辫子，身穿白衣黑裤，成为人们眼中的「妈姐」。她们集结成社，合力筹钱买下屋子住在一起，就是外人俗称的「姑婆屋」。 槟城乔治市南华医院街一带是当年妈姐的落脚地。街上都是百年历史的战前老屋，很多被当时的妈姐买来当姑婆屋养老。经过半个世纪的洗礼，姑婆屋不复存在，其中一间坐落在29号的屋子近年被修复成艺文空间Journal Caf，屋内张挂著泛黄的妈姐生活照，记载著这段特殊的历史。
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专栏 日常素描人生片刻
他抹好浪子膏，才刚要出门，从门缝里望见母亲和继父对坐客厅，手里不停，做著几块钱一个家庭代工。明晃晃的日光灯下，他见母亲脂粉未擦，一张脸满是风霜，终于老成他快认不得的模样。飙车少年说，他站在那未开灯的房间里，隔著门缝，泪流不止，觉得妈妈怎么会突然老成这样。就在那几秒钟的片刻，飙车少年感觉时光飞逝，一下子长大许多
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国际 澳门澳门剧作首获曹禺剧本奖 《捉迷藏》以悬疑故事包装东西价值差异
澳门晓角话剧研进社制作、李宇梁编导的《捉迷藏》一剧，最近获得「第10届中国戏剧奖．曹禺剧本奖」，颁奖晚会5月21日于上海举行，李宇梁及该剧主要演出者、剧团成员等专程赴沪出席颁奖活动。 《捉迷藏》2023年于深圳首演，同年12月在澳门文化中心演出3场，是澳门剧作家李宇梁最新戏剧作品。《捉迷藏》故事讲述与丈夫离异的退休教师惠贞，带著毕生积蓄从澳门飞到加拿大，准备投靠自小就被自己送到亲戚家中长大、在异国接受教育的女儿Crystal，到加国后，才发现母女两人在语言、生活习性、价值观上难以磨合，惠贞更因为自己手上那笔钱经常感到生命受到威胁悬疑推理的故事包装著华人社会与西方世界的家庭、亲缘的价值差异。剧作家李宇梁于1975年与友人共同创立「晓角话剧研进社」，50年来笔耕不绝，即使于1990年代移民加国，期间亦经常编写剧作，供澳门剧团搬演。2000年，由李编剧、晓角话剧研进社制作的《水浒英雄之某甲某乙》代表澳门参加在台举办的「第3届华文戏剧节」，于国家两厅院实验剧场上演。
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评论 音乐卸除具象情境 用音乐看见内心画面
评《湖底之鬼》剧场理论课总是会提到这么一段：「Theatre」（剧场）字根来自希腊文「theatron」，意指「观看的地方」。究竟怎么会有演出在开演前，发给观众一人一副眼罩，要大家闭上眼睛观看呢？ 这是台中国家歌剧院2025 Arts Nova推出，由樱井弘二担任作曲与音乐总监、郑咏珊导演与编剧的《湖底之鬼》，以7名演员加上6位乐手分奏琵琶、木琴、大提琴、二胡与钢琴的编制，改编《聊斋志异》中的〈王六郎〉这则描写渔夫与水鬼「人鬼跨界」情谊的故事。行销文案以「音乐说故事剧场」（Storytelling Theatre）为定位，看似融合说书（storytelling）与音乐剧场，实则难以明确定义因无前例可循，自然也无类似作品可以类比。
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评论 新锐艺评 Review在量子叙事中寻找异乡之身
评身声剧场《落头氏》在当代表演艺术中，跨语言、跨文化、跨形式的混融已成为创作趋势，然而《落头氏》不仅仅是跨越，更是一次深层的构作重组。这场由来自马来西亚槟城的演出者与台湾创作团队共同打造的作品，借由语言、音乐、身体、物件的交错排列，恰如其分地回应了玛格达．罗曼斯卡（Magda Romanska）所提出的「量子戏剧构作」（quantum dramaturgy）理论。 量子戏剧理论认为，在当代剧场中，角色、叙事、观演关系皆不再受限於单一线性，而是可如量子粒子般处于多种状态与关系中。这场演出便展现了这种非线性、多重态的叙事结构与表演策略。演出中语言虽为主体，但在若干关键时刻，音乐穿插其间甚至主导节奏与动作，为场上肢体注入新的动能。观众在这样的节奏律动中，甚至会暗自期待那瞬间的加速仿佛音乐是触发演员「动起来」的驱力开关。
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专栏 抵达终点左转关于她们与舒服的艺术
前阵子听了个座谈，由5位女性讲者讨论女性创作者在艺术圈的发展与被看见。问答环节，一位男性观众的发问把当日活动推到高潮。他说会去参考一些欣赏的艺术家，想像自己艺术生涯脉络的蓝图。大意就是会效仿某些前辈，而那些前辈都是男性。他不清楚女性创作者是否也会朝向标的发展自己的艺术脉络，假若女性标的也是女性，那过去优秀的女性艺术家若创作脉络都倾向迂回暧昧，是否会失去能提供后世仿效的效应。 他一问完，前排就有一位女性大喊：「阳具崇拜！」大家瞬间都笑开了（我坐太前面，无法看到发问者的表情）。其中一位讲者回应说，我们女性志不在建立阶级与典范。她分享在国外上过一个女教授的课，每次上完都有一种舒服的感觉。她回馈给教授，教授说，这就是我们女性可以提供的。 这句话微微敲中了我。我懂她口中的舒服经验，但那跟女性有关吗？当天刚好有一位参与过我的工作坊的朋友在场，会后还特别跑来说，上完我的课也都莫名觉得好舒服呢。我有些错愕，因为当时脑中正在检讨自己的课程设计似乎离舒适有一段距离。仔细思考，「让人感到舒服」从不被我视为一种正向追求的给予价值，在教学场域搞不好更倾向营造压力与纪律。譬如我曾极度抗拒表演教学上各种暖身好玩的团康游戏，任何游戏除非有跟理论、技术连结，否则好像都是在浪费时间。我总是试图传递具体、结构性的论述或方法，就算是分享感受，也企图在迷雾团块里指出一束光。 但随著教学经验慢慢累积，心态有些转变。过去那种一板一眼的「打底」方式，不过是自己学习惯用的手段，可能更多是为自己非专业背景的补偿效果。我的学生也几乎都是非科班，能相遇也是对表演有点兴趣，吓跑他们绝非我的目的。我常说，课程是让学员培养属于自己的观赏品味，让他们在漫漫人生中懂得如何用创作陪伴自己。「舒服」的关键不是在于工作、学习的相对量体厚度，而是场域中人与人关系的柔软张力。只要说到人际关系，阴性能量确实比阳性温柔有效。阴性是向内的力量，所以聚集、连结；阳性是向外覆盖、取代的能量，产生顺序与阶级。 最近看了有章艺术博物馆的展览「陈美玲」，再次呼应这种舒服。我在闷热的午后昏沈地抵达现场，随著作品眼前渐渐清朗，尽管性别与创作的关系并非绝对，但「陈美玲」就是我认为只有女性策得出来的展。「陈美玲」是女性的虚构集体（fictional collective category），最初
温思妮：从没有经验所造成的「痛」与「错」开始
陈汗青：信任、长期经营与连结──谈疫情之后的台日共制《诚实浴池》
坚守艺术话语权，回应世界变动──专访聚合舞制作团队罗芳芸Ｘ陈成婷
当「连结」成为未来剧场的答案与挑战──塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．欧波库-艾岱、施馨媛谈全球剧场网络的下一步（下）
当「连结」成为未来剧场的答案与挑战──塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．欧波库-艾岱、施馨媛谈全球剧场网络的下一步（上）
在不确定中重新布局──从2025台湾周欧亚交流论坛观察策展趋势
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演出 舞蹈 杨乃璇《沤 少年 àu siàu-liân》中年危机是转机 陪舞者找到自己的声音
「比起动作的雕琢，我更在乎舞者精神与肉体的展现，以及如何在舞台上被阅读。」杨乃璇说。 在音乐抢走空间之前，排练场上充斥著舞者间的嬉笑互损，编舞家杨乃璇一脸严肃，在空间中游走比划动作，嘴上也没闲著，隔三差五地加入舞者的调笑对话。随性的肢体与轻松的气息是排练场多数时候的状态，也总在音乐落下的瞬间，画风一转。火花在5位舞者间喷溅、弹跳，也融入连结彼此，与此同时，每个舞者都立体到无法被忽视，或看作一体。 走过15年的舞蹈岁月，《沤 少年 u siu-lin》是杨乃璇第一次入选两厅院「新点子实验场」的编舞作品，尽管创作以「中年危机」为概念，但坚守整个年少的真实，是杨乃璇到中年也不曾放下的坚持。因此她的中年危机跟别人不太一样，危归危，在她眼里却是满满的生机。
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专栏 延长音成功的定义
是年薪百万、是进入梦幻名校、是登上国际舞台？这些答案我们都耳熟能详，也在成长过程中曾无比向往，但那真的就是所谓的「成功」吗？还是，只是社会写给我们的剧本？有时候我会想，若成功只是活成别人期待的样子，那最终到底是为了谁？那些我们努力追求的荣耀与赞叹，是否也在无意间，把自己的人生交给了旁人的眼光？ 对我来说，能够成功地完成一件事，并因为它让世界多一点美好，就已经是人生极大的喜乐。或许，这件事安静得很，不吵不闹，却深刻得难以动摇。这份「美好」，可能是舞台上的片刻光芒，也可能是课堂里学生的微笑，甚至是自己内心的平静。 在欧美生活多年后回到可爱的台湾，除了愈来愈珍惜在台湾的点点滴滴，同时也渐渐意识到：相较于欧洲，这里的人似乎更容易被旁人眼光影响。谁家的孩子考上台大医科、谁手上多了一个新款爱马仕，谁新买了一台保时捷这些「比较」看似无害，却一再让父母将孩子当作自己价值的延伸。孩子的成就，不再是梦想的实践，而是父母骄傲的投射。 我们太渴望「被看见」，却忘了「我们想让人看见什么？」从旁人称羡的千万年薪，到盲目锁定特定职业的梦想，多数家长终究抱著那心中难题：孩子学音乐能养活自己吗？这问题乍听之下很务实，但在AI猖獗、变动剧烈的下一个世代，孩子的梦想与人生，真能靠现在的价值观来预判吗？音乐产业里的确有许多无法被轻易量化的价值，但也别忘了：顶尖的演奏家，一场演出酬劳可能超过上班族一年的薪水；数位串流上的创作者，也可靠点阅量获利；更不用提录音师、配乐家、音乐治疗师、教育家、制作人、策展人与经纪人等音乐人，决非AI所能轻易取代。 每过一阵子，总会出现少子化影响音乐人口、大学术科联考报考人数骤减的报导。学界、业界总是人心惶惶，思考应对之策，是否把考试内容设置更为简单。但这样的逻辑，就像是在说：既然现在读书的人变少了，我们是不是应该把书都写得简单一点？或者说，博物馆参观的人次减少了，我们应该将《清明上河图》改为易懂的漫画展出？少子化既然是事实，那么事实上就是会有班级员额需要减少，或学校需要退场或减班减学生的机制。我常常觉得教学现场就像划龙舟一般。若只是为了维持量的表现，而多出了很多不愿意努力向前划的同伴，结果反而拖慢了真正努力前行者的节奏，失去了整体进步的可能。 但这可比喻之处实在
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生活 PAR你不知道？！关于《飞行的荷兰人》的8个不可不知
在华格纳浩瀚而深邃的创作宇宙中，《飞行的荷兰人》是一座关键的转折灯塔，这部早期代表作不仅奠定了他迈向「乐剧」理想的基石，更以极富戏剧张力的传说题材，探问爱、命运与救赎的永恒课题。从幽灵船的漂泊寓言，到主导动机的初试身手，再到结尾版本的多重诠释，本篇文章将引领读者从历史、音乐与剧场角度，全面认识这部被誉为「华格纳最佳入门砖」的经典之作。
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国际 柏林面对文化预算「深渊」 2025戏剧盛会精采落幕
今年5月中旬，第62届柏林戏剧盛会（Theatertreffen）顺利落幕。作为一年一度德语区最具指标意义的盛事，柏林艺术节的总监马蒂亚斯．皮斯（Matthias Pees）以「欢迎来到深渊」作为开幕典礼的欢迎致词，不只意指开幕演出《深闺大宅》（Bernarda Albas Haus）剧情阴暗压抑，也同时影射当下文化预算被大幅删减的惨况。（编按）
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国际 巴黎法国国会公布文化界性暴力调查 揭开艺术背后的疮疤
4月初，法国国会公布针对文化产业性骚扰及侵害的调查报告，震撼全体艺文圈。举凡法兰西戏剧院、亚维侬艺术节、阳光剧团，这些闻名遐迩的文化机构都无法摆脱权势性暴力的阴影，突显出「#Metoo」绝非个别事件，而是根深柢固的病灶。 相濡以沫的暴力温床？ 整起国会调查起源于电影女演员戈德雷奇（Judith Godrche）的吹哨者控诉（注1），并扩延至影视、表演艺术、时尚、广告等整体艺文产业。在长达6个月的调查中，国会共举办了85场听证会，邀请共计350位业界人士展开长达118个小时的会谈，最后于279页的报告中列举87项改革方案。调查报告指出，施暴者通常都是长辈、雇主或师长，善用权力行逾矩之实。受害者往往为了职涯发展忍气吞声，反而再次承受凌辱与惩罚。而多半的见证者都选择相互包庇，因为人脉是在艺文界的生存关键。调查会主席卢梭（Sandrine Rousseau）强调：「无论是性别歧视、性暴力、金援压迫、身体暴力，整体艺文产业对施暴者都采取比较宽容的态度。艺术环境盲目地崇拜才华与天分，似乎为拥有权力的创作者寻找一切开脱的借口，让他们故技重施，并一再剥夺受害者的人性尊严。」（注2）
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演出 戏剧 连结下北泽与北投的缘分52PRO！剧团《流浪树》 台日共制开启合作新阶段
台日剧场界的交流向来兴盛与热烈，从上世纪末由皇冠小剧场主导的「小亚细亚亚洲小剧场网络」，台北市文化局官方主导的「亚洲表演艺术节」，到本世纪国家文化艺术基金会的「表演艺术国际发展专案」，台日双方的交流不再局限于表演团体各自到对方的城市演出而已，而是逐渐迈向更为复杂，更加深度化的「国际共同制作」模式。除了国际共制外也有华山乌梅剧场与东京下北泽本多剧场进行技术人员交流与培训，从幕前到幕后各项交流不断，相较于其他欧美及亚洲国家，日本称得上是交流次数榜的第一名了。 其中有个日本剧团以不同于其他的交流模式，将台湾视为巡回演出的一站，自2018年起便维持一年一次的频率（疫情期间除外）在台湾进行演出，这就是来自日本东京下北泽的52PRO！剧团。
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评论 戏剧月光真的一样吗？
评《人间条件四— 一样的月光》吴念真，创作早期以短篇小说享有文名，1980年代与小野、侯孝贤、杨德昌、焦雄屏、黄建业等人共同推动台湾新电影，留下不少脍炙人口的编导作品，之后以《台湾念真情》和各种本土产品代言广告，成为不少人心中最有魅力的「台湾欧吉桑」。2001年进入剧场，开始他的「人间条件」系列编导作品，迄今已经推出8部作品，票房成绩亮眼，俨然成为台湾当代剧场知名品牌。 吴念真的贫微出身，是他早年创作的灵感源头，也是他的公众魅力所在：平凡的身世背景，踏实努力的意志力，朴实无华的生活态度，不仅是社会大众对他的普遍印象，亦是他各类型创作的核心意识，包括以「国民戏剧」之名推出的「人间条件」系列作品。 依据吴念真自己的说法，他之所以进入剧场创作的领域，是为了重现童年时候，随著阿公在九份升平戏院看通俗新剧的美好经验，将被所谓「菁英的创作者」隔绝在剧场以外的多数观众，拉回剧场，并且重现台湾社会中「已被淡忘的传统性格，以及这个国度里的人们特殊的情感表达方式。」因此，对他而言，理想的剧场观众，是那些和他一样有著平凡出身，踏实努力，朴实无华的一般「国民」，理想的剧场形式，则是以通俗语言表达他们的「真实」情感的悲喜剧。 换言之，「国民戏剧」的创作逻辑，其实就是建立在一系列黑白分明的对比概念：知识菁英vs.庶民大众，过去的美好vs.现在的失落，「陌生的、新的、外来的、看不懂的」舞台剧vs.「真人在舞台上真实演出的」新剧。 从这个角度来看，《人间条件四 一样的月光》可以说是最典型的「国民戏剧」作品。
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评论 新锐艺评 Review如何成为没口河？
《没口》身体作为生态叙事在这场无语的舞蹈表演中，舞者赖有丰反复击打身体、紧盯墙面、朝自己射箭，那些将身体推向疼痛边界的动作，如同生态系统内部自我调节的暴力节奏，这种暴力既来自环境的冲击，也内化为个体的回应机制，透过自我撞击与扭动，模拟自然界中生物面对掠食与灾变时的本能反应，舞蹈遂成为其身体微生态的演化过程。 舞作中出现大量动物意象：飞翔、蠕动、滑行、拉伸，使人联想到动物迁徙、求生时的行为姿态。当舞者在地面反复蠕动、滑移，那些看似徒劳的动作，其实是一种时间感的重构自然中的重复循环：潮汐、季风、光合作用与腐朽再生。在舞作中，每次重复都像生态系中的扰动与递变，蕴含著差异与迁移的脉动。 《没口》取材自台东知本地区的驻村经验与黄瀚峣的《没口之河》，也回应台湾东南部河川入海前渗入地下、失去出口的特殊地貌。这些地理现象转化为身体感知的结构：舞者与影像错置交叠，模拟水流潜行、渗透群体与空间的运动轨迹。他的身体成为地景的一部分：我正在渗入地景、人群、呼吸。
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演出 音乐 打造没有年龄限制的儿童音乐活动MUZIKids儿童古典音乐节迈入第2届 为幼儿推出「宝宝的交响乐」
去年首度举办的「MUZIKids儿童古典音乐节」，短短两天16场售票音乐会、儿童友善市集、免费快闪演出等活动，创下了将近万名爱乐亲子到访的空前佳绩。今年的第2届再次将音乐活动带入台湾戏曲中心，加码于7月11日至13日举办为期3天的17场精采音乐活动。不仅纠集台北爱乐管弦乐团、米特萨克斯风重奏团、微光古乐集、台北打击乐团、艺心弦乐四重奏等台湾领先的音乐团体进行表演，更首度举办「宝宝的交响乐」音乐会，打造没有年龄限制的0至12岁儿童音乐年度优质活动。 MUZIKids儿童古典音乐节创办人孙家璁提到：「去年的音乐节受到的反应远超预期！也证明了台湾确实有这方面的观众需求。第2届的设计会更为多元，透过不同主题启发音乐、美术的想像力。」今年预计在巨大表演乐池区建设「宝宝摇摆区」，让0至3岁的孩子可以自由活动，近距离感受正规管弦乐团的奇妙。当然，主题是为了幼儿至儿童而设计，但他也强调：「对于大朋友来说不是陪伴者，也能够找到欣赏表演活动的意义。」 音乐节顾问暨指挥家张尹芳认为，办音乐节看起来很容易，但要拼起来做音乐游乐园的概念，又是另外一回事，她表示：「今年一样以游乐园概念来设计，要像儿童乐园一样随时随地都有音乐节目发生。」 比较去年与今年最大的不同，就是推出年龄向下发展、0到3岁的「宝宝的交响乐」，由张尹芳领导台北爱乐管弦乐团演奏，父母可以让小朋友在类似乐池的安全环境下近距离、没有压力地聆听。今年还推出了「绘本音乐会」，挑选合适的古典乐来搭配绘本的内容进行，主办单位特地与出版社「小天下」合作，选用曾两度入选「义大利波隆那插画展」的插画家陈又凌两本作品《寻找秘境》与《会生气的山》。张尹芳表示，《会生气的山》带有环保的概念，但同时用山的情绪来叙述；特别在过去几年疫情中戴口罩，儿童只能靠眼睛沟通，情绪沟通表达接收较以往不同，这用音乐表达最直接。而《寻找秘境》透过可爱猫咪的故事，也相对影响小孩内心最纯洁、最美的秘境。一动一静、内在外在，跟音乐一样有很不同的色彩。 在今年的音乐节中，除了在大表演厅演出「宝宝的交响乐」及《彼得与狼》的大型演出之外，，包含微光古乐集、艺心弦乐四重奏、台北打击乐团、米特萨克斯风重奏团等团队，也会在小表演厅推出多场寓教于乐的精采节目，为孩子们打造一场音乐与探索的奇幻之旅。 去年以
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话题 话题追踪 Follow-ups 第23届台新艺术奖国际决审vs.台湾舞蹈家个体的独特，是艺术的核心
玛蒂德．莫尼叶 X 何晓玫 X 叶名桦 X 李贞葳 对谈侧记每年台新艺术奖揭奖前后，皆会安排当届国际决选评审在台办理公众讲座。第23届台新艺术奖礼聘法国重要编舞家玛蒂德．莫尼叶（Mathilde Monnier）、韩国艺术家与影像导演朴赞景（Park Chan-kyong），以及熟悉台湾艺术生态的新加坡策展人邓富权（Tang Fu Kuen）担任决审委员，首场讲座由玛蒂德．莫尼叶打头阵，以「挺立在话语的边缘我和我的舞蹈」为题，同台3位曾获得台新艺术奖的重要女性编舞家：何晓玫、叶名桦与李贞葳，以对谈形式，聊聊舞蹈作为创作媒介，每一位创作人如何透过作品与社会对话。 莫尼叶对台湾并不陌生，早在2012年关渡艺术节就曾带来与视觉艺术家 Dominique Figarella合作的《肥皂歌剧》（Soapéra），也在跨国串连计划的亚洲舞蹈营里，与台湾策展人、艺术家群体多有接触，去（2024）年更曾带讨论性别暴力作品《黑暗之光》参与台北艺术节盛会。本次对谈邀请与莫尼叶相识多年、曾翻译莫尼叶与尚-路克．南希（Jean-Luc Nancy）合著书籍《叠韵：让边界消失，一场哲学家与舞蹈家的思辨之旅》（ALLITRATIONS : CONVERSATIONS SUR LA DANSE）的剧评人郭亮廷主持，由于问答环节时间较紧凑，大多数的亮点落在4位与谈人的创作概述中。
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人物 聚光灯下 In the Spotlight 音乐剧作曲╱编曲家张清彦 打破已知，每件事情都是好玩的
「好有趣喔！」这大概是张清彦提及音乐、音乐剧时最常的反应。 他可以说是目前台湾音乐剧圈里最活跃的作曲家之一。工作叠合兴趣，但他未有倦怠，兴奋地分享每出音乐剧作曲的差异。他说起唱歌集音乐剧场《以为是BL结果是BFF》：「这个制作好年轻！提醒我，玩心真的好重要！」还不到30岁的他再次投射到自己的高中生活，那种悸动、那种烦恼在音乐与生命里蠢蠢欲动。相较于这类快歌，去（2024）年底刚完成读剧的《爬上顶楼看月亮》，是少数内敛且阴柔的作品，「哇！原来我也可以这样！有些突破是开心的。」而协助嚎哮排演完成的《别叫我成功：艺术界归来的儿子》，则是融入了张清彦喜爱的饶舌音乐，在3、4年的发展时间里产生很多有机讨论。 与其说张清彦供给了「音乐剧」里很重要的「音乐」，他也在成长过程中，因为音乐剧与音乐反复确认了自己的喜好，让有趣的事情持续在身边发生。
在危机中坚持想像：德国剧场如何面对文化预算缩减
访德勒斯登赫勒劳欧洲艺术中心节目经理安德烈・夏伦贝格
扼减资源引发地震 剧场生存岌岌可危？！
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人物 聚光灯下 In the Spotlight 击乐工作者薛咏之 让声音穿越时空，盖一座「听觉」庙宇
「声音创作与演奏」对薛咏之来说，展开过程似乎接近人与人之间的相处方式，当对这个声音有感觉、或是觉得有趣好玩，直觉反应：「将聆听到的感受和体感经验放进作品里，让观众同步感受。至于大家要怎么感受，其实蛮自由的。」就像是朋友间彼此分享美好的事物一样，邀请你走进她的声响世界翱翔，聆听她用打击演奏塑造的听觉世界。 走进声音艺术的机缘，则回溯至多年前的某日，她在高雄凤山看完表演后，听到声音艺术家刘芳一在吹一个像管子的东西，薛咏之听了许久，发现刘芳一的吹奏不断地变换著音色，她愈听愈入迷，「这真的是另外一个世界，而且非常吸引我。」便开启她开始探索声音的本质、运用声响形塑听觉叙事脉络。
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国际 香港庆祝成立40年 香港演艺学院音乐剧《我佛无著经》体现传承
香港表演艺术的专业化发展，以戏剧为例，多会以1970年代末由当时政府直接管理的香港话剧团的成立作为里程碑；当时的演艺专业人才培训，很多时候会是从影视方面探索师资。而香港演艺学院在1980年代中成立，提供包括戏剧、音乐、舞蹈和舞台艺术等多方面的专业课程，为香港的表演艺术发展往后的发展奠下基础。 今年演艺学院迎来了创立40周年志庆，亦在4月正式由资深的舞蹈教育工作者、行政人员陈颂瑛教授接任院长，正如她在学院通讯的访问中提及与学院的缘分很深，除了她在1987年就报读了学院的舞蹈课程外，也与她在学院担任教育、行政和推广等不同的职务有关。陈颂瑛一方面熟悉演艺学院内部的文化和工作方式，同时她在节目策划和连结本地和海外网络方面亦有丰富经验，这些优势相信会让她在院长这位置上更能有所发挥。
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生活 艺@展览记忆薄雾笼罩的「光．景」
能条雅由的Mirage普鲁斯特（Marcel Proust，1871-1922）在《追忆似水年华》书中，从甜点玛德莲与热茶的滋味，召唤出往事浮上心头，即使气味与滋味脆弱且虚幻，却更具生命力与经久不散，勾起的回忆远比真实生活更加永恒。 在作家笔下，没有形体的回忆，是寄附在玛德莲这种小点心的滋味上，那么，对艺术家来说，记忆又如何透过视觉来做呈现？日本艺术家能条雅由（Masayoshi Nojo）以绘画、摄影和版画技巧的结合，创造出近似单色画，或像银盐相纸的反银效果，将时间洗涤下的褪色记忆，以一种诗意而朦胧的表现「显影」而出，传达似曾相识（Dj vu）的感知氛围。