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话题 话题追踪 Follow-ups保存与重述，以与当下创作持续对话
「（再）评论 与 （再）档案」论坛侧记主持人：黎家齐（《PAR表演艺术》杂志总编辑） 主讲人：陈国慧（国际演艺评论家协会香港分会总经理） 周慧玲（中央大学戏剧暨表演研究室主持人） 王世信（国立台北艺术大学戏剧学院院长） 陈雅萍（国立台北艺术大学舞蹈学院院长暨资深舞蹈评论人） 2025年IATC年度论坛以「观照」为关键字，探询舞台灯光外那些隐密、不被看见的剧场痕迹。为演出本身留下记录的档案与资料库，同样留待我们「再发现」与「再看见」。于是，本场讲座由黎家齐担任主持人，邀请香港评论人陈国慧、投入「台湾现代戏剧暨表演影音资料库」多年的剧场导演周慧玲、舞台设计王世信与舞蹈学者陈雅萍，分别就自身经验分享表演艺术评论如何被保存、重述与再现，并于持续发生的当下创作产生对话。 讲座前一日，陈国慧与香港IATC才在C-LAB 台湾当代文化实验场演出《艺评的维度演读香港演艺评论30年》。此计划为「香港演艺评论选辑计划（1980-2010）」最后一场活动，由IATC香港分会30周年与「国际表演艺术图书馆、博物馆与资料馆协会」2024研讨会共同促成，以此期间超过15,000篇评论资料为基础，藉「演读」形式重新构作编整，试图活化文献，和当代观众建立新的连结与对话。 陈国慧提到过往资料库若是举办成立发表会，多是邀请前辈老师致词分享，她于是苦思能不能用「更实验」方式来呈现文献。她参考纪录剧场与讲座展演（lecture performance），让评论人转换位置，反客为「主体」，以素人身分上台演读，试图回应过往对评论人「只会说不会做」的常见印象。至于选读的文献，除了强调艺评文字本身的表演性，也涵盖不同年代、不同媒介的写作差异，文化政策与生态关注，以及特别有戏剧张力的「笔战」系列。当然，也因为有些文稿年代久远，版权归属不明，或者因写作时空背景不同，作者另有考量，这些经营资料库的挑战同样延续到《艺评的维度》演出本身。 原先只是依附资料库建构计划的单次活动，想不到却迎来后续邀演。有位香港演艺学院老师，认为这能帮助学生短时间理解香港剧场发展脉络，于是邀请《艺评的维度》来到演艺学院图书馆演出，一排排书架的背景空间，与文献题材巧妙呼应。此外，陈国慧除了让演艺学院学
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话题 话题追踪 Follow-ups性别意识觉醒了，然后呢？ 四大面向重建表演艺术的安全职场
「表演艺术性别平等的竟与未竟」论坛侧记主持人：魏琬容（国际剧评人协会台湾分会理事） 分享人：表演艺术联盟（廖舒宁秘书长、蔡淳任研究员）、台北市艺术创作者职业工会（曾福全秘书长、陈姿颖研究员）、牯岭街小剧场（姚立群馆长）、「我们先是人」团队（吴孟轩、李桥河、黄美宁、简郁庭） 在表演艺术领域中，身体既是创作的媒介，也是权力流动最细微却最不透明的场所。创作需要靠近、信任与身体默契，但正是在这些被视为「理所当然」的亲密之中，界线模糊与性别不平等得以悄然生成，本次论坛分别从制度、劳动、场馆与身体实践4个层面回应，勾勒出台湾剧场性别平等工作的「竟」与「未竟」。
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专栏 关于编剧的二三事手指被纸张画过的伤口
即便我们的受访者立下死志要存钱，仍旧仪式感十足地要买一件衣服回家，哪怕这件衣服从来不穿，哪怕家里没穿过的衣服高达几百件，她说，我只是不想要自己手空空的，这是我上完一整天班后，唯一花钱买来属于我自己的东西。
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话题 话题追踪 Follow-ups让语言得以重新被学习，感受得以重新被命名
「当剧场遇见儿少性平：对话、界线与行动」座谈侧记在讨论儿少性平时，社会往往著墨于教材、法律与防范技巧，但真正决定孩子能否说出「我不舒服」的关键，在于关系是否允许、语言是否存在、说出之后是否会被接住，相较于家庭的日常伦理、学校的制度规范，或医疗司法所代表的判定框架，剧场是一个同时「在场」且「具距离」的公共场域：感受可以先被看见，语言得以被试著成立，关系能在短暂共处的时空中重新调整。 去年国际剧评人协会台湾分会年度论坛以「Caring：评论的关照」为主题，从「关照」出发思考评论、创作与观看之间的伦理关系。本场「当剧场遇见儿少性平：对话、界线与行动」座谈聚焦剧场如何承接儿少性平中的对话，讲者包括：不会教小孩行动联盟理事长陈仪、创作《妮妮的小秘密》的慢岛剧团团长王珂瑶，以及不想睡游戏社团长林欣怡。3人的经验共同指向一个核心：儿少什么时候能够说？而当说出时，谁已准备好接住？
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话题 话题追踪 Follow-ups对创伤，如何在「共情」与「抽离」之间拿捏观演距离？
「记忆与抚慰：碰触创伤与记忆的力道」侧记主持人：白斐岚（独立评论人） 与谈人：黄思农（再拒剧团导演、当代艺术家）、彭子玲（乌犬剧场艺术总监） 台湾社会于2023年迎来一波#MeToo巨浪，动荡虽只维持数月，后续影响可说是「余波荡漾」──正如关系人、受害者往往得用更长时间与之共处，寻求出路，生态环境亦然，剧场也不能例外。#MeToo运动兴起的口号「在做艺术家前先是一个人」（Youre a human before youre an artist），似乎暗示著艺术创作有时会让人忘记人性，牺牲自我或他人，以成就所谓崇高的「艺术」。于是，一连串的事件，让我们有机会重新审视环境，建立新的平衡。 延续2024年台湾剧评人协会年度论坛选择直面创作伦理、性别议题以及评论之间角色，今年度更将关注面向扩大涵盖不同形式的「创伤」。第一场前导工作坊「记忆与抚慰：碰触创伤与记忆的力道」，于是邀请乌犬剧场彭子玲与再拒剧团黄思农参与对谈，并由独立评论人白斐岚担任主持。前者分享多年陪伴高风险青少年，并以此推出创作《麻嗨猴》与《低．俗．画本》的经历；后者则以单一观众形式演出的《感伤之旅》，聚焦「观看」的权力关系。 彭子玲提到她在创作时，总是会不断审视「自己究竟只把这些经历当作故事题材，还是有进一步探索与实践的可能」。确保动机出于后者，始终是最重要的事。她以剧团10年来陪伴触法青年、青少年的经验，分享「此时此刻与我们平行，但依然在发生」的另一个世界。这些人的成长经历，因原生家庭、外在环境之形塑，自然而然得用截然不同的方式生存与生活。在「成为人」的同时，意识到另个世界的不同，才能真正认识彼此。
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国际 香港「场地伙伴计划」有改动 受欢迎剧团遭到排除
香港的表演艺术工作者经常诟病本地的演艺场地数量不足，近年随著西九文化区和大馆等场馆启用，好像缓解了一些问题，但这些场地不属政府管理，即使有空档，但租金对团队来说不是容易负担的事，要多做几场和提高票价才有机会收支平衡。然而能有长演可能性的作品，和能够承担长演节目的本地团队，真的屈指可数。 长期依靠政府资助运作的经营策略是发展的困局。长演制作过去10多年有较多讨论和实践，目前仍然是以有明星参演、且有商业制作公司愿意投资的作品较有成功的可能。不过曾是葵青剧院演艺厅17年场地伙伴的风车草剧团，在2025年底公布最新一轮的场地伙伴名单时就不再入选，这场地会由本来与风车草共享场地的中英剧团独家获得。 「场地伙伴计划」从2009年起开始推行，对政府场地来说，可说是一次与演艺团队同行的突破，除了发展场地形象和伙伴团队特色，在观众拓展的长期策略方面，亦能让场地和团队双方受惠。风车草剧团是当年第一轮获入选的演艺团队之一，当时与W创作社一同申请成为场地伙伴，两团在当时都是新进专业剧团，在艺术方向上以本地原创和贴近年轻人心态和关注的题材出发，累积了一群同代的观众群，并成功建立几位创团成员梁祖尧、汤骏业、邵美君的独特的舞台魅力，在演艺厅这个900席位的场地深耕出他们和观众对这地方的归属感，让这个位于新界的场地的活力不逊色于市区内的场地。 近年，风车草剧团每年平均制作3至4个作品，在演艺厅上演两星期的票房都爆满，有些受欢迎剧目甚至另觅场地接连演出，可说是场地伙伴计划推出以来的一张亮丽名牌。不过近年很多香港场地常常出现很多不可抗力的原因，让作品未能顺利上演，其中由政府管理的场地自然会有更多人关注。另一方面，政府既期望在「促进表演艺术的多元化、专业化、产业化及盛事化发展」，在场地上如能把握更多可控元素，似乎应该更容易管理，但场馆的不确定因素增多，也让团队发展受到影响。 风车草剧团作品能引起大量观众共鸣和支持，一定程度上是因为能说出观众的心声，但这些心声是否人人有感，则难以估计。去年公布表演场地租用政策和措施的改革方案时，已减少了伙伴计划的场地数量（绝大部分场地不再会同时有两个团队进驻），及减少获选艺团使用场地的日数，部分评选委员说是希望资源能让更多团体使用，然而这样的调整是否已偏离计划的初
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演出 音乐 双钢琴演奏48年魏乐富与叶绿娜 琴牵半世纪
台湾双钢琴演奏的先驱、享誉国际的音乐伉俪魏乐富（Rolf-Peter Wille）与叶绿娜，将于台北国家音乐厅举办「魏乐富＆叶绿娜双钢琴48年演奏会」。这场音乐会不仅标志著两人携手近半世纪的合作里程碑，也是一场凝聚经典改编、创意声响与深厚情感的音乐飨宴。 从填补空档到开创双钢琴时代 魏乐富与叶绿娜的合作始于1978年魏乐富来台，并于1979年正式组成双钢琴搭档且结为连理。回顾当时的台湾，音乐环境尚未如今日多元成熟，双钢琴演出更是罕见，他们可谓此一表演形式的重要开拓者。多年来，两人除在双钢琴舞台上持续创新，也在独奏、合奏、创作、广播与文字书写等领域累积丰硕成果、获奖无数。长年在艺术上的卓越展现形塑横跨世代、影响深远的艺术风景。 外界看双钢琴或四手联弹优雅和谐，但实际上两人在舞台上的互动充满了细腻的计划与默契。关于声部的选择并非固定，而是基于实际考量。叶绿娜透露，通常会先看谁的手比较大、谁比较适合哪个声部、谁前谁后、谁踩踏瓣，都需要极高的协调性。除了听觉，视觉上的安排也是关键。魏乐富形容，四手联弹时两人的手在键盘上交错，若太久没合奏，动作会感到陌生。一旦恢复练习，那种不想撞到对方、流畅交替的肢体记忆便会像「时光机」一样回来。谈及与其他人合作的差异，魏乐富笑著直言，跟别人合作必须保持礼貌，但跟叶绿娜一起演奏时「可以说真话」。对他们而言，双钢琴比四手联弹更好玩，因为两架钢琴提供了更大的自由度，在台上如同对话，若没有互相抛接球的挑战与反应，演出就会变得无聊。这种在台上随时感知对方速度与情绪变化的「心电感应」，正是48年默契的极致展现。 向经典致敬 本次演出的曲目安排极具巧思，且环环相扣。音乐会将以舒曼与巴赫的作品揭开序幕。首先演出的舒曼《以 B-A-C-H 为主题之赋格》的四手联弹，展现浪漫乐派对巴赫的崇敬。紧接著是巴赫的《西西里舞曲》以及4首《创意曲》，后者这几首创意曲是由布拉姆斯的学生、荷兰裔美籍作曲家 Louis Victor Saar 所改编，据推论，这次演出应可视为这几首曲子的「台湾首演」。同样具有传承意味的，还有葛利格改编自莫札特C大调第16号钢琴奏鸣曲（K.545）的双钢琴版本，增添
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演出 音乐罗大佑「四季恋红交响宴」 以流行「交响乐」叩问音乐初心
被誉为「华语流行音乐教父」的罗大佑，将带著他对音乐的全新思考与编制，展开「四季恋红交响宴」音乐会的巡回演出。这位现年72岁的传奇音乐人，不仅将于3月及4月分别在台中歌剧院与高雄卫武营登场，更将在4月18日成为首位登上纽约古典音乐圣殿「卡内基音乐厅」（Carnegie Hall）举办个人音乐会的华语流行音乐家。这一次，罗大佑不只是歌手，更是一位将流行音乐「交响化」的音乐人，他舍弃了在大型体育馆开流行音乐演唱会的喧嚣，选择走进声响细腻的音乐厅，向这个混乱的时代提出他最深情的音乐回应。 音乐会名称「四季恋红」寓意深远：「四季」象征著地球的循环与内在韵律，而「恋红」则代表著热情与希望，尤其对应2026年（丙午年）火能量满溢的意象。罗大佑感慨，现代人类活动导致气候变迁，四季已经不分明了。对他而言，音乐的功能在于找回秩序与初心，罗大佑说：「当四季回到春夏秋冬分明的时候，就是幸福的时候。」这场音乐会便是希望透过音乐，让观众在纷扰的世界中找到沉静内心的所在，重拾与宇宙、地球对应的相处状态。 为了这次以「原声」（acoustic）为核心的演出，罗大佑展现了惊人的毅力与对音乐的执著。虽然现年已72岁，但他每天仍维持长达8小时的钢琴练习。他透露最近沉迷于练习萧邦的曲目，特别是高难度的练习曲，这不仅是为了手指的灵活度，更是一种生理与心理的连结训练。罗大佑认为：「年纪愈大，手愈要能够活动。手活动的话可以连接到神经，自己思考会更细。」除了钢琴，罗大佑也将在这次巡演中挑战「乐器之王」管风琴。中学时他便开始学习弹奏双层且需要脚踩低音踏板的电子琴，奠定了手脚并用的基础，这份年少时的记忆，将在高雄卫武营场次得到回响，届时他将亲自弹奏管风琴，让震撼的低频与建筑共鸣。 为了呈现最纯粹的听觉体验，罗大佑与「春龙交响乐团」合作，这是一个融合了摇滚（鼓、吉他、贝斯）、古典（钢琴、弦乐四重奏）、国乐（笙、笛、扬琴）及人声合唱的16人编制乐团。为这系列音乐会担任音乐总监及指挥的华语流行音乐音乐制作人朱敬然表示：「其实我们这个演出的第17个成员，是各个场地。」他强调，在体育馆演出可以靠巨大的喇叭声压「压倒一切」，但在音乐厅，每个场地的残响与声学设计都是独一无二的。演出者必须去与场地「磨合」，找出那个听觉的「甜蜜点」（Sweet Spot
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专栏 脑海里的旋律新年新希望：步行有益身心健康，我想用脚丈量全世界
2026年开春前几天，到两厅院欣赏周善祥的钢琴与管风琴演奏会。曲终人散时走入广场，冬阳普照，暖烘烘的，让人心情愉悦舒畅。晒太阳的同时，我看到很多人在走路或散步呢！ 一个个优雅从容的行者从眼睛经过的同时，我想到一句很喜欢的拉丁文铭言：「Festina lente」，罗马奥古斯都把这句拉丁文铭言翻译成「快得从容」，世界愈快，心要愈慢；愈急的事，愈不可以匆匆忙忙面对、做决定。这几年我迷上徒步旅行，尤其是长距离的朝圣之旅，虽然不是宗教信仰者，徒步旅行的我的部分的心情在于「温柔抵抗」比起被动地让交通工具将自己载到某地，我一步一脚印，完全掌握想要前往的方向在转速日益加快的世界刻意放慢脚步，只专注在当下，我发现这样更能聆听自己的心，也更能觉察自己的意念。 长距离徒步旅行是很有效的身心治疗呢！义大利帕多瓦大学大脑神经科学研究所的科学家深入研究源于日本的「森林浴」，以及森林浴对人体的生理影响和压力管理效果：1980年代日本林野厅提出「しんりんよく」（森林浴）一词，指出沉浸于大自然，让眼耳鼻舌身沐浴在森林的氛围中，能有效放松、减压、增加身心健康与提升专注力。义大利的科学家采用前后测设计，让29位受试者在森林中完全沉浸两天，并记录沉浸前后的多项生理参数（例如心律、血压、免疫力、压力感知等）。他们发现森林浴显著改善了受试者的生理压力管理能力，沉浸在大自然的过程中，不但让主导警戒和战斗的交感神经活性有所抑制，也同时活化了主导休息和修复的副交感神经，我们的身体因此得到真正的放松。 这正是我好几次走在朝圣路上的感觉：眼睛看著周遭绿油油的风景，耳边有时虫鸣鸟叫，有时溪水潺潺流过，安静走路时，感官变得格外敏锐，深深呼吸，感受身旁的树木、土壤、花朵森林里真的好香！在大自然里步行的好处不只有净化提升身心状态，美国史丹佛大学研究团队更证实爱走路的人比起久坐的人创造力产出平均增加了60%；而且不管是在室内面对空白墙的跑步机上走路或是呼吸著室外的新鲜空气行走，两者同样能激发创造力。研究人员将吧178位受试者分组，结果显示，比起环境，其实是「行走」这项行为，让人灵光满满。与坐著的人相比（坐在室内面对空白墙壁，或在室外坐在轮椅上被推著），走路组的人的创造力水准始终明显偏高，
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专栏 关於戏剧的五四三《F1》的启示
看电影《F1》两个半小时注意力紧紧抓住，非常喜欢。看完后，给AI输入了以下问题： 「模拟评论好莱坞大片的基本语调，对工业、好莱坞、商业、运动赛事、英雄崇拜、剧情老套等堆砌名词，做一篇贬中带褒的评论」。 得到如下结果： 《F1》几乎是为了证明好莱坞工业体系仍然运转良好而存在的一部电影。它把一项本就高度商业化、数据化、被资本与品牌全面占领的运动赛事，再次转译为一个我们早已熟悉的英雄叙事模板：孤狼式天才、失败后的回归、团队合作的幻象，以及在终点线前完成自我救赎的瞬间。 这不是一部试图颠覆任何叙事规则的作品。相反地，它像一场被精密设计的比赛转播，节奏、情绪、高潮与胜利都严格遵守好莱坞的工业标准。每一个镜头都服务于「速度」与「荣耀」的视觉消费，每一次引擎轰鸣都在提醒观众：这是一项由金钱、科技与品牌堆叠出来的现代竞技神话。 英雄崇拜在这里被包装得几乎无懈可击。主角不是单纯的车手，而是一个被市场需要的象征经验、男性魅力、个人意志与资本浪漫主义的集合体。电影假装讨论团队合作与制度，但最终仍回到那个老问题：当一切崩溃时，拯救体系的依然是一个足够「强大」的个人。 剧情老套吗？毫无疑问。你几乎能提前预测每一次低谷与反弹、每一场冲突与和解。但也正因如此，《F1》运作得异常顺畅。它深知自己的观众想看什么，也清楚这个全球化娱乐市场需要怎样的情绪输出可被理解、可被消费、可被复制。 如果说《F1》有任何真正的价值，那并不在于它说了什么新故事，而在于它再次证明了好莱坞如何能将一项现实中的极端资本运动，转化为一场情感上高度有效的娱乐体验。它不是艺术电影，也无意成为批判资本主义的作品；它是一部诚实地为体系服务的电影，而这种诚实，反而成了它最难以否认的优点。 最终，《F1》就像一场完美执行的赛事你明知道规则、知道结局、知道谁会站上颁奖台，但当引擎启动、灯号熄灭，你还是会不
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评论 戏剧他真的找到「迷失在暗夜岛屿的原点」了吗？
评第四人称表演域《暗岛》失忆街友吴明（无名），凭著一张满是褶皱、模糊不清的老相片，试图找回过往的生命记忆，相片中的人物，散发著青春的气息，仿佛来自一个曾经意气风发的时代，却也隐隐透露一丝不安躁动，似乎预示未来的崎岖坎坷。吴明随著照片的引导，来到同志大游行（KH Pride）前夕的高雄，巧遇公民记者Kiki和她的同志伴侣「2019反送中运动」过后移居台湾的港人小杜，应两人之邀加入游行行列。走在充满欢乐气息的KH Pride中，吴明的记忆回到了40多年前的另一场游行，一场变调为流血冲突，引发后续大规模逮捕审讯判刑的游行（「美丽岛事件」），和游行前的大学校园生活。社团读书会的言语交锋，党国体制的布建监控，和同侪的人际纠葛，片片断断逐渐填补了记忆的空缺，吴明的真实身分，逐渐浮现，遗憾、悔恨、罪咎也随之而生 第四人称表演域重演的《暗岛》，借用了2014年诺贝尔文学奖得主派屈克．莫迪亚诺（Patrick Modiano）《暗店街》（Rue des boutiques obscures）的主角形象与叙事架构，透过主人翁的追寻，带我们重回台湾主体性萌生的1970年代，见证当时的两个重要事件：「乡土文学论战」与「美丽岛事件」，前者从文学的视角揭开不为大众所熟知的社会真实，引燃激烈论战；后者始于政治异议者的和平宣示，导致政治镇压。主人翁的失忆，源自个人情感与社会动态的拉扯，他能重拾记忆，则有赖年轻世代的自信，和开放自由的社会氛围，美丽岛时代的冲突对峙，已经被KH Pride的欢乐平和所取代，过去的黑暗，终究迎来了当下的明亮，民主开放、多元包容的台湾，不仅是大家的共识，更是华人地区的典范。
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国际 澳门剧团成立50年 「晓角月」揭2026澳门剧场序幕
2026年的澳门剧场，几乎可以叫「晓角月」。 在澳门政府文化发展基金的资助名单中，现代剧场团体超过30个，真正成立超过20年（2005年前成立）而又每年维持一定演出量的不足10个。其中以成立于1975年的晓角话剧研进社年资最长，演出量最高。去年是「晓角」成立50周年，该团于今年1月3日至2月2日期间，在「中国现存最古老的西式剧院」岗顶剧院中举办了长达1个月的纪念活动。 晓角话剧研进社以「半世纪舞台．世遗的回响」为主题，连翻推出四大剧目共15场演出，当中涵盖当代翻译剧《纸牌游戏》（The Gin Game)、剧团旧作复排的有《剖》与《等灵》，以及全新原创剧作《日日是好日》，展现了「晓角」多年来在不同题材和剧场美学上的探索与突破。同时，亦在岗顶剧院「镜厅」（观众进场前的大厅）立起了几块展板，举办「五十年戏剧创作回顾展」，以剧社不同发展成就来分类，展出演出剧照、手稿、戏服与影像，让观众重温晓角的成长历程。其中一个周末又在剧院前的户外庭园举办「戏剧嘉年华」，透过亲民的户外短剧、即兴演出、角色扮演、戏服体验及文创市集等方式营造了一片欣欣向荣的热闹气氛。
李屏瑶 长大后，只吃自己想吃的年夜饭
陈昭香 戏台上的团圆，戏台下的家
高俊耀 家，是生命里不断流动的聚合
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评论 新锐艺评 Review 直击艺现场殖民历史与身分认同得以重新对话的场域
评《K与庞蒂的神秘降灵》《K与庞蒂的神秘降灵》在国家两厅院实验剧场的昏暗光线中，由马来西亚视觉艺术家区秀诒与台湾剧场导演陈侑汝共同打造了一个神秘空间。这部作品以70分钟的降灵会形式，将马来西亚电影大亨陆运涛的传奇生平与马来民间传说中的庞蒂雅纳女鬼交织在一起，透过变幻的灯光、流动的投影与层叠的声音设计，创造出一个让殖民历史与身分认同得以重新对话的场域。 作为区秀诒长期探索「殖民现代性」与「前国族想像」的创作延伸，并结合陈侑汝擅长的跨媒介剧场美学，这部作品不仅是两位艺术家多次合作的集合，更是一场对身分解构再重构。 区秀诒的创作历程中，对殖民历史与国族认同的探问始终是核心关怀。从「棉佳兰计划」系列到《Still Alive》，都可理解为对「马来亚」这个「前国族」的想像再现以及对于权力的探讨。她擅长运用动态影像、观念艺术与装置形式，探讨影像、历史与政治之间的微妙关联。而陈侑汝作为「她的实验室空间集」的创办人，其创作关注在地人文，擅长从日常出发。两位艺术家的合作，形成了一种独特的创作对话。 在剧作中演员蔡佾玲与周家宽在多重角色间自如转换，时而化身为女鬼庞蒂，时而成为客死他乡的电影大亨，时而又以尼泊尔佣兵的形象出现。这种角色的流动性恰恰呼应了作品核心的身分议题在后殖民的语境中，谁能拥有单一而稳固的身分认同？ 剧中廓尔喀士兵的出现，进一步拓展了殖民历史的讨论边界。这些来自尼泊尔的战士，曾经为英国殖民者效力，在马来亚紧急状态时期（1948-1960）协助铲除马来亚共产党。廓尔喀士兵的特殊之处在于，他们至今仍属于新加坡特警，在任期届满后就必须返回尼泊尔的身分摆荡，使他们更能符合相对于马来人或华人的「他者」诠释。 而庞蒂雅纳作为马来西亚、印尼、新加坡民间传说中的知名女鬼，据信是一名因难产而死、怨恨不止息的女子变身厉鬼。在当代，庞蒂雅纳并未销声匿迹，还经常登上马来西亚社会新闻。剧作将庞蒂雅纳这一形象从传统传说中提取出来，让她去性别化，成为一名从香蕉树中诞生的游弋幽魂。这种改编使她能超越单纯的女鬼形象，成为更广泛的被压迫者象征。 舞台设计的强光与镜子的反射不仅创造出多重折射的视觉效果，更切割了空间。在K、庞蒂、廓尔喀士兵或演员轮流扮演的说书人与其他角色之间，也存在彼此互相依存的镜像或对
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评论 新锐艺评 Review 直击艺现场味蕾在歌唱，窒息后发酵
评《超辛奇小熊软糖》舞台上，一辆布帐马车静静伫立于黑暗之中，两侧的萤幕播放著韩国的画面。当帆布被掀开，食物的气味随之涌出，气味作为记忆的招唤，并在演出过程中不断改变。演出中邀请两位观众成为顾客，亲口品尝一道道料理。虽然坐在台下的观众无法实际品尝，但那股气味仍悄然弥漫于空气之中。 Jaha Koo身兼说书人与厨师的角色，以料理作为叙事的媒介。这场演出可说是一种「三重奏」：口白的叙事、料理的叙事、以及萤幕上的影像，同时唤起听觉、嗅觉（与味觉）、视觉的想像。 同样将「饮食 文化 剧场」并置，我想起今年（2025年）台大游心剧场的《旅行的舌头》。演出者一边讲述、一边烹调，带领观众理解食物在历史发展中的传播与演变，探讨跨文化背景下的身分认同与饮食的关联。味觉本身具有社交的特质，在观众共同品尝、描述的过程里，我也重新界定了自己对这些食物的情感连结。那张长桌又被称作「中岛」，仿佛是一座漂浮的岛屿，象征味蕾在不同文化间的流动与漂泊。 然而，《旅行的舌头》虽在文化层面横跨多国，形式上却略显平面，更像是一场带有深度谈话的烹饪节目。相较之下，《超辛奇小熊软糖》以韩国小吃为出发点，从个人经验切入，却能深刻挖掘情绪的转折，使观众更容易进入其叙事之中。 《超辛奇小熊软糖》在视觉与形式上皆采取可爱、鲜艳且富感染力的风格。然而，文字与影像间不时透露深层而悲伤的底色。整场表演如同一场比喻的游戏：Jaha Koo反复抓住又放生的蜗牛，是背负重担、迁移至陌生之地的象征；小熊软糖成为旅居柏林时的慰藉；鳗鱼的洄游则更明确诉说：家并非固定的地理位置，而是一种持续移动的状态。 以食物为主题的演出，往往同时涉及文化与历史的层面。此作的结构可分为个人自传式的旅程，从韩国到柏林，以及关于父亲、食物与光州事件的连结。那么，这场演出的受众是谁？若观众期待的是关于食物文化与历史的深度探讨，可能会觉得其力道稍弱，每个段落停留的时间不长。但或许，这场演出更想指向离散者的处境，一个人如何在文化、家与适应之间寻找回应。 演出末尾，所有食物的气味交叠在一起。蜗牛、小熊软糖、鳗鱼以机械般的音调歌唱。看似冷静疏离的表述，反而创造出情感投射的空间。哪里是家乡？也许家乡正是人终将回归、甚至死亡的地方。那些歌词如幽灵般盘旋脑中，却
语言抵达不了的地方，用身体实践去缝合
「2025秋天艺术节 ×TAI身体剧场 烤火会」侧记
从奶茶、甜味与豌豆粉，探索舌尖上的乡愁与政治
「餐桌上的旅行：移动中的饮食文化与身分认同」讲座侧记
从围火而坐的光影晃动，到剧场里的魔影幢幢
「她的鬼古会：她降灵的一百种方法」讲座侧记
区秀诒 X 瓦旦．督喜 X 桑布伊：艺术，会在生命的长河里静静涌现
2025秋天艺术节「题外话」讲座侧记-
人物 艺号人物 People 英国男中音布莱恩．特菲尔 诸神、魔鬼与归乡的游吟诗人
在歌剧的境域里，声音不仅是传递旋律的媒介，更是构筑角色的灵魂容器。当我们提及布莱恩．特菲尔爵士（Sir. Bryn Terfel）时，脑海中浮现的往往不仅是某个特定的音符，而是一种如同经过岁月冲刷的黑曜石般的质地，它深沉、坚硬，却又能映射出世间最幽微的光影。 自1989年赢得BBC 卡地夫世界歌手大赛（BBC Cardiff Singer of the World）以来，这位来自威尔斯的男中音便以一种几近王者的姿态，屹立于世界歌剧舞台的巅峰。从莫札特《女人皆如此》笔下玩世不恭的古列尔莫，到华格纳《指环》（ The Ring Cycle）中铁汉柔情的沃坦（Wotan）；从伦敦皇家歌剧院（Royal Opera House）的庄严殿堂，到纽约大都会歌剧院（The Met）的传奇舞台。30余年的职业生涯，特菲尔用他的声音丈量了从凡人到神祇、从英雄到魔鬼的距离。 然而，剥除掉那些耀眼的奖项与爵士头衔，特菲尔的本质更像是一位极具天赋的说书人。他穿梭在这些截然不同的灵魂之间，用一种温暖而充满人性的视角，重新定义了那些看似遥不可及的传奇。
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专栏 宇航的戏曲手记艺术学习点滴谈（一）——您开窍了吗？
几十年的表演历练，试图把老师讲过的表演法则通通实践个遍，同时也在实践中积累了更丰富的体悟，那绝不是把三个动作减为两个动作那么简单。当你拿到1个新剧本，除了艺术家油然而生第六感的敏感天性外，还要把涌动的心脉化为理智的构思。有想像，有见解，有布局，有取舍，有手段，有差别，有风格，这些都是硬功夫以外的头脑软功力。
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评论 新锐艺评 Review看得见的暴风，看不见的束缚
评当代传奇剧场《暴风雨》《暴风雨》就像一座冰山：观众当下所见的水平面上，是角色在舞台上的行动与表现；而隐没于水面之下的，则是由殖民历史、语言权力与文化位置所形成的结构。若只看到其中一层，则难以理解「自由」在此剧中承载的重量。 没有谁是真正的自由 即便拥有至高法力的波布罗，也被复仇的欲望与法术的符咒所禁锢；卡力班与爱丽儿以不同形式遭到奴役；而来到岛上的浮世国众人，看似拥有身分与权 力，却同样被暴风雨与法术所挟持。这种受到限制的状态，使《暴风雨》不仅是充满奇幻色彩的戏剧，也是折射所处时代风貌的镜子，让观众在观看角色行动的同时，也启发对于自由、权力、支配之间错综复杂的关系。
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人物 艺术家请回答王凯生 面对自己的人生，就是最大的挑战
身为《PAR表演艺术》历届年度人物中唯一的布袋戏主演，王凯生不只是在传统布袋戏的道路上行走，更结合自己喜爱与擅长的摇滚乐，发展出属于义兴阁掌中剧团的特色「布袋戏摇滚音乐剧」。他是布袋戏主演，是乐团主唱，也是音乐设计、作曲，同时在2025年的作品《英雄制造》里头还是演员。如同他的多工身分，这次提问不只在问王凯生，也有很多读者想问义兴阁掌中剧团近年在Podcast、剧场发展出的全新「熟龄」偶像「豆花公」，就让他们一起回答这些问题吧！
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人物 艺术家请回答蔡佾玲 维持身心平衡，继续在表演这条路上前进
2025年可以说是蔡佾玲丰收的一年，但也可以说是忙碌的一年。特别是下半年的两部作品《K与庞蒂的神秘降灵》与《海妲．盖柏乐》，挑战了两种截然不同的创作模式与角色样貌《K与庞蒂的神秘降灵》打破角色框架，并且经历多年发展，而《海妲．盖柏乐》则让蔡佾玲再次面对经典文本，同时这位女主角也被誉为现代剧场中最难诠释的角色之一。延续、深化，然后创造，似乎是一位演员反复追寻的道路，那么私底下的蔡佾玲呢？这次我们公开征求问题，从生活到表演，全面展现一位演员的里里外外。
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国际 新加坡首度以群众募资形式筹办 第22届新加坡艺穗节以「再现」为主题
2026年，「新加坡艺穗节」（Singapore Fringe Festival）正式迈入第22年头。这是艺穗节的里程碑过去21年来，由剧团「必要剧场」主办的艺穗节都由电信业者第一通（M1）赞助。像电讯公司M1这么一家为艺术做出如此长期资助的机构，在新加坡委实少见。M1在2025年以后取消赞助，艺穗节为了能够持续下去，积极发起筹款活动，于是第22届的艺穗节是首次以群众募资形式筹办的活动。 必要剧场将今年的艺穗节主题定为「再现」（represent），除了旨在舞台上「再现」（represent）边缘化群体的课题，也意指这次的艺穗节以民间筹办的形式「再次呈现」（re-present）于观众面前，有不一般的意义。
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人物 艺术家请回答赖翃中 我偏偏喜欢矛盾、喜欢冲突，「张力」正是创作最需要的能量
2025年，赖翃中带著翃舞制作与《推拉》（Push and Pull）横扫欧洲两大赛事，并以《BIRDY》席卷北美，主导的「漂鸟舞蹈平台」也迈入第7届，在国际舞台展现强大韧性，确立了独树一帜的美学语汇与国际串联的行动能力，获选为2025年《PAR表演艺术》杂志年度人物。面对创作瓶颈、资源分配乃至外界流言，他展现出独特的生存哲学。本篇QA，他直面读者犀利提问，亲笔剖析如何在制度与现实的缝隙中撑出张力，寻找空间，将生活的阻力化为舞台上动人的瞬间。
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国际 巴黎以「话语」创造生命能量 法国戏剧先锋诺瓦里纳辞世
法国现代戏剧先锋诺瓦里纳（Valre Novarina）于2026年1月16日辞世，享年83岁。这位独树一格的导演暨剧作家透过实验性的手法，颠覆以情节、角色为主的文本创作，将书写的文字幻化为五颜六色的笔触，甚至是抑扬顿挫的音乐，被誉为文字魔术师、语言的革命家。他的离去虽然是法国剧场界的损失，但他留下的丰饶遗产，将持续在当代剧场抵抗语言贫乏的浪潮中，发出强而有力的回响。 话语流动的盛宴 创作能量丰沛的诺瓦里纳共累计了50多部剧作及理论，可说是法国现代舞台上最激进的创作者之一。对他来说，文字并非传递讯息的媒介，而是驱动生命的燃料。不同于荒谬剧场常见的语言匮乏与失效，诺瓦里纳企图用书写创造出一种充满流动性及饱满能量的「话语剧场」（thtre de paroles）。他将作曲的概念融入剧本创作中，在字里行间探索迸发旋律、营造几何运动的可能。他的剧作没有复杂的舞台指示，更摒弃了传统的因果逻辑，反而运用精简的空间，让文字脱离符号，化身为主要的角色，它们可以行走、跌倒、跳舞与呼喊，宛如一场欢腾又热闹的原始庆典。在这种融合理性与感性的实验场之中，观众必须用全新的感知面对熟悉的语言，彻底翻转聆听和观看的方式。
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人物 艺术家请回答黄亚中 在这个网路时代，只要找到自己的路，每个人都可以成为艺术家
站在 2025 年末回望，这一路走来，黄亚中对「站上舞台」这件事有了更深的理解。从柏林德意志歌剧院7年的驻院生涯，到离开体制、成为自由歌手，再到重返拜鲁特这座被视为华格纳圣殿的舞台，每一步都不是预设好的答案，而是在不断提问中前行的选择。面对读者的关心与提问，黄亚中分享的不只是角色与成就，而是身为一名台湾声乐家，如何在国际舞台上用声音证明自己，并且持续为下一个未知的阶段，准备好回答。