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话题 话题追踪 Follow-ups以艺术点燃人权之火
记巴西剧场大师波瓦94岁冥诞与「316被压迫者剧场日」许多年以前，我们一群戏剧、教育界的师生，在波瓦工作坊的休息时间围著他提问。那是个没有AI、就连维基百科都还不风行的年代。我问波瓦，「为什么你的任何一本书都没有提到你的生日？我翻遍了好多的文献资料才找到」。大家七嘴八舌的讨论著，是啊，的确都没提到，到底是哪一天？他边喝著咖啡边笑著对我说，那你现在知道了吗？我很骄傲而大声地回他：3月 16日！ 1931年3月 16日是提出「被压迫者剧场」理论体系的剧作家兼导演波瓦（Augusto Boal，1931-2009）的生日，2017年12月 21日，巴西政府正式签署法令，明定3月16日为国定「被压迫者剧场日」（Dia Nacional do Teatro do Oprimido），以纪念这位在戏剧界奉献超过半个世纪的巴西剧场巨擘。曾与波瓦共同创办「里约被压迫者剧场中心」（CTO-Rio）的杜尔勒（Licko Turle），近几年为了在学院推广被压迫者剧场，成立「被压迫者剧场学会」（GESTO），今年正逢《被压迫者剧场》一书以葡文在巴西出版 50周年，于是学会成员于3、4月间，在全巴西各地自动发起庆祝波瓦生日暨「被压迫者剧场纪念日」系列活动。
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评论 音乐超越感伤的悼念的艺术
评新古典室内乐团《旗津白玫瑰．25纪事》由陈欣宜带领的新古典室内乐团，发展多年，从古典音乐演奏与编创的实验精神出发，努力尝试跨界表演，突破传统音乐会的编制与演出模式，在舞台布景、场面调度以及展演结构上，屡屡创新，这几年来也是跨界艺术的话题团队之一。 这次的《旗津白玫瑰．25纪事》取材自团队发源地高雄的在地故事，以旗津「二十五淑女之墓」背后的工殇历史出发，在追忆悼念与超越创伤之间，再度以跨领域艺术的方法，解构了「音乐会」的惯习，也突围出许多令人耳目一新的艺术语言。
歌剧如何制作？小泽征尔音乐塾打造年轻音乐家的歌剧学习舞台
《茶花女》的当代新诠释！2025小泽征尔音乐塾歌剧制作现场与概念全记录
音乐与传承的火花——台湾青年音乐家在小泽征尔音乐塾的成长之旅
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人物 焦点人物 2025台北双年展联合策展人山姆．巴塔维尔 展览是创造一段旅程，就像导演安排一场戏
山姆．巴塔维尔（Sam Bardaouil）在台北市立美术馆（下简称北美馆）台北双年展主题发布会上，身穿深色西装，手势丰富、眼神坚定，演讲时仿佛站在舞台上。他的语气时而高昂、时而低沉，像是为观众铺陈一场无形的叙事。他经常以目光扫视全场，传递出高度的情感投入与现场掌控力。当他谈到展览灵感背后的个人经验时，语调转为低沉柔缓，提起关于父亲的故事，那一刻，他的声音轻微颤抖，眼眶泛红。这段真挚的分享，让现场观众都能感受到那份深埋心底的情感，仿佛整场展览就是从这份未竟的思慕中缓缓浮现。 展览不只是看，还是「走进去」的体验 巴塔维尔是黎巴嫩出生的国际策展人，现任柏林汉堡车站国家当代艺术美术馆馆长之一。其实他从大学时期就同时修习剧场和美术史，后来到伦敦中央演讲和戏剧学院研习表演艺术。曾在英国担任剧场导演与演员，参与过音乐剧、爱丁堡艺穗节与BBC广播剧等多样形式。 这些经历深刻影响了他的策展观。「展览对我来说不只是把作品挂起来，而是创造一段旅程，就像导演安排一场戏。」他认为观展不只是视觉体验，更是身体与情感的参与，「有时你要让观众停下来，有时要加速叙事，这与剧场节奏安排非常相似。」 在他的策展逻辑中，展场就像是是可被编排、切分与引导的舞台。墙面是场景转场，作品间的间隔像戏剧的呼吸，灯光与动线则牵引情绪。他比喻：「展览就像是一出戏剧，你需要有开始、有起伏、有高潮、有收束。」 他将展览视为三维叙事体观众透过身体移动建构故事。他分享这种节奏与空间感知来自剧场导演经验：如何设计悬念、安排进退场时机、让观者沉浸其中。对他而言，每件作品都是舞台上的演员，与观者在展场中共同完成叙事张力。
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演出 戏剧 开发「盗火风格」的音乐剧《One Two Punch 痛感一击》 摇滚出女拳击手的内在成长
近年原创音乐剧在台湾蔚为风潮，有别于过往常见的百老汇音乐剧来台巡演、或是IP授权演出，台湾团队陆续开发出属于在地语言、题材的音乐剧作品，而不同剧团也逐渐拥有自身的风格与特色。 首度挑战音乐剧的盗火剧团，经历了两年左右的酝酿与发展，先是获得广艺基金会第5届「表演艺术金创奖」银奖的肯定，并于去（2024）年底发表「半场读剧音乐会」，广纳各方意见后，才于今（2025）年5月底正式演出《One Two Punch 痛感一击》（后简称《痛感一击》）。不过，在颇受好评且独具特色的「悬疑三部曲」之后，属于盗火剧团的第一部音乐剧会有怎样的面貌呢？
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人物 聚光灯下 In the Spotlight 演员廖原庆 表演，是他选择做一辈子的事
廖原庆的身分是多样的，就如我们熟悉「部分的他」是一位演员，得扮演不同角色。 他与梁皓岚主持的Podcast节目「善岚庆女」已迈入第6季，有不同领域的听众因声音认识这名剧场演员。近期作品《上梁＿下工后的修罗场》（后简称《上梁》），他同时是编剧与演员；不过，编导经验其实来得更早，是娩娩工作室《米蒂亚：一则台湾新闻》，而这更源于他的另一个身分高中表演艺术老师，因为此作最初是他协助学生创作的。此时的廖原庆，又指了指挂在墙上、即将演出的《骚动之川》海报，笑说主视觉是由他设计的。 这些事情多半环绕著「剧场」，所以廖原庆说他从研究所开始，就把自己定义为「剧场工作者」，不打算被其中一种状态绑住，只要「做这些事情的时候，可以看见一个比较舒服的自己」。 「我在我的自由里面稳定的发展。」廖原庆这么说。「自由」与「稳定」两个看似矛盾的字眼，在他的剧场生活里实践。
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国际 伦敦汉姆史密斯剧院新版《群鬼》 当代新诠释引发剧场圈话题
挪威剧作家易卜生（Henrik Ibsen）在 1881 年写成出版了《群鬼》（Ghosts），其内容涵盖了乱伦、梅毒、安乐死与自杀等议题，震惊当时的社会，因此被禁，没有一家挪威剧院愿意制作搬演这个剧本。近一个世纪半后的今天，即便这些话题依旧引人注目，但现代观众很难再觉得这样的题材惊世骇俗。然而，在伦敦西边的里瑞克．汉姆史密斯剧院（Lyric Hammersmith Theatre）在4月中再度搬演了这个剧本，由剧作家欧文（Gary Owen）改编，本剧院的艺术总监奥莉欧丹（Rachel ORiordan）执导，《群鬼》在伦敦剧场圈内再度引起话题。
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国际 巴黎两大跨界艺术节初春登场 新秀辈出展现创作新势力
巴黎初春举行的2个艺术节，成为当代表演艺术新星崛起的重要指标。巴黎市中心编舞创作基地──「玻璃动物园」（Mnagerie de Verre）每年春、秋进行的「非比寻常艺术节」（Festival des Inaccoutums）透过跨领域的编舞创作，发展突破形式局限的新型态演出。而在巴黎南郊城镇旺夫（Vanves）举办的Artdanth艺术节则长期支持前卫创作，将年轻艺术家推向国际舞台。
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话题 话题追踪 Follow-ups身体在影音时空内的转生
记2025 Cinedans舞蹈电影节2002年于荷兰成立、多年致力投入舞蹈电影（dance film）的映演、开发与交流的组织Cinedans，其每年定期举办的Cinedans舞蹈电影节（Cinedans FEST），今（2025）年也迈进第21届，在阿姆斯特丹的Eye荷兰电影博物馆（Eye Filmmuseum）举办为期4天（3/20-3/23）的活动，内容包括有影片放映、装置与VR作品展示、学生创作提案、专业人士讲座，以及邀请艺术工作者、思想家、创意技术专家、资助方代表和一般观众一同交流的专题研讨会「Navigating the In-Between」；另外，影展亦透过「Cinedans WEB」平台进行10天（3/21-3/30）线上放映，提供未能亲身与会的观众观赏多数内容。
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国际 上海音乐剧蓬勃的背后：演员要演多少戏才能养活自己？
又是阳春三月，草长莺飞的时节。 当你在亚洲大厦的走廊撞见穿著戏服的演员，别惊讶他可能刚结束《阿波罗尼亚》的夜场演出，转身就要赶去说唱音乐剧《东楼》的剧组试音。 据《音乐财经》杂志统计，2025年第一季，中国剧坛引进原版音乐剧8部，占总剧码数比例仅11.2%，中文版剧码71部，占比攀升至88.8%。作为音乐剧半壁江山的上海，中文音乐剧以肉眼可见的增速崛起，而2025年的增长势头更为凶猛。不过，当观众为国风悬疑音乐剧《长安十二时辰》欢呼时，后台的计算器正悄然启动：每场演出费乘以场次减去房租，再加上不确定的商演机会这道现实主义的数学题，构成了音乐剧演员的日常生存公式。 在以亚洲大厦（编按）为核心的音乐剧江湖里，「一角九卡司」早已成常态。在一部《辛吉路的画材店》里，一个角色需要6至8名演员轮转，才能维持每月25场的高频率演出。有人1个月连轴转7部戏，白天排《阿波罗尼亚》，晚上演《谨遵医嘱》，中间还能抽空在《蝶变》里当个民国名媛。这种高强度运转的背后，是市场对新鲜感的极致追求。观众热中「集卡」不同演员的同角色演绎，制作方则将多卡司作为行销噱头。但硬币的另一面是，单部戏的演出周期缩短至1至2个月，演员难以靠一部戏稳定生存。正如业内人士所言：「在上海，演员必须像『人形永动机』，在戏与戏之间无缝切换。」 繁荣背后，演员的「生存算术题」 尽管上海音乐剧市场票房火爆，但演员的生存帐本却没那么光鲜。根据行业数据，一线城市音乐剧演员月薪约5千到1万3千元人民币，但这份收入需建立在「全年无休」的高强度演出基础上。 这本帐其实很好算，两个方面一目了然。 1、收入端 ◎ 新人价：一部戏排练费每天150元（无餐补），演出费单场几百元。假设一个月演20场，总收入约1万元。 ◎ 老手价：成熟演员可能拿更高分成，4千到5万不等，但若只接一部戏，月收入仍难破万。 2、支出端 ◎ 房租：上海单间月租3千元起步，内环一室户直逼6千元。 ◎ 五险一金：若自
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演出 戏剧47条染色体的《嗨姆雷特》 不是模仿，而是活著
秘鲁广场剧团（Teatro La Plaza）《嗨姆雷特》（Hamlet）的初始场景，是一段生产影片：一个婴儿正被从产道娩出，被接生、断脐、正式成为独立的个体，来到这个世界并投入母亲的怀抱。而8名表演者们在这过程中陆续登上舞台，共同见证新生命的诞生。 对比被期待的新生儿，这些表演者实属于「不被期待」的唐氏症患者与智力障碍者。目前台湾平均每1200个新生儿中，就有一位是唐氏症宝宝，孕初期收到的各式产检资讯中，最被强调的即是唐氏症筛检。除了政府有补助的初期、第二期唐氏症筛检，也有非侵入式但较昂贵的NIPT（非侵入性胎儿染色体检测 Non-Invasive Prenatal Testing），还有最为准确、却最为产妇犹豫孕中期是否要进行，须穿入肚腹的侵入式羊膜穿刺检查。「如果检测异常到底该怎么办？」在进行这些筛检时，皆能看到已成形、且有心脏跳动的胎儿，生与不生，在产前即为一个庞大且令人不安的议题。
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话题 话题追踪 Follow-ups姊妹咬苹果 跃演纽约行（上）
行前准备．经费筹措．剧本更动2025年1月，跃演VMTheatre Company带著台湾原创音乐剧《劝世三姊妹》登上纽约外百老汇剧院Theatre Row连演4场，《PAR表演艺术》总编辑黎家齐认为，这不单单只是把演出原封不动地挪到美国演出，而是为了外百老汇的舞台进行一定程度的再制。而这趟试演的起心动念、事前准备、落地执行等细节，究竟是怎么发生的？《PAR表演艺术》编辑部特别邀请《劝世三姊妹》导演曾慧诚与制作人林易衡，一同来聊聊纽约之行尝试将《劝世三姊妹》带入百老汇音乐剧产制流程的过程与经验。
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话题 话题追踪 Follow-ups姊妹咬苹果 跃演纽约行（下）
挑战梦想．产业未来．台湾ready了吗？而《劝世三姊妹》在纽约的试演无疑是成功的，这加深了团队将作品推到美国市场的信心，「我们花900万到美国的阶段任务已经完成，确定要往下发展，其实有3个面向的问题要处理。」林易衡解释，第1个面向是「版权」，因为要将《劝世三姊妹》这个IP进行改编，无论是编剧詹杰或音乐创作康和祥的版权，要如何授权给美方？是需要讨论的。
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人物 焦点人物 演员、音乐人黄韵玲 早一点或晚一点，我或许就不会去演
在今（2025）年初搜寻「黄韵玲」的相关新闻，会出现她在2024年10月1日生日这天，发行33年专辑《平凡》的黑胶复刻作为给自己的生日礼物，家人同事也到场陪她欢度60岁生日；再过一阵子，则有周刊报导她接任台北流行音乐中心（后简称北流）董事长后，边做边学地替中心打好基础、推动各项活动。同时，还有绿光剧团尘封16年的《人间条件四》，终于邀集原班人马黄韵玲、林美秀和陈希圣的回归加演消息。 黄韵玲最近一次演舞台剧，也已经是2016年的《人间条件一》，那时考量演员年龄与体力因素，剧团曾宣布可能是原班人马最后一次同台；时隔9年，作为《人间条件》固定班底的黄韵玲又回到舞台上，她的想法很简单：「大家本来就各自忙碌，能跟美秀和希圣再次同台，吴Sir（吴念真）的时间也可以，当然要参与啊！」
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国际 法兰克福资助女性艺术家与学者25年 美新尼雅基金会宣告结束营运
2025年3月中，由美新尼雅女性学术与艺术基金会（Stiftung maecenia fr Frauen in Wissenschaft und Kunst，下简称美新尼雅基金会）举办的最后一场「女王之路系列讲座」（Kniginnenweg）顺利落幕，讲座标题为「到此为止，后会有期」（Bis hierhin und weiter），是美新尼雅基金会结束营运前的最后一场公开活动。这个从2002年活跃至今的讲座向来由美新尼雅基金会与法兰克福各文化机构合作举办，让女性艺术家和学者对大众发表受基金会支持的计划。讲座名为「女王之路」，因为是献给业界女性与其杰出的计划，但女性的职涯很少像德国俗谚所说的「国王之路」那么平坦宽广。 2000年成立于法兰克福的美新尼雅基金会，以「赋予女性力量就是改变世界」为宗旨，长年支持女性艺术家、音乐家、剧场和舞蹈工作者及学术研究者走出自己的道路，并奖助各种透过女性主义视角关注社会议题的计划，举例来说，近年受资助的有聚焦于政治议题的戏剧和电影作品，探讨日益右倾的全球政治光谱、相应而来的反女性主义浪潮、以及极权国家的全球网路监控对基本民主与言论自由的威胁等。另外，也有致力于改变学术领域里以男性叙事为主导的计划，如2016年资助的「数学界的女性」国际摄影展，至今在世界各地展出已超过100场，呈现20位不同国家的女数学家肖像和访谈，为这个仍属男性主导的领域开启了新视野。
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生活 艺@展览以身体与影像 推叠出生命的记忆
张晓雄「青春祭」摄影展大约20来年前就听说张晓雄在1990年代初期，在北京办了中国第一次的男体摄影展，写进了中国摄影史，在他的摄影展「青春祭」终于可以一睹这批1990年至1995年间的摄影作品。张晓雄是捕捉光线与动作的高手，他的摄影与其传奇生命经验密不可分，我试著从摄影起心动念的角度来切入。 因为南北越分裂举家迁往柬埔寨，张晓雄在此出生度过童年，却在12岁时，红色高棉推翻施亚努国王，在混乱屠杀局势下逃往南越，辗转被母亲送往中国杭州避乱，家族四散，唯一一本家庭相簿，保存了中南半岛的童年记忆，因为对遗忘的恐惧，启发了他日后以摄影来保留回忆。
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演出 音乐班贝格交响乐团 联袂顶尖好手碰撞华丽乐章
这一系列备受瞩目的音乐会中，所有参与者均为当今古典音乐界的顶尖好手无论是拥有独特历史渊源与厚重音色的班贝格交响乐团（Bamberger Symphoniker）、被誉为「捷克的希望」的指挥家胡萨（Jakub Hrůa），还是获得国际大奖加持的钢琴家范特捷（Luk Vondrček）与小提琴新星金本索里（Bomsori Kim）。在这次访台音乐会难得推出两首独奏协奏曲组合，在一流乐团搭配下，更呈现出演奏家精湛的艺术。 班贝格交响乐团是德国唯一一个不出身于大城市、行家才知道的德国顶级乐团。乐团缘起于二战时，被捷克驱逐的一群德国音乐家。在流亡经过边境后，于巴伐利亚邦的班贝格落脚。由于这个历史背景，乐团融合了东欧捷克与德国的特殊声响，音色暗沉、浑圆，即为独特的「班贝格之声」。作曲家马勒不但曾担任班贝格乐团的指挥，乐团的驻地也是知名的「马勒指挥大赛」举办地。
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专栏 关於戏剧的五四三与家人看戏
还是围绕著吃食讨论更无伤大雅些：「要在台中吃？」「回员林吃？叫外送？或者直接在家热菜好了喔对了舞台很漂亮耶」。 或者聊聊交通方式吧：「骑脚踏车？」「台中捷运通车了呢我们都没搭过」「会搭台铁区间车回员林」「啊对，歌剧院之前有一家新加坡菜，倒了吗」「黑天鹅那个舞者跳得很有力一点也不娘，很帅。」 这时候我聆听。 不擅长聊天的家庭多半会为了食衣住行以外的话题困窘，离开台中国家歌剧院《天鹅湖》的播映现场，多少普通日常的台中家庭这样闲聊著，我也是其一。 过年期间，台中歌剧院的「NTT放映室」做了一系列春节特映：《灰姑娘》、《天鹅湖》、《睡美人》、《奥菲斯与尤丽蒂切》、《巴黎生活》等。免费放映，适合过年期间扶老携幼前往，挑选适合家人一起看的剧目太艰难了，猜测两个姪子可能的喜好，先排除歌剧，最后因应家人们的时间，挑中了马修．伯恩（Matthew Bourne）版的《天鹅湖》（Swan Lake）。 1995年的作品，2019年於伦敦沙德勒之井剧院录制，东尼奖得奖作品，美学较现代，又不至于去掉故事线到让青少年看不懂，黑天鹅改由男舞者饰演，我不认为做任何事都需要带来启发，但至少分享给孩子们更多不同的人的样子。 芭蕾舞剧开演，王子在床上挣扎恶梦，醒来后日常的行礼如仪，明显取材自英国皇室，皇家不自由的生活与皇后的混乱情感成为王子的日常困境，王子一跃而起灯光转换打在家人的眼镜有反光呢。自觉陪家人看舞剧真不是件容易的事，即便在男女舞者跳舞时那芭蕾的抱、靠、张力，我都些微紧张，何况剧情推演到王子在湖畔遇到黑天鹅，展开一连串的双人舞，那些亲密、依偎与拉扯，感受到暧昧，我的脚趾不由自主紧抓地板，有点害羞与赤裸，毕竟在老家完全不可能看各种男性与男性、如此亲密又汗水密合的贴身舞蹈，尚未剧终，已思考著如何自然开启话题。 后方一直传来小孩的声音跟大笑，「王子怎么这么难过？」「王子要去哪里？」，穿著猪肝红羽绒衣的中老年人在某些时刻离去，开门、脚步声、滑手机的人群，我从「看戏」，渐渐转而注视著「看著群众穿梭观众席的剧场」。 演出结束后，与亲戚走出剧院，各自去上厕所，陷入短暂沉默。 亲戚先反应：那个佛朗明哥跳得
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演出 戏剧小丑、乩童、魔术师 以戏剧跨界探索新视野
第17届的「新人新视野」迈入第17届的「新人新视野」，今年将由刘唐成、郭铠瑞、林陆杰，分别打造3出风格鲜明、概念大胆的全新创作。让小丑、乩童与魔术3种截然不同，却又与「表演」有著千丝万缕、密不可分的职业，以戏剧跨界探索剧场新视野。 直面成长与梦想，当《小丑与他的创造者》决裂 曾赴英国深造，与小丑大师菲利普．高里耶（Philippe Gaulier）等人学习的刘唐成，不仅是一位小丑表演者，也曾以演员、导演的身分多次参与剧场演出。在作品《小丑与他的创造者》中，他将直面自己的内心：「当一位小丑，随著年纪渐长、自尊心愈发高涨，不愿再接受失败，开始抗拒曾经热爱的小丑表演，那该如何？当一个创作者试图逃离自己的初衷，最终能否与内在和解？」这出类自传式的作品，将会带领观众碰触成长与梦想之间撕裂时的结界，但是否能跨越，只能在剧场中一探究竟。
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评论 戏曲把台湾传说搬上舞台
评《乌麻吐须》「这袋乌麻子妳带著，花轿沿路行、妳沿路撒，等到来年春天乌麻吐须，阿爸就会当沿路去找妳」 《乌麻吐须》改编自民间故事「蛇郎君」。「蛇郎君」流传在台湾的故事有许多版本，除了汉人，原住民也有类似的传说。谈到蛇郎君的故事起源，有研究认为可能是由中国移民带来台湾、再与原住民的版本交流而生，而亦有人再往前追溯，认为中国最早的版本很可能是受西方童话故事《美女与野兽》启发而产生。但在不同的文化中流传的版本，则会反映著该文化所重视的价值观。因此汉人的版本会比较强调女儿的孝道以及蛇郎君的富有。由此看来，中华王金樱传统文化艺术协会（后简称剧团）即是秉持著这样的核心价值改编故事；剧团或许因乌麻吐须的意象与蛇攀前行的姿态相似，加入了女儿出嫁沿路撒乌麻子的桥段，并以「乌麻吐须」命名，以加强台湾的在地风格。
凝视，聂光炎所凝视的（上）
凝视，聂光炎所凝视的（下）
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演出 戏剧比真心还难交出的手机 《完美陌生人》转译电影的流动感
「如果我有偷吃，我哪可能提议大家玩这游戏。」 「说不定你就有，你想借此让事情曝光，就和连环杀手想被别人知道的心理机制一样。」（注1） 你与亲密伴侣、知心好友的信任关系，究竟可以推展到什么境界？你敢说出心中最真实的秘密、最黑暗的思绪？还是，你敢不敢交出你的手机？ 7名好友（包括3对夫妻加上另名友人）来到其中两人家中定期聚餐，席间女主人忽然提议来场比「真心话大冒险」还危险的「信任游戏」，要所有人交出自己手机。在这晚上任何来电或讯息，都得向在场所有人开诚布公，彻底挑战人性，以及各种建立于信任与亲密之上的人际关系这是义大利2016年席卷全球卖座影片《完美陌生人》（Perfetti sconosciuti）的故事设定，导演保罗．杰诺维西（Paolo Genovese）本人也参与编剧，不但荣获义大利金像奖最佳影片肯定，写下超过1,600万欧元票房佳绩，更翻拍20多国语言版本。台湾虽无中文版电影，但即将由跃演剧团推出中文舞台剧，让观众一同参与这一晚心惊胆跳的真实与谎言，背叛与秘密。
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生活 艺@CD记忆与文化的交织
张红苹最新专辑《绽Blossom》台湾旅美作曲家张红苹（Apple Chang）的最新专辑《绽Blossom》，以西方乐器融合东方音乐的意象，形塑出在历史洪流中大时代小人物的乐章。如同她在专辑里写到，祖父在癌症末期因服药导致意识模糊时，紧捉住她的手大喊：「快躲到防空洞！」因为祖母就在仅隔一栋房子的距离，亲眼目睹空袭扫射。即便时光流转，战争的阴影与恐惧，仍无法从记忆中抹去。 这样的故事，至今仍在叙利亚、乌克兰到加萨走廊的战场上，日以继夜地不断上演。张红苹邀集来自不同国界文化背景、却对生命有著共同信念的音乐家汇聚一堂，企图借由音乐的力量，跨越藩篱，用音乐唤起对生命多层次的省思与感悟。参与演出的音乐家与制作团队包括前艾默森弦乐四重奏首席Eugene Drucker、日裔大提琴家久保田拳、指挥曾维庸、钢琴家卢易之、纹声音乐与纽约Skillman Music等。 这张专辑收录5首作品，前3首器乐曲富含浓厚东方音乐的元素，从描述日本文化到古中国丝路的塞外风情，运用五声音阶、大提琴模拟蒙古马头琴声响，甚至结合拍打、打击、拨弦、滑音等技巧，展现中国游牧民族音乐特色。 器乐曲中的前两首是日本印象的音乐。第一首《樱花雨》以钢琴的琴音开场，犹如在樱花林中花瓣如雨般地落在脸上，谱陈整曲的氛围。拨片演奏的竖琴模拟日本筝的声响，长笛则以气音模拟如尺八般的音色，反复奏出「樱花」（Sakura）3个音的动机，在缤纷飘落的樱花雨中呈现出空灵的气息，将大和民族的凄美展露无遗。可惜的是，尔后弦乐奏出的五声音阶旋律，反而令笔者联想到中国古装剧的音乐风格，与日本的大河剧音乐意境有所差异。在此除非作曲家要表现的只是广义的东方意象，或许才能作为合理的解读。 《艺伎》则以当代音乐手法，精采生动地模拟日本「筝曲」与「三味线」的音乐质地。以「急与缓」、「明与暗」、「虚与实」，表现日本传统文化的哲理。长笛以颤音、气声模拟尺八的音色，钢琴敲打著低音，营造震撼的声响，让此曲演绎出如日本能剧音乐的氛围。后段进入较快速度的部分，类似前一首的中国音乐氛围再现，与前后的音乐，显得有些突兀。 第3首《丝路幻想》由大提琴低沉绵长的独奏、缓慢宽广的凄凉旋律开启全曲，无论是模拟革胡或马头琴，都不禁令人遥想古代大漠烟沙的广阔塞外。转进快板，打击与急促的弦乐，抑或是模拟胡琴音乐嘶喊般的长音及
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专栏 脑海里的旋律大脑不说谎，而且天生爱美：《戴珍珠耳环的女孩》有神奇魅力！
去年在台南奇美博物馆的「英国国家艺廊珍藏展」引起广大共鸣，从文艺复兴巨擘拉斐尔、荷兰大师林布兰到后印象派名家梵谷，50位大师、横跨西洋艺术史400年的经典原作来台展览，让喜欢看画的艺术爱好者大呼过瘾。 「看到原作就是不一样！」我身边好多朋友数次重刷展览，乐此不疲。运用现代高科技，透过高解析度数位档和顶级微喷技术输出，复制画的品质愈来愈高，有时肉眼几乎分辨不出是真迹还是复制，但，为什么当绘画原作近在眼前，观看时就是有说不出的感动？ 位在荷兰海牙的莫瑞泰斯皇家美术馆（The Mauritshuis）因为收藏了画家梅维尔（Johannes Vermeer）的《戴珍珠耳环的少女》，成为许多艺术爱好者的朝圣之处；我也是其中一个，曾经不远千里特地拜访，为的就是一睹女孩的风采。《戴珍珠耳环的少女》是世界上最受欢迎的画作之一，永远忘不了那个夏天午后，我站在这幅尺寸袖珍的名画面前，心里泛起一股悸动：绑著湛蓝与艳黄头巾的女孩朱唇微微张开，欲言又止，伴著那迷茫的回眸凝望，小巧的耳垂挂著珍珠耳环，闪著明亮的光这幅画的复制品我已看过很多次，手边也收藏了书签、雨伞、马克杯、托特包，但站在真迹面前，当我和女孩眼神交集的刹那，一瞬仿佛永恒。 大脑科学家想了解《戴珍珠耳环的少女》为何如此有魅力，他们也想比较当人们在美术馆里观看真迹以及看复制品时，我们的脑袋里到底发生什么事，看真迹和看复制品时，大脑真的会有区别反应吗？一系列的实验结果十分有趣。 科学团队首度用脑电图（EGG）和磁振造影（MRI）来侦测脑神经活动与观赏艺术品之间的关系。研究人员表示，《戴珍珠耳环的少女》有股魔力，让人情不自禁地盯著她看，观者会被一种特殊的神经系统现象所俘虏，研究人员称之为「持续注意力回圈」：站在画作前，观者的眼睛首先被女孩的目光吸引，然后注意力向下移动，抵达女孩的嘴，最后抵达珍珠，再回到她的眼睛，而且这个连成三角形的回路会不断循环。 研究人员指出，17世纪荷兰黄金时期最杰出的画家梅维尔是操控人类注意力的个中好手，在《戴珍珠耳环的少女》这幅作品中，梅维尔巧妙地创造让注意力无限持续，并且一再重复这个注意力回圈：《戴珍珠耳环的女孩》不仅吸引观赏者的目光，还将人的注意力镶入循环之中；如此的机制让人不知不觉中花更多
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国际 澳门拉大艺术光谱 「Todos Fest ! 共融艺术节」5年有成
「Todos Fest ! 共融艺术节」已然成为石头公社一年一度的品牌节目，在几乎每月一节庆的澳门，「共融艺术节」可算是一个独特的存在，每年与不同的社福机构、艺术团体合作，以「共融」为理念，为身心障碍者、长者提供演出及创作平台。「Todos Fest!共融艺术节」从2021年开始举办，并一连两届作为澳门城市艺穗节的「节中节」，去年首次离开官方节庆，由石头公社独立主办，也获得博彩企业金沙澳门作为场地支持单位，在离岛氹仔炮烛厂遗址活化片区中举办。 举办至第5年、且获得不俗口碑的「Todos Fest !」，却传出没有得到政府单位资助的消息，主办单位只能硬著头皮继续办下去。相对过去几年，第5届的「Todos Fest !」在表演类节目的数量上似乎减少了，却迎来法国鬼才编舞家杰宏．贝尔（Jrme Bel）享誉国际的舞作《盛会》（Gala）（注），而且所有节庆活动都在澳门文化中心的剧院和广场上举行。《盛会》的澳门版本由莫倩婷、关若斐担任重排助理，在澳门公开招募16位表演者。台上表演者具有不同的身体经验，有舞者、演员、儿童、身心障碍人士及银发族，展现了出一幅多元、平等的风景，在杰宏．贝尔看似简约却是精心编排的结构下，不同能力表演者在台上展现的并非一般才艺表演式的弱势社群演出，而是透过不隐藏差异、允许「做不到」的平等展示，共构一个互相包容的公共空间。在宣传经费限制有限、澳门大众对当代舞蹈兴趣不足的条件下，这部理应作为澳门年度盛事的演出，入场人数还是坐不满澳门文化中心小剧院，但演出现场气氛的高涨、观众的热情投入，却是澳门剧场演出中少见的。