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国际 四界看表演 Stage Viewer绘画与音乐交织共振 再现艺术革命年代
巴黎「康丁斯基：色彩的音乐」特展色彩是琴键，眼睛是琴槌，而灵魂则是拥有众多琴弦的钢琴。 康丁斯基 去年（2025）10月，巴黎爱乐音乐博物馆（Le Muse de la musique Philharmonie de Paris）与庞毕度中心（le Centre Pompidou）合作，推出「康丁斯基：色彩的音乐」（Kandinsky - La musique des couleurs）特展，展出20世纪俄罗斯抽象画大师康丁斯基（Vassily Kandinsky，1866-1944）的200件作品。有别于传统的静态展览，这次的展览透过灯光、投影、影像与立体动态舞台，让整体的展示呈现出动态感。此外，也让每位参观者配备智慧型耳机，随著观展动线，耳机会自动拨放出对应的音乐、人声或环境音，带领观者走进一种沉浸式的声响体验，领略康丁斯基的艺术世界。
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人物 纪念大师 In Memoriam德艺双馨、含笑嫣然的资深歌仔戏艺人——王束花
生于1935年的歌仔戏艺师王束花，与先生林竹岸艺师一同成立「民权歌剧团」。身为当家小生的她，退下舞台后，担任剧团的「讲戏仙」，将她经历内台、广播电台、卖药团、外台各时期累积的活戏功力，化作民权歌剧团的经典好戏。今（2026）年2月，王束花艺师辞世，正式从人生舞台上谢幕，享耆寿91岁。本刊特邀曾为王束花艺师编写传记《含笑嫣然：王束花歌仔戏演艺生涯》的蔡欣欣教授，以这段文字纪念这位一生为歌仔戏奉献的「束花妈妈」。
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演出 音乐专属现场的沉浸式声响探险
台北室内合唱团《岛屿上没有四十四只石狮子》当合唱团不再乖乖站立在舞台上，指挥不再全程给予拍点，这会是一场什么样的音乐体验？台北室内合唱团将带来第7号人声剧场作品《岛屿上没有四十四只石狮子》，由作曲家林桂如与导演洪千涵携手共创，集结了合唱指导许瀞心（Apo Hsu Ching-hsin）、文字顾问鸿鸿（Yen Hung-ya）及动作设计林祐如（Lin Yu-ju）等优秀阵容。这将不仅是一场音乐会，更是一次打破传统镜框式舞台、将观众包围在四维空间里的全新声响旅程。 这部作品的诞生，源自于台北室内合唱团长年对当代音乐的坚持与探索。行政经理高端禾表示：「与其说创新是方向，不如说它是台北室内合唱团的 DNA」，他们在营运与制作上始终拒绝处于「模仿的状态」，期盼能对人声艺术产生原创的贡献。他说：「我们希望在这个人声这个领域打开一个新的窗，」让演出「从第一颗音符、一个动作都是原创。」面对这条充满未知的挑战之路，团长暨歌手方素贞坦言排练有时实在「太硬了」，但她深知合唱团具有不可推卸的社会责任，她坚定地说：「以台北室内合唱团累积到现在的实力，我们不做，谁做啊？」她认为既然团队有能力，就应该尽一份社会责任，为台湾甚至亚洲的当代人声艺术，开创出无可取代的品牌软实力。
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演出 戏剧 重新布局空间 展现独角戏功力《笼子里的白狐》 施冬麟续说城市怪谈
《笼子里的白狐》是金枝演社资深团员施冬麟编、导、演的独角戏，最早发表于2024年底，与另一出同样由团内资深团员李允中发想创作的《鸡鸡好吃》，以「1+1」的方式共同于牯岭街小剧场演出，被视为金枝演社的「中生代创作系列」。 施冬麟表示：「团内有时会尝试二哥（王荣裕）之外的创作可能，就提到能否做做看比较小型的制作，于是我跟允中有举手！」过程中有不同方案、组合的提出，最终是两人各自发展一部短篇作品，分成上、下半场演出。
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话题 话题追踪 Follow-ups制造剧场的创作空间
舞台剧《嫌疑犯X的献身》幕后揭秘《嫌疑犯X的献身》（容疑者Xの献身）是日本作家东野圭吾（1958/2/4-）的长篇推理小说，也是「伽利略系列」（ガリレオシリーズ）的第3本小说。该小说最初以《嫌疑犯X》为名，自2003年起于《ALL读物》连载，并在2005年8月于文艺春秋出版。小说出版后即受到广大回响，陆续翻译为多国语言，而日本、韩国、中国、印度皆有电影版上映，日本、中国亦有舞台剧改编，台湾则至去（2025）年底才正式推出舞台剧，由莫子仪、梅若颖、叶文豪、高英轩等人主演。 《嫌疑犯X的献身》舞台剧于台北首演后，将陆续于高雄、台中巡演。而在首演过后，我特别感受到「剧场版与原著小说间的接近程度」以及「全剧给予的体感时间」；因此，本文将透过与《嫌疑犯X的献身》舞台剧编导吴维纬、制作方「笨鸟工作室」的讨论，解答制作背后的几项关键，也提供未来有志投入于IP改编剧场的制作团队不同面向的思考。
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国际 上海演艺新空间崛起，扶得起「百老汇」的梦想吗？
2020年，上海亚洲大厦「星空间1号」迎来《阿波罗尼亚》首演，标志著中国演艺新空间正式启航。5年过去，这一模式已蔓延全国：北京累计认定的演艺新空间达79家，广州2025年一季度的小剧场演出达1712场，占全市55.2%。据中国演出行业协会最新发布的数据，目前全国剧场类演出（含演艺新空间）已达29.64万场，票房119.29亿元。 然而光鲜数据背后，行业深陷「成长的烦恼」。上海亚洲大厦已从1个小剧场扩张至20余个，各地纷纷在商场、写字楼「垂直生长」出大量演艺新空间。但这种「百老汇式」的群集效应，真的撑得起「中国百老汇」的梦想吗？ 三大病灶，让「新空间」成了「新困局」 演艺新空间的爆量增长，其实也带来了困局。其一是「同质化泛滥」。走进任何一座城市的演艺新空间，你大概会看到悬疑惊悚、热门IP改编、打「同性情谊」擦边球的作品。上海「环人广」有50余个剧场，演出题材却高度雷同；北京、广州、成都的演艺新空间，也难逃「复制贴上」的宿命。这种创作上的惰性，正在快速消耗观众的新鲜感。 其二是「地下偶像化」陷阱：演艺新空间最突出的问题，是「粉丝经济」的过度膨胀。制作方体系性地以「人」而非「艺」作为卖点，官方卡司表上标示的「百场」、「生日场」等行销手段，公开鼓动粉丝为特定演员购票。一种「大粉姐」现象1年看270余场演出、花费10几万元、与演员形成奇特的权力关系正在各地重演。这种「地下偶像」式的运营模式，导致演员技艺退居次要，戏剧的艺术本质被严重稀释。 其三是「专业主义缺失」：更严重的是，部分制作方的主要目的并非票房，而是拉赞助、做数据，将戏剧异化为金融游戏。这种「以出租场地替代经营、过度依赖补贴」的模式，正在伤害行业的根基。 这些问题的根源，在于演艺新空间从诞生之初就以高度商业化为导向。上海「一台好戏」创造的《阿波罗尼亚》模式因过于成功，以致后续制作公司纷纷效尤，却无视中国缺乏支撑「外百老汇」模式成熟市场基础的事实。而各地争相打造「演艺之都」，又忽视了内容建设的长期性。虽然北京推出了25家演艺空间培育专案，广州推出了《关于推动广东演艺市场高质量发展的若干政策措施》，但这些政策更多关注的是硬体建设和场
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演出 音乐从都会角落到歌剧院 一趟城市里的声响之旅
曼彻斯特国际工房╳黄若《浮声之城》如果说建筑是凝固的音乐，那么当音乐流淌进城市的血脉，城市本身是否也能成为一座巨大的乐器？要理解《浮声之城》（City of Floating Sounds）这部跨界巨作的独特美学，我们必须先走进作曲家黄若的创作世界。这位旅居纽约的华裔作曲家，被《纽约时报》盛赞为「风格独具的作曲家」，他的音乐语言活泼而富有创意，灵感汲取自中国古调与民俗乐、西方前卫与实验音乐、自然与处理声响、摇滚与爵士；其多元的曲风横跨管弦乐、室内乐、歌剧、剧场、舞蹈、跨界创作、声音装置、建筑装置、多媒体、实验即兴、民谣摇滚与电影等，以其融合东、西方文化元素的独特声响闻名。 黄若不愿仅被视为一位作曲家，他更将自己定义为概念艺术家（Conceptual Artist）。长期生活在西方的他，提出了一种第三文化的观点，它既不是纯粹的东方，也不是纯粹的西方，而是融合这两者产生的一种新的文化有机体。 这种融合风格衍生出他自创的「多维立体主义」（Dimensionalism）创作技法，强调声音的空间感与动态，这正是《浮声之城》的核心灵魂，让音乐不再平躺于乐谱，而是立体地生长于空间之中。
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人物 艺号人物 People 作曲家李志纯 以音符反思社会 将「台湾」织入乐章
在当代国际音乐的浩瀚星河中，有一种声音，既带著西方管弦乐的壮阔繁复，又深藏著东方岛屿的温婉与韧性。当英国权威《留声机》（Gramophone）杂志盛赞她「探索多种另类的织度和不寻常的技巧，为最引人注目的作品」、当美国《波士顿环球报》（Boston Globe）形容她的音乐「让人大开眼界，恰当且复杂，却又让人著迷」时，来自高雄的作曲家李志纯，早已用她的音符在世界舞台上刻下了无法抹灭的印记。她是台湾首位、全球第4位荣获美国波士顿交响乐团（BSO）委托创作的亚裔作曲家，更是波兰新艺术合成艺术节（NeoArte Syntezator Sztuki Festival）首位受邀常驻并举办专场音乐会的亚洲作曲家。然而，褪去这些国际大奖与耀眼头衔的光环，李志纯的音乐灵魂，其实始终扎根于那座她日夜思念的岛屿台湾。 破晓前的琴声：从叛逆少女到坚定的追梦者 李志纯的音乐之路，并非始于安逸的温室，而是充满了对声响的极致渴望与近乎疯狂的执著。时光倒转回她在专科时期的岁月，那时的她就读于台南家专（台南应用科技大学的前身），是一个令老师又爱又头痛的叛逆女孩。当刚从维也纳留学归国的黄燕忠老师在台上教授古典和声学时，底下的李志纯总喜欢拿著放大镜挑毛病，甚至在课后追著老师问哪里有平行错误的问题。然而，正是这位宽容的恩师，看见了她骨子里的音乐天赋，不仅没有责骂，反而给予她更多的功课，一步步为她打下了深厚且扎实的传统和声底子。 回忆起那段青春岁月，李志纯的眼中总闪烁著光芒。她笑著诉说当年为了争取练琴时间，这群住校的女孩过著宛如军队般严格的生活，总在清晨6点不到，就熟练地找出音乐系馆哪一扇窗户没有上锁，爬窗进去抢琴房，一天苦练6个小时也不喊累。更有趣的是，她当时的主修竟然是电子琴。这项在古典音乐圈看似非主流的乐器，却成为了她日后掌握复杂交响语言的秘密武器，电子琴丰富的音色库与系统，让她在年少时便不知不觉地训练了对管弦乐配器法的敏锐度，成为她日后驾驭庞大交响乐团的基石。 当作曲家温隆信老师来到学校任教，她阴错阳差地成为了填补名额的第3位作曲门徒，却从此深陷于魏本（Anton Webern）、布列兹（Pierre Boulez）等现代主义大师的魅力中无法自拔。面对这条
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专栏 抵达终点左转守在生命的缓坡处
最近常想起皮皮。皮皮是一只活了17岁的比熊犬。一开始的两年，他被当成贵宾狗养，所以没有膨成一个圆的发型。为了结扎，9岁的我第一次听到比熊这个品种。剩下的15年，皮皮在我心里的形象类比成一只小白熊。 蔡依林的狗也是比熊。每次我看到她的狗，都在看毛。比熊犬的美丽与哀愁都在那里，是可口的棉花糖，还是打结的乌云，一切都是命。想到皮皮不是因为思念，而是参照，比对同样生命末期的陪伴，以前怎么那么潦草随意。皮皮死后两年多，我领养了Cookie。一见钟情这辈子第一次发生。那一头饼乾色的毛发让我相信她就是我的命定之狗。因为她就是Cookie。 Cookie是我最喜欢的英文单字，也是儿时唯一自信能拼对的字。我也非常喜爱吃酥脆的饼乾，于是从懂得许愿的时候，我就梦想著能拥有一只叫Cookie的狗。皮皮是带著名字来了，我还是想拥有一只Cookie。不太知道她是什么品种，反正就是贵宾血系，但身材比例有蹊跷，腿怎么看都短了点。谜题直到去年才被解开。这部分故事有点太过感人，直接跳到结论我们找到Cookie同胞的哥哥，得知她是腊肠与贵宾的混种，同胎4只里最小的妹妹，和哥哥一样像贵宾爸爸。 这算是解了多年的困惑。哥哥已过世，我们顺势承接了水壶、罐罐、以及一直犹豫的宠物推车。去年此时带著Cookie认亲，对方全家三代出动，又摸又揉又抱又亲的她已经有筋骨的问题。当时我和先生去柏林才1个月，为来后她就再也无法跟我们一起在床上睡觉。接著这一年，我们收起床尾的斜板。铺全室防滑垫。乳胶床垫放地上。满意宝宝尿布。鱼油。Ｂ群。喂食针管。亚培安素。很烂的淘宝趴趴椅。无数个瑜伽砖。免充气水池。日制挤花袋（灌食用）。奶油饼乾。不能离家超过两小时，夜间随时准备爬起。尽管我和先生都是自由工作者，但几乎无法一起出门吃饭、看戏、看电影。时间被切得像洋葱丁，病况才是家里的老大。 笨笨的比熊犬皮皮只想玩，爱吃，是人都好。混种的Cookie，敏感、忧虑、慢熟、容易紧张全投射了我的个性。她承接我的缺陷。每当我安抚她、或是偶尔嘲笑她的时候，都意识到那是她在提醒我要放松。太专注照护，很少想起以前活泼好动的样子。进入失智迷雾的她总卡在缝隙与墙角，现在已无法自己起身。要不是先生提醒，我快忘了以前的她总是窝在我的脚边，或是一
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国际 四界看表演 Stage Viewer欲望、种族、暴力、凝视
加拿大舞台《奴隶游戏》《奴隶游戏》（Slave Play）是美国非裔青年编剧杰瑞米．欧．哈里斯（Jeremy O. Harris）就读耶鲁大学戏剧学院时创作的3幕剧，从2018年于纽约外百老汇首演、隔年登上百老汇舞台，到2024年移师伦敦西区以来，这出探索美国族裔冲突、历史创伤与现代性下的亲密关系、当代心理学治疗之间交杂问题的剧作，在大西洋两岸点燃两极反应，不乏怒火、抵制、笑声，以及赞誉（注1），该剧的长尾效应甚至在2024年催生了纪录片《奴隶游戏。不是电影。作戏罢了。》（Slave Play. Not a Movie. A Play.），2025年秋季，在美国川普政府正大肆追杀DEI多元共融价值，而加拿大在官方政策及教育上仍拥立DEI的情境之下，本作迎来出自多伦多加拿大舞台（Canadian Stage）的加拿大首演（注2）虽然本剧或许并不那么简单工整地回应DEI价值。 《奴隶游戏》剧名便隐含多重意义，既向外揭示美国蓄奴历史背景，也向内强调剧中人参与的奴隶角色扮演疗法，在自我指涉上，于叙事层次内突显情欲关系的扮演游戏本质，在叙事框架外，则自我诘问这是否终究是出有关奴隶的奇观化演出。
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话题 话题追踪 Follow-ups保存与重述，以与当下创作持续对话
「（再）评论 与 （再）档案」论坛侧记主持人：黎家齐（《PAR表演艺术》杂志总编辑） 主讲人：陈国慧（国际演艺评论家协会香港分会总经理） 周慧玲（中央大学戏剧暨表演研究室主持人） 王世信（国立台北艺术大学戏剧学院院长） 陈雅萍（国立台北艺术大学舞蹈学院院长暨资深舞蹈评论人） 2025年IATC年度论坛以「观照」为关键字，探询舞台灯光外那些隐密、不被看见的剧场痕迹。为演出本身留下记录的档案与资料库，同样留待我们「再发现」与「再看见」。于是，本场讲座由黎家齐担任主持人，邀请香港评论人陈国慧、投入「台湾现代戏剧暨表演影音资料库」多年的剧场导演周慧玲、舞台设计王世信与舞蹈学者陈雅萍，分别就自身经验分享表演艺术评论如何被保存、重述与再现，并于持续发生的当下创作产生对话。 讲座前一日，陈国慧与香港IATC才在C-LAB 台湾当代文化实验场演出《艺评的维度演读香港演艺评论30年》。此计划为「香港演艺评论选辑计划（1980-2010）」最后一场活动，由IATC香港分会30周年与「国际表演艺术图书馆、博物馆与资料馆协会」2024研讨会共同促成，以此期间超过15,000篇评论资料为基础，藉「演读」形式重新构作编整，试图活化文献，和当代观众建立新的连结与对话。 陈国慧提到过往资料库若是举办成立发表会，多是邀请前辈老师致词分享，她于是苦思能不能用「更实验」方式来呈现文献。她参考纪录剧场与讲座展演（lecture performance），让评论人转换位置，反客为「主体」，以素人身分上台演读，试图回应过往对评论人「只会说不会做」的常见印象。至于选读的文献，除了强调艺评文字本身的表演性，也涵盖不同年代、不同媒介的写作差异，文化政策与生态关注，以及特别有戏剧张力的「笔战」系列。当然，也因为有些文稿年代久远，版权归属不明，或者因写作时空背景不同，作者另有考量，这些经营资料库的挑战同样延续到《艺评的维度》演出本身。 原先只是依附资料库建构计划的单次活动，想不到却迎来后续邀演。有位香港演艺学院老师，认为这能帮助学生短时间理解香港剧场发展脉络，于是邀请《艺评的维度》来到演艺学院图书馆演出，一排排书架的背景空间，与文献题材巧妙呼应。此外，陈国慧除了让演艺学院学
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话题 话题追踪 Follow-ups性别意识觉醒了，然后呢？ 四大面向重建表演艺术的安全职场
「表演艺术性别平等的竟与未竟」论坛侧记主持人：魏琬容（国际剧评人协会台湾分会理事） 分享人：表演艺术联盟（廖舒宁秘书长、蔡淳任研究员）、台北市艺术创作者职业工会（曾福全秘书长、陈姿颖研究员）、牯岭街小剧场（姚立群馆长）、「我们先是人」团队（吴孟轩、李桥河、黄美宁、简郁庭） 在表演艺术领域中，身体既是创作的媒介，也是权力流动最细微却最不透明的场所。创作需要靠近、信任与身体默契，但正是在这些被视为「理所当然」的亲密之中，界线模糊与性别不平等得以悄然生成，本次论坛分别从制度、劳动、场馆与身体实践4个层面回应，勾勒出台湾剧场性别平等工作的「竟」与「未竟」。
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专栏 关于编剧的二三事手指被纸张画过的伤口
即便我们的受访者立下死志要存钱，仍旧仪式感十足地要买一件衣服回家，哪怕这件衣服从来不穿，哪怕家里没穿过的衣服高达几百件，她说，我只是不想要自己手空空的，这是我上完一整天班后，唯一花钱买来属于我自己的东西。
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话题 话题追踪 Follow-ups让语言得以重新被学习，感受得以重新被命名
「当剧场遇见儿少性平：对话、界线与行动」座谈侧记在讨论儿少性平时，社会往往著墨于教材、法律与防范技巧，但真正决定孩子能否说出「我不舒服」的关键，在于关系是否允许、语言是否存在、说出之后是否会被接住，相较于家庭的日常伦理、学校的制度规范，或医疗司法所代表的判定框架，剧场是一个同时「在场」且「具距离」的公共场域：感受可以先被看见，语言得以被试著成立，关系能在短暂共处的时空中重新调整。 去年国际剧评人协会台湾分会年度论坛以「Caring：评论的关照」为主题，从「关照」出发思考评论、创作与观看之间的伦理关系。本场「当剧场遇见儿少性平：对话、界线与行动」座谈聚焦剧场如何承接儿少性平中的对话，讲者包括：不会教小孩行动联盟理事长陈仪、创作《妮妮的小秘密》的慢岛剧团团长王珂瑶，以及不想睡游戏社团长林欣怡。3人的经验共同指向一个核心：儿少什么时候能够说？而当说出时，谁已准备好接住？
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话题 话题追踪 Follow-ups对创伤，如何在「共情」与「抽离」之间拿捏观演距离？
「记忆与抚慰：碰触创伤与记忆的力道」侧记主持人：白斐岚（独立评论人） 与谈人：黄思农（再拒剧团导演、当代艺术家）、彭子玲（乌犬剧场艺术总监） 台湾社会于2023年迎来一波#MeToo巨浪，动荡虽只维持数月，后续影响可说是「余波荡漾」──正如关系人、受害者往往得用更长时间与之共处，寻求出路，生态环境亦然，剧场也不能例外。#MeToo运动兴起的口号「在做艺术家前先是一个人」（Youre a human before youre an artist），似乎暗示著艺术创作有时会让人忘记人性，牺牲自我或他人，以成就所谓崇高的「艺术」。于是，一连串的事件，让我们有机会重新审视环境，建立新的平衡。 延续2024年台湾剧评人协会年度论坛选择直面创作伦理、性别议题以及评论之间角色，今年度更将关注面向扩大涵盖不同形式的「创伤」。第一场前导工作坊「记忆与抚慰：碰触创伤与记忆的力道」，于是邀请乌犬剧场彭子玲与再拒剧团黄思农参与对谈，并由独立评论人白斐岚担任主持。前者分享多年陪伴高风险青少年，并以此推出创作《麻嗨猴》与《低．俗．画本》的经历；后者则以单一观众形式演出的《感伤之旅》，聚焦「观看」的权力关系。 彭子玲提到她在创作时，总是会不断审视「自己究竟只把这些经历当作故事题材，还是有进一步探索与实践的可能」。确保动机出于后者，始终是最重要的事。她以剧团10年来陪伴触法青年、青少年的经验，分享「此时此刻与我们平行，但依然在发生」的另一个世界。这些人的成长经历，因原生家庭、外在环境之形塑，自然而然得用截然不同的方式生存与生活。在「成为人」的同时，意识到另个世界的不同，才能真正认识彼此。
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国际 香港「场地伙伴计划」有改动 受欢迎剧团遭到排除
香港的表演艺术工作者经常诟病本地的演艺场地数量不足，近年随著西九文化区和大馆等场馆启用，好像缓解了一些问题，但这些场地不属政府管理，即使有空档，但租金对团队来说不是容易负担的事，要多做几场和提高票价才有机会收支平衡。然而能有长演可能性的作品，和能够承担长演节目的本地团队，真的屈指可数。 长期依靠政府资助运作的经营策略是发展的困局。长演制作过去10多年有较多讨论和实践，目前仍然是以有明星参演、且有商业制作公司愿意投资的作品较有成功的可能。不过曾是葵青剧院演艺厅17年场地伙伴的风车草剧团，在2025年底公布最新一轮的场地伙伴名单时就不再入选，这场地会由本来与风车草共享场地的中英剧团独家获得。 「场地伙伴计划」从2009年起开始推行，对政府场地来说，可说是一次与演艺团队同行的突破，除了发展场地形象和伙伴团队特色，在观众拓展的长期策略方面，亦能让场地和团队双方受惠。风车草剧团是当年第一轮获入选的演艺团队之一，当时与W创作社一同申请成为场地伙伴，两团在当时都是新进专业剧团，在艺术方向上以本地原创和贴近年轻人心态和关注的题材出发，累积了一群同代的观众群，并成功建立几位创团成员梁祖尧、汤骏业、邵美君的独特的舞台魅力，在演艺厅这个900席位的场地深耕出他们和观众对这地方的归属感，让这个位于新界的场地的活力不逊色于市区内的场地。 近年，风车草剧团每年平均制作3至4个作品，在演艺厅上演两星期的票房都爆满，有些受欢迎剧目甚至另觅场地接连演出，可说是场地伙伴计划推出以来的一张亮丽名牌。不过近年很多香港场地常常出现很多不可抗力的原因，让作品未能顺利上演，其中由政府管理的场地自然会有更多人关注。另一方面，政府既期望在「促进表演艺术的多元化、专业化、产业化及盛事化发展」，在场地上如能把握更多可控元素，似乎应该更容易管理，但场馆的不确定因素增多，也让团队发展受到影响。 风车草剧团作品能引起大量观众共鸣和支持，一定程度上是因为能说出观众的心声，但这些心声是否人人有感，则难以估计。去年公布表演场地租用政策和措施的改革方案时，已减少了伙伴计划的场地数量（绝大部分场地不再会同时有两个团队进驻），及减少获选艺团使用场地的日数，部分评选委员说是希望资源能让更多团体使用，然而这样的调整是否已偏离计划的初
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演出 音乐 双钢琴演奏48年魏乐富与叶绿娜 琴牵半世纪
台湾双钢琴演奏的先驱、享誉国际的音乐伉俪魏乐富（Rolf-Peter Wille）与叶绿娜，将于台北国家音乐厅举办「魏乐富＆叶绿娜双钢琴48年演奏会」。这场音乐会不仅标志著两人携手近半世纪的合作里程碑，也是一场凝聚经典改编、创意声响与深厚情感的音乐飨宴。 从填补空档到开创双钢琴时代 魏乐富与叶绿娜的合作始于1978年魏乐富来台，并于1979年正式组成双钢琴搭档且结为连理。回顾当时的台湾，音乐环境尚未如今日多元成熟，双钢琴演出更是罕见，他们可谓此一表演形式的重要开拓者。多年来，两人除在双钢琴舞台上持续创新，也在独奏、合奏、创作、广播与文字书写等领域累积丰硕成果、获奖无数。长年在艺术上的卓越展现形塑横跨世代、影响深远的艺术风景。 外界看双钢琴或四手联弹优雅和谐，但实际上两人在舞台上的互动充满了细腻的计划与默契。关于声部的选择并非固定，而是基于实际考量。叶绿娜透露，通常会先看谁的手比较大、谁比较适合哪个声部、谁前谁后、谁踩踏瓣，都需要极高的协调性。除了听觉，视觉上的安排也是关键。魏乐富形容，四手联弹时两人的手在键盘上交错，若太久没合奏，动作会感到陌生。一旦恢复练习，那种不想撞到对方、流畅交替的肢体记忆便会像「时光机」一样回来。谈及与其他人合作的差异，魏乐富笑著直言，跟别人合作必须保持礼貌，但跟叶绿娜一起演奏时「可以说真话」。对他们而言，双钢琴比四手联弹更好玩，因为两架钢琴提供了更大的自由度，在台上如同对话，若没有互相抛接球的挑战与反应，演出就会变得无聊。这种在台上随时感知对方速度与情绪变化的「心电感应」，正是48年默契的极致展现。 向经典致敬 本次演出的曲目安排极具巧思，且环环相扣。音乐会将以舒曼与巴赫的作品揭开序幕。首先演出的舒曼《以 B-A-C-H 为主题之赋格》的四手联弹，展现浪漫乐派对巴赫的崇敬。紧接著是巴赫的《西西里舞曲》以及4首《创意曲》，后者这几首创意曲是由布拉姆斯的学生、荷兰裔美籍作曲家 Louis Victor Saar 所改编，据推论，这次演出应可视为这几首曲子的「台湾首演」。同样具有传承意味的，还有葛利格改编自莫札特C大调第16号钢琴奏鸣曲（K.545）的双钢琴版本，增添
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演出 音乐罗大佑「四季恋红交响宴」 以流行「交响乐」叩问音乐初心
被誉为「华语流行音乐教父」的罗大佑，将带著他对音乐的全新思考与编制，展开「四季恋红交响宴」音乐会的巡回演出。这位现年72岁的传奇音乐人，不仅将于3月及4月分别在台中歌剧院与高雄卫武营登场，更将在4月18日成为首位登上纽约古典音乐圣殿「卡内基音乐厅」（Carnegie Hall）举办个人音乐会的华语流行音乐家。这一次，罗大佑不只是歌手，更是一位将流行音乐「交响化」的音乐人，他舍弃了在大型体育馆开流行音乐演唱会的喧嚣，选择走进声响细腻的音乐厅，向这个混乱的时代提出他最深情的音乐回应。 音乐会名称「四季恋红」寓意深远：「四季」象征著地球的循环与内在韵律，而「恋红」则代表著热情与希望，尤其对应2026年（丙午年）火能量满溢的意象。罗大佑感慨，现代人类活动导致气候变迁，四季已经不分明了。对他而言，音乐的功能在于找回秩序与初心，罗大佑说：「当四季回到春夏秋冬分明的时候，就是幸福的时候。」这场音乐会便是希望透过音乐，让观众在纷扰的世界中找到沉静内心的所在，重拾与宇宙、地球对应的相处状态。 为了这次以「原声」（acoustic）为核心的演出，罗大佑展现了惊人的毅力与对音乐的执著。虽然现年已72岁，但他每天仍维持长达8小时的钢琴练习。他透露最近沉迷于练习萧邦的曲目，特别是高难度的练习曲，这不仅是为了手指的灵活度，更是一种生理与心理的连结训练。罗大佑认为：「年纪愈大，手愈要能够活动。手活动的话可以连接到神经，自己思考会更细。」除了钢琴，罗大佑也将在这次巡演中挑战「乐器之王」管风琴。中学时他便开始学习弹奏双层且需要脚踩低音踏板的电子琴，奠定了手脚并用的基础，这份年少时的记忆，将在高雄卫武营场次得到回响，届时他将亲自弹奏管风琴，让震撼的低频与建筑共鸣。 为了呈现最纯粹的听觉体验，罗大佑与「春龙交响乐团」合作，这是一个融合了摇滚（鼓、吉他、贝斯）、古典（钢琴、弦乐四重奏）、国乐（笙、笛、扬琴）及人声合唱的16人编制乐团。为这系列音乐会担任音乐总监及指挥的华语流行音乐音乐制作人朱敬然表示：「其实我们这个演出的第17个成员，是各个场地。」他强调，在体育馆演出可以靠巨大的喇叭声压「压倒一切」，但在音乐厅，每个场地的残响与声学设计都是独一无二的。演出者必须去与场地「磨合」，找出那个听觉的「甜蜜点」（Sweet Spot
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专栏 脑海里的旋律新年新希望：步行有益身心健康，我想用脚丈量全世界
2026年开春前几天，到两厅院欣赏周善祥的钢琴与管风琴演奏会。曲终人散时走入广场，冬阳普照，暖烘烘的，让人心情愉悦舒畅。晒太阳的同时，我看到很多人在走路或散步呢！ 一个个优雅从容的行者从眼睛经过的同时，我想到一句很喜欢的拉丁文铭言：「Festina lente」，罗马奥古斯都把这句拉丁文铭言翻译成「快得从容」，世界愈快，心要愈慢；愈急的事，愈不可以匆匆忙忙面对、做决定。这几年我迷上徒步旅行，尤其是长距离的朝圣之旅，虽然不是宗教信仰者，徒步旅行的我的部分的心情在于「温柔抵抗」比起被动地让交通工具将自己载到某地，我一步一脚印，完全掌握想要前往的方向在转速日益加快的世界刻意放慢脚步，只专注在当下，我发现这样更能聆听自己的心，也更能觉察自己的意念。 长距离徒步旅行是很有效的身心治疗呢！义大利帕多瓦大学大脑神经科学研究所的科学家深入研究源于日本的「森林浴」，以及森林浴对人体的生理影响和压力管理效果：1980年代日本林野厅提出「しんりんよく」（森林浴）一词，指出沉浸于大自然，让眼耳鼻舌身沐浴在森林的氛围中，能有效放松、减压、增加身心健康与提升专注力。义大利的科学家采用前后测设计，让29位受试者在森林中完全沉浸两天，并记录沉浸前后的多项生理参数（例如心律、血压、免疫力、压力感知等）。他们发现森林浴显著改善了受试者的生理压力管理能力，沉浸在大自然的过程中，不但让主导警戒和战斗的交感神经活性有所抑制，也同时活化了主导休息和修复的副交感神经，我们的身体因此得到真正的放松。 这正是我好几次走在朝圣路上的感觉：眼睛看著周遭绿油油的风景，耳边有时虫鸣鸟叫，有时溪水潺潺流过，安静走路时，感官变得格外敏锐，深深呼吸，感受身旁的树木、土壤、花朵森林里真的好香！在大自然里步行的好处不只有净化提升身心状态，美国史丹佛大学研究团队更证实爱走路的人比起久坐的人创造力产出平均增加了60%；而且不管是在室内面对空白墙的跑步机上走路或是呼吸著室外的新鲜空气行走，两者同样能激发创造力。研究人员将吧178位受试者分组，结果显示，比起环境，其实是「行走」这项行为，让人灵光满满。与坐著的人相比（坐在室内面对空白墙壁，或在室外坐在轮椅上被推著），走路组的人的创造力水准始终明显偏高，
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专栏 关於戏剧的五四三《F1》的启示
看电影《F1》两个半小时注意力紧紧抓住，非常喜欢。看完后，给AI输入了以下问题： 「模拟评论好莱坞大片的基本语调，对工业、好莱坞、商业、运动赛事、英雄崇拜、剧情老套等堆砌名词，做一篇贬中带褒的评论」。 得到如下结果： 《F1》几乎是为了证明好莱坞工业体系仍然运转良好而存在的一部电影。它把一项本就高度商业化、数据化、被资本与品牌全面占领的运动赛事，再次转译为一个我们早已熟悉的英雄叙事模板：孤狼式天才、失败后的回归、团队合作的幻象，以及在终点线前完成自我救赎的瞬间。 这不是一部试图颠覆任何叙事规则的作品。相反地，它像一场被精密设计的比赛转播，节奏、情绪、高潮与胜利都严格遵守好莱坞的工业标准。每一个镜头都服务于「速度」与「荣耀」的视觉消费，每一次引擎轰鸣都在提醒观众：这是一项由金钱、科技与品牌堆叠出来的现代竞技神话。 英雄崇拜在这里被包装得几乎无懈可击。主角不是单纯的车手，而是一个被市场需要的象征经验、男性魅力、个人意志与资本浪漫主义的集合体。电影假装讨论团队合作与制度，但最终仍回到那个老问题：当一切崩溃时，拯救体系的依然是一个足够「强大」的个人。 剧情老套吗？毫无疑问。你几乎能提前预测每一次低谷与反弹、每一场冲突与和解。但也正因如此，《F1》运作得异常顺畅。它深知自己的观众想看什么，也清楚这个全球化娱乐市场需要怎样的情绪输出可被理解、可被消费、可被复制。 如果说《F1》有任何真正的价值，那并不在于它说了什么新故事，而在于它再次证明了好莱坞如何能将一项现实中的极端资本运动，转化为一场情感上高度有效的娱乐体验。它不是艺术电影，也无意成为批判资本主义的作品；它是一部诚实地为体系服务的电影，而这种诚实，反而成了它最难以否认的优点。 最终，《F1》就像一场完美执行的赛事你明知道规则、知道结局、知道谁会站上颁奖台，但当引擎启动、灯号熄灭，你还是会不
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评论 戏剧他真的找到「迷失在暗夜岛屿的原点」了吗？
评第四人称表演域《暗岛》失忆街友吴明（无名），凭著一张满是褶皱、模糊不清的老相片，试图找回过往的生命记忆，相片中的人物，散发著青春的气息，仿佛来自一个曾经意气风发的时代，却也隐隐透露一丝不安躁动，似乎预示未来的崎岖坎坷。吴明随著照片的引导，来到同志大游行（KH Pride）前夕的高雄，巧遇公民记者Kiki和她的同志伴侣「2019反送中运动」过后移居台湾的港人小杜，应两人之邀加入游行行列。走在充满欢乐气息的KH Pride中，吴明的记忆回到了40多年前的另一场游行，一场变调为流血冲突，引发后续大规模逮捕审讯判刑的游行（「美丽岛事件」），和游行前的大学校园生活。社团读书会的言语交锋，党国体制的布建监控，和同侪的人际纠葛，片片断断逐渐填补了记忆的空缺，吴明的真实身分，逐渐浮现，遗憾、悔恨、罪咎也随之而生 第四人称表演域重演的《暗岛》，借用了2014年诺贝尔文学奖得主派屈克．莫迪亚诺（Patrick Modiano）《暗店街》（Rue des boutiques obscures）的主角形象与叙事架构，透过主人翁的追寻，带我们重回台湾主体性萌生的1970年代，见证当时的两个重要事件：「乡土文学论战」与「美丽岛事件」，前者从文学的视角揭开不为大众所熟知的社会真实，引燃激烈论战；后者始于政治异议者的和平宣示，导致政治镇压。主人翁的失忆，源自个人情感与社会动态的拉扯，他能重拾记忆，则有赖年轻世代的自信，和开放自由的社会氛围，美丽岛时代的冲突对峙，已经被KH Pride的欢乐平和所取代，过去的黑暗，终究迎来了当下的明亮，民主开放、多元包容的台湾，不仅是大家的共识，更是华人地区的典范。
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国际 澳门剧团成立50年 「晓角月」揭2026澳门剧场序幕
2026年的澳门剧场，几乎可以叫「晓角月」。 在澳门政府文化发展基金的资助名单中，现代剧场团体超过30个，真正成立超过20年（2005年前成立）而又每年维持一定演出量的不足10个。其中以成立于1975年的晓角话剧研进社年资最长，演出量最高。去年是「晓角」成立50周年，该团于今年1月3日至2月2日期间，在「中国现存最古老的西式剧院」岗顶剧院中举办了长达1个月的纪念活动。 晓角话剧研进社以「半世纪舞台．世遗的回响」为主题，连翻推出四大剧目共15场演出，当中涵盖当代翻译剧《纸牌游戏》（The Gin Game)、剧团旧作复排的有《剖》与《等灵》，以及全新原创剧作《日日是好日》，展现了「晓角」多年来在不同题材和剧场美学上的探索与突破。同时，亦在岗顶剧院「镜厅」（观众进场前的大厅）立起了几块展板，举办「五十年戏剧创作回顾展」，以剧社不同发展成就来分类，展出演出剧照、手稿、戏服与影像，让观众重温晓角的成长历程。其中一个周末又在剧院前的户外庭园举办「戏剧嘉年华」，透过亲民的户外短剧、即兴演出、角色扮演、戏服体验及文创市集等方式营造了一片欣欣向荣的热闹气氛。
高俊耀 家，是生命里不断流动的聚合
陈昭香 戏台上的团圆，戏台下的家
李屏瑶 长大后，只吃自己想吃的年夜饭
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评论 新锐艺评 Review 直击艺现场殖民历史与身分认同得以重新对话的场域
评《K与庞蒂的神秘降灵》《K与庞蒂的神秘降灵》在国家两厅院实验剧场的昏暗光线中，由马来西亚视觉艺术家区秀诒与台湾剧场导演陈侑汝共同打造了一个神秘空间。这部作品以70分钟的降灵会形式，将马来西亚电影大亨陆运涛的传奇生平与马来民间传说中的庞蒂雅纳女鬼交织在一起，透过变幻的灯光、流动的投影与层叠的声音设计，创造出一个让殖民历史与身分认同得以重新对话的场域。 作为区秀诒长期探索「殖民现代性」与「前国族想像」的创作延伸，并结合陈侑汝擅长的跨媒介剧场美学，这部作品不仅是两位艺术家多次合作的集合，更是一场对身分解构再重构。 区秀诒的创作历程中，对殖民历史与国族认同的探问始终是核心关怀。从「棉佳兰计划」系列到《Still Alive》，都可理解为对「马来亚」这个「前国族」的想像再现以及对于权力的探讨。她擅长运用动态影像、观念艺术与装置形式，探讨影像、历史与政治之间的微妙关联。而陈侑汝作为「她的实验室空间集」的创办人，其创作关注在地人文，擅长从日常出发。两位艺术家的合作，形成了一种独特的创作对话。 在剧作中演员蔡佾玲与周家宽在多重角色间自如转换，时而化身为女鬼庞蒂，时而成为客死他乡的电影大亨，时而又以尼泊尔佣兵的形象出现。这种角色的流动性恰恰呼应了作品核心的身分议题在后殖民的语境中，谁能拥有单一而稳固的身分认同？ 剧中廓尔喀士兵的出现，进一步拓展了殖民历史的讨论边界。这些来自尼泊尔的战士，曾经为英国殖民者效力，在马来亚紧急状态时期（1948-1960）协助铲除马来亚共产党。廓尔喀士兵的特殊之处在于，他们至今仍属于新加坡特警，在任期届满后就必须返回尼泊尔的身分摆荡，使他们更能符合相对于马来人或华人的「他者」诠释。 而庞蒂雅纳作为马来西亚、印尼、新加坡民间传说中的知名女鬼，据信是一名因难产而死、怨恨不止息的女子变身厉鬼。在当代，庞蒂雅纳并未销声匿迹，还经常登上马来西亚社会新闻。剧作将庞蒂雅纳这一形象从传统传说中提取出来，让她去性别化，成为一名从香蕉树中诞生的游弋幽魂。这种改编使她能超越单纯的女鬼形象，成为更广泛的被压迫者象征。 舞台设计的强光与镜子的反射不仅创造出多重折射的视觉效果，更切割了空间。在K、庞蒂、廓尔喀士兵或演员轮流扮演的说书人与其他角色之间，也存在彼此互相依存的镜像或对
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评论 新锐艺评 Review 直击艺现场味蕾在歌唱，窒息后发酵
评《超辛奇小熊软糖》舞台上，一辆布帐马车静静伫立于黑暗之中，两侧的萤幕播放著韩国的画面。当帆布被掀开，食物的气味随之涌出，气味作为记忆的招唤，并在演出过程中不断改变。演出中邀请两位观众成为顾客，亲口品尝一道道料理。虽然坐在台下的观众无法实际品尝，但那股气味仍悄然弥漫于空气之中。 Jaha Koo身兼说书人与厨师的角色，以料理作为叙事的媒介。这场演出可说是一种「三重奏」：口白的叙事、料理的叙事、以及萤幕上的影像，同时唤起听觉、嗅觉（与味觉）、视觉的想像。 同样将「饮食 文化 剧场」并置，我想起今年（2025年）台大游心剧场的《旅行的舌头》。演出者一边讲述、一边烹调，带领观众理解食物在历史发展中的传播与演变，探讨跨文化背景下的身分认同与饮食的关联。味觉本身具有社交的特质，在观众共同品尝、描述的过程里，我也重新界定了自己对这些食物的情感连结。那张长桌又被称作「中岛」，仿佛是一座漂浮的岛屿，象征味蕾在不同文化间的流动与漂泊。 然而，《旅行的舌头》虽在文化层面横跨多国，形式上却略显平面，更像是一场带有深度谈话的烹饪节目。相较之下，《超辛奇小熊软糖》以韩国小吃为出发点，从个人经验切入，却能深刻挖掘情绪的转折，使观众更容易进入其叙事之中。 《超辛奇小熊软糖》在视觉与形式上皆采取可爱、鲜艳且富感染力的风格。然而，文字与影像间不时透露深层而悲伤的底色。整场表演如同一场比喻的游戏：Jaha Koo反复抓住又放生的蜗牛，是背负重担、迁移至陌生之地的象征；小熊软糖成为旅居柏林时的慰藉；鳗鱼的洄游则更明确诉说：家并非固定的地理位置，而是一种持续移动的状态。 以食物为主题的演出，往往同时涉及文化与历史的层面。此作的结构可分为个人自传式的旅程，从韩国到柏林，以及关于父亲、食物与光州事件的连结。那么，这场演出的受众是谁？若观众期待的是关于食物文化与历史的深度探讨，可能会觉得其力道稍弱，每个段落停留的时间不长。但或许，这场演出更想指向离散者的处境，一个人如何在文化、家与适应之间寻找回应。 演出末尾，所有食物的气味交叠在一起。蜗牛、小熊软糖、鳗鱼以机械般的音调歌唱。看似冷静疏离的表述，反而创造出情感投射的空间。哪里是家乡？也许家乡正是人终将回归、甚至死亡的地方。那些歌词如幽灵般盘旋脑中，却