老娘自己来！葛莱美爵士天后妮可．茱莱提斯的逆袭传奇
两种时间，一种爵士
当代萨克斯风天后雷琪夏・班杰明与鼓王彼得・厄斯金
汇聚岛屿爵士群英，从厅堂到广场的顶尖交锋
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话题 两厅院橱窗 Hot at NTCH理工脑加上文化心 期许让老店走在时代前端
专访国家两厅院艺术总监邱瑗甫接任国家两厅院艺术总监，邱瑗第一件做的事，便是走出办公室，走访各个组室。她热情地与新人寒暄，好奇探看同仁布置的工作空间，远远看见资深员工，便能立刻认出老面孔这份对人的关怀与热情，是她多年来在表演艺术界无可取代的温暖标记，她的亲切，也让总监室的空间也随之改变。习惯了阳光的邱瑗，主动地拉开了总监室与秘书之间的窗帘，才让同仁们惊呼「原来这里有一扇窗」，秘书自此可以直接透过玻璃看见总监，空间的隔阂顿时消散。这一拉，不仅拉进了光线，更拉近了人心的距离，也因此对许多同仁而言，她的现身并非客套的「就任」，而是令人欣喜的「回来」。 从年轻时就与两厅院结下不解之缘，再回到这个地方，邱瑗发现，这座具历史的场馆制度完善、运作顺畅，就像一辆能「自动驾驶」的豪华劳斯莱斯。然而，进入这台豪车，她却拒绝在后座安逸度日。邱瑗常比喻，卫武营是一辆 8 缸的大房车；台中国家歌剧院是扭力大、很好掌控的超跑；而两厅院，则是一辆豪华的劳斯莱斯。但喜欢开车的人，绝对不喜欢自动驾驶，当亲自开车时候，「手感」就是关键。因此不甘于自动驾驶的执念，也成为她重掌舵盘、重塑两厅院未来营运的核心。 跨界双栖的艺术养成：从台北市音乐季的歌剧助理到芝加哥的无课本修练 在表演艺术界，邱瑗独特的音乐与戏剧「双栖」特质备受推崇，她曾以编剧身分催生两厅院旗舰歌剧《福尔摩沙信简黑须马偕》。这份热情源于她大学毕业时参与「台北市音乐季」的契机。当时台北市立交响乐团刚开始制作歌剧，她在恩师徐颂仁的引荐下担任场记与导演助理。虽然起初对剧场陌生，但在年年参与的磨练中逐渐做出兴趣；眼见台湾当时极度缺乏歌剧导演，她便萌生深造想法，赴美时除音乐行政外，也以戏剧攻读第2个硕士。 留美期间，邱瑗接受了极具跨界视野的专业训练。她的课程分配相当独特，商学院、音乐系与戏剧系各占三分之一。为了培养多面向的感受力，她修习了非欧美剧种、亚洲戏剧与世界音乐。这种跨领域的养成，让她看待大型节目制作时能跳脱单一领域的局限，对剧场空间与视觉尤为敏锐，无形中建立起强大的审美眼光。 在这段实务与学术并进的岁月里，经验尤为关键。她的指导教授上课从不用教科书，而是由学生自行研读、主动提问再由其解答，教授甚
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话题 两厅院橱窗 Hot at NTCH从场馆到作品，打造向世界发声的文化品牌
专访国家表演艺术中心董事长杨其文2026年春，台湾表演艺术重要推手的国家表演艺术中心（下简称国表艺）迎来了第4届董事会，曾任国家两厅院艺术总监、台北艺术大学校长的杨其文作为新任董事长，其所提聘的三馆艺术总监也是剧场圈并不陌生的资深老将。这项决策背后的思考是什么？三馆一团（国家两厅院、台中国家歌剧院、卫武营国家艺术文化中心、国家交响乐团）在未来几年，又将带领台湾表演艺术圈走向什么方向？ 杨其文说自己不爱谈虚妄的「改革」，在他的思维里，与其堆砌花拳绣腿的政治口号，不如务实地彻底锁紧剧场体制内的每一颗螺丝。有意思的是，从目前两厅院正如火如荼兴建中的捷运连通工程与艺文廊道，即可窥见他多年前延续至今对台湾表演艺术生态建置的野望与蓝图。 该计划最初的雏形，正是杨其文在2008年担任艺术总监时所擘划、却一度被尘封的「园区开发计划」。相隔18年，他从单一场馆总监，转为国表艺董事长，重审这枚当年埋下的种子，视野已然从两厅院的硬体增建，拉高为空间治理、三馆共荣、国际共制、人才孵育等面向，铺排出打造国家文化品牌的长期思考与战略。 18年后的重审，建造帮助剧场熟成、面向全民的廊道 Q：两厅院目前正在兴建中的艺文廊道暨地面景观设施的开发与优化，其雏形正是您在2008年担任艺术总监时提出的「园区开发计划」。相隔18年后以董事长身分检视此计划，请谈谈您心中最理想的「国家级艺文廊道」与市民、艺术家、城市的关系？ A：2008年我提出「园区开发计划」的时候，核心想解决的是台湾剧场界长期的空间匮乏困境。戏剧院一年的档次非常有限，顶多40档。档期分国内、国外，再细分自制、合办、出租，里面还要瓜分给歌仔戏、京剧、儿童剧、现代戏剧、舞蹈、音乐剧等至少7、8类剧种。这样分下去，新兴团体根本没有机会进到这座殿堂，因为可用的档次就只有这样。 两厅院20周年时刚好戏剧院舞台要整修一年，我原本计划趁机在音乐厅后面的大森林盖一个「临时剧场」，高度不超过戏剧院，被大自然包围。我想用它来做什么？养台湾的「定目剧」。20年前我们引进《歌剧魅影》，演出期间2个月，那是朱宗庆老师的构想、平珩总监执行。那档节目赚了将近两亿，场场爆满。这个「临时剧场」概念是一年引
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国际 伦敦为儿童而作的《仲夏夜之梦》 名团制作魔幻又不失莎剧精采
「这里有魔法。」贝尔菲尔德（Robin Belfield）精心改编的莎士比亚经典喜剧《仲夏夜之梦》（A Midsummer Nights Dream），在一开场便在墙上投以这样的字幕，宣告进入这个剧场就等于进入魔法世界。 独角兽剧院（Unicorn Theatre）位於伦敦桥（London Bridge）附近，是一间专门制作演出给儿童观看的剧院。剧院艺术总监巴格萧（Rachel Bagshaw）和联合导演贝尔菲尔德共同制作导演这个新版本的《仲夏夜之梦》，适合7岁以上的孩童观赏。这个制作是独角兽剧院首次与位于莎翁故居史特拉福（Stratford upon Avon）的皇家莎士比亚剧团（Royal Shakespeare Company）共制的大型制作，4、5月已在伦敦完成演出，上月中剧组搬到史特拉福，在皇家莎士比亚剧团的剧院之一「另一个地方」（The Other Place）开演。
郑立彬领军北市国，让欧洲三大殿堂听见海岛脉动
考验空间的声学辩证，展现文化的跨域回响
现场倾听台北之声，三大殿堂中的宝岛拼图
大提琴家杨文信携手北市国，以完美共鸣向欧洲诉说台湾
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国际 四界看表演 Stage Viewer以身体作为活档案库 自己的故事自己说
记2026德国舞蹈三年展赶在欧洲热浪来袭前，源自过往德国舞蹈年会（Tanzkongress）的「德国舞蹈三年展」（Tanztriennale）以盛大的舞蹈游行于6月中的汉堡街头热闹展开。为期8天的艺术节囊括超过20支舞作展演、4天的论坛与身体工作坊、为期3个月的跨舞风驻村合作短篇呈现。以及为了让三年展深入地方，早在去年6月就在汉堡启动一系列舞蹈活动，包括提供舞蹈从业人员参与的「Moving Meetings」；以及引领当地的民众与舞蹈爱好者认识不同舞蹈类型、体验跳舞乐趣的「All Moves」，以每月一场不同舞风的工作坊，引领当地的民众与爱好者认识不同舞蹈类型、体验跳舞的乐趣，最终一步步在汉堡建立舞蹈社群。而这一切，就在6月14日开幕当天的封街大游行「City Parade」 开花结果。 从汉堡劳动博物馆（Museum der Arbeit）一路游行至汉堡市立公园（Hamburg Stadtpark），多元舞风团体接力演出、边走边跳，沿途引来大量市民停留与围观，最终更在地方舞团「MAI:COMPANY」的引领下，集体在公园内共舞，正式揭开第一届舞蹈三年展的序幕。
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专栏 路边的日本人在追求高效率的时代中，我们更应珍视「看似无用的过程」的价值
现今是一个只需按下一个键，就能瞬间得到「美丽完成品」的高效率时代，所以我反而更想刻意绕远路，透过那些乍看之下毫无效率、甚至有些浪费的过程，把记忆深深刻进自己的五感之中。因为我相信唯有这样缓慢累积的经验，才能孕育出只有我才能创造的音乐，以及属于我的「美感」。
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国际 东京携手Sónar科技艺术节 JR东日本推出「NU Festival」
作为山手线最新车站周边的大型都市更新计划，高轮Gateway City不只是商业开发案，也试图将文化纳入未来城市的想像之中。由NU Festival实行委员会主办、JR东日本共同主办的「NU Festival 2026」，于6月26日至28日首次举行。以「Next New Unity」为核心概念，艺术节结合电子音乐、科技艺术与公共空间，将演出与展览带进车站、广场、美术馆、空中花园，甚至桑拿设施之中，让整个街区成为一座开放式的文化场域。 本届艺术节最受关注的焦点之一，是与西班牙巴塞隆纳科技艺术节Snar的合作。主办单位表示，Snar并非单纯提供品牌授权，而是以合作伙伴身分参与策划，包含音乐演出「NU Live」到艺术科技的「NU Art」单元。对于长期关注电子音乐与科技艺术发展的观众而言，这也是这个全新艺术节的最大特点之一。
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国际 香港戏剧大师钟景辉6月初辞世 一生为香港打造耀眼戏剧风光
为香港戏剧和影视贡献一生的戏剧大师钟景辉在今（2026）年6月初安详辞世，享寿89岁（1937-2026）。消息传来，除了本地传媒广泛报导，电视、电影、剧场、教育各领域的很多他的朋友和学生──现在都是著名的影视和剧场人，包括周润发、杜琪峰、谢君豪等──都纷纷发布纪念文字。 钟景辉由中学开始接触戏剧，参与校际戏剧比赛多次获奖，成就其一生为香港表演艺术的尽心尽情。他在1950年代末赴美进修戏剧，在耶鲁大学修读艺术硕士课程，钟景辉曾在访问中提及，去到美国就投入吸收戏剧的养分，却是以倒数心态留在异地，期望学成后贡献香港。在那个演艺文化有待开拓的年代，人称「King Sir」的钟景辉，如此委身艺术文化并成就跨领域发展，一方面是他在这方面有亮眼的才华和广宽的视野，另一方面，当时的香港亦渴求著有这样的艺术家，去为这个小城的文化去开垦，带来一片令往后演艺人可以承传志业，观众认识和欣赏剧场的美丽风光。
做出看起来以上皆是，却又以上皆非的趣味
「理式意象设计」李孟杰
就是要「吸睛」！ 挑战观看当下的那个瞬间
平面设计师林罗伯
在AI时代里，一起制造老派浪漫吧！
「Elf-19设计工作室」洪彰联
以设计融入香港印象 让芭蕾成为城市风景
访香港芭蕾舞团艺术总监卫承天、行政总监李易璇-
国际 四界看表演 Stage Viewer污水循环处理的废墟乐园
威尼斯双年展奥地利馆：编舞家弗伦亭娜．霍金格《威尼斯海洋世界》今年第61届威尼斯双年展在评审团全体总辞、以色列与俄罗斯馆争议等政治漩涡之际，最大排长龙、媒体疯传的，无疑是从表演艺术跨领域窜红的艺术家弗伦亭娜．霍金格（Florentina Holzinger，1986年生于维也纳）将奥地利国家馆改建为《威尼斯海洋世界》（SEAWORLD VENICE），彻底颠覆感官与道德边界的沉浸式体验，或者说，一次乌托邦已死之后的残酷祭仪，一则关于生态末日与阶级剥削的警世寓言。 她将奥地利馆这座于1934年设计的理性主义建筑，彻底改造成一座游乐园、污水处理厂与神圣建筑三位一体的机器有机体。刻意搅乱纯粹与污染、罪孽与赎罪之间的二元对立，令那些被隐藏在视线之外、却始终如影随形的废弃物，赤裸裸地暴露在众人面前。
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演出 戏剧 无痕迹的在地化移植《死人大哥大》 跨越世代探讨「交流的焦虑」
《死人大哥大》（Dead Mans Cell Phone）是美国剧作家莎拉．茹儿（Sarah Ruhl）于2008年获得海伦海斯奖（Helen Hayes Award）「优秀新剧本」奖 （Outstanding New Play）的作品，过去虽有在台湾的演出记录，但多是在学院制作中呈现（且采用不同翻译剧名）。而莎拉．茹儿在台湾更为人知晓的剧本，是2004年发表的《窗明几净》（The Clean House），另一改编自希腊经典神话《奥菲斯与尤丽狄丝》的《遗忘的旋律》（Eurydice）也曾在2010年时由台湾的剧团制作演出。 本次由界址创作演出的《死人大哥大》版本，是由刘崴玚翻译、重田诚治导演。刘崴玚表示，《死人大哥大》是他开始翻译剧本后的第一部作品，约在2021年左右完成，直到今（2026）年才有机会正式演出。他也提到，自己在选择剧本翻译时，「会在乎这个剧本有没有可能在台湾演出，所以很多议题性太强的剧本会先被挑掉，因为较难被台湾观众理解其语境与背景。」他特别在意剧本的剧场转译，希望能找到相对应的连结，因此《死人大哥大》的故事场景虽发生于20多年前，但仍可透过「手机」这件事情尝试跨越世代与文化间的移植。
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专栏 那些女子那些戏那位让我尝到相信滋味的第10号女子
我后来好几次在排戏的时候，虽然麻布袋是在还没上场前我自己套上的，是其他演员帮我把手上的绳子轻轻地绕在我的手腕上，让我自己抓住的，虽然这些与剧中「被凶恶的匪徒捆绑」的状况相差甚远，但我在袋子里常常是吓到哭出来的程度。 你会活出你相信的。
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演出 音乐2026台北国际合唱音乐节 跨越疆界的声响对话
当多声部旋律交叠，异域艺文便在无形中相遇。将于7月下旬登场的「2026年台北国际合唱音乐节」，汇聚多国卓越队伍与演出篇章，不仅是一场听觉飨宴，更是灵魂碰撞的实践。正如台北爱乐艺术总监杜黑的创立初衷所述：「希望台湾观众不用出国，也能欣赏到全世界最优秀合唱团。」
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专栏 关於戏剧的五四三一个字都不能改吗？
一日跟友人相聚吃吃喝喝，友人问我，剧本是否一个字都不能改。 这个问题颇让人疑惑，一个字都不能改这种想法，从未出现在我任何一次工作中，相反的排练中我很常改剧本，以戏好看为主，而且每个导演、演员有他对角色的想像跟理解，这个想像跟理解来自于创作过程中，编导演激荡出对于角色的理解，演出可说是一段编导与剧本共舞的过程，最好的编剧视角是在排练时站在观众的角度看这段演出，而不是拿著舞谱要演员每一个动作都完全复制。 但哪边是可以改，哪边改了会伤筋动骨？ 「你就是会知道。」 一个字都不能改的想法，或许来自于把剧本当成文学作品，但比起字斟句酌的用字，剧本更像是｢在特定的时间跟空间中一连串付出代价的因果律」，有一个或数个所有人都必定在此处交织的空间，角色有一个外在目标，因为这个目标产生种种阻碍，最后克服阻碍、付出代价实现外在目标时才发现自己的内在目标，以棒球比赛打比方，剧本等于是棒球规则，3好球出局、4坏保送、3人出局攻守交换，打满9局，投球出去之前要捕手跟投手之间打暗号取得共识，这个时间逻辑跟因果关系的组成让棒球赛成为独特且需要团队合作、以3这个数字为核心构成扣人心弦的时刻（3好球、3人满垒、3人出局攻守交换、先发9人打满9局等等）但不一定每一场球赛都精采，要看个别的球员（演员）、总教练（导演），是以在剧本创作过程中，最重要的是建立起如同比赛规则的因果律，至于一个改一个字两个字，这就好比争执球员的头发，或衣服上赞助厂商要绣英文还中文，枝微末节，除非这个改动改变了任何比赛的规则，比方说传球时垒上跑者「身体的一部分接触垒包即安全上垒」，变成「两只脚站在垒包才算上垒」，这种严重改变比赛方式的改动，才是真正编剧要谨慎思考、影响骨架的改动，若否，应该让球员跟教练在最能极大化发挥战力的状况下比赛，才是一场好球赛。 至于演出长度限制而做的修改，就像是成棒变成少棒，9局变7局，本质不变下即可。 角色成为传达特定立场的工具 米兰．昆德拉在他的经典随笔《被背叛的遗嘱》中提到「悬置道德审判并非小说的不道德，而是它的道德」。 为什么要花一段时间看完一个作品，得到跟看一篇社群文一样的观点？ 脆（threads）化的戏让作品也跟著脆
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评论 戏剧掀开华丽奇观的帷幕，是……
评柏林剧团《三便士歌剧》布莱希特《三便士歌剧》的创作历程、首演灾难，与〈大刀麦基Mack the Knife〉所引发的流行音乐风潮，已经成为现代戏剧╱音乐史上的一则传奇，即使他的其他作品，或许更广为人知，如《勇气母亲和她的孩子们》（Mutter Courage und ihre Kinder）和《高加索白垩圈》（Der kaukasische Kreidekreis）（编按），但《三便士歌剧》似乎总能带给剧场观众更丰富的观赏经验，体现布莱希特想同时娱乐且教育他们的意图。 1928年于柏林造船人河堤剧场首演的《三便士歌剧》，以马克思主义对资本主义的批判为基础，透过舞台机制的暴露，剥除社会关系的自然化外衣，突显决定社会运作的体制结构，裂解观众在情感上和道德上的固著。近百年之后，在知名歌剧导演巴里柯斯基的生花妙手处理下，《三便士歌剧》以盛装华丽的姿态再返舞台，巧妙呼应当代「奇观╱景观化」的时代精神，原作蕴含的批判性，则深藏在炫目的表象之下。 首先，是马克思主义对资本主义体制的批判，是否仍然有效。 从《三便士歌剧》首演的1928年，到2026年的此时，资本主义体制在这100年里，因应时空条件的演变，经历了各种修正调整，虽然面貌与原初模样已然不同，但仍有决定人类日常生活与生命情境的巨大影响力量。对拥护者来说，印证了资本主义的历史必然性，对批判者而言，这却说明了资本主义无法为人类创造真正平等、多元、自由的未来，而只能在不断生产的「当下」中苟延残喘。时至今日， AI科技的演进，让「当下」的生成更新愈加快速，其缤纷多彩也更让人难以抗拒，欲望即时满足，何需似乎遥不可及的未来？
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专栏 脑海里的旋律大脑、徒步旅行与海鞘刺身
不久前才从日本回到台湾，我用53天的时间，全程尽量徒步，完满了一趟总距离超过1,000公里、有1,000多年历史的四国遍路之旅。途中，我每天详实纪录所见所闻和步行公里数，跟著我一起在云端走「线上版」遍路的读者有好多呢！ 「我们体力没那么好，脚力更不行，但每天读妳的日记，好像真的走了一趟遍路」，「看著妳出发，大家一路跟著，最后妳抵达终点、完满心愿时，我们都哭了」许多人在我回台公众活动会后与我交流时，非常兴奋地告诉我心里的感觉。当然，透过文字记载让读者感到亲临现场，对我来说是很大的称赞，但，集体共感共振这回事，是可以用大脑神经科学研究来解释的。 英国伦敦大学认知神经科学研究团队与编舞家、美学专家联手，科学家跨出实验室、走进剧场、亲临舞台，透过跨界合作并且利用大规模扫描，探讨舞者和观众之间脑电波频率同步状态。结果发现，虽然舞是台上的艺术家在跳（舞者们佩戴著脑波感测器），但观众（同样配戴感测器）坐在台下欣赏时，大脑出现了特定波段，这种波段出现在人的心智开始神游，进入内在深度专注状态，并产生情感产生连结的时候，科学家将这个现象形容为「集体白日梦」。 观看的人和实际行动的，一起做了场梦呢！想到自己的千里徒步之旅也带上大家共感共振，好开心。不过也有人跟我说，看著我每天走20、30公里，实在吓人，还是在家吹冷气看电视比较不会那么累。给大家猜猜，一路上最常在我脑海盘旋的是哪样食物？读者们可能会猜卤肉饭、咸酥鸡、蚵仔面线之类的台湾小吃，或是义大利面和披萨等靴子国料理，毕竟每天长距离步行体力消耗大，日本食物份量偏小，常想到的应该是家乡味吧？答案可能会让各位大吃一惊，「海鞘刺身」是走在四国遍路上最常浮现在我脑海的料理；我特别强调「走在路上」和「脑海」是有原因的。 要解释这层关联，且让我用近年来大脑神经科学界关于步行能促进身心灵健康的研究说起。早期，大脑常被比喻为机器，普遍认为大脑的「零件」会随著年龄逐渐耗损，就像洗衣机用久马达会坏掉一样，大脑的容量有限，它的使用期也有一定年限。不过，近年来大脑神经科学界已经推翻这样的想法，证实人的大脑是有可塑性的：回溯到1970年代，科学家发现我们的大脑回路会随著经验和活动产生细微的改变，日积月累，在特定的环境或行为刺激下，人类大脑神经元之间连结的复杂度和皮质结构会产生变化，某些大脑关键
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生活 PAR你不知道？！韩国催泪神作变身音乐剧 《如蝶翩翩》首度访台的必看亮点！
梦想，难道会因为岁月的流逝而超过保存期限吗？曾横扫影音平台排行榜、被观众封为「年度最催泪神作」的韩国知名IP《如蝶翩翩》（Navillera），将以音乐剧的崭新面貌首度登台！这部改编自人气网路漫画的经典，讲述70岁退休老者与23岁迷惘天才芭蕾少年的忘年之交，细腻描绘了现实与期盼的拉扯。在准备迎接这场梦幻且深刻的逐梦旅程前，「PAR你不知道」单元特别为你整理了结合社会现象与幕后秘辛的8个必看亮点，带你抢先了解这部充满魅力的动人佳作。 1. 《如蝶翩翩》到底有多红？为何被誉为「人生必看」？ 这部作品的改编版影集曾连续3周挤进Netflix台湾排行榜前10名，被观众形容为「年度最催泪」、「人生必看」之作。此外，其原著是在韩国知名网漫平台Kakao Page累积观看近90万次、长期维持近10颗星满分评价的超高人气连载，更曾荣获美国威尔．艾斯纳漫画产业奖（Will Eisner Comic Industry Awards）提名并入选「最佳网漫奖」，是具备全球认可的强大IP。
从承担风险、重力实验到真实肉身
当代编舞家走向马戏的5种思考途径
从呼吸开始，改造一个马戏团
陈武康访林怀民，谈如何与FOCASA一同疯魔（下）
从呼吸开始，改造一个马戏团
陈武康访林怀民，谈如何与FOCASA一同疯魔（上）-
国际 秦皇岛文学剧场还是排练事故？ 阿那亚戏剧节《文城》演出引发争议
是话剧还是戏剧？是文学剧场还是一场没有准备好的排练？ 由余华同名小说改编的《文城》（City of Fiction）是今年阿那亚戏剧节的开幕大戏，6月17日在海边「孤独外剧场」首演，这部戏由陈明昊（导、演）、段奕宏、周冬雨主演，明星效应使得这场演出格外受到关注，同时也引爆了近年来对於戏剧认知的最大争议。 争议的焦点直接落在「提词机」和「念剧本」上。首演现场，周冬雨被指全程依赖提词机，念错台词后脱口而出「oh no」；陈明昊全场手持剧本；段奕宏前半场尚能脱本演出，但后半场也未能完全脱稿。这对于看惯了「北京人艺话剧」的观众而言，几乎是不可接受的，因为「背台词是话剧演员的基本功」。 不少观众因此在现场大喊退票，事后在网路媒体上也是一面倒地检讨这场演出的不是，甚至「周冬雨演戏不背台词」这个话题也因此冲上热搜。然而，导演的解释提供了另一种解读：这是有意为之的「疏离」设计，旨在暴露排练状态，打破「完美表演」的幻觉，同时，即时摄影、当代艺术装置、大吊车的机械及海边的孤独图书馆背景，都成了这部戏的「表演者」，切实地表达了虚拟城市的文本意涵。这符合「后戏剧剧场」将文本、舞台美术、音乐、演员身体、空间等要素等量齐观，创造一种「共时性的在场体验」，而非线性的叙事。陈明昊坦言：「回头看很多新的突破，一开始都像是外行的『误会』，我们的戏剧经验就该被这样的新能量一次次刷新。」
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评论 新锐艺评 Review爱是一种选择与信念
评台南人剧团《爱在极光下》《爱在极光下》改编自美国剧作家 John Cariani 的知名剧作，以9个看似荒诞却充满诗意的爱情故事，描绘人们在极光下寻找爱、理解爱，并与爱擦肩而过的过程。导演吕柏伸率领王宏元、古辛、林晓函、张家祯及曹瑜（哈利）5位演员（A组）以流畅自然的场面调度，建构出雪地里一个既浪漫又带有淡淡忧伤的爱情世界。 剧中的爱情故事各具特色：一位带著破碎心灵前来疗伤的女子，意外遇见一名修理工，两人心生暧昧情愫；颓废的男子与多年未见的前任女友重逢，却发现对方即将步入婚姻；两位在感情中屡屡受挫的直男，在某个瞬间对彼此产生了超越友谊的情感；天生感受不到疼痛的年轻男子，因初尝爱情的美好而第一次体会到痛觉；迟来多年的一句「我愿意」终于说出口时，却发现对方早已有了新的归属；一对相恋11年的情侣，险些因误会而失去彼此的；一对中年夫妻，在平凡的婚姻生活中因为日复一日的生活摩擦争执，而重新思考彼此的关系；害怕失去彼此的友谊而迟迟不敢表露心意的男女，最终发现原来对方也同样喜欢著自己。这些故事的背景与人物各异，却共同描绘了爱情中的期待与遗憾、错过与重逢，展现出人性最真实而动人的样貌。