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国际 东京下北泽国际偶戏节 为日本偶戏打开「人人可创作」的可能
甫于2月17日至23日举办的第2届下北泽国际偶戏节（下北沢国际人形剧祭，Shimokitazawa International Puppet Festival），以「技术与魔法，全新的偶戏」为口号，邀请8组付费演出、2组免费演出共襄盛举，同时来自台湾的飞人集社剧团也参与其中的子节目「第四届国际偶戏Slam」（International Puppet Slam），与其他13组艺术家同台亮相。 下北泽偶戏节的构想，来自对日本偶戏历史与现况之间落差的深刻观察。艺术总监山口遥子在欧洲研究偶戏时得知，日本其实拥有世界上最古老的偶戏理论，在近松左卫门的《难波土产》中一个章节，将偶定义「介于真实与虚假间的存在」，这样的思想在世界偶戏史中占有重要地位。而文乐作为日本代表性的传统艺术形式，也长期被视为高度成熟的偶戏表演形式。此外，长野的「饭田偶戏节」每年更聚集超过400个团体，从规模来看，日本的偶戏文化可说相当兴盛。
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专栏 人间父子笑还是哭？也许两者差异不大
真：这次农历年，我们想说去峇里岛晒晒日光度个假，结果 谦：6天有3天都在下雨。 真：然后看台湾的朋友们发的照片，台湾阳光普照，不知道我们跑来峇里岛干嘛，雨下到没地方去，所以我甚至去百货公司买了一双鞋子。愈想愈好笑，我干嘛大老远跑来峇里岛买鞋子啊？最近好像常常发生这种事情，当下发生的时候很荒谬，可是想著想著就忍不住笑出来。 谦：前阵子也是啊。我有个案子跟公路旅行有关，就问你有没有写过公路电影，聊著聊著不知怎么地、就提到一个早年的连续剧，叫作 真：《西螺七剑》，那是1970年代的戏，主题曲我都还记得，可是更记得的是我们小时候唱那个歌，都会乱改歌词，明明是「唐山过海台湾来／收门徒传武艺」，我们会唱成：「唐山过海台湾来／无穿无衣也无裤」以前小孩子乱唱还会把大人打，可是现在记得一清二楚。 谦：很奇怪，我当时明明就是问了你一个很正经的问题，不知道怎么可以聊成这样？ 真：我唱著唱著，歌词就愈来愈离谱。 谦：妈妈在旁边听到笑得流眼泪，笑到我儿子在旁边一直问我们在笑什么，这好难解释喔？ 真：对啊，后来聊起这件事情，她就说：「我们多久没有这样了，笑到流眼泪？」仔细想想的确是，愈大好像愈难得。 谦：我认为，难得的理由之一在于「情境」的不易。像是我们这种做创作的，如果要去看一出喜剧，就好像是有人事先预告你待会儿准备要笑，偏偏一有准备，就很难放松。但是生活的荒谬性很难复制，所以无法预料，笑的开关却相对容易被打开。 当下荒唐，事后笑到目屎流 真：的确是这样啊。常有人说我是最会说故事的欧吉桑，所以看到我动不动就要我说一个故
原子化、去技术、扎根风土
日本当代马戏的独特风景
从无到有，日本当代马戏拓荒者
「濑户内马戏工厂」创办人田中未知子
多元发展的马戏创作团队
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专栏 那些女子那些戏女子8——陌生女子
讲得好像我已经知道陌生女子和刘子骥是什么意思了似的，不，我依然不知道。然而事情就是这样，我们总是想办法要知道这个、知道那个，好预设这个、预设那个，但，你干嘛要知道呢？又何必要预设呢？生命中的剧作家知道就好了呀，我们就坐在那边，儆醒而听，轮到我们的时候，就站起来，走过去，开始我们的表演
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国际 华盛顿特区川普用一则贴文「宣布」甘迺迪表演艺术中心关门整修
筹建美国首府的甘迺迪表演艺术中心（John F. Kennedy Center for the Performing Arts）一共花了13年（1958-1971），历经4任总统（艾森豪、甘迺迪、詹森、尼克森），但要毁灭它，只需要川普总统一个社群贴文的时间。 今年2月1日深夜，当全美东半部都还冻结在近几年最强的寒流下，川普在他自己的Truth社群上宣布震撼消息，甘迺迪中心将在7月4日美国国庆日后关闭两年，以进行整修。甘迺迪中心是美国最具指标性、档期最满的表演艺术场所，每年大小节目不下2000个，建筑本身还是联邦政府的「活的纪念堂」，365天开放。这样的公共场所，要关门通常得经过长期的准备，但川普的宣布就如同他一贯的行事突如其来，连中心的领导阶层都是隔天来上班才「听说」。 照说甘迺迪中心是独立的非营利机构，即使是美国总统也不能把它当成自家客厅，爱做什么就做什么。但川普去年一上任，就立马改组董事会和高阶领导，把原来超党派纯粹是喜爱艺术及专业的人士，都换成能控制的班底，这些国王的人马，二话不说就推举他为主席，让应该是中立的甘迺迪中心，瞬即染上党派色彩。去年（2025）12月，董事会更宣布，连中心的名字都加上川普二字，还在甘迺迪之上。 川普与甘迺迪中心的恩怨，可以追溯到他第一任时。2018年他出乎意料当选，给美国社会带来很大的震撼，各阶层族群依其立场各有不同的反应。表演艺术圈是以负面居多，他频频成为喜剧脱口秀的嘲笑对象，对他的政策也偶有批评，然而最高调的一个表现，就在有表演艺术终身成就奖意义的甘迺迪中心荣誉奖上。这个每年12月由甘迺迪中心颁发的奖，行程包括白宫招待会和总统亲临的晚会表演，在他任内因为受奖者反弹，取消了总统参与的环节。当时各方都刻意淡化，好像不算回事，其实川普已经怀恨在心，因此一回锅就展开复仇大计。 川普的鸭霸，引发更大的反弹，从百老汇大戏《汉弥顿》开始，许多艺术家宣布退演，人数多到维基百科可以开专页的程度。观众也以行动抵制，甘迺迪中心的票房一下子就掉了六成。至于他任命的管理阶层，连最基本的美国表演艺术的运作方式也一无所知。他们说所有节目都要自负盈亏，而且得在演出前就达标，这完全不符现实，华盛顿歌剧团就是因此而离开；他们推出的「传达传统基督教价值」的节目，没有吸引
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生活 PAR你不知道？！ 当华丽水晶灯再次升起——解码《歌剧魅影》40周年的剧场美学与人性叩问
剧院的灯光缓缓暗下，令人屏息的管风琴前奏如狂潮般袭来，在剧情发展紧张的时刻，悬挂在穹顶的华丽水晶吊灯在观众的惊呼声中急遽坠落这是无数剧场迷心中无法抹灭的震撼印记。2023年4月，当纽约百老汇的《歌剧魅影》（The Phantom of the Opera）在经历了35年、近14,000场的辉煌演出后，因疫情后的市场变化与营运成本压力而黯然落幕时，全球剧迷无不为之惋惜。然而，正如知名制作人卡麦隆．麦金塔（Cameron Mackintosh）当时所许下的豪语：「它当然会回归，所有伟大的音乐剧都会。」 果不其然，这句承诺在2026年化为璀璨的现实。由安德鲁．洛伊．韦伯（Andrew Lloyd Webber）谱写的旷世巨作，在问世40周年之际，不仅没有走入历史，更挟带全面升级的声光视觉与舞台科技，以「40周年纪念演出版」的磅礡之姿重返舞台。这部在全球47个国家、缔造破1.6亿观赏人次与60亿美元票房的不朽传奇，究竟凭什么能在岁月洗礼下持续闪耀？本文将带您拨开迷雾，从剧场美学、音乐语汇及深层的心理神话原型，深度解码这张半白面具背后，历久弥新的艺术底蕴。 跨越雅俗的音乐语汇与视觉奇观 《歌剧魅影》的诞生，始于韦伯1984年在纽约二手书摊偶然发现法国作家卡斯顿．勒胡（Gaston Leroux）于1910年出版的同名惊悚小说。韦伯在一个下午内读完此书，并产生了强烈的改编「顿悟」。他在创作时，打破了传统音乐剧的框架，将古典歌剧的磅礡华丽与1980年代的电子音效完美镕铸一炉。正如美国作曲家威廉．博尔科姆（William Bolcom）所评价：「这种剧场真正试图拉近流行与歌剧世界的距离。」 除了极具感染力的旋律如〈The Music of the Night〉与〈All I Ask of You〉外，《歌剧魅影》在舞台设计上更是立下了难以超越的标竿。剧中最具标志性的「坠落水晶吊灯」，不仅是舞台机关技术的重大突破，更成为全球戏剧文化中无法磨灭的符号；百老汇博物馆（Museum of Broadway）（注1）中甚至珍藏了一盏缀有超过13,000颗水晶的魅影吊灯，每一颗水晶皆象征著一场百老汇的演出。在40周年纪念版中，制作
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演出 戏剧有爱，到底够不够？
《两韩统一》的20个爱情试炼现场《两韩统一》（La Runification des deux Cores）谈的不是政治，而是爱情。 虽然爱情有时的确像政治一样充满各种悬念、盘算或心机否则张爱玲就不会说「情场如战场」但法国导演波默拉（Jol Pommerat）编导的《两韩统一》，却是尝试在剧场的密闭空间里，以20个各自独立的剧情片段，开放出爱情的多样与复杂。 波默拉已有多出作品来台演出。此次演出的《两韩统一》原创于2013年，在巴黎奥德翁剧院（Thtre de lOdon）附设的贝堤耶实验剧场（Atelier Berthier）演出。台湾曾有过多次演出记录，包括2017年国立台湾大学戏剧学系毕业制作、2022年国立台湾艺术大学戏剧学系、2022年台北艺穗节（台大话剧社）及2023年台北艺穗节（清华大学X阳明交通大学学生合组的「紧急出口制作」）等，显然爱情仍是我们这个时代的共通语言。 《两韩统一》由20个片段组成，标题分别是〈离婚〉、〈我这部分〉、〈家务〉、〈分手〉、〈结婚〉、〈死亡〉、〈春药〉、〈金钱〉、〈钥匙〉、〈爱〉、〈等待〉、〈战争〉、〈孩子〉、〈记忆〉、〈有爱还不够〉、〈友谊〉、〈价值（I）〉、〈价值（II）〉、〈怀孕〉、〈价值（III）〉。每一个片段的演出或长或短，角色各不相同，情节也互不连贯，唯一将他们串在同一出戏里的共同元素只有一个爱情。我们不妨把《两韩统一》想像成曾经听闻或经历的爱情故事，从相爱相杀到生老病死，从结婚进行曲到结婚进行曲到婚后无性生活，每一个段落的情节仿佛似曾相识，串连在一起成为以爱为名的人生。
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国际 北京中央戏剧学院爆贪腐、表演艺术新政策 马年是改变的一年？
蛇年尾的热闹并未在天桥音乐剧年度盛典的华丽总结里落幕，盛典一结束，2025年12月19日，前中央戏剧学院（简称中戏）院长、表演系前主任郝戎向中纪委自首，为自己在中戏30年的藉权牟利恶行认罪。在中国，这种打贪腐、某个领导落马的新闻多有所闻，一般人见怪不怪，但北京戏剧圈肯定为之震惊，毕竟中戏是中国最重要最专业的戏剧艺术高等学校，目前很多当红的电视电影明星都是从这里毕业的。这事掀起的舆论波澜不算大，但就在进入马年的前几天，2月12日，前任中戏表演系主任陈刚也自首了，还没完，隔了不到24小时，现任表演系主任王鑫也进去了。应接不暇的瓜让人吃得合不拢嘴，这事成了新年假期里最被热议的话题，估计也是北京戏剧圈很多年后都会被复诵的事件。 罪恶是从招生开始的，中戏表演系每年新生不到百分之一的录取率，让系主任及负责招生的单位有操作的空间，虽然录取的学生并非全部透过操作，但是开学之后，导师制又会发展出师门、师阀，以及毕业后与业界的各种利益纠葛，不夸张地说，这是一条利益庞大的产业链，产品就是学生，或未来的明星。在抖音、小红书、微信这些媒体平台上多不胜数的新闻和八卦中，有少数文章点明了这个产业链是如何建构与运作的，如果其言可信，那么这个产业链从2011年就成形了，这种不良生态至今15年，早就被所有学生与家长默认为常态。虽然中戏这些年来仍然培养了不少优秀的演员及从业人员，但失去公平性和摒弃道德的生态毕竟不是永续之道，有无可能翻转就看此事后续的发展了。
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专栏 说戏为什么是「天上人间」李后主？
国光剧团今年再演《天上人间．李后主》，剧名为什么以「天上人间」为标题？为什么不是「一江春水」或「春花秋月」或「一梦浮生」？不都是李后主名句吗？ 读文学的人，都对叶嘉莹老师的李后主解析滚瓜烂熟。青天长星，偶尔坠落尘凡，偏又误入帝王家，薄命做君王。纵情任真（不是认真）毫无节制的性格，很难见容于人间，天上与人间的巨大断裂，最终是靠一只彩笔弥缝融贯，创作不仅是抒怀遣兴、宽慰心灵，更是补天地之残缺。 剧名「天上人间」，即是直指断裂与弥缝。 剧中用了几个物件，营造意象、形成隐喻，都指向同一命题，例如「天水碧」。大周后将丝帛置于夜色之下，经年累月任天上露水浸润，终于染成碧色，制成衣衫。这不只是大周后的生活美学，更是她对李煜的体贴。她担心李煜性格过于天真，自己却更天真、更痴傻地想一力承担，她以为衣袂联翩，扬起一片空蒙碧绿，即能将天上人间的裂痕涵融于一色。我们不忍说她一厢情愿，只心疼她对李煜的疼惜。小国深宫的两个痴人，面对危殆局势，束手无策，只能各自以最纤细敏锐的心思熨贴对方，看似痴人说梦，而其中文学的心灵，正是创作的根基。 李煜把书房就设在大周后寝宫外厢，屏风相隔、薰香为伴，大周后每日掀开床帷即走向书桌，既想立刻奔向李煜，又希望驻足流连于屏风那端飘来的袅袅薰香之中，在她眼中，「篆香如字」，那是李煜的笔墨烟云，天地灵秀尽在其间，「他悲欢付歌吟，我温柔解词心，解词心惟我是知音」，大周后有点得意地唱著，但她就在这里受尽挫伤，她的夫君在她生病时孤独无依、惶惑无主，进宫献药的小周后重燃他生命希望与创作的热情，写下「手提金缕鞋」。大周后悲愤拨断琴弦，背向床帷，至死不肯回头。 而那天真无邪、伤透姐姐的小周后，亡国之后与李煜一同被俘北上，紧紧相随，在幽囚之所仍轻启朱唇，唱著李煜每一首新词，流传至后世的文学史名作，都由小周后第一个吟咏第一个歌唱，她还怯生生地问李煜：「有一阕词，不知我唱得唱不得？」李煜当下猜到是【一斛珠】「烂嚼红茸，笑向檀郎唾」。这是李煜为大周后写的，写尽卿卿我我娇憨情态，春秾意暖的深宫，是人间欢爱之极致，小周后想用吟唱召回欢乐，宽慰李煜，却又怕抢了姊姊词中主角位置。而她终究是唱了，文学创作一旦完成，便不再只属于某一人，李煜词写的只是一己之悲欢离合，却因体会深入，乃能将人世情缘尽皆涵盖，「如今这般境
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国际 四界看表演 Stage Viewer1791的终点与起点
萨尔兹堡「莫札特周」以《魔笛》庆祝创立70周年来到莫札特的故乡萨尔兹堡（Salzburg），几乎不可能不被这位作曲家的身影所包围，尤其今年适逢莫札特诞辰270周年，庆祝活动又比以往更为热络。每年1月，萨尔兹堡都在莫札特生日（1月27日）前后，以「莫札特周」（Mozartwoche）为这位「音乐神童」庆生，也让国际乐坛的目光再次聚焦到这座小城。莫札特周创立于1956年，当时正值莫札特诞辰200周年，今年迎来音乐节70周年，为期10天的节庆特别规划了70场节目，希望能从多元面向感受莫札特的音乐世界。 自2019年起，曾红极一时的巨星男高音罗兰多．维拉松（Rolando Villazn）获邀担任艺术总监，为莫札特周带来了新气象。他大刀阔斧地规划多元与创新的节目，以打破边界的思考，希望让莫札特融入现代人的生活之中，消弭古典音乐与现代生活之间的界线。因此，在星光熠熠的音乐会包括维也纳爱乐、马勒室内乐团等顶尖乐团及独奏家的演出之外，莫札特周特别策划的「TRAZOM」系列，更是提供了另一种观看莫札特的角度。这个名称的由来饶富玩味：莫札特在与家人写信时，喜欢玩文字游戏而将自己名字MOZART反过来写签名，既是文字游戏，也象征颠覆与翻转。这系列节目包含了木偶剧场、早期莫札特专题稀有影音珍藏放映、艺术家对谈、酒馆益智问答及家庭音乐会等多样化内容，让莫札特周的节目不只是发生在音乐厅中，而是深入到萨尔兹堡的街头巷弄里，落实「莫札特作为一种生活方式」的策展愿景。
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国际 槟城音乐剧《Rasa娘惹情》入驻侨生博物馆，迈出商演第一步
槟城虽然是马来西亚继首都吉隆玻之后，戏剧表演最蓬勃的城市，不过一直以来缺乏长期商演的条件，导致不少热爱表演的人才外流，直到去年7月，一部主打峇峇娘惹文化的音乐剧《Rasa娘惹情》出现后，局面才有了改变。 峇峇娘惹是15世纪华人从中国南下马来半岛，与当地马来人通婚的后代，至今依然保留丰富的中华习俗。槟城全职歌手兼舞台剧演员王茵诗的祖母也是一位娘惹，所以她去年成立峇惹艺术制作团队（Baya Arts Production），全心投入音乐剧的制作，找来剧场导演王涵伦和编剧曾福明合作，决心以歌唱和表演来推广峇峇娘惹文化。
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评论 新锐艺评 Review必巡的孔嘴敢袂当抺平？
评第四人称表演域《咱兜lán tau》第四人称表演域自2023年起，启动了「kng台语puann世界－世界经典x本土语文」（讲台语搬演世界）计划；先以法国作品为起点，继2023年的《大疫Un-i̍k》（灵感为卡谬的《鼠疫》），2024年的《暗岛m-t》（灵感为莫迪亚诺的《暗店街》），2025年为计划三部曲的最终回；顺著「世界国家家庭」的脉络下来，编导谢孟璁选择了费洛里安．齐勒（Florian Zeller）的「家庭三部曲」（包含《母亲》、《父亲》、《儿子》3个独立的剧本）作为《咱兜ln tau》的灵感来源。 上述作品皆标榜以经典为「灵感」来二度创作，故而《暗岛m-t》可以直接加入美丽岛事件成为双线故事的另一主轴；而《咱兜ln tau》更直接将原著3个剧本合而为一，几乎构成了一个新的创作。严格来说，本剧仅以《儿子》中因父母离异、主角出现忧郁症的剧情为主轴，《母亲》只提取了无法面对中年人生的惶乱与酗酒行为，《父亲》只提取了失智的症状。由于观看本剧及原著时，不论在人物形象或对话氛围上，产生的连结可说微乎其微；笔者以为，「世界经典x本土语文」计划中引介经典的目标效果并不显著。
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演出 戏剧 梅菲斯特的暗黑科技出奇偶剧团《点击得永生》 打造复古全新浮士德
要准确翻译国外剧团名称，通常不是件容易的事要嘛牺牲发音，要嘛放弃意译。难得的是，来自西班牙梅诺卡岛（Minorca）的「出奇偶剧团」，却成功捕捉团名「Trukitrek」的精神。正如带有巧妙惊喜感的「出奇」，「truki」发音近似加泰隆尼亚语「truc」，而后者意指以舞台机关、剧场手法、操作技艺等「小把戏」（trick）营造出其不意的神秘效果。以出奇偶戏团来说，最为人熟知的便是人偶合体（humanette）表演形式、结合偶身与演员肢体，并将动画影像融入手作场景。 在制造舞台惊喜之外，「Trukitrek」另以「trek」暗示命定的旅迹。以加泰隆尼亚风俗为主体的梅诺卡岛，曾先后受法、英两国统治，透过地中海连结来来往往的人种、语言与文化，不以岛屿为局限，反以此为起点。或许是承袭了岛屿带来的开阔与流动，成立于1998年的出奇偶戏团，不以特定剧场语汇与美学风格为限。事实上，其团队组成更是多元，如来自视觉艺术与插画背景的乔瑟普．皮里斯（Josep Piris），以及同时具电影导演身分的卢．普利茨（Lu Pulici），与伙伴在剧场实验动画影像，透过表演变幻镜头语法；近30年间创作无数令人印象深刻的作品，并大幅降低语言门槛，一路带著作品走访超过40个国家。 出奇偶戏团的旅迹也数次包含台湾。2011年，出奇偶戏团曾于国家两厅院TIFA国际艺术节带来秒杀节目《香蟹大饭店》（Htel Crab），以三格镜框的视觉构图、夸张生动的默剧肢体，在真人与物件、远景与特写的来回切换间，呈现一桩夜半抢案的诡谲悬疑与香艳刺激。 至于另一经典小品《我在车站等你》（Mr. Train）关于空无一人的车站，一名孤独老人与流浪狗的相遇也于2022年巡演基隆、嘉义、台南、高雄、花莲等地。顺带一提，出奇偶戏团还曾设计独特的「户外戏台」（open-air stage），可容纳70名观众，如巡演戏班方便带著作品继续旅程。无论街头或正规剧场，都能让观众瞬间进入人偶交错的奇幻世界。
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国际 四界看表演 Stage Viewer绘画与音乐交织共振 再现艺术革命年代
巴黎「康丁斯基：色彩的音乐」特展色彩是琴键，眼睛是琴槌，而灵魂则是拥有众多琴弦的钢琴。 康丁斯基 去年（2025）10月，巴黎爱乐音乐博物馆（Le Muse de la musique Philharmonie de Paris）与庞毕度中心（le Centre Pompidou）合作，推出「康丁斯基：色彩的音乐」（Kandinsky - La musique des couleurs）特展，展出20世纪俄罗斯抽象画大师康丁斯基（Vassily Kandinsky，1866-1944）的200件作品。有别于传统的静态展览，这次的展览透过灯光、投影、影像与立体动态舞台，让整体的展示呈现出动态感。此外，也让每位参观者配备智慧型耳机，随著观展动线，耳机会自动拨放出对应的音乐、人声或环境音，带领观者走进一种沉浸式的声响体验，领略康丁斯基的艺术世界。
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演出 音乐专属现场的沉浸式声响探险
台北室内合唱团《岛屿上没有四十四只石狮子》当合唱团不再乖乖站立在舞台上，指挥不再全程给予拍点，这会是一场什么样的音乐体验？台北室内合唱团将带来第7号人声剧场作品《岛屿上没有四十四只石狮子》，由作曲家林桂如与导演洪千涵携手共创，集结了合唱指导许瀞心（Apo Hsu Ching-hsin）、文字顾问鸿鸿（Yen Hung-ya）及动作设计林祐如（Lin Yu-ju）等优秀阵容。这将不仅是一场音乐会，更是一次打破传统镜框式舞台、将观众包围在四维空间里的全新声响旅程。 这部作品的诞生，源自于台北室内合唱团长年对当代音乐的坚持与探索。行政经理高端禾表示：「与其说创新是方向，不如说它是台北室内合唱团的 DNA」，他们在营运与制作上始终拒绝处于「模仿的状态」，期盼能对人声艺术产生原创的贡献。他说：「我们希望在这个人声这个领域打开一个新的窗，」让演出「从第一颗音符、一个动作都是原创。」面对这条充满未知的挑战之路，团长暨歌手方素贞坦言排练有时实在「太硬了」，但她深知合唱团具有不可推卸的社会责任，她坚定地说：「以台北室内合唱团累积到现在的实力，我们不做，谁做啊？」她认为既然团队有能力，就应该尽一份社会责任，为台湾甚至亚洲的当代人声艺术，开创出无可取代的品牌软实力。
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人物 纪念大师 In Memoriam德艺双馨、含笑嫣然的资深歌仔戏艺人——王束花
生于1935年的歌仔戏艺师王束花，与先生林竹岸艺师一同成立「民权歌剧团」。身为当家小生的她，退下舞台后，担任剧团的「讲戏仙」，将她经历内台、广播电台、卖药团、外台各时期累积的活戏功力，化作民权歌剧团的经典好戏。今（2026）年2月，王束花艺师辞世，正式从人生舞台上谢幕，享耆寿91岁。本刊特邀曾为王束花艺师编写传记《含笑嫣然：王束花歌仔戏演艺生涯》的蔡欣欣教授，以这段文字纪念这位一生为歌仔戏奉献的「束花妈妈」。
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演出 戏剧 重新布局空间 展现独角戏功力《笼子里的白狐》 施冬麟续说城市怪谈
《笼子里的白狐》是金枝演社资深团员施冬麟编、导、演的独角戏，最早发表于2024年底，与另一出同样由团内资深团员李允中发想创作的《鸡鸡好吃》，以「1+1」的方式共同于牯岭街小剧场演出，被视为金枝演社的「中生代创作系列」。 施冬麟表示：「团内有时会尝试二哥（王荣裕）之外的创作可能，就提到能否做做看比较小型的制作，于是我跟允中有举手！」过程中有不同方案、组合的提出，最终是两人各自发展一部短篇作品，分成上、下半场演出。
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话题 话题追踪 Follow-ups制造剧场的创作空间
舞台剧《嫌疑犯X的献身》幕后揭秘《嫌疑犯X的献身》（容疑者Xの献身）是日本作家东野圭吾（1958/2/4-）的长篇推理小说，也是「伽利略系列」（ガリレオシリーズ）的第3本小说。该小说最初以《嫌疑犯X》为名，自2003年起于《ALL读物》连载，并在2005年8月于文艺春秋出版。小说出版后即受到广大回响，陆续翻译为多国语言，而日本、韩国、中国、印度皆有电影版上映，日本、中国亦有舞台剧改编，台湾则至去（2025）年底才正式推出舞台剧，由莫子仪、梅若颖、叶文豪、高英轩等人主演。 《嫌疑犯X的献身》舞台剧于台北首演后，将陆续于高雄、台中巡演。而在首演过后，我特别感受到「剧场版与原著小说间的接近程度」以及「全剧给予的体感时间」；因此，本文将透过与《嫌疑犯X的献身》舞台剧编导吴维纬、制作方「笨鸟工作室」的讨论，解答制作背后的几项关键，也提供未来有志投入于IP改编剧场的制作团队不同面向的思考。
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国际 上海演艺新空间崛起，扶得起「百老汇」的梦想吗？
2020年，上海亚洲大厦「星空间1号」迎来《阿波罗尼亚》首演，标志著中国演艺新空间正式启航。5年过去，这一模式已蔓延全国：北京累计认定的演艺新空间达79家，广州2025年一季度的小剧场演出达1712场，占全市55.2%。据中国演出行业协会最新发布的数据，目前全国剧场类演出（含演艺新空间）已达29.64万场，票房119.29亿元。 然而光鲜数据背后，行业深陷「成长的烦恼」。上海亚洲大厦已从1个小剧场扩张至20余个，各地纷纷在商场、写字楼「垂直生长」出大量演艺新空间。但这种「百老汇式」的群集效应，真的撑得起「中国百老汇」的梦想吗？ 三大病灶，让「新空间」成了「新困局」 演艺新空间的爆量增长，其实也带来了困局。其一是「同质化泛滥」。走进任何一座城市的演艺新空间，你大概会看到悬疑惊悚、热门IP改编、打「同性情谊」擦边球的作品。上海「环人广」有50余个剧场，演出题材却高度雷同；北京、广州、成都的演艺新空间，也难逃「复制贴上」的宿命。这种创作上的惰性，正在快速消耗观众的新鲜感。 其二是「地下偶像化」陷阱：演艺新空间最突出的问题，是「粉丝经济」的过度膨胀。制作方体系性地以「人」而非「艺」作为卖点，官方卡司表上标示的「百场」、「生日场」等行销手段，公开鼓动粉丝为特定演员购票。一种「大粉姐」现象1年看270余场演出、花费10几万元、与演员形成奇特的权力关系正在各地重演。这种「地下偶像」式的运营模式，导致演员技艺退居次要，戏剧的艺术本质被严重稀释。 其三是「专业主义缺失」：更严重的是，部分制作方的主要目的并非票房，而是拉赞助、做数据，将戏剧异化为金融游戏。这种「以出租场地替代经营、过度依赖补贴」的模式，正在伤害行业的根基。 这些问题的根源，在于演艺新空间从诞生之初就以高度商业化为导向。上海「一台好戏」创造的《阿波罗尼亚》模式因过于成功，以致后续制作公司纷纷效尤，却无视中国缺乏支撑「外百老汇」模式成熟市场基础的事实。而各地争相打造「演艺之都」，又忽视了内容建设的长期性。虽然北京推出了25家演艺空间培育专案，广州推出了《关于推动广东演艺市场高质量发展的若干政策措施》，但这些政策更多关注的是硬体建设和场
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人物 艺号人物 People 作曲家李志纯 以音符反思社会 将「台湾」织入乐章
在当代国际音乐的浩瀚星河中，有一种声音，既带著西方管弦乐的壮阔繁复，又深藏著东方岛屿的温婉与韧性。当英国权威《留声机》（Gramophone）杂志盛赞她「探索多种另类的织度和不寻常的技巧，为最引人注目的作品」、当美国《波士顿环球报》（Boston Globe）形容她的音乐「让人大开眼界，恰当且复杂，却又让人著迷」时，来自高雄的作曲家李志纯，早已用她的音符在世界舞台上刻下了无法抹灭的印记。她是台湾首位、全球第4位荣获美国波士顿交响乐团（BSO）委托创作的亚裔作曲家，更是波兰新艺术合成艺术节（NeoArte Syntezator Sztuki Festival）首位受邀常驻并举办专场音乐会的亚洲作曲家。然而，褪去这些国际大奖与耀眼头衔的光环，李志纯的音乐灵魂，其实始终扎根于那座她日夜思念的岛屿台湾。 破晓前的琴声：从叛逆少女到坚定的追梦者 李志纯的音乐之路，并非始于安逸的温室，而是充满了对声响的极致渴望与近乎疯狂的执著。时光倒转回她在专科时期的岁月，那时的她就读于台南家专（台南应用科技大学的前身），是一个令老师又爱又头痛的叛逆女孩。当刚从维也纳留学归国的黄燕忠老师在台上教授古典和声学时，底下的李志纯总喜欢拿著放大镜挑毛病，甚至在课后追著老师问哪里有平行错误的问题。然而，正是这位宽容的恩师，看见了她骨子里的音乐天赋，不仅没有责骂，反而给予她更多的功课，一步步为她打下了深厚且扎实的传统和声底子。 回忆起那段青春岁月，李志纯的眼中总闪烁著光芒。她笑著诉说当年为了争取练琴时间，这群住校的女孩过著宛如军队般严格的生活，总在清晨6点不到，就熟练地找出音乐系馆哪一扇窗户没有上锁，爬窗进去抢琴房，一天苦练6个小时也不喊累。更有趣的是，她当时的主修竟然是电子琴。这项在古典音乐圈看似非主流的乐器，却成为了她日后掌握复杂交响语言的秘密武器，电子琴丰富的音色库与系统，让她在年少时便不知不觉地训练了对管弦乐配器法的敏锐度，成为她日后驾驭庞大交响乐团的基石。 当作曲家温隆信老师来到学校任教，她阴错阳差地成为了填补名额的第3位作曲门徒，却从此深陷于魏本（Anton Webern）、布列兹（Pierre Boulez）等现代主义大师的魅力中无法自拔。面对这条
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演出 音乐从都会角落到歌剧院 一趟城市里的声响之旅
曼彻斯特国际工房╳黄若《浮声之城》如果说建筑是凝固的音乐，那么当音乐流淌进城市的血脉，城市本身是否也能成为一座巨大的乐器？要理解《浮声之城》（City of Floating Sounds）这部跨界巨作的独特美学，我们必须先走进作曲家黄若的创作世界。这位旅居纽约的华裔作曲家，被《纽约时报》盛赞为「风格独具的作曲家」，他的音乐语言活泼而富有创意，灵感汲取自中国古调与民俗乐、西方前卫与实验音乐、自然与处理声响、摇滚与爵士；其多元的曲风横跨管弦乐、室内乐、歌剧、剧场、舞蹈、跨界创作、声音装置、建筑装置、多媒体、实验即兴、民谣摇滚与电影等，以其融合东、西方文化元素的独特声响闻名。 黄若不愿仅被视为一位作曲家，他更将自己定义为概念艺术家（Conceptual Artist）。长期生活在西方的他，提出了一种第三文化的观点，它既不是纯粹的东方，也不是纯粹的西方，而是融合这两者产生的一种新的文化有机体。 这种融合风格衍生出他自创的「多维立体主义」（Dimensionalism）创作技法，强调声音的空间感与动态，这正是《浮声之城》的核心灵魂，让音乐不再平躺于乐谱，而是立体地生长于空间之中。
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专栏 抵达终点左转守在生命的缓坡处
最近常想起皮皮。皮皮是一只活了17岁的比熊犬。一开始的两年，他被当成贵宾狗养，所以没有膨成一个圆的发型。为了结扎，9岁的我第一次听到比熊这个品种。剩下的15年，皮皮在我心里的形象类比成一只小白熊。 蔡依林的狗也是比熊。每次我看到她的狗，都在看毛。比熊犬的美丽与哀愁都在那里，是可口的棉花糖，还是打结的乌云，一切都是命。想到皮皮不是因为思念，而是参照，比对同样生命末期的陪伴，以前怎么那么潦草随意。皮皮死后两年多，我领养了Cookie。一见钟情这辈子第一次发生。那一头饼乾色的毛发让我相信她就是我的命定之狗。因为她就是Cookie。 Cookie是我最喜欢的英文单字，也是儿时唯一自信能拼对的字。我也非常喜爱吃酥脆的饼乾，于是从懂得许愿的时候，我就梦想著能拥有一只叫Cookie的狗。皮皮是带著名字来了，我还是想拥有一只Cookie。不太知道她是什么品种，反正就是贵宾血系，但身材比例有蹊跷，腿怎么看都短了点。谜题直到去年才被解开。这部分故事有点太过感人，直接跳到结论我们找到Cookie同胞的哥哥，得知她是腊肠与贵宾的混种，同胎4只里最小的妹妹，和哥哥一样像贵宾爸爸。 这算是解了多年的困惑。哥哥已过世，我们顺势承接了水壶、罐罐、以及一直犹豫的宠物推车。去年此时带著Cookie认亲，对方全家三代出动，又摸又揉又抱又亲的她已经有筋骨的问题。当时我和先生去柏林才1个月，为来后她就再也无法跟我们一起在床上睡觉。接著这一年，我们收起床尾的斜板。铺全室防滑垫。乳胶床垫放地上。满意宝宝尿布。鱼油。Ｂ群。喂食针管。亚培安素。很烂的淘宝趴趴椅。无数个瑜伽砖。免充气水池。日制挤花袋（灌食用）。奶油饼乾。不能离家超过两小时，夜间随时准备爬起。尽管我和先生都是自由工作者，但几乎无法一起出门吃饭、看戏、看电影。时间被切得像洋葱丁，病况才是家里的老大。 笨笨的比熊犬皮皮只想玩，爱吃，是人都好。混种的Cookie，敏感、忧虑、慢熟、容易紧张全投射了我的个性。她承接我的缺陷。每当我安抚她、或是偶尔嘲笑她的时候，都意识到那是她在提醒我要放松。太专注照护，很少想起以前活泼好动的样子。进入失智迷雾的她总卡在缝隙与墙角，现在已无法自己起身。要不是先生提醒，我快忘了以前的她总是窝在我的脚边，或是一
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国际 四界看表演 Stage Viewer欲望、种族、暴力、凝视
加拿大舞台《奴隶游戏》《奴隶游戏》（Slave Play）是美国非裔青年编剧杰瑞米．欧．哈里斯（Jeremy O. Harris）就读耶鲁大学戏剧学院时创作的3幕剧，从2018年于纽约外百老汇首演、隔年登上百老汇舞台，到2024年移师伦敦西区以来，这出探索美国族裔冲突、历史创伤与现代性下的亲密关系、当代心理学治疗之间交杂问题的剧作，在大西洋两岸点燃两极反应，不乏怒火、抵制、笑声，以及赞誉（注1），该剧的长尾效应甚至在2024年催生了纪录片《奴隶游戏。不是电影。作戏罢了。》（Slave Play. Not a Movie. A Play.），2025年秋季，在美国川普政府正大肆追杀DEI多元共融价值，而加拿大在官方政策及教育上仍拥立DEI的情境之下，本作迎来出自多伦多加拿大舞台（Canadian Stage）的加拿大首演（注2）虽然本剧或许并不那么简单工整地回应DEI价值。 《奴隶游戏》剧名便隐含多重意义，既向外揭示美国蓄奴历史背景，也向内强调剧中人参与的奴隶角色扮演疗法，在自我指涉上，于叙事层次内突显情欲关系的扮演游戏本质，在叙事框架外，则自我诘问这是否终究是出有关奴隶的奇观化演出。
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话题 话题追踪 Follow-ups保存与重述，以与当下创作持续对话
「（再）评论 与 （再）档案」论坛侧记主持人：黎家齐（《PAR表演艺术》杂志总编辑） 主讲人：陈国慧（国际演艺评论家协会香港分会总经理） 周慧玲（中央大学戏剧暨表演研究室主持人） 王世信（国立台北艺术大学戏剧学院院长） 陈雅萍（国立台北艺术大学舞蹈学院院长暨资深舞蹈评论人） 2025年IATC年度论坛以「观照」为关键字，探询舞台灯光外那些隐密、不被看见的剧场痕迹。为演出本身留下记录的档案与资料库，同样留待我们「再发现」与「再看见」。于是，本场讲座由黎家齐担任主持人，邀请香港评论人陈国慧、投入「台湾现代戏剧暨表演影音资料库」多年的剧场导演周慧玲、舞台设计王世信与舞蹈学者陈雅萍，分别就自身经验分享表演艺术评论如何被保存、重述与再现，并于持续发生的当下创作产生对话。 讲座前一日，陈国慧与香港IATC才在C-LAB 台湾当代文化实验场演出《艺评的维度演读香港演艺评论30年》。此计划为「香港演艺评论选辑计划（1980-2010）」最后一场活动，由IATC香港分会30周年与「国际表演艺术图书馆、博物馆与资料馆协会」2024研讨会共同促成，以此期间超过15,000篇评论资料为基础，藉「演读」形式重新构作编整，试图活化文献，和当代观众建立新的连结与对话。 陈国慧提到过往资料库若是举办成立发表会，多是邀请前辈老师致词分享，她于是苦思能不能用「更实验」方式来呈现文献。她参考纪录剧场与讲座展演（lecture performance），让评论人转换位置，反客为「主体」，以素人身分上台演读，试图回应过往对评论人「只会说不会做」的常见印象。至于选读的文献，除了强调艺评文字本身的表演性，也涵盖不同年代、不同媒介的写作差异，文化政策与生态关注，以及特别有戏剧张力的「笔战」系列。当然，也因为有些文稿年代久远，版权归属不明，或者因写作时空背景不同，作者另有考量，这些经营资料库的挑战同样延续到《艺评的维度》演出本身。 原先只是依附资料库建构计划的单次活动，想不到却迎来后续邀演。有位香港演艺学院老师，认为这能帮助学生短时间理解香港剧场发展脉络，于是邀请《艺评的维度》来到演艺学院图书馆演出，一排排书架的背景空间，与文献题材巧妙呼应。此外，陈国慧除了让演艺学院学
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话题 话题追踪 Follow-ups性别意识觉醒了，然后呢？ 四大面向重建表演艺术的安全职场
「表演艺术性别平等的竟与未竟」论坛侧记主持人：魏琬容（国际剧评人协会台湾分会理事） 分享人：表演艺术联盟（廖舒宁秘书长、蔡淳任研究员）、台北市艺术创作者职业工会（曾福全秘书长、陈姿颖研究员）、牯岭街小剧场（姚立群馆长）、「我们先是人」团队（吴孟轩、李桥河、黄美宁、简郁庭） 在表演艺术领域中，身体既是创作的媒介，也是权力流动最细微却最不透明的场所。创作需要靠近、信任与身体默契，但正是在这些被视为「理所当然」的亲密之中，界线模糊与性别不平等得以悄然生成，本次论坛分别从制度、劳动、场馆与身体实践4个层面回应，勾勒出台湾剧场性别平等工作的「竟」与「未竟」。