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专栏 关于编剧的二三事造梦者小队，写在动画短片《螳螂》之后
在动画剧本里，编剧的书写有时会更像小说，细致的大量细节，从场景、人物动作，甚至面部表情都会关注到。因为相较真人电影，在拍摄现场会有导演和演员一起发展出更多细节，故而剧本会有更多留白空间，当动画剧本交付给分镜师或导演接手，一切的形成会直接落于纸上，因此编剧准备的诸多素材，都会成为团队手中蓝图，刺激著想像与画面诞生。
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国际 多伦多30世代黄嘉颖接掌Factory Theatre 期待重塑剧院角色
多伦多Factory Theatre 8月18日宣布，由30岁出头的客家华裔加拿大剧场创作者、制作人黄嘉颖（Kevin Matthew Wong）出任艺术总监，任命自8月11日起生效。对这间成立56年、近年面临财务吃紧、馆舍老旧与定位转型压力的老牌剧院而言，这项任命受到剧场界关注，也让「谁能接手文化机构、年轻世代如何重新想像剧院角色」成为值得观察的焦点。 Factory董事会将这次任命视为剧院「新篇章」的起点，期待剧院在扎根加拿大创作之余，进一步连结世界。未来除持续制作、培育加拿大作品，也将拓展呈现形式，纳入舞蹈、音乐、卡巴莱（Cabaret）、电影、儿童青少年剧场、集体创作与跨领域作品。这座历史场馆也将开始整修大厅与公共空间，希望剧院不只是演出之处，也能成为艺术家工作、观众停留以及社区居民交流的空间。 而Factory如何重新定位，也必须从它半世纪以来在加拿大剧场中扮演的角色谈起。1970年，编导Ken Gass与Frank Trotz共同创立Factory Theatre，当时多数剧院仍以演出英美文本为主，Factory成为第一个专门制作加拿大本地剧作的剧团，并在1970年代兴起的「另类剧场运动」（Alternate Theatre Movement）中，推动本土创作、将社会议题带上舞台，建立更鲜明的剧场声音。 50多年来，Factory参与600多部作品的创作发展，并制作逾300部加拿大新剧。1980年代积极将魁北克法语剧本翻译成英语演出；1983年迁入现址、1999年买下这座百年历史建筑，成为兼具创作与场馆营运的机构。然而，近年其他剧院与节庆也投入制作加拿大作品，Factory「加拿大新剧之家」的独特性逐渐淡化。
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专栏 宇航的戏曲手记师徒的双向奔赴
作为艺术观已经成熟的我来讲，可以把老师聊到姜派艺术的每一句话都奉为圭臬，但也不一定意味著我接受师父所有的艺术观点。老师有时跟我说，你的昆曲已经很好了，可以先放放，要全力把姜派继承好。继承姜派我努力并深刻认同，但劝我以暂时放下昆曲为代价，也是万不能苟同的，师徒之间所思所想角度不同必然形成艺术观的认知落差。
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话题 话题追踪 Follow-ups即使走不下去，还是得继续撑在哪里
「作为诅咒与救赎的时间与身体：王墨林与贝克特」讲座侧记2026台北艺术节举办人物笔记系列讲座，其中以「作为诅咒与救赎的时间与身体：王墨林与贝克特」为题，邀请即将在10月中旬演出的《最后的录音》编导演王墨林、戏剧构作汪俊彦参与对谈，在主持人吴思锋的提问与引导下，讲座从剧作家贝克特《克拉普最后的录音带》（1957-1958）这件作品，一路延伸到王墨林在创作过程中面对记忆与遗忘之间的拉扯，在反身回望历史与时间时的无力与失语，也探讨「剧场」除了叙事之外，还能做些什么？还有什么迷人之处？
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专栏 人间父子提笔写字，一切慢慢说
真：小时候有两件事情我重复说过很多次影响我后来的人生选择。第一件，是念报纸给邻居听；第二，则是替邻居写信。 那个年代，我真的写过好多信，甚至到金门当兵的时候也替人写过情书。当然，信也收过很多，只是后来移防时很难带回台湾，多半都在当地烧掉了。后来的工作，也都是在写字，记得当初买下第一间房，你阿嬷蹲在你面前跟你说：「这间厝，是你老爸一字一字写出来的唷。」当时你才1岁吧？ 谦：自我有记忆以来，看你拿笔写字的时刻好像都是在写剧本，当时不是很理解，写那些东西为什么都不是很开心的样子？脸好臭。长大才知道，谁写剧本会开心啊（笑）。 我们这个年代，相对又更少拿笔写字了。不过，国、高中传纸条的记忆蛮鲜明的。会写在各式各样的纸上，从德德小品集里面买的信纸啊、考卷的背面啦说也奇怪，那些纸条我竟然到现在都还留著？也不是说真的写了什么重要的东西，只是当时很怕传纸条被抓到，所以看完以后我就把它丢到我的眼镜盒，带回家集合成一大堆，也没想过要丢。那大概是我「拿笔写字」最频繁的时光吧？大学以后拥有第一台笔电，就开始用MSN那类通讯软体了。 真：你这让我想起，有次你用我的电脑登入MSN，离开后忘了登出。我后来打开电脑，才刚上线，就一堆人找你，出现：「鸟谦、鸟谦」这种呼唤你的字样。我一个一个回应：「我是鸟爸、我是鸟爸。」整个晚上光搞这个讯息，其他事情都没办法做，累死人了。 像是这种通讯软体，跟写信真的很不一样。写信是一种非常情感性的抒发。同样的一件事情，在同一天内写给两个人，你的心情可能也会有所不同。每一次提笔，都是全神贯注地状态。甚至是，寄出去后、等待回信的过程，感觉天天充满希望。 谦：写信的专注，跟盼望回信时的等待，之于现代，是一种奢侈品欸。可能是因为这样，我现在看到手写信都会特别留意，好像一个情感饱满的人愿意找麻烦的事情来做，你会知道他的出发点不太一样。 真：像是有些人
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演出 音乐 拥有450年德意志传承柏林国家歌剧院管弦乐团首度访台 提勒曼领军呈献两套曲目
创立于1570年的柏林国家歌剧院管弦乐团（Staatskapelle Berlin），将于11月下旬由新任音乐总监克里斯蒂安．提勒曼（Christian Thielemann）亲自领军首度来台，于台北与高雄演出，并将演出两套曲目。这支历经重量级音乐家包括理查．史特劳斯（Richard Strauss）、福特万格勒（Wilhelm Furtwngler）到巴伦波英（Daniel Barenboim）等巨擘一脉相承的古老天团，不仅代表了德奥歌剧与管弦乐传统的最高峰，此次历史性的首度访台，更将全面展现提勒曼与乐团在艺术默契上的崭新局面。 回溯提勒曼与乐团的合作契机，始于2022年的一次临阵救场，当时他仅凭单次排练便带领乐团演出布鲁克纳第7号交响曲，其非凡的化学反应令双方惊喜不已。如今，这段因布鲁克纳而缔结的音乐缘分，将在第1套曲目中的布鲁克纳第4号交响曲《浪漫》中在台呈现。面对这部以大自然诗意与神圣浪漫交织的杰作，提勒曼对宏伟音响与幽微细节的敏锐度，被乐界盛赞为当代最能体现福特万格勒神髓的诠释者，让人期待。
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国际 四界看表演 Stage Viewer界限与相遇
2026乔治市艺术节的跨国展演与策展观察槟城乔治市艺术节（George Town Festival）是马来西亚最具指标性的艺术节庆，历经2024年的争议事件（编按）后，执行单位再次回到TLM Event。第17届（2026）乔治市艺术节以「跨越界限」（Beyond Boundaries）为策展主题，于8月1日至9日举行，汇集10个国家、40多项各式节目，涵盖表演艺术、视觉艺术、公共艺术、电影放映会与古迹光雕秀等多元形式，并与韩国安山巿街头艺术节、新加坡夜间艺术节等亚洲区域型艺术节进行串连。 然而，主办方其实对策展主题「跨越界限」并未有更进一步的阐释与具体内容。摊开节目总表，可观察到偶戏、物件剧场、声音、多语言与非语言作品占据相当高比例的现象。从德国巨型发光木偶DUNDU的开幕演出，到韩国Creative Group SSAK《Dream Space》、马来西亚与日本共制《Shakespeare Meets NOH：DESDEMONA》、台湾的身声剧场《落头氏》与原舞者《岁时之聚──彩虹与海洋》等，所跨越的界限可能是文化、语言与历史，也可能是感知、地域与身分。本文将从4档作品观察此命题的回应。
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生活 艺@展览笔墨沉淀的微尘世界 再次看见「李安成」
艺术家李安成辞世10年，高雄市立美术馆策划展览「和光同尘：李安成」，50件展品涵盖了少年时期到人生最后阶段，回溯他自成一格的笔墨世界。 笔、水、墨、纸是李安成的创作工具，若以材料分类，他的作品常被归于水墨艺术、当代水墨的范畴做讨论与评析，然今日再观其作，即使用的是传统的东方笔墨，李安成的绘画仍难以被划分在哪种风格流派，他根植笔墨传统，从中蜕变出自身的语法，「感知」在其创作过程中位居要角，也以此形塑出高辨识度的个人风格而走在时代的前沿，因此，若只以水墨看待，可能会造成观看上的局限。
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演出 戏剧光怪陆离的剧场奇观，浮生如寄的人间乐园
原本预定参与2025年TIFA却因故取消、由法国鬼才导演菲利普．肯恩(Philippe Quesne)执导的《人间乐园》(Le Jardin des dlices, 2023)，将在今（2026）年的秋天艺术节践履前约，来台演出。这部作品是菲利普．肯恩继白雪皑皑的《龙之忧郁》(La Mlancolie du dragon, 2008)后，再创剧场奇观，将舞台化为飞沙走石的荒原，从80年代的摇滚嬉皮，变成70年代的拓荒牛仔，带领观众展开迈向人类世的荒诞旅程。
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国际 香港「游戏剧场」让观众不再满足于安座席上
当代表演的多元发展，思考剧场如何突破表演与观演的固定框架，模糊表演者与观众的权力界线，让观众有更多的介入空间，游戏剧场结合多种不同的具剧场元素的游戏形态如剧本杀、角色扮演等，「剧本」提供开放框架让观众参与，每场结果由观众决定。这样的「剧本」书写比传统的表演文本更有挑战性，观众的期待是主动的参与而非被动的观察者，玩家的投入和自我沉浸度决定了这场「表演」的可观性，演员同时作为游戏的主持人和控制局面的特定角色，他们的状态持续影响著「表演」的节奏，游戏的道具是否精美细致，也会是玩家的沉浸因素。 香港近年持续出现游戏剧场的海外引入与本地尝试，如香港艺术节引介比利时剧团Ontroerend Goed的《金钱世界》，和原创沉浸式游戏体验《天工开物：染匠亡魂的遗愿》等，每次都吸引到不少年轻观众入场，也成为了社媒持续的讨论话题。最近在西九自由空间大盒上演漂流部落@Jing Wong Creations的《当世界与你为敌（史诗版）》（后简称《当世界》），亦是一次与观众共同探索的剧场游戏旅程。
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国际 上海上海大歌剧院10月开幕 五重门槛拷问探看未来
作为打造亚洲演艺之都核心工程的上海大歌剧院，将于10月17日正式开幕。47档82场精品节目、逾100场艺术教育活动，柏林国家歌剧院、威尼斯凤凰歌剧院、马林斯基剧院轮番登场上海大歌剧院将以一场堪称奢华的开幕季宣告自己的诞生。 这座位于黄浦江畔，宛如一柄巨型展开的「中国扇」的新地标，拥有14.6万平方公尺的建筑量体、4200个座位、3500平方公尺的亚洲最大剧场舞台单看硬体，上海大歌剧院足以让雪梨歌剧院（约5700座）、新加坡滨海艺术中心（约4000座）这些世界级对手正视。 然而，建筑可以6年完工，文化却不能一蹴而就。当热闹的喧嚣散去，这座志在「中国最好、亚洲第一、世界知名」的剧院，将面对五重足以决定其成败的门槛。
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专栏 书信体语言最初
YC， 在教写作的工作坊里，我常常提及，2004年8月31日，从吉隆坡飞来台北读研究所，对我30岁之后的创作是个重要的转变契机。3000公里的距离，不仅是地理环境的位移，更是身心深切感受到的差距，仿佛有个内在意识需要随著认知流转重新锚定。尽管身处的都是使用中文的环境，但在台北生活的前些年，自己也切切实实历经一番风土人情的洗炼。那种差异幽微地渗透在许多日常的互动里，甚而体现在言词的表达上面。其后，做了两部作品，《七种静默：忿怒》和《死亡纪事》，演出结束后陆续收到不少回馈，其中最显著的，竟是关乎语言的运用方式。于是我继续追问，不都是「中文」吗？差异在哪？有朋友说，「语感的拿捏、词汇使用的逻辑，还有多语切换的方式，有种新奇的音乐感。」 我瞬间理解，跟著自己位移的不只是生活的尺度，还包括了语言。那些原本习以为常的口气、词汇，在另一座时空里，突然变得可听、可感。3000公里的距离，让透明的部分具体浮现，让我重新感知了「语言」。 跟著自己开始爬梳，学习语言的路径。像我这辈成长于1970至1980年代的学子，面临著大马华社如火如荼推动「讲华语运动」，彼时彼刻，为了凝聚各地不同籍贯的华人能够用同一种语言沟通，而不是他说福建话、你讲广东话，语言隔阂造成了族群无法团结在此境共同奋斗，「华语」负重致远，推举为当地华社主要语言，「多讲华语，少说方言」的口号穿云裂石，邻近的新加坡甚至提出「请讲华语，儿女的前途，操在您手里」。于是，在华文小学使用地方语言如潮州话、福建话会被罚款，记得自己刚开始也贡献了不少罚金。回到家里，就鼓励父母改用华语和子女沟通。语言政策的理想面落实到日常，现实情况是，我正如班上其他同学，在课堂讨论会说华语，私底下聊天我们偷用方言，回家也是如此，父母努力用华语和我们聊天，但毕竟他们以前在故乡时，多半只读到小学就得辍学，帮补生计，找不到合适的语汇时就改用熟悉的方言，「等下你出去帮我『打包』（dabao）（广东话，外带之意）鸡饭。」；「今天没事做，很『闲』（sien）（福建话，烦闷之意）。」我们就是在如此「掺掺」（cham cham）一半一半的环境中长大，一半一半地吸收跟理解，一半一半地运用跟言说。 有意思的是，我的小学阶段正巧碰上马中建交，
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生活 艺@电影《与毕诺许共舞》 回望与阿喀朗的跨界传奇
由茱丽叶．毕诺许（Juliette Binoch）担任导演的《与毕诺许共舞》，拍摄的却是18年前她和英国舞蹈金童阿喀朗．汗（Akram Khan）合作的舞台作品《IN-I》（2008），毕诺许要和阿喀朗一起跳舞，阿喀朗要和毕诺许同台飙戏，短短6个月的密集排练，到最终100多场的巡回演出，这部影片让我们穿越时空，回到当时毕诺许44岁，阿喀朗34岁，两人都在职业生涯的颠峰时，走出舒适圈，挑战自己的极限。 1993年毕诺许以奇士劳斯基（Krzysztof Kieślowski）「蓝白红三部曲」的《蓝色情挑》拿下威尼斯影展最佳女主角，1996年以《英伦情人》赢得柏林影展影后与美国奥斯卡最佳女配角，2010年与阿巴斯合作的《爱情对白》拿下坎城影后，成为大满贯影后。1998年在伦敦西区挑战演出皮蓝德娄（Luigi Pirandello）的舞台剧《裸体》，2000年在纽约百老汇演出哈洛．品特（Harold Pinter）的舞台剧《背叛》皆获得高度肯定，从未接受过专业舞蹈训练的她，非常欣赏编舞家阿喀郎．汗的作品，主动提出合作邀请。
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演出 戏剧水面下的「泅」与「囚」 探看历史隙缝中的母语记忆
果陀剧场《水鬼学校和失去妈妈的水獭》一群刚从小学毕业的死党，因为不小心害转学生小胖溺毙，心里破了个大洞。为了弥补愧疚，他们在想像的世界中开办了「水鬼学校」。这听起来很荒诞，却是一个内心的救赎过程。改编自知名客家文学与新乡土作家甘耀明小说的同名剧作《水鬼学校和失去妈妈的水獭》，讲述一段童年冒险，不只有失去，更在探讨面对悲剧的和解。
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演出 音乐虚实共振的感官奥德赛
钢琴天后王羽佳与《羽火共舞》的音乐新革命在古典音乐的传统语境中，演奏者与聆听者之间始终隔著舞台的空间距离。然而，当超凡卓越的琴技遇上走在科技最前端的混合实境，这条历史悠久的界线正被悄然抹去。曾荣获坎城影展沉浸式竞赛单元入围肯定的《羽火共舞》（Playing with Fire），便是这场音乐革命的先声，它将古典演奏会幻化为一场可自由漫步的超现实梦境，观众透过穿戴的显示装置，一步步走入钢琴家指尖所迸发出的炽热灵魂，以无与伦比的感官冲击，重新定义21世纪的聆听体验。这部在巴黎与上海巡演时引发极大回响的作品，将在10月份于国家两厅院独家呈献。
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生活 艺@展览当「民间」作为摄影靠近社会的景窗
「民间」是许多台湾创作者观察的对象和灵感汲取的来源，文学、舞蹈、剧场、美术和摄影等领域，都可见到民间生活、神话传说、宗教祭仪等元素糅合其中，如1978年云门舞集的《薪传》首将台湾先民奋斗史搬上舞台；优人神鼓的「溯计划」试图从对民俗祭仪、太极拳等「稽古」方式找寻东方人的身体等等，而在摄影领域，「民间」与摄影之间的关系密不可分，张世伦于新北市美术馆策展的「民间╱摄影：纪实影像的叙事生成」，以「╱」象征两者紧密的状态：摄影塑造人们理解民间的方式，民间也不断影响摄影家观看的方法。
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专栏 路边的日本人To be or not to be？助我寻找人生方向的两个好日子！
在这份愿望清单中，令我感触特别深的就是「成为作曲家」这一条。当时大部分的人都把我视为编曲家，而我自己其实也很喜欢编曲这份工作，但在2016年的7月这一天，我把「成为作曲家」加进了我的愿望清单中，隔年还在上面记录了实现过程中的阶段性进展。当有一天从旁人的介绍其中听到「作曲家」3个字时，让我再次肯定这份清单对我来说是多么重要啊。
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国际 伦敦BBC电台与皇家宫廷剧院合作 改编经典剧目全球免费放送
BBC电台第四台（Radio 4）和今年迎来创立70周年纪念的皇家宫廷剧院（Royal Court Theatre） 已确定合作，把皇家宫廷剧院悠久历史和BBC档案资料库中备受赞誉的当代戏剧《孩子们》，改编成全新的广播剧，在今年9月26日周六下午英国时间3点至4点30分，于BBC广播电台第四台播出，免费让全世界收听节目的观众聆赏，台湾听众若有兴趣，届时也能于广播台收听。 剧作家珂伍德（Lucy Kirkwood）的获奖剧作《孩子们》（The Children）是此次合作的核心，此剧于2016年在皇家宫廷剧院首演，之后走向国际舞台，也在美国百老汇演出。《孩子们》剧情讲述退休物理学家海泽儿（Hazel）和罗宾（Robin ）无法理解为何以前的同事萝丝（Rose）会出现在他们位于受损核电厂附近的家中。3人以前都在这间核电厂工作，随著剧情的展开，昔日的同伙和分歧组织逐渐浮出水面，观众也能见到该剧在全球危机的背景下，探讨个人责任与专业责任可能产生的冲突。
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话题 话题追踪 Follow-ups到底是谁入了谁的地盘？
从威尼斯双年展看舞蹈、当代艺术的跨域质变在今年政治「噪音」弥漫的威尼斯双年展（编按）里，当从舞蹈红到当代艺术圈的编舞家弗伦亭娜．霍金格（Florentina Holzinger）以《威尼斯海洋世界》（SEAWORLD VENICE）占据奥地利馆；在各地艺术节打滚多年的艺术家米耶．沃洛普（Miet Warlop）以《永不停止》（IT NEVER SSST）将比利时馆化为一个带电的音乐竞技场；剧场设计出身的德瑞斯．凡厚芬（Dries Verhoeven）将荷兰馆改建为《堡垒》（The Fortress），逐渐关闭金属百叶窗使内／外的观众「体会」当下地缘政治危机的世界秩序。视觉与表演艺术的跨域创作，无疑在2022年威尼斯金狮奖的《太阳与海》后，再创批判性新高潮。 纳粹威权色彩的德国馆内，传统服饰表演者的垂降舞蹈表演，将高耸、冰冷的垂直墙面转为舞台。冰岛艺术家、诗人暨音乐家西古达多蒂尔（sta Fanney Sigurardttir）透过吟唱、声响、随兴重组万灵物件，「启动」现场装置。台湾馆配合李亦凡3D数位操偶为主的展览，请来研究传统傀儡戏的韩国艺术家洪银珠编导的现场表演，操偶舞者与一比一人偶共舞。日本艺术家荃川田中．纳什（Ei Arakawa-Nash）208个6公斤重的婴儿娃娃，更使抱娃看展的我们，参与关于照护与脆弱性的感官觉醒。行为表演不只无处不在，更全然从场外「进入」体制。
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演出 舞蹈Dance Now Asia 2026 在传统与当代之间寻索亚洲的身体
当演算法正以惊人速度弭平全球文化边界，我们该如何重新定位自己及所处的文化？2026年，适逢中山堂落成90周年，这座见证城市、时代更迭的国定古迹，即将举办「2026 Dance Now Asia（DNA）舞蹈艺术节」，以「跨越百年的身体」（The Body Across Centuries）为题，集结亚洲7座城市、10组核心团队、16组独立创作者，试图在传统与当代的裂隙中，重新定义属于亚洲的身体语言。 「身体是载体，可以记录、分享；但身体不是资料，它记得疼痛、记得劳动，也记得一个民族如何活下来。」MeimageDance艺术总监、DNA总策演人何晓玫直言，那些刻印于呼吸、步伐、信仰与日常仪式中的身体记忆，是AI与演算法无法复制的。面对长年崇尚西方身体美学的文化焦虑，DNA试图透过跨国串联与深度的共创网络，回应亚洲的当下此时，从各国创作者在亚洲身体的相似与差异中，看见自我与他者，找回文化主体性。 何晓玫强调：「亚洲现在发生什么事？艺术家都在努力说这些事，而这些都活在我们的身体里。」
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人物 聚光灯下 In the Spotlight 演员、导演彭子玲 土地生下了我们，反之亦然
作为演员，彭子玲早些年表演的时候，经常用「半路出家」来形容自己，非本科出身，只是竞竞业业地学习各种不同身体语言；然而，在与她的先生王少君共同成立乌犬剧场至今，他们走过跨国合作，谈论过聚焦核心议题的身体，也不只一次牵起不同国家的合作交流。「半路」的概念早已消弥，身在剧场，在创作中打滚，她早已是旅途上坚定行走之人。 同时，今（2026）年10月份即将演出的《你生下我的时候我也生下了你》，如同一个漫长的回音，回望15年前同为彭子玲的独角戏《丰饶之地》，亦是乌犬剧场的创团作品。两者相呼应，是预言、也是一种童话般的寓言，更明白如何说好故事的彭子玲，这一次也将同样用尽生命的力气，宛如再次生下一个孩子那样，生下这出独角戏。
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国际 首尔小提琴巨擘卡瓦科斯 执掌乐天音乐厅开馆10周年音乐节
位于首尔的乐天音乐厅（Lotte Concert Hall），演出开始前有个令观众会心一笑的瞬间，那就是当场内广播以流利的英语提醒「请关闭手机」之后，突然传出一句略显生硬的韩语「감사합니다」（谢谢）。录制这段广播的主角，正是来自希腊的小提琴家列奥尼达斯．卡瓦科斯（Leonidas Kavakos）。 卡瓦科斯与韩国的缘分可追溯至 2022 年，他担任韩国作曲家陈银淑（Unsuk Chin）《第2号小提琴协奏曲》的世界首演者。陈银淑对卡瓦科斯赞誉有加，称其为「当今世上最伟大的小提琴巨擘」。卡瓦科斯 18 岁时在西贝流士大赛中荣获冠军，1988 年更一举包办瑙姆堡大赛与帕格尼尼大赛的双料冠军，备受全球音乐界瞩目。
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国际 上海女性观众占比高 「剧女」重塑剧场生态版图？
自2025年到当下的2026，中国剧场貌似正在经历一场静悄悄的「性别革命」。 据最新发布的中国演出行业协会数据显示，2025年以来剧场类演出女性观众占比已高达71.1%。其中，音乐剧女性观众占比高达84.3%，舞剧达到82.5%，双双突破80%。更值得关注的是，2025年至今剧场演出新用户中女性占72.1%，30岁以下「Z世代」占53.9%这意味著一个以「剧女」为核心标签的观剧群体，已在媒体和各大社群平台上成为当红的流行热词，并以前所未有的能量重塑著中国舞台剧的生态版图。 所谓「剧女」指的是热中于音乐剧、舞台剧、舞剧等实体戏剧演出的女性观众。她们为心仪的演员（圈内戏称「人质」）买票「赎人」，在散场后的剧院门外排队等候签名合影；她们撰写详尽的观剧报告（Repo），用自拍和周边小物交换构建起一套专属的次文化圈子。她们把喜欢的演员叫「人质」，为「赎人」而反复购票一句「不管怎样，我先承诺你，未来我一定会帮你搞到这张票」的「空头」支票，足见这个群体对剧场近乎信仰式的热爱。 剧女是一股不可忽视的「她经济」 从市场层面看，这个群体以高黏性、高消费力和极强的传播热情，成为当下舞台剧市场最核心的票房引擎。据行业观察数据，在音乐剧18.07亿元的总票房中，「人质剧」（因特定明星卡司而吸引粉丝反复购票的剧码）贡献了超过60%的票房。上海音乐剧票房占全国比重高达56%，环人民广场「演艺大世界」周边餐饮、住宿因剧女消费而持续火爆。 从文化层面看，剧女群体正在推动女性叙事的崛起。当女性观众成为绝对主力，创作端自然开始回应她们的审美期待。聚焦女性觉醒话题的小剧场音乐剧《她对此感到厌烦》在沪上剧场驻场演出，大麦网评分高达9.8；全女班音乐剧《SIX》引发大量外地观众跨城观演，跨城比例达30.8%。可以说，剧女不只是消费者，更是文化生产的参与者和推动者。
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评论 新锐艺评 Review故乡之后，还有谁记得你？
《既是虚拟，亦为实境》的离散与死后亲密《既是虚拟，亦为实境海外华人「身后的中原」》从「一个华人死了之后，他的灵魂会回去哪里？」展开。张刚华在新加坡田调时，听见一对福建移民兄弟对身后事有不同打算：一人希望死后将骨灰送返祖祠，一人则决定留葬新加坡。作品也纳入他自身家族的迁徙经验，祖辈由中国移往东南亚，落脚西婆罗洲山口洋，此后家族的移动又来到台湾。作品开头问的是灵魂要回去哪里，我更在意另一件事：人死之后，他和一个地方的关系究竟靠什么继续？ 沿著思索，我想到对于「死后的亲密关系」的疑惑。英国社会学家Lynn Jamieson提出「亲密实践」，关心亲密如何在日常行动里一次次被实践。这从这里再看张刚华在山口洋接触到的材料，死亡并没有截断死者与活人的往来。有人固定前往墓地，也有人替亡者准备供品；当直系家属无法承担这些工作时，宗族组织有时也会接手处理。于是，「中原」的意思开始松动。谁愿意继续替他处理身后之事，往往比祖籍本身更能决定他与地方之间的关系。可惜作品进入展场后，没有继续追问这件事。田野原本触及的是活人如何与死者共同生活，到了展览里，这些关系却逐渐退到几个容易辨认的华人文化场景之后。
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国际 东京当儿童剧走进能乐堂 《扮鬼脸的鬼》展开传统舞台新尝试
以演出能剧与狂言闻名的日本国立能乐堂，今年秋天将迎来一部儿童音乐剧作品。由一般社团法人善竹狂言会推动的「认识能乐堂计划」，希望为大众创造第一次接触日本传统文化的契机。该计划首部作品《能乐堂音乐剧 扮鬼脸的鬼》（能楽堂．音楽剧 ベッカンコおに）于2026年9月19日至23日在东京国立能乐堂上演，尝试透过浅显易懂的故事，引导儿童及初次接触日本传统表演艺术的观众走进能乐堂。 《扮鬼脸的鬼》改编自日本作家さねとう あきら（本名：实藤述）创作的民间故事风格儿童剧作，长年深受日本观众喜爱，累计演出超过4千场。剧名里的「ベッカンコ」是吐舌头扮鬼脸的意思。故事里的主角是一名长相奇特、仿佛一直在做鬼脸，内心却比任何人都温柔的鬼。某天，他遇见猎人的女儿「小雪」。小雪天生失明，又遭到村子里的孩子们排挤，总是孤单一人。同样理解孤独的两人不以外貌，而是以心灵看见彼此，逐渐培养出无可取代的情谊；然而，人与鬼之间的感情不被世界所接受，两人也因此面临命运的考验。作品借由这样的设定引导观众重新思考，人为何害怕异己，以及真正的理解与关爱究竟是什么。 本次制作并非只是将既有的儿童剧搬进能乐堂，而是配合传统舞台空间重新改编。主演由大藏流狂言师、重要无形文化财综合认定保持者善竹大二郎担任，并邀请同为大藏流狂言师的茂山千三郎，以及活跃于音乐剧界的石锅多加史等人共同演出。服装采用源自狂言的传统装束，现场音乐则加入筝、尺八与大鼓等日本邦乐元素，并与钢琴、打击乐相互交织，创造兼具古典气息与现代剧场氛围的舞台声响。 本剧由藤田朝也负责监修与改编、河田园子执导，并使用现代日语演出，避开较难理解的传统狂言语言，让儿童与一般观众更容易进入剧情。部分场次结束后还将举行以「扮鬼脸的鬼与能乐堂」为主题的座谈及工作坊，进一步介绍作品与演出空间。主办单位也提供限量名额让成人同行的小学生免费入场，希望降低家庭接触传统艺术的门槛。这场跨越儿童剧、音乐剧、狂言与邦乐的实验，不只重新诠释一部经典作品，也展现能乐堂与当代观众建立新连结的可能性。