郑立彬领军北市国，让欧洲三大殿堂听见海岛脉动
考验空间的声学辩证，展现文化的跨域回响
大提琴家杨文信携手北市国，以完美共鸣向欧洲诉说台湾
现场倾听台北之声，三大殿堂中的宝岛拼图
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国际 四界看表演 Stage Viewer以身体作为活档案库 自己的故事自己说
记2026德国舞蹈三年展赶在欧洲热浪来袭前，源自过往德国舞蹈年会（Tanzkongress）的「德国舞蹈三年展」（Tanztriennale）以盛大的舞蹈游行于6月中的汉堡街头热闹展开。为期8天的艺术节囊括超过20支舞作展演、4天的论坛与身体工作坊、为期3个月的跨舞风驻村合作短篇呈现。以及为了让三年展深入地方，早在去年6月就在汉堡启动的「Moving Meetings」，以每月一场不同舞风的工作坊，引领当地的民众与爱好者认识不同舞蹈类型、体验跳舞的乐趣，最终一步步在汉堡建立舞蹈社群。而这一切，就在6月14日开幕当天的封街大游行「City Parade」 开花结果。 从汉堡劳动博物馆（Museum der Arbeit）一路游行至汉堡市立公园（Hamburg Stadtpark），多元舞风团体接力演出、边走边跳，沿途引来大量市民停留与围观，最终更在地方舞团「MAI:COMPANY」的引领下，集体在公园内共舞，正式揭开第一届舞蹈三年展的序幕。
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专栏 路边的日本人在追求高效率的时代中，我们更应珍视「看似无用的过程」的价值
现今是一个只需按下一个键，就能瞬间得到「美丽完成品」的高效率时代，所以我反而更想刻意绕远路，透过那些乍看之下毫无效率、甚至有些浪费的过程，把记忆深深刻进自己的五感之中。因为我相信唯有这样缓慢累积的经验，才能孕育出只有我才能创造的音乐，以及属于我的「美感」。
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国际 香港戏剧大师钟景辉6月初辞世 一生为香港打造耀眼戏剧风光
为香港戏剧和影视贡献一生的戏剧大师钟景辉在今（2026）年6月初安详辞世，享寿89岁（1937-2026）。消息传来，除了本地传媒广泛报导，电视、电影、剧场、教育各领域的很多他的朋友和学生──现在都是著名的影视和剧场人，包括周润发、杜琪峰、谢君豪等──都纷纷发布纪念文字。 钟景辉由中学开始接触戏剧，参与校际戏剧比赛多次获奖，成就其一生为香港表演艺术的尽心尽情。他在1950年代末赴美进修戏剧，在耶鲁大学修读艺术硕士课程，钟景辉曾在访问中提及，去到美国就投入吸收戏剧的养分，却是以倒数心态留在异地，期望学成后贡献香港。在那个演艺文化有待开拓的年代，人称「King Sir」的钟景辉，如此委身艺术文化并成就跨领域发展，一方面是他在这方面有亮眼的才华和广宽的视野，另一方面，当时的香港亦渴求著有这样的艺术家，去为这个小城的文化去开垦，带来一片令往后演艺人可以承传志业，观众认识和欣赏剧场的美丽风光。
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国际 东京携手Sónar科技艺术节 JR东日本推出「NU Festival」
作为山手线最新车站周边的大型都市更新计划，高轮Gateway City不只是商业开发案，也试图将文化纳入未来城市的想像之中。由NU Festival实行委员会主办、JR东日本共同主办的「NU Festival 2026」，于6月26日至28日首次举行。以「Next New Unity」为核心概念，艺术节结合电子音乐、科技艺术与公共空间，将演出与展览带进车站、广场、美术馆、空中花园，甚至桑拿设施之中，让整个街区成为一座开放式的文化场域。 本届艺术节最受关注的焦点之一，是与西班牙巴塞隆纳科技艺术节Snar的合作。主办单位表示，Snar并非单纯提供品牌授权，而是以合作伙伴身分参与策划，包含音乐演出「NU Live」到艺术科技的「NU Art」单元。对于长期关注电子音乐与科技艺术发展的观众而言，这也是这个全新艺术节的最大特点之一。
做出看起来以上皆是，却又以上皆非的趣味
「理式意象设计」李孟杰
就是要「吸睛」！ 挑战观看当下的那个瞬间
平面设计师林罗伯
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国际 四界看表演 Stage Viewer相识20年的情谊 月亮与太阳的对话
莱茵国家歌剧院芭蕾舞团双舞作：利奥．勒鲁斯《这里》与莎伦．伊尔《外观》在同一个夜晚，莱茵国家歌剧院芭蕾舞团（Ballet de l'Opra national du Rhin）携手利奥．勒鲁斯（Lo Lrus）与莎伦．伊尔（Sharon Eyal）两位熟识20年的编舞家打造两个宇宙，以截然不同的语言诉说著同一个关于韧性与归属的故事。 2005 年，来自法属瓜德罗普岛（Guadeloupe）（编按1）的勒鲁斯与出生于耶路撒冷的伊尔在以色列特拉维夫的巴希瓦舞团（Batsheva Dance Company）相遇。此后伊尔创立自己的舞团L-E-V，勒鲁斯也加入担任舞者兼助理，同时持续发展自身的编舞创作，两人的艺术对话极为深厚。当莱茵芭蕾舞团艺术总监布鲁诺．布歇（Bruno Bouch） 将伊尔 2019 年的作品《外观》（The Look）纳入剧团曲目，并同时委托勒鲁斯创作新作品《这里》（Ici）作为对位，这场积累20年的相知便凝结成一幅极具张力的镜像。两部作品一明一暗，非但没有相互稀释，反而在对比中相互强化，探索集体的压缩与控制，颂扬个体在集体中的绽放。
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评论 新锐艺评 Review时差的抵抗：论姜声国的极致「缓慢」与失衡美学
评《缓慢美学：2026姜声国台北行旅》在当代高度加速、感知日益碎片化的社会情境中，韩国艺术家姜声国（Kang Sung-kuk）所实践的「缓慢」（Slowness），已然超越单纯的速度概念，转化为一种对主流时间秩序与身体规训的美学介入。在近距离的黑盒子剧场里，观众进入了有别于日常节奏的异质感知场域。姜声国以脑性麻痺所形塑的独特身体经验为基底，将生理限制转化为艺术语汇；他的动作不再服膺于效率、精准或技巧性的展演，而是在持续延展的时间流中，揭示身体内部细微且复杂的张力。其创作不仅重构了舞蹈中「美」的既定范式，更透过缓慢的运动质地，引导观者抽离惯性，逼视身体与时间交织而成的细腻知觉。 演出伊始，姜声国伫立于鲜红色的光场之中。那份浓烈而压抑的色调迅速弥漫，营造出紧绷的不安感，同时将肉身推向视觉焦点。在时间近乎静止般的延展中，观众被迫放弃日常「快速辨识」与「即时理解」的观看模式，转而凝视肉身每一吋微小的颤动。红光构筑出一处介于现实与内在意识之间的阈限空间，邀请观者脱离日常经验，进入艺术家由创伤与知觉编织而成的身体世界。
以设计融入香港印象 让芭蕾成为城市风景
访香港芭蕾舞团艺术总监卫承天、行政总监李易璇
在AI时代里，一起制造老派浪漫吧！
「Elf-19设计工作室」洪彰联-
国际 四界看表演 Stage Viewer污水循环处理的废墟乐园
威尼斯双年展奥地利馆：编舞家弗伦亭娜．霍金格《威尼斯海洋世界》今年第61届威尼斯双年展在评审团全体总辞、以色列与俄罗斯馆争议等政治漩涡之际，最大排长龙、媒体疯传的，无疑是从表演艺术跨领域窜红的艺术家弗伦亭娜．霍金格（Florentina Holzinger，1986年生于维也纳）将奥地利国家馆改建为《威尼斯海洋世界》（SEAWORLD VENICE），彻底颠覆感官与道德边界的沉浸式体验，或者说，一次乌托邦已死之后的残酷祭仪，一则关于生态末日与阶级剥削的警世寓言。 她将奥地利馆这座于1934年设计的理性主义建筑，彻底改造成一座游乐园、污水处理厂与神圣建筑三位一体的机器有机体。刻意搅乱纯粹与污染、罪孽与赎罪之间的二元对立，令那些被隐藏在视线之外、却始终如影随形的废弃物，赤裸裸地暴露在众人面前。
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专栏 那些女子那些戏那位让我尝到相信滋味的第10号女子
我后来好几次在排戏的时候，虽然麻布袋是在还没上场前我自己套上的，是其他演员帮我把手上的绳子轻轻地绕在我的手腕上，让我自己抓住的，虽然这些与剧中「被凶恶的匪徒捆绑」的状况相差甚远，但我在袋子里常常是吓到哭出来的程度。 你会活出你相信的。
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演出 戏剧 无痕迹的在地化移植《死人大哥大》 跨越世代探讨「交流的焦虑」
《死人大哥大》（Dead Mans Cell Phone）是美国剧作家莎拉．茹儿（Sarah Ruhl）于2008年获得海伦海斯奖（Helen Hayes Award）「优秀新剧本」奖 （Outstanding New Play）的作品，过去虽有在台湾的演出记录，但多是在学院制作中呈现（且采用不同翻译剧名）。而莎拉．茹儿在台湾更为人知晓的剧本，是2004年发表的《窗明几净》（The Clean House），另一改编自希腊经典神话《奥菲斯与尤丽狄丝》的《遗忘的旋律》（Eurydice）也曾在2010年时由台湾的剧团制作演出。 本次由界址创作演出的《死人大哥大》版本，是由刘崴玚翻译、重田诚治导演。刘崴玚表示，《死人大哥大》是他开始翻译剧本后的第一部作品，约在2021年左右完成，直到今（2026）年才有机会正式演出。他也提到，自己在选择剧本翻译时，「会在乎这个剧本有没有可能在台湾演出，所以很多议题性太强的剧本会先被挑掉，因为较难被台湾观众理解其语境与背景。」他特别在意剧本的剧场转译，希望能找到相对应的连结，因此《死人大哥大》的故事场景虽发生于20多年前，但仍可透过「手机」这件事情尝试跨越世代与文化间的移植。
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演出 音乐2026台北国际合唱音乐节 跨越疆界的声响对话
当多声部旋律交叠，异域艺文便在无形中相遇。将于7月下旬登场的「2026年台北国际合唱音乐节」，汇聚多国卓越队伍与演出篇章，不仅是一场听觉飨宴，更是灵魂碰撞的实践。正如台北爱乐艺术总监杜黑的创立初衷所述：「希望台湾观众不用出国，也能欣赏到全世界最优秀合唱团。」
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专栏 关於戏剧的五四三一个字都不能改吗？
一日跟友人相聚吃吃喝喝，友人问我，剧本是否一个字都不能改。 这个问题颇让人疑惑，一个字都不能改这种想法，从未出现在我任何一次工作中，相反的排练中我很常改剧本，以戏好看为主，而且每个导演、演员有他对角色的想像跟理解，这个想像跟理解来自于创作过程中，编导演激荡出对于角色的理解，演出可说是一段编导与剧本共舞的过程，最好的编剧视角是在排练时站在观众的角度看这段演出，而不是拿著舞谱要演员每一个动作都完全复制。 但哪边是可以改，哪边改了会伤筋动骨？ 「你就是会知道。」 一个字都不能改的想法，或许来自于把剧本当成文学作品，但比起字斟句酌的用字，剧本更像是｢在特定的时间跟空间中一连串付出代价的因果律」，有一个或数个所有人都必定在此处交织的空间，角色有一个外在目标，因为这个目标产生种种阻碍，最后克服阻碍、付出代价实现外在目标时才发现自己的内在目标，以棒球比赛打比方，剧本等于是棒球规则，3好球出局、4坏保送、3人出局攻守交换，打满9局，投球出去之前要捕手跟投手之间打暗号取得共识，这个时间逻辑跟因果关系的组成让棒球赛成为独特且需要团队合作、以3这个数字为核心构成扣人心弦的时刻（3好球、3人满垒、3人出局攻守交换、先发9人打满9局等等）但不一定每一场球赛都精采，要看个别的球员（演员）、总教练（导演），是以在剧本创作过程中，最重要的是建立起如同比赛规则的因果律，至于一个改一个字两个字，这就好比争执球员的头发，或衣服上赞助厂商要绣英文还中文，枝微末节，除非这个改动改变了任何比赛的规则，比方说传球时垒上跑者「身体的一部分接触垒包即安全上垒」，变成「两只脚站在垒包才算上垒」，这种严重改变比赛方式的改动，才是真正编剧要谨慎思考、影响骨架的改动，若否，应该让球员跟教练在最能极大化发挥战力的状况下比赛，才是一场好球赛。 至于演出长度限制而做的修改，就像是成棒变成少棒，9局变7局，本质不变下即可。 角色成为传达特定立场的工具 米兰．昆德拉在他的经典随笔《被背叛的遗嘱》中提到「悬置道德审判并非小说的不道德，而是它的道德」。 为什么要花一段时间看完一个作品，得到跟看一篇社群文一样的观点？ 脆（threads）化的戏让作品也跟著脆
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评论 戏剧掀开华丽奇观的帷幕，是……
评柏林剧团《三便士歌剧》布莱希特《三便士歌剧》的创作历程、首演灾难，与〈大刀麦基Mack the Knife〉所引发的流行音乐风潮，已经成为现代戏剧╱音乐史上的一则传奇，即使他的其他作品，或许更广为人知，如《勇气母亲和她的孩子们》（Mutter Courage und ihre Kinder）和《高加索白垩圈》（Der kaukasische Kreidekreis）（编按），但《三便士歌剧》似乎总能带给剧场观众更丰富的观赏经验，体现布莱希特想同时娱乐且教育他们的意图。 1928年于柏林造船人河堤剧场首演的《三便士歌剧》，以马克思主义对资本主义的批判为基础，透过舞台机制的暴露，剥除社会关系的自然化外衣，突显决定社会运作的体制结构，裂解观众在情感上和道德上的固著。近百年之后，在知名歌剧导演巴里柯斯基的生花妙手处理下，《三便士歌剧》以盛装华丽的姿态再返舞台，巧妙呼应当代「奇观╱景观化」的时代精神，原作蕴含的批判性，则深藏在炫目的表象之下。 首先，是马克思主义对资本主义体制的批判，是否仍然有效。 从《三便士歌剧》首演的1928年，到2026年的此时，资本主义体制在这100年里，因应时空条件的演变，经历了各种修正调整，虽然面貌与原初模样已然不同，但仍有决定人类日常生活与生命情境的巨大影响力量。对拥护者来说，印证了资本主义的历史必然性，对批判者而言，这却说明了资本主义无法为人类创造真正平等、多元、自由的未来，而只能在不断生产的「当下」中苟延残喘。时至今日， AI科技的演进，让「当下」的生成更新愈加快速，其缤纷多彩也更让人难以抗拒，欲望即时满足，何需似乎遥不可及的未来？
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专栏 脑海里的旋律大脑、徒步旅行与海鞘刺身
不久前才从日本回到台湾，我用53天的时间，全程尽量徒步，完满了一趟总距离超过1,000公里、有1,000多年历史的四国遍路之旅。途中，我每天详实纪录所见所闻和步行公里数，跟著我一起在云端走「线上版」遍路的读者有好多呢！ 「我们体力没那么好，脚力更不行，但每天读妳的日记，好像真的走了一趟遍路」，「看著妳出发，大家一路跟著，最后妳抵达终点、完满心愿时，我们都哭了」许多人在我回台公众活动会后与我交流时，非常兴奋地告诉我心里的感觉。当然，透过文字记载让读者感到亲临现场，对我来说是很大的称赞，但，集体共感共振这回事，是可以用大脑神经科学研究来解释的。 英国伦敦大学认知神经科学研究团队与编舞家、美学专家联手，科学家跨出实验室、走进剧场、亲临舞台，透过跨界合作并且利用大规模扫描，探讨舞者和观众之间脑电波频率同步状态。结果发现，虽然舞是台上的艺术家在跳（舞者们佩戴著脑波感测器），但观众（同样配戴感测器）坐在台下欣赏时，大脑出现了特定波段，这种波段出现在人的心智开始神游，进入内在深度专注状态，并产生情感产生连结的时候，科学家将这个现象形容为「集体白日梦」。 观看的人和实际行动的，一起做了场梦呢！想到自己的千里徒步之旅也带上大家共感共振，好开心。不过也有人跟我说，看著我每天走20、30公里，实在吓人，还是在家吹冷气看电视比较不会那么累。给大家猜猜，一路上最常在我脑海盘旋的是哪样食物？读者们可能会猜卤肉饭、咸酥鸡、蚵仔面线之类的台湾小吃，或是义大利面和披萨等靴子国料理，毕竟每天长距离步行体力消耗大，日本食物份量偏小，常想到的应该是家乡味吧？答案可能会让各位大吃一惊，「海鞘刺身」是走在四国遍路上最常浮现在我脑海的料理；我特别强调「走在路上」和「脑海」是有原因的。 要解释这层关联，且让我用近年来大脑神经科学界关于步行能促进身心灵健康的研究说起。早期，大脑常被比喻为机器，普遍认为大脑的「零件」会随著年龄逐渐耗损，就像洗衣机用久马达会坏掉一样，大脑的容量有限，它的使用期也有一定年限。不过，近年来大脑神经科学界已经推翻这样的想法，证实人的大脑是有可塑性的：回溯到1970年代，科学家发现我们的大脑回路会随著经验和活动产生细微的改变，日积月累，在特定的环境或行为刺激下，人类大脑神经元之间连结的复杂度和皮质结构会产生变化，某些大脑关键
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生活 PAR你不知道？！韩国催泪神作变身音乐剧 《如蝶翩翩》首度访台的必看亮点！
梦想，难道会因为岁月的流逝而超过保存期限吗？曾横扫影音平台排行榜、被观众封为「年度最催泪神作」的韩国知名IP《如蝶翩翩》（Navillera），将以音乐剧的崭新面貌首度登台！这部改编自人气网路漫画的经典，讲述70岁退休老者与23岁迷惘天才芭蕾少年的忘年之交，细腻描绘了现实与期盼的拉扯。在准备迎接这场梦幻且深刻的逐梦旅程前，「PAR你不知道」单元特别为你整理了结合社会现象与幕后秘辛的8个必看亮点，带你抢先了解这部充满魅力的动人佳作。 1. 《如蝶翩翩》到底有多红？为何被誉为「人生必看」？ 这部作品的改编版影集曾连续3周挤进Netflix台湾排行榜前10名，被观众形容为「年度最催泪」、「人生必看」之作。此外，其原著是在韩国知名网漫平台Kakao Page累积观看近90万次、长期维持近10颗星满分评价的超高人气连载，更曾荣获美国威尔．艾斯纳漫画产业奖（Will Eisner Comic Industry Awards）提名并入选「最佳网漫奖」，是具备全球认可的强大IP。
从承担风险、重力实验到真实肉身
当代编舞家走向马戏的5种思考途径
从呼吸开始，改造一个马戏团
陈武康访林怀民，谈如何与FOCASA一同疯魔（下）
从呼吸开始，改造一个马戏团
陈武康访林怀民，谈如何与FOCASA一同疯魔（上）
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国际 秦皇岛文学剧场还是排练事故？ 阿那亚戏剧节《文城》演出引发争议
是话剧还是戏剧？是文学剧场还是一场没有准备好的排练？ 由余华同名小说改编的《文城》（City of Fiction）是今年阿那亚戏剧节的开幕大戏，6月17日在海边「孤独外剧场」首演，这部戏由陈明昊（导、演）、段奕宏、周冬雨主演，明星效应使得这场演出格外受到关注，同时也引爆了近年来对於戏剧认知的最大争议。 争议的焦点直接落在「提词机」和「念剧本」上。首演现场，周冬雨被指全程依赖提词机，念错台词后脱口而出「oh no」；陈明昊全场手持剧本；段奕宏前半场尚能脱本演出，但后半场也未能完全脱稿。这对于看惯了「北京人艺话剧」的观众而言，几乎是不可接受的，因为「背台词是话剧演员的基本功」。 不少观众因此在现场大喊退票，事后在网路媒体上也是一面倒地检讨这场演出的不是，甚至「周冬雨演戏不背台词」这个话题也因此冲上热搜。然而，导演的解释提供了另一种解读：这是有意为之的「疏离」设计，旨在暴露排练状态，打破「完美表演」的幻觉，同时，即时摄影、当代艺术装置、大吊车的机械及海边的孤独图书馆背景，都成了这部戏的「表演者」，切实地表达了虚拟城市的文本意涵。这符合「后戏剧剧场」将文本、舞台美术、音乐、演员身体、空间等要素等量齐观，创造一种「共时性的在场体验」，而非线性的叙事。陈明昊坦言：「回头看很多新的突破，一开始都像是外行的『误会』，我们的戏剧经验就该被这样的新能量一次次刷新。」
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评论 新锐艺评 Review爱是一种选择与信念
评台南人剧团《爱在极光下》《爱在极光下》改编自美国剧作家 John Cariani 的知名剧作，以9个看似荒诞却充满诗意的爱情故事，描绘人们在极光下寻找爱、理解爱，并与爱擦肩而过的过程。导演吕柏伸率领王宏元、古辛、林晓函、张家祯及曹瑜（哈利）5位演员（A组）以流畅自然的场面调度，建构出雪地里一个既浪漫又带有淡淡忧伤的爱情世界。 剧中的爱情故事各具特色：一位带著破碎心灵前来疗伤的女子，意外遇见一名修理工，两人心生暧昧情愫；颓废的男子与多年未见的前任女友重逢，却发现对方即将步入婚姻；两位在感情中屡屡受挫的直男，在某个瞬间对彼此产生了超越友谊的情感；天生感受不到疼痛的年轻男子，因初尝爱情的美好而第一次体会到痛觉；迟来多年的一句「我愿意」终于说出口时，却发现对方早已有了新的归属；一对相恋11年的情侣，险些因误会而失去彼此的；一对中年夫妻，在平凡的婚姻生活中因为日复一日的生活摩擦争执，而重新思考彼此的关系；害怕失去彼此的友谊而迟迟不敢表露心意的男女，最终发现原来对方也同样喜欢著自己。这些故事的背景与人物各异，却共同描绘了爱情中的期待与遗憾、错过与重逢，展现出人性最真实而动人的样貌。
石佩玉Ｘ郑嘉音：用少少的语言，说无限的故事
洪千涵Ｘ孙唯真：在儿童剧里，卸下导演的包袱
和孩子互相学习，重新感受身体与创作的连结
左涵洁 X 林宜瑾 X 陈彦斌Fangas Nayaw、董怡芬-
国际 首尔与民欢庆「国乐日」撞上纪念先烈「显忠日」 国乐界吁重订日期
韩国文化体育观光部（后简称文体部）于 6 月 5 日在国立国乐院艺乐堂举行第2届「国乐日」纪念仪式，当天也同步启动为期10天的「国乐周」，全国各地推出逾50场演出、教育与体验活动。 「国乐日」是依据 2024 年 7 月施行的《国乐振兴法》内容而制定的法定纪念日，今年是第2次举办纪念仪式。日期选在 6 月 5 日，是因为「与民乐」一词最早记载于《世宗实录》的世宗29年6月5日，取其「与百姓共享音乐」之意。文体部长官崔辉永在纪念仪式致词时表示，国乐如今已成为韩国音乐与文化的根基，并持续与世界各地观众产生共鸣，成为新创作的源泉，承诺未来将持续支援，让国乐更贴近国民日常生活。 国乐周期间，光化门广场上演约800人参与的大规模街头游行与拔河表演；首尔敦化门国乐堂举办「敦化门国乐周」，探讨声音的起源与美学；南山八角亭则安排欢迎外国游客共襄盛举的传统演戏与舞蹈表演。民俗戏剧和音乐表演连同街头游行于 5 日中午，从德寿宫大汉门出发，一路前进至光化门广场，由国防部军乐队传统乐队领头，协同江陵、晋州三千浦、平泽等地代表农乐与假面舞保存会，以及20余所大学与初高中风物农乐队参与。此外，「大韩民国传统演戏节」在首尔林户外舞台开幕，国乐院礼乐堂上演结合宗庙祭礼乐与社稷祭礼乐的代表节目《王的祭坛，百姓的土地》。首都圈以外，包含仁川、世宗、光州、釜山等地也同步举办约50场相关活动。
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专栏 关于编剧的二三事最后的江湖说书人
号称「南部人的刘德华」，吴乐天在地下电台当主持人，一边卖肝药和壮阳药，一边讲古，鼎盛时期身家高达五亿元，全台听众更高达上百万人。他可以翻转我们熟知的「武松打虎」典故，张口胡诌武松酒醉，伸手打蚊子，刚好一掌打得想偷袭的老虎爆血管中风，最后被新闻局发公文勒令节目停播
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国际 旧金山、洛杉矶美西两大乐团宣布新人事 陈以琳与哈丁接掌音乐总监
美西两大交响乐团旧金山交响乐团（San Francisco Symphony）和洛杉矶爱乐乐团（Los Angeles Philharmonic）不约而同在5月下旬公布新的音乐总监，两个名字都出人意表，虽然原因不尽相同。 旧金山交响乐团选中的是陈以琳（Elim Chan），她在香港出生长大，之后留学美国，开始正式学习指挥，曾经担任母校密西根大学的乐团音乐总监。她是第一位获得Donatella Flick指挥奖的女指挥，曾在伦敦交响乐团担任葛吉夫的助理指挥，参加过洛杉矶爱乐的杜达美指挥课程、及海汀克的大师班，学历很是亮眼。她是近年受瞩目的指挥之一，已经登台波士顿、纽约、费城、洛杉矶、多伦多、荷兰大会堂、巴黎，接下来还会指挥柏林爱乐、莱比锡布商大厦、NHK、维也纳爱乐等。至于旧金山乐团，她在2023年1月、10月、2025年3月以客席身分亮相，今年6月则是以待任总监身分出场。 但做客是一回事，当大家长又是一回事，就长期全面执掌一个乐团发展的音乐总监来说，她的经历就比较缺乏，只有瑞典NorrlandsOperan一季和安特卫普乐团五季的主指挥。但旧金山是完全不同的规模，她明年接任时刚好40岁，相比杜达美28岁接洛杉矶爱乐、麦凯莱31岁接芝加哥交响乐团，严格说来，陈以琳不算年轻新秀；只是她是东方女性，在乐坛极为罕见，看起来比她实际年龄小得多。旧金山人口有五分之一是华人，其中更有不少讲广东话的老侨，陈以琳想来会广泛出现在华人社区的活动中。
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演出 戏剧 台湾本地制作 首度完整授权演出概念音乐剧《Company》 写给孤独灵魂的最暖情书
在无拘无束的单身生活与相知相守的伴侣关系之间，你会如何抉择？2026年盛夏，台中国家歌剧院与活性界面制作将携手带来美国音乐剧泰斗史蒂芬．桑坦（Stephen Sondheim）与知名编剧乔治．弗斯（George Furth）共同创作的经典名作《Company》。这部诞生于1970年代的巨作，在百老汇首演后便一举夺得东尼奖最佳音乐剧与最佳词曲等6项大奖，更被后世誉为「现代音乐剧」的分水岭。 破除传统叙事，开创概念音乐剧的先河 这部作品之所以被视为音乐剧史上的划时代之作，原因在于它成功创造出所谓的「概念音乐剧」（Concept Musical），彻底改变了百老汇的说故事方式。这种崭新的演出类型具备了几个核心特色：首先是打破传统线性叙事，大胆舍弃了过往音乐剧必须依赖线性、完整故事情节发展的传统框架，观众看到的不再是男女主角从相识到结婚的标准套路；其次是采用碎片化的情境结构，不依照单一的时间轴，而是以刻意的片段式或非线性叙事的场景来串接全剧；最后则是聚焦特定的核心命题，相较于讲述具体的剧情，它更著重于多面向地深入探讨某个特定主题。 在《Company》中，史蒂芬．桑坦与乔治．弗斯正是以现代社会的婚姻与感情作为核心命题。全剧围绕著即将度过35岁生日的黄金单身汉劳勃展开，在看似欢乐的庆生派对背后，他内心却藏著挥之不去的空寂。跟随著劳勃的脚步，我们看见他身边5对已婚挚友以及3位约会对象的生活百态。有的人在婚姻中紧密相依，有的人却因日常摩擦而心力交瘁，有人害怕寂寞而选择步入礼堂，也有人畏惧承诺而迟迟不敢给出真心。剧中精准捕捉了现代人渴望建立连结却又惧怕失去自我的矛盾心理。《每日新闻》曾给予极高评价，认为它如同曼哈顿中城的钢筋玻璃大厦般平滑流畅，又像巷弄里的流浪猫一样焦躁不安，这是百老汇第一部直指敏感神经的音乐剧作品。 直击灵魂的叩问，在婚姻与单身间的抉择 桑坦以其标志性的洗炼文字与多变和声，将现代人的情感拉扯描写得淋漓尽致。剧中充满了让人发笑却又无比真实的对白，完美点出了单身旁观者与婚姻局内人的价值观碰撞。例如劳勃曾引述名言「未经审视的人生不值得活」，而他的已婚好友彼得则妙语反击：「未曾活过的人生不值得审视」。 面