所謂「最大的敵人，就是自己」。善哉斯言，人們也許對外在事物有克服萬難的毅力，對掌握自己卻經常猶疑不定，甚至懷疑到底哪個才是真的自己。過往有許多以主角具多重個性為題材的小說戲劇，唯《變身怪醫》Jekyll & Hyde把這個構想推到極端：服藥就可以把人性中的善惡分離開來，在人體內輪流執政。
面對這個永世無解的人性議題，《變身怪醫》提供了一種搔到癢處的趣味。觀眾一邊鄙惡劇中刻意塑造的暴力、血腥，卻又從中嚐到嗜血的刺激。如果這部劇不是那麼麻辣，票房恐怕不會那麼好，這豈不是台上、台下齊變身嗎？弔詭啊。
音樂劇《變身怪醫》
6/17～20 19：30
6/19～20 14：30
台北 國家戲劇院
6/24～27 19：30
6/26～27 14：30
台南市立文化中心演藝廳
7/1～4 19：30
7/3～4 14：30
台中中山堂
7/9～11 19：30
7/11～12 14：30
高雄市文化中心至德堂
INFO 07-7809900
個人喜歡《變身怪醫》的理由，比一般觀眾多一點不同的「同行」觀察角度。因為它和那些天王名劇如《歌劇魅影》、《獅子王》…比起來，是一部相對貼近我們，值得觀摩比較的參考劇目。我稱它為「後韋伯世代」的代表作品之一。作曲家法蘭克．懷德恩（Frank Wildhorn，簡稱「野角先生」），其年紀、出身背景、觀念、技巧…都與我們這個世代創作者接近。以下為大家做點說明。
素人音樂家先發唱片，從地方殺進中央
《變身怪醫》從地方小劇到世界名劇的過程，台灣聽眾可說有點精神上的參與。這部劇名氣起初不大，傳到台灣時，壓根兒沒什麼人知道它是啥玩意兒。那年是一九九一年，它以一張不起眼的唱片傳進台灣。當時它確實己經首演（或說試演），但只在休士頓地方劇院演出，離百老匯還遠。作曲家時年三十二歲，只比二十多歲的我大一點點。據我所知，這個在大學主修歷史和哲學的「素人作曲家」，在學期間就開始創作這部初試啼聲之作，這個背景也格外讓我心有戚戚。
由於紐約居大不易，羽翼未豐的野角先生想由地方殺進中央，便採取先發唱片的策略。他成功了，這部作品雖然戲劇略有不足，但在音樂方面功夫下得深，在媒體傳播下果然獲得巨大成功。尤其〈就在此刻This is the Moment〉，富有激亢的情緒搧動力，被許多表演活動或體育盛會採用為主題曲，得到爆炸性的曝光度，堪稱一曲成名。
畢竟這種走紅，是流行音樂領域的斬獲，並不等於「劇」本身的成功。雖然對一部劇作而言已經算是「夠本」，但是野角先生還是鍥而不捨，往後數年加以改良後，終於在一九九七年正式進駐百老匯，距首演已經過了七年。野角先生的努力獲得回報，他是後來唯一同時三部劇在百老匯上演的美國音樂劇作曲家。我們眼睜睜地見證了他從青澀到大放異彩，並成為登陸台灣的前幾部音樂劇。
週遊各種題材，不凸顯地方色彩
「後韋伯世代」的美國音樂劇作曲家，特點是受到強烈的歐洲風格影響。在美國本土音樂劇繁華落盡後，八○年代歐系音樂劇以寬廣多變的音樂風格、深厚的人文素養，異軍突起，席捲美國百老匯市場。看在新生代眼裡，受到相當程度影響。野角先生的軌跡便是如此，嚐試走「國際」、「多元」和「文本劇」的路線，向傳統歌劇也較多取法。如同韋伯一樣，他週遊於各種題材，每部作品呈現不同樣貌，也因為「地方性」不強，更廣受世界各地接受。
他的作品不以凸顯美國風格為訴求，不管《波奇與貝絲》（一譯《乞丐與蕩婦》）、《我愛紅娘》或《西城故事》的道地美國，或是《真善美》式的「歐皮美骨」，他都不要。《變身怪醫》有雄渾、才氣縱橫的作曲技巧，但可以看到許多歐系音樂劇的「模組」。往後作品，也大致呈現這種世界風，及人文歷史的愛好（別忘了這是他的本行）。例如《紅花俠》Scarlet Pimpernel（1997）《南北戰爭》The Civil War（1998）、《卡蜜兒》Camille Claudel（2003）、《吸血鬼德古拉》Dracula, the Musical（2004）、《卡門》Carmen（2008）、《基度山公爵》The Count of Monte Cristo（2009），以及在日本發表的《絕不說再見》Never Say Goodbye（2006）。從一九九○到二○一○年之間，一共有十四部作品問世，堪稱創作力旺盛。
知道這個背景，對《變身怪醫》的音樂設計邏輯便不難理解。野角先生在大學時期就喜愛蘇格蘭小說家史蒂文生（Robert Louis Stevenson）一八八六年出版的小說《化身博士》The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde，如同《歌劇魅影》一樣，有著懸疑、驚悚、浪漫的特質。找到劇作家布里克斯（Leslie Bricusse）合作，故事背景設定在一八八五年的倫敦。這是一部幾乎沒有陽光、充滿陰暗壓力的戲，場景若不是在暗無天日的醫師實驗室，就是在倫敦的黑街、紅燈戶、貧民窟。
直接誇大赤裸鋪陳，重鹹口味感官刺激
《變身怪醫》的故事結構很簡單，一個孝順、正義感的醫生傑寇（Jekyll）為了醫治父親的病，拿自己做活體實驗，注入一種號稱可以分離控制「善」、「惡」元素的藥劑。結果善與惡是分離了，但並沒有被控制。兩種個性的靈魂，同時控制同一個身體，時而恢復善良的傑寇，時而化身為邪惡的殺人魔海德（Hyde）。這樣的故事背景，提供強大的對比可以發揮。不過，畢竟野角先生當時血氣方剛，採取直接、誇大、赤裸裸的手法鋪陳，使整部劇失去讓人自行品味咀嚼的想像空間。
顯然，劇作者和作曲家想藉此描述千百年來，人們一直無法擺脫的善惡掙扎。中國人的老祖宗一、二千年前就不斷思辯這個問題，例如孟子的性善說、荀子的性惡說。因此這個題材可以馬上喚起人們的共鳴，不過本劇劇情設計依然有些牽強之處，讓人覺得說服力不夠。例如正義感十足的律師朋友約翰，要帶傑寇醫師去「散心」，卻去了穢暗、犯罪的倫敦黑街，這樣的朋友也未免太有創意了些。又如化身為殺人魔的海德，連環殺害的都是偽君子或惡棍，可說是內心忿恨心情的解放。但下一個殺害的卻是自己心愛的、善良的女朋友露絲，邏輯很難轉過來。
本劇最成功、也是讓我最有意見的部分，還是它的音樂。每首歌曲都像是輪廓太深、色彩太濃的畫像，把一種訊息重覆的、重擊的灌輸到觀眾腦裡，固然帶來劇烈的感官刺激，但在重鹹的舞台視覺效果聯擊下，真是有雞湯煮成狗血的感覺。
熱血真誠的代表歌曲導聆
在漫長數年的修訂過程中，《變身怪醫》的劇情和歌曲有不少更動，歷來發行的各版本唱片，多少都有些差異。目前我所知道的唱片版本有「錄音室版」、「首演版」、「倫敦版」、「維也納版」、「匈牙利版」、「劇場DVD版」…野角先生可能見到善用媒體的重要，所以毫不保留地一錄再錄。
〈表象之歌Façade〉、〈善與惡Good 'N' Evil〉
〈表象之歌〉可說是本劇的主題曲，Façade可說是表象、面具，意謂人們虛偽的外表，在劇中以合唱方式出現四次之多，詞意無外乎對人性的虛偽冷嘲熱諷。〈善與惡〉則是劇中傑寇在黑街認識的酒女露西所唱，同樣強調了人性的善惡對立。音樂本體是好的，標準「群眾」（如《悲慘世界》的序幕）、「歡場」（如《西貢小姐》的酒吧場景）兩個模組。但是過度強調單一訊息，無法不讓人感到做作。試想，一群好色男闖入花街要看牛肉場，火辣的舞女一邊跳著挑逗的鋼管，歌詞卻是社會學者寫的「論人性善惡」，如何不叫人感到突兀。
〈接納我的一切I Must Go On/Take Me As I Am〉、〈曾經在夢中Once Upon a Dream〉
兩首標準的情歌，女主角艾瑪（Emma）如同《魔笛》中的夜后，存在的目的好像就是為了現身在上、下半場各唱一首大情歌。她以觀音菩薩慈悲之姿，理解、包容、支持傑寇醫師，甚至安詳、悲憫地接受傑寇的死亡。歌曲非常優美，但同樣稍有過甜、制式的問題。
〈別無選擇／就在此刻Now There Is No Choice / This Is the Moment〉
好吧，雖然是一首誇張、搧情、煎肝煮肺的歌，同樣犯了不節制的毛病，但無疑的，它是本劇最大的成就，是本劇得以屹立的重要原因。本曲由兩首歌聯篇組成，前段《別無選擇》像是一個慢板序奏，《就在此刻》進入快板高潮，結構上有完整的伏筆、鋪陳、發展和結尾，把一個人在困境中下定決心，把握時機大幹一場的心情，描寫得淋漓盡緻，把「決心」昇華到一種至高、至福的終極境界。設計是老梗，但不論旋律的設計、詞曲的結合、力度效果，都達到相當高的完成度。我們可以從中看到青年野角，以貝多芬精雕打磨的苦功，推出鏗鏘有力、無懈可擊的作品，無怪乎各界爭相拿它作為鼓舞、造勢的音樂。
〈對決Confrontation〉
這是本劇中，讓人印象最深刻的作品之一，難度之高，大概要殺死許多男歌手。這是一首仇敵對決的歌曲，但卻由同一個人來演唱。此時傑寇和海德「兩個靈魂」在同一個身體裡面對罵起來，而且要拼個你死我活。藉由燈光和造形特效，觀眾活脫脫看到同一個演員在舞台上精神分裂、變臉互鬥，是全劇的高潮點。
