結合多媒體影像與現場表演的劇場手法，已經成為當代劇場的新興風潮，無論是定點拍攝、數位裝置的攝影、即時剪輯、經過特殊處理的合成效果或是3D投影，舞台上的影像不僅製造出強烈的感官效果，也讓劇場演出更貼近當代人的生活。除了凱蒂．米契爾，將於五月到訪的凡．霍夫，作品曾經來台的蓋西耶、卡斯多夫……他們透過同步影像製造一場虛實交錯的感官體驗，帶領觀眾深入層次分明的敘事空間，讓他們自行辯證對於現實的多元感知。
劇場中最早使用影像可追溯到一九二○年，無論是皮斯卡托（Erwin Piscator）在演出中穿插紀實影片，強調當代性與政治意義，還是梅耶荷德（Vsevolod Meyerhold）與艾森斯坦（Sergueï Eisenstein）融合舞台呈現與電影技術的美學實驗。一九七○年代起，許多歐美行為藝術開始融合錄像，掀起了一波舞台美學的革命。一九八○至二○○○年之間，愈來愈多創作者投入多媒體劇場創作，發展出前衛的敘事手法（註1）。隨著科技發展，影像運用逐漸在當代劇場形成一股流行風潮。二○一○年後，在舞台上融入影像敘事彷彿已經變成司空見慣的常態。無論是定點拍攝、數位裝置的攝影、即時剪輯、經過特殊處理的合成效果或是3D投影，舞台上的影像不僅製造出強烈的感官效果，也讓劇場演出更貼近當代人的生活。本文將聚焦在舞台上的「同步影像」（Real time film），介紹近年來一些在歐陸劇場深具特色的導演與他們的作品。
由影像特寫深入角色潛意識
就某些導演而言，影像類似文字、表演、燈光、舞台等劇場元素，是將劇情內容具體化的一種媒介。然而數位化的發展使它更有效地呈現出交錯的時空背景、敘事觀點的辨證、和角色的主觀意識。《哈姆雷特》（2008）中，奧斯特麥耶從丹麥王子的視角出發，以手持攝影的方式描繪出他的心中印象。晃動、模糊的特寫鏡頭不僅突顯主角幾近崩潰的狀態，更影射了他腦內現實扭曲變形的樣貌。此外，劇中的即時攝影引申出界於虛構與現實的曖昧性：台上的演出究竟是一場扮演，還是真實的瘋狂？
比利時導演蓋西耶（Guy Cassiers）則用錄象延伸文本的想像空間。在《沉沒的紅》Rouge décanté（2004）中，為了營造出角色逐漸分裂的潛意識世界，導演利用七台攝影機，以不同角度拍攝演員特寫，並用變形、延緩、色差、暫停等效果處理影像。演員和他的虛擬分身錯置在同一個舞台空間，彷彿現實場景與回憶片段交纏在一起。不同於其他導演，蓋西耶刻意將影像抽象化，突顯出現場演出及其再現的差異。這樣變調的表現手法不但製造出豐富的視覺效果，也營造出不同於文本、表演的感官敘事空間。
以直陳影像批判現代社會
透過影像，戲劇動作可以脫離舞台框架，進入到另一種空間——無論是被隔離的表演區塊（內景、後台），或是現實生活（劇院外、大街上）。藉由可見與不可見、台上台下的空間交錯，許多導演模糊了虛構與真實的界線，也影射出現代社會的監視氛圍與窺淫癖。為了排除寫實表演、開啟與觀眾直接溝通的管道（註2），德國導演卡斯多夫（Frank Castorf）安排攝影師在舞台的隱蔽空間跟拍現場表演。近距離拍攝造成極度誇張的效果，甚至令人感到噁心，例如：特寫演員狼吞虎嚥或嘔吐的鏡頭。在《卡拉馬助夫兄弟們》Die Brüder Karamasow（2016）中，75%的劇情都是透過銀幕呈現。導演運用手持攝影快速地轉換敘事觀點，帶領觀眾穿梭在虛擬和現實、表演空間內外、宗教狂熱的十九世紀俄國鄉間與被資本主義吞沒的當代社會之間。劇中的多元影像建立了一種充滿批判力的距離感，讓觀眾思索劇中人物內心的矛盾。
瑞典藝術家歐杭（Markus Öhrn）也習慣在舞台上布署一個被遮蔽的空間，並藉由即時攝影營造一種窺視感。在改編自奧地利獸父案（註3）的《愛的寓言》Conte d’amour（2010）中，觀眾只能透過舞台上方的銀幕看見後方密室中的情境。藉由暴露與隱密的畫面，歐杭強調出父權社會的價值觀、中產階級家庭的窮途末路，也間接批判了現代媒體的獵奇心與窺淫慾。在《給予》 Etant donnés （2012）中，歐杭則將這種變態感官推往極致。他用一場A片試鏡會呈現法布爾（Jan Fabre）的文本（註4）。從銀幕上，觀眾看見兩名戴著頭套的男子在舞台上密閉的房間中強姦一名女性。儘管歐杭用充氣娃娃替代真實的女演員，但淫穢的景象透過鏡頭變得更加不堪入目。藉由影像媒介，瑞典導演突顯了男性眼中女性的物化，也使觀眾意識到自己是現場暴行的共犯。
用劇場手法製造電影幻覺
攝影技術的進步讓愈來愈多的劇場導演參照電影手法展開創作。無論是經典影片的舞台搬演、運用分鏡、剪輯重新詮釋戲劇文本，他們的作品既具有影像敘事的流動感，又突顯出舞台充沛的表現力。比利時導演凡．霍夫（Ivo van Hove）除了運用影像賦予經典文學當代性，也改編許多知名電影作品（註5）。在《安東尼奧尼計畫》Antonioni Project（2009）中，他使用藍幕合成、剪輯效果讓虛實情境彼此交錯，更用多元的運鏡方式營造舞台的運動感。透過影像、舞台兩種媒介，觀眾一邊融入角色們的私密情感世界，一邊抽離地觀察拍攝的過程。在改編自維斯康提（Luchino Visconti）影片的《納粹狂魔》Les Damnés（2016）中，凡．霍夫不但使用高解晰的影像捕捉表演細節，更藉由特殊效果強調極權政治下的駭人恐怖。無論是角色死亡時被放置棺木的特寫、一群軍人裸身倒臥血泊之中、或主角在強烈閃爍的巨大銀幕前，拿著機關槍朝觀眾掃射，這些畫面加深劇情的衝擊性，也製造出撼動人心的感官效果。
巴西女導演賈塔伊（Christiane Jatahy）則運用同步攝影營造一場劇場感知的辯證：面對眼前的衝突，觀眾究竟是冷眼旁觀的目擊者，還是參與行動的同謀？改編自《馬克白》的《移動森林》A Floresta que anda（2015）中，她讓觀眾置身於一場記錄巴西貧民生活的錄像展覽中，並用耳機給予某些觀眾指示，使他們與演員互動。透過舞台上的雙向鏡，她用攝影機特寫現者的動作，並不時將其投影在四面銀幕上。現實影像與虛擬行動的交錯讓人產生了一種關於觀看與監視、劇場表演與生活寫照、藝術呈現與真實人生的思辯。劇末，舞台裝置開始移動，組成一道牆面，將所有觀眾逼迫到角落。對賈塔伊而言，銀幕裝置不僅揭示了現實的暴行，也暗示觀眾得聚集在一起，用集體行動去改變這個不公不義的社會，如同莎劇結尾為了推翻暴君而用樹木掩護自己的反抗軍。她最新的作品《遊戲規則》Règle de jeu（2017）則將雷諾瓦（Jean Renoir）的同名電影搬上舞台。她使用手持攝影、即時剪輯帶領觀眾穿梭於法蘭西劇院的建築結構之中，讓人產生歷史與現實交融的錯覺。
法國導演帖斯特（Cyril Teste）則效法「逗馬宣言」（Dogme 95），試圖發展一種「電影演出」（performance filmique）：所有舞台上的動作都經過現場拍攝、混音、剪輯，成為一齣影片（註6）。融合德國劇作家李希特（Falk Richter）四齣劇作（註7）的Nobody（2015）塑造了現代職場爾虞我詐的鬥爭，引申職業倦怠（burnout）對人性所造成的折磨。為了強調出影像的寫實性，製作團隊向企業租借了辦公室，在晚上的時候發展演出內容。透過設計精準的鏡位，演員細微的情緒變化一一呈現在觀眾眼前。對帖斯特而言，電影與劇場是兩種擁有不同時間性的藝術：前者用鏡頭讓當下成為一種永恆，後者則蘊含了瞬間即逝的時間概念。透過電影演出，觀眾可以進一步感受到這兩種矛盾的時間性，也意識到影像幻覺被拆解的可能。
的確，當代劇場中的多媒體使用不再只為了營造豐富的視覺意象，而是要製造一場虛實交錯的感官體驗。這種全新的表現形式不僅消弭了舞台呈現、電影、裝置藝術的分野，也帶領觀眾深入層次分明的敘事空間，讓他們自行辯證對於現實的多元感知。
註：
- 舉凡伍斯特劇團（The Wooster Group）、彼德．謝勒斯（Peter Sellars）、羅伯．勒帕吉、合拍劇團（Complicité）、拉夫拉前衛劇團（La Fura dels Baus）、Dump Type 等。
- 據近年來與卡斯多夫經常合作的法國女演員巴里芭（Jeanne Balibar）說：「卡斯多夫劇場中的影像就像是一種顯微鏡。儘管它將演員的表演誇張化，但它仍建立在有品質的劇本之上。聽說卡斯多夫一開始使用影像是為了掩蓋柏林人民劇院（Volksbühne）極差的聽覺效果。他試圖用科技的進步解決這樣的麻煩事。［……］卡斯多夫叫我們對著攝影機演出，這對於著重寫實性的影像演出幾乎是一種禁忌。他的要求讓演員們脫離心理鋪陳的連貫性，也富含了另一層意義：是一種直接對觀眾訴說的方式，提醒他們劇中的故事與他們密切相關。」
- 2008年，奧地利爆發了一樁驚世駭俗的社會案件：一名女子被父親迷姦、監禁長達24年。這起綁架事件後來也被加拿大小說家多諾霍（Emma Donoghue）改編為《房間》Room，並於2015年被搬上大銀幕。
- 揚．法布爾於2004年為了獻給他當時的繆斯Els Deceukelier而創作的文本。他以杜象晚年的裝置作品《給予：1.瀑布，2.煤油燈》Étant donnés : 1° la chute d'eau 2° le gaz d'éclairage為靈感，描繪一名臉部被遮蔽的裸體女子與她陰道之間的對話。
- 前者可參考凡．霍夫的莎劇改編（《羅馬悲劇》，2007和《戰爭之王》，2015）、及將在今年5月來台演出的《源泉》（2014）；後者則包含改編自美國導演卡薩維茲（John Cassavetes）的《首演之夜》（2006）和《丈夫》（2012）、柏格曼的《哭泣與耳語》（2009）與《排練之後╱假面》（2013）、維斯康提的《洛可兄弟》（2008）、帕索里尼的《真理》（2010）。《安東尼奧尼計畫》融合了義大利導演1960年初創作的三部曲—《情事》、《夜》、《蝕》。凡．霍夫最新的創作同樣改編自維斯康提的作品《沉淪》，並由裘．德洛擔綱演出，預計今年4月於倫敦巴比肯藝術中心首演。
- 根據帖斯特，電影演出的文本必須從戲劇文本出發。舞台為寫實場景或攝影棚。除了影像之外，技術人員也得在現場混製影片中的音樂與音效。預錄影像的使用不能超過五分鐘，只能在必要的時候使用，例如換景過程中。影像的時間必須與拍攝的時間完全吻合。
- Nobody主要改編自李希特的《冰層之下》Unter Eis，也擷取了他《電子城市》Electronic City、《體系》Das System、《醉》Rausch等劇本片段。
