Q1：您認為「讀劇」是一種演出嗎？為什麼？
我認為是的。彼得．布魯克在《空的空間》中曾寫道：「我可以選定任何一個空的空間，並稱它為空曠的舞台。如果有一個人在某人注視下經過這個舞台，就足以構成一個劇場行為。」只要有空間、有表演者、有觀眾，並且有人在觀看，戲劇就成立了——這樣看來，讀劇自然也是一種演出。
而且，讀劇其實並不只是把文字照本宣科地念出來。每位參與的演員，都會依據自己對角色的理解與劇情的感受，投注情感、做出選擇，甚至在有限的條件下創造角色的形象。那個當下，我們不只是朗讀，而是真正在為角色發聲，也是在為故事注入新的生命。這對我來說，就是讀劇最迷人的地方：它沒有繁複的舞台調度或燈光特效，但它有純粹的「人」與「聲音」，讓觀眾能把想像力開到最大，參與進這個即時誕生的世界。
我印象特別深刻的是去年參與A劇團的阿卡貝拉音樂劇《懸日》讀劇演出。那是一部以邪教為主題的作品，全劇採用無伴奏人聲演唱，配樂中大量運用哼鳴、不諧和音、不規律的節奏，甚至模擬法器鞭笞的聲響，營造出一種宗教式的壓迫與神秘感。演出中我們幾乎沒有移動，場景轉換也只透過字幕提示，內容則停在故事的前半段。即便如此，現場的氛圍仍緊張得讓人屏息。觀眾不僅聽見了角色的聲音，也彷彿進入了他們的內心世界。角色塑造與氛圍營造的張力讓整場演出聚焦而緊湊，散場後，許多觀眾都意猶未盡地討論後續劇情可能的發展。那種被角色牽引、主動參與推理的熱度，我想就是「讀劇」最獨特的魅力之一。
Q2：讀劇與正式演出的「表演」本身，您認為有什麼差異嗎？或是您會做出任何區隔嗎？
如果單純從「表演詮釋」來看，我認為無論是讀劇還是正式演出，對於角色的理解與詮釋基礎其實是一致的。但由於硬體條件的限制，以及每個團隊對讀劇的呈現方式有不同的規劃，最終的「完成度」與「演出形式」往往會有不小的差異。
以我去年在唱歌集音樂劇場參與的《爬上頂樓看月亮》讀劇為例，這部作品曾分別在高雄的「衛武營小時光」和台北的「二條通讀劇匯」進行演出，兩地的呈現方式就因場地條件與節目安排而有所不同。在高雄，由於時間限制，我們只演出上半場，導演則利用較大的舞台空間設計簡潔但富象徵性的肢體畫面——像是用彩帶舞和撒花瓣的方式來表現布袋戲偶的打鬥場面，既省去了複雜調度，也保留了故事的想像空間。同時，大場地也允許燈光設計更多變化，例如日治時期與現代時空的交錯，就能透過光線與舞台區塊的轉換直觀呈現，也讓演員在表演時有更明確的「空間支點」可以依附，不需要完全仰賴自身的想像力。
相較之下，在台北二條通劇匯的版本，場地更為親密。雖然視覺畫面不如高雄豐富，但與觀眾的距離卻拉得更近，現場情感的流動也更濃烈。我永遠記得，每次演到陳寶與小嶋千鶴重逢的片段，總能聽見觀眾席間啜泣聲不斷，而台上的演員們也個個淚流滿面。雖然各種劇場空間都需要演員隨機應變、調整節奏，但在這種小小的場地裡，那種「我們正在一起經歷什麼」的感覺，特別明確，也特別動人。
讀劇沒有一個固定形式，有時甚至會因場地特性而產生令人驚喜的效果。例如在《我的當兵生活怎麼會男上加男！？》的讀劇演出中，同樣是在二條通劇匯演出，但導演運用了表演區後方的休息室和側邊的吧台，讓我們變換角色穿梭其間，並從不同空間發出聲響，也創造出許多「二條通限定」的趣味視角和層次感。
近年來有些讀劇的製作愈來愈精緻，設計上加入了燈光、服裝、道具甚至舞蹈，有時也會要求演員部分丟本。常有人打趣說：「除了手上拿著劇本，根本就是正式演出了吧？」這樣的聲音我其實也能理解。像在《關於醜小鴨變成搖滾巨星的那件事》的讀劇會中，我所飾演的恰哥是一位搖滾明星，為了還原演唱會的氛圍，導演安排我在某些段落丟本，甚至走下舞台與觀眾互動。對我來說，這樣的安排確實讓表演更自由流動、觀眾也能更直接投入，但我始終覺得，讀劇的核心還是在於「文本」與「情感」的傳達，其他所有的設計，應該是為了讓這個核心更加清晰，而不是去取代它。當然，這樣的嘗試也展現出創作團隊對文本的信任與熱情，願意投入更多創意去放大故事的感受力，對演員來說，能在這樣的過程中被鼓勵嘗試，其實也是非常珍貴的經驗。
另一個明顯的差異則是「一人分飾多角」的挑戰。在盜火劇團的《One Two Punch 痛感一擊》音樂劇中，我分別飾演堅韌的正規拳擊手潔琳與活潑的泰拳選手Lin。讀劇階段沒有造型或走位的輔助，所有角色區別幾乎都要靠聲音語調與態度的拿捏來呈現，因此，如何在語氣、節奏甚至情緒的反應上產生明確差異，就成了最重要的表演策略。到了正式演出，我則以讀劇時所建立的人物輪廓為基礎，進一步透過身體姿態與拳擊風格的差異，讓兩個角色在肢體與節奏上自然拉開距離，強化形象的反差。對我來說，讀劇就像是角色建構的「前期田調」，而正式演出則是把這些基礎層層堆疊、具象化的過程。
Q3：身為演員，您認為「讀劇」的功能是什麼？
對我來說，讀劇是一種介於文本與正式演出之間的階段性呈現。它既保留了創作的彈性，也開放了想像與回饋的空間，不管是對觀眾還是創作者，都是一次「互相試探」的機會。
某種程度上，讀劇就像劇場的預告片。它可以試水溫、測市場、幫作品暖身，也為觀眾提供一個提前「開箱」的機會。畢竟劇場有點像開盲盒——觀眾往往要先購票，才能知道自己是否喜歡這份體驗。如果能先透過讀劇建立初步印象，不只能幫助觀眾做出選擇，也能減少期待落差，甚至加強後續的宣傳效益。更重要的是，讀劇也是創作過程中非常珍貴的修正階段。主創團隊能從觀眾的第一手反應中發現盲點，甚至聽見來自各方的許願。
像《三個不結婚的女人》在讀劇時期，就有觀眾因為演員浩忠飾演的狗狗「小巴」叫聲太可愛，而許願正式演出有「狗狗solo」，結果真的成真了！而讀劇之後也收到不少觀眾對情節的回饋，讓創作團隊決定大幅調整劇本架構，甚至因此重寫多數段落與歌曲，最終正式演出只保留了讀劇版中的兩首歌。
然而這些變化，都是為了讓故事變得更清晰、也更動人，身為演員，能參與在這樣的階段，和作品一起長大、修正、蛻變，真的是一件很幸福的事。
