台灣當代箏樂家吳妍萱創作並演出的《#Redefine_一個音樂家的自我命題》，將於8月22日至23日在台北牯嶺街小劇場一樓實驗劇場演出3場。作品由〈聲音的皮膚〉、〈音的影子〉與〈聽覺的骨頭〉3個段落構成，從材質摩擦、琴弦震動到聲音消逝後的身體感知，逐層探問一位當代音樂家如何理解聲音、如何定義自己。
摩擦作響的塑膠袋、撥過琴弦的塑膠梳子、電子音樂中的類比電壓、黑盒子劇場的燈光變化，以及演奏者延伸的肢體與走位，這些鮮少出現在典型古箏音樂會的元素，皆被納入本作。吳妍萱說：「這不是一個傳統樣貌的音樂會，是一個在問『純粹的音樂／聲音是什麼』的創作演出。」
從「自由地彈奏曲子」到「自由地彈琴」
「我相信音樂在音樂家身上，是可以被重新定義的。」吳妍萱表示，這個命題乍聽狂妄，實則自然：同一份樂譜經不同音樂家演奏，總會呈現不同樣貌。對她而言，「重新定義」並非推翻既有傳統，也不是刻意追求前所未有的形式，而是回到演奏者自身，當長年累積的聆聽與彈奏經驗驅動出最原始的「彈奏慾望」，自我提問與反思也隨之而來。
她回顧，過去練習基本功、技巧、詮釋與情感，都是為了「自由地彈奏曲子」；經歷更多之後才明白，自己真正想要的是「自由地」彈琴：彈什麼、怎麼彈、如何傳達。語序上的微小改變，標誌著一位演奏者創作位置的轉換，《#Redefine》也正是從這些持續發生的自我提問中逐漸成形。
旋律之外 重新學習聆聽
吳妍萱坦言，自己過去也是需要透過旋律進入音樂的人；隨著參與更多音樂製作、接觸不同類型的音樂家，她發現真正觸動自己的未必是一段完整旋律，也可能只是音樂家創造聲音的瞬間。這樣的聆聽，逐漸從聲音延伸至演奏者的身體。曾有觀眾在演後詢問她的演奏動作是否刻意為之，她回答：「是，是故意的。不過，並不是刻意的。」動作是為了產生音色、連結音符而自然形成的肢體語言；當技巧成為身體本能，她注意到琴弦停止震動後，身體的動力仍在空中延續。她因此追問：演奏者的動作、姿勢與呼吸，是否也具有聲音的意義，甚至足以改變觀眾所「聽見」的音樂？
傳統訓練與跨域實踐並行
吳妍萱畢業於中央音樂學院民樂系，取得學士與碩士學位，師從古箏演奏家周望，長期以獨奏家身分活躍於獨奏、重奏、室內樂、即興、劇場與跨領域舞台，演出足跡遍及台灣、德國、新加坡、波蘭、日本等地，現為立方重奏CUBE BAND古箏演奏家。傳統器樂、當代音樂、電子聲響、日常物件與劇場語彙在《#Redefine》中並置而不相互抵消，共同指向她反覆提出的問題：「我是一個什麼樣貌的音樂家？」
「太多想說，文字說不明白。」吳妍萱說，「我終究覺得，來聽我彈琴，一定就能明白。」
