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藝術家請回答張軍 永恆，是珍惜跟觀眾見面的美好相遇 （上）
張軍，被戲迷暱稱為「崑曲王子」，現在不僅有演員身分，同時也是上海戲劇學院附屬戲曲學校校長，肩負教學、行政等重責，將生命與生活都全面投身於崑曲藝術裡頭。本次的「藝術家請回答」活動，也是張軍來台演出《凱撒大帝》的前夕，暫且抽離劇中卜拓思（Brutus）等人物，一字一句用錄音的方式回答了戲迷提問。他溫柔且深情的嗓音，如話語、也如吟唱，清晰且堅定地講述了關於人物詮釋、戲曲傳承、藝術思考等面向的問題，如他所珍惜的每次與觀眾見面的相遇，不管是聲音、演出，抑或是文字。
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藝術家請回答張軍 永恆，是珍惜跟觀眾見面的美好相遇 （下）
Q：演《春江花月夜》時，在塑造人物的過程中借鑑了多少傳統程式？創新部分主要體現在哪裡？ 對於《春江花月夜》這樣的新戲，在塑造人物上，我大約會不自覺地先找到行當的歸類，畢竟這是我身上幾十年積累下來的下意識，而且我跟隨蔡正仁老師、岳美緹老師兩位恩師學戲，巾生、官生、窮生、雉尾生都學過。張若虛這個人物，我比較把他定位為小官生，飛揚一點的時候，會再更靠向巾生一些。聲音、身形、舞蹈動作，都是從傳統程式來的，這樣創作的時候有一個基本的依託，也是一種對傳統的再運用。 至於創新，我覺得是感知張若虛對於時間的思考。他永遠停留在27歲，但是和辛夷的三次見面，辛夷分別是16歲、26歲和66歲。這部分的創新，其實在傳統舞台上也有可借鑑的，比如說杜麗娘就是生生死死，超越生死，張若虛也是生生死死，超越生死。這種內心的、深度的，對於生命的、時間的感受感知感應，我覺得這是創新的部分。雖然這部戲是古典的題材，服裝也是古典的，總體呈現還是規規矩矩的，但內心在體驗這些非常深度的哲思時，我覺得是一種全新的探索和呈現。 Q：傳統文化與現代流行，小眾與大眾是否合流或是分流？當您專注固有藝術成就，對於創新與創作有什麼看法？ 我一直覺得傳統文化和現代流行文化，小眾與大眾，並沒有那麼涇渭分明。 從明代中葉到清代中葉，崑曲主宰中華民族的集體審美達兩百年之久，在那時，崑曲其實也是流行藝術、流行文化。隨著我們的推廣和創作，崑曲觀眾正在大幅度的增長。我說不上到底有多少崑曲的觀眾，但我經歷過崑曲的窘迫階段。1990年代中期左右，當我畢業的時候，幾乎沒有人看崑曲，一個劇場只有幾十個人是常有的現象，但是經過了這20、30年的努力，好的崑曲演出都是一票難求。無可置疑，崑曲肯定是小眾藝術，這跟它的藝術質地和本質有關，但小眾也可以擁有大量的觀眾，看似對立的觀念其實並沒有那麼絕對。 就像在這些年間，我一直在創作的音樂形式，叫「水磨新調」，就是崑曲水磨調的新演繹方式。從錄音棚製作開始，一直走到了萬人演唱會，走到像小巨蛋這樣的場合，像周杰倫、蔡依林一樣地做崑曲搖滾音樂會，這種嘗試非常受到大家追捧，讓這樣的音
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音樂第5屆JPG擊樂實驗室來了！ 3組團隊展現多樣可能
由朱宗慶打擊樂團所推出的「JPG擊樂實驗室」提供平台給35歲以下的擊樂家發揮創意，將各式各樣的想像藉由擊樂發揮出來。計畫從2016啟動，到現在已歷經8年，累積共21組團隊獲得團隊的陪伴與實踐。今年已達第5屆，共有3個團隊將於今年8月進行正式的成果發表。 計畫主持人朱宗慶回想自己創團時，也才30幾歲，年輕人有機會憑著想像創作，那種衝動、期待、挫折等等，都是真實而有意義的！他說「JPG實驗室」的重點在於「陪伴」，提供這個平台是讓年輕人自由作夢。過程中他常勉勵參與的團隊：「『不要怕失敗！』害怕失敗的話，過程就會保守、就不會成長。探索的過程都不容易，不累、不放棄，人生往前走就是！」看到以往參加過的團隊逐漸成長，他也欣慰表示：「這就是為何我們繼續這個計畫的原因。」
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焦點專題 Focus2024搖擺狂潮——兩廳院夏日爵士派對
備受期待的台灣年度爵士盛會「兩廳院夏日爵士派對」，今年再次以多元、創新、融合為主題，邀請國際知名爵士樂大師與台灣本地爵士高手齊聚一堂，為觀眾帶來精采豐富的演出，展現爵士樂自由包容的多樣風貌。為此，本刊除了介紹夏日爵士派對廳內廳外的活動內容，更帶您一窺爵士大師風采，越洋專訪具有多重文化身分的爵士鋼琴大師阿圖羅．奧法里爾（Arturo O'Farrill），讓您在2024的盛夏，有個隨著節奏搖擺的音樂狂潮。
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焦點專題 Focus 大師到訪之一阿圖羅．奧法里爾三重奏 從經典出發 揮灑非洲拉丁爵士
今年國外到訪的大師阿圖羅．奧法里爾（Arturo O'Farrill），1960年出生於墨西哥，在紐約長大，是一位鋼琴家、作曲家與爵士音樂教育家。他的音樂風格深受父親齊柯．奧法里爾（Chico O'Farrill）影響，生於哈瓦那的齊柯是拉丁爵士樂發展的關鍵人物之一，曾替多位重量級的爵士傳奇人物創作與編曲、並建立自己的非洲古巴爵士大樂團。2001年齊柯過世，阿圖羅承繼父親的樂團，將父親推廣的「非洲古巴爵士」概念，擴大至「非洲拉丁爵士」的範疇（前者主要集中在古巴音樂與爵士樂的融合，後者則是一個更廣泛的類別：涵蓋了整個拉丁美洲：巴西、波多黎各、墨西哥等地的音樂節奏及元素，並與爵士樂結合產生更多樣性） 阿圖羅將這個文化廣度、包容性更大的流派，推廣介紹給廣大的愛樂聽眾外，更與不同風格和領域的藝術家合作，極大的擴展「當代」拉丁爵士樂的可能性。 阿圖羅擔任「非洲拉丁爵士大樂團」（Afro Latin Jazz Orchestra，簡稱ALJO） 總監20多年，樂團質感與能量達到最佳，共獲得葛萊美獎8次肯定，獎項含括了：最佳拉丁爵士專輯、最佳器樂作曲獎及最佳拉丁爵士錄音獎。他於2007 年創立了非洲拉丁爵士聯盟（Afro Latin Jazz Alliance，簡稱ALJA），這是一個非營利組織，致力於非洲拉丁音樂的演出、教育和保護。
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焦點專題 Focus 越洋專訪 爵士音樂家阿圖羅．奧法里爾 無所畏懼，在音樂裡誠實做自己
「當我坐在鋼琴前，我不要變成不是自己的樣子」問及音樂演出，爵士音樂家阿圖羅．奧法里爾（Arturo OFarrill）這麼回答，誠實做自己，聽來是老生常談，對他來說卻是一生的探索，身為墨、德、愛爾蘭裔混血兒，自小接受古典音樂訓練，在融合爵士的黃金時期成長，少年時期混跡於自由爵士樂手間，文化上更承繼了父親的非洲古巴爵士，當他想要展現出真實的自己之前， 除了整合內在的自我辯證，尚須對抗外在的既定框架。 非洲拉丁爵士KOL 熱愛拉丁爵士音樂的朋友對阿圖羅．奧法里爾應不陌生，出身自拉丁爵士的重要家族之一，父親老奧法里爾「Chico」在1948年由古巴移居到紐約，因熟稔古典音樂、古巴音樂、爵士大樂團語彙，很快在樂壇闖出一片天，並在1950年代中期成立了非洲古巴爵士樂團（Afro Cuban Jazz Orchestra），該團在1990年代再度於鳥園（Birdland）俱樂部駐演，阿圖羅則在2001年父親過世後接手樂團，但他不只是繼承父業。 阿圖羅首先帶領樂團跨出非洲古巴的音樂範疇，將非洲元素與祕魯、安地斯、哥倫比亞等拉丁美洲的諸多音樂文化結合，開發出泛非拉美（Pan African/Latino/American）的音樂聲響，在2007年擴大成立非洲拉丁爵士聯盟（Afro Latin Jazz Alliance），不分種族性別與文化背景廣召各方好手加入非洲拉丁爵士樂團樂團，致力於演出、教育推廣、音樂典藏，新冠疫情期間更是連續175週以線上演出方式聚集在一起，爾後並發行《虛擬鳥園》（Virtual Birdland）專輯維持樂手生計，在非洲拉丁爵士音樂社群中，阿圖羅可說是關鍵領袖。 儘管在閱聽大眾的認知中，阿圖羅總是揮著手勢指揮樂團，或是坐在鋼琴前擔任樂團領奏的角色（Play-Direct），6座葛萊美獎的肯定更加深了他是拉丁爵士代言人的刻板印象，但只要仔細聆聽音樂，總能發現許多落在既定框架外的聲響，那些是什麼呢？
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焦點專題 Focus 大師到訪之二泰倫斯．布藍查 以音樂直面社會議題
今年爵士派對邀請到訪的國外大師之二泰倫斯．布藍查（Terence Blanchard），1962年生於美國紐奧良，是一位傑出的小號演奏家、作曲家、教育家，也是當今爵士樂壇領袖級人物。 布藍查於1982年成為亞特．布雷基（Art Blakey）所領軍的「爵士信差」（The Jazz Messengers）這個傳奇樂團的小號手，這段經歷對他非常重要，在爵士信差樂團裡，他吸取大量的爵士傳統，特別是在硬咆勃（Hard Bop）風格上。當年20出頭的他，因此得到與許多前輩高手同台互飆音樂的機會，累積了豐富的舞台經驗。這個時期發展出的音色與即興能力，為他的日後創作與個人風格的形成奠定了堅實的基礎。
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焦點專題 Focus 多樣精采節慶樂團齊聚各國好手 台味爵士讓你輕鬆自在
除了有兩位大師到訪，今年的夏日爵士派對還有令人驚喜的其他演出，讓音樂的狂潮更加洶湧！ 今年為爵士鋼琴大師艾靈頓公爵（Duke Ellington）逝世50周年，由台灣爵士小號手魏廣晧領軍的全明星「夏日爵士節慶樂團」以「親愛的艾靈頓」為主題，向艾靈頓公爵致敬。由美國爵士音樂家麥可．摩斯曼（Michael Mossman）擔任音樂總監與編曲，此次音樂會的另一大亮點，是邀到才華洋溢的西班牙歌手兼小號手安德莉亞．莫蒂斯（Andrea Motis）同台獻唱。莫蒂斯是一位活躍國際爵士樂壇的優秀女性音樂家，已參與過10幾張專輯唱片的發行，15歲就以爵士小號手身分出道，歌唱嗓音更是細膩迷人。此次她將與各國爵士好手組成的台灣節慶大樂團共同演繹艾靈頓公爵的經典曲目，精采可期。
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戲劇 童趣濾鏡下的末日地球《最後一個星期天》 殘酷日常召喚環保意識
台灣的夏季炎熱已成為發燒話題，當我們一邊高聲呼喊拯救北極熊與生態圈，一邊卻忍不住按下冷氣開關避免中暑的同時，是否曾感到過一絲不安：假如北極熊或瀕危生物就出現在我們面前，我們還會有勇氣做出一樣的選擇嗎？ 由比利時夏綠瓦蒂劇團（Chaliwat Company）、焦點劇團（Focus Company）合製作品《最後一個星期天》（Dimanche）（編按）將氣候失控後的極端災變以童趣充滿、創意無限的形式搬上舞台，描繪地球暖化走向極端時，各類物種所面臨的處境，以及無法自外於災難的人類，如何盡力卻失效的抵抗自然變遷，上演一則荒謬中帶著殘酷的警世寓言。
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寫在沒有主義的年代創造性矛盾
洪席耶的美學架構於21世紀廣受重視後，出現了一些嚴重誤解。首先，很多學者評家紛紛為作品下標籤，例如A作品屬於美感體制，因此層次較高，而B作品屬於倫理或典範體制，因此層次偏低。 嚴格來說，事情不是這麼看的。 皆屬美感體制 自19世紀「藝術」（Art）的概念確立後，所有禀持這個概念而創作的人都是藝術家，不再是工匠；他們為受眾提供無立即倫理或道德效應的美感經驗，因此他們的成果是「藝術品」，而不是具有實用意義的工具。在此前提下，創作藝術的就是藝術家，創作文學的就是文學作家，無論其作品之藝術成就是高或低。鄭愁予是詩人，平常寫詩的阿貓阿狗也是詩人，因為兩者所依據的藝術概念出於同源。 然而，為何有些作品既是美感體制的產物，實際上卻和倫理或典範體制掛勾？洪席耶認為這是因為美感體制到了20世紀初期出現了路線之爭。一方面有人認為藝術應貼近生活、反映人生，應對現存體制提出質疑。我們可以通稱這一派為「批判藝術」：藝術的價值在於批判精神。有激進型的批判藝術，如政治藝術、控訴文學、抗議歌曲；有溫和派的批判藝術，例如旨在促進社會和諧的關係藝術（relations art），或如帶著強烈倫理訴求的沉浸式劇場（環保！人權！司改！宛如花錢買一堂公民課）。 然而無論激進或溫和，這些作品仍舊屬於美感體制。但是，差別在於這一派的創作者偏離了「無用之用」的初衷，倒過來採取了倫理與典範體制所遵循的「教化模式」。也就是說，藝術家創作時心裡想的是如何喚醒受眾、改變受眾，而這些意圖和原來的美感體制是背道而馳的。 美感體制可貴之處在於讓受眾心裡產生「異識」，讓他們感受有別於日常的「共識」，而且異識模式不帶說教意味，更無色彩鮮明的立場或斬釘截鐵的結論：一切始於what if，也只於what if。因此，一旦美感體制和教化模式掛勾之後，自然出現張冠李戴的現象。其中，最奇怪的當然是對於藝術效應過高的期望，彷彿意味作品頌揚真善美，人們自然受其感化，社會自然真善美。 藝術與人生 近日，台灣電影《白衣蒼狗》榮獲坎城影展「金攝影機特別提及獎」，導演曾威量表示：「&
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首爾從朴槿惠到尹錫悅政權 藝文界思想審查爭議仍層出不窮
韓國創作音樂人李瀧（Lang Lee）在其歌曲〈狼來了〉（늑대가 나타났다）中唱道：「這塊土地上需要衝擊／我們不是無用之人」。這首歌原定於 2022 年釜馬民主抗爭 43周年紀念儀式時演出，卻在預定出演日前3週，李瀧及紀念儀式總導演接獲行政安全部通知，以該活動期望「在充滿光明和希望的氣氛下進行」為由，單方面取消李瀧和總導演的委任工作。因質疑政府單位有不合理的內容審查之嫌，李瀧和總導演於去年 11 月底根據《藝術人權利保障法》中規定國家機關不得審查藝術內容的相關條款，針對行政安全部、釜馬民主抗爭紀念財團及該活動承包業者提出損害賠償請求訴訟，今年 3 月正式進入訴訟程序，預計於 7 月中旬進行一審宣判。 李瀧表示：「政府單位臨時撤換活動總導演，並且不支付準備期間所產生的所有費用，這部分也有損藝術人權利。導演為這場演出策劃了數個月，我也為此組織了演出工作團隊，但因最終沒能登台，所以沒有拿到演出費。」針對此爭議，行政安全部於答辯狀中表明「沒有進行審查，也沒有賠償責任」。究竟政府單位拒絕特定歌曲於公家機關活動中公開，此舉屬於主辦方的正當參與還是思想審查，已成為這次訴訟的最大焦點。日前李瀧在仁川 Asian Pop Festival 的公開演出中也向所有現場觀眾呼籲關注本次事件走向，並鼓勵發起民眾請願，一起監督政府。
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曼谷泰國LGBTQ社群的驕傲 以繽紛活動慶賀權益里程碑
6月是全球的「同志驕傲月」，泰國的LGBTQ社群也同步在6月盛大舉辦泰國同志驕傲月活動，以曼谷為例，由多個LGBTQ民間組織舉辦的「曼谷驕傲月」（Bangkok Pride），包含遊行、展覽和講座等多項活動，而且除了曼谷，泰國共有30多個府舉辦了同志驕傲遊行。 曼谷驕傲月最盛大的活動莫過於6月2日的同志驕傲大遊行，上千遊行民眾擠滿曼谷最熱鬧的暹羅區（Siam），人人手舉著象徵多元的彩虹旗幟或是小物，最吸睛的則是一幅長達百公尺、寬及一個車道的大面彩虹旗，變裝皇后們更是爭奇鬥豔，以最誇張亮眼的妝髮和服飾登場，遊行氣氛熱鬧非凡。 在浮誇的表演背後，今年的同志驕傲月對泰國LGBTQ社群來說具有極為重大的意義，因為泰國國會在6月中通過民事與商事法修正草案，修改法案中關於夫妻的文字，讓同性伴侶也可以依法結婚，享有和異性戀婚姻一樣的權利，一旦等泰國王室公告正式發布後120天法律生效，預估今年底泰國的同性伴侶就可以登記結婚。
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音樂世界合唱美聲齊聚 2024台北國際合唱音樂節繽紛開展
由台北愛樂文教基金會所主辦的年度盛事「台北國際合唱音樂節」（Taipei International Choral Festival，簡稱TICF）將於7月底到8月初盛大舉行。本屆除了台北愛樂合唱團之外，更將邀請來自印尼、挪威、西班牙與台灣本地的10餘個團隊共襄盛舉。除了開幕及閉幕音樂會外，更將舉行巡迴全台的系列音樂會。除了表演外，台北國際合唱大賽（Taipei International Choral Competition，簡稱TICC）也將如期展開。 今年的團隊不可小覷，由全世界最具分量的「世界合唱大會」去年精選出的10個團隊中，即有來自印尼、西班牙巴斯克及台北愛樂共3組團隊將在台北亮相。台北愛樂合唱團音樂總監古育仲介紹，來自印尼的巴塔維亞合唱團（Batavia Madrigal Singers）團名取自雅加達的古地名，20年前才剛在國際上嶄露頭角的他們就來過台北表演。之所以相隔20年未能再度訪台，是因為他們在各個不同比賽頻頻得獎、各地邀演應接不暇。該團最高的榮譽是得到歐洲合唱大獎賽總冠軍，這個獎項非同小可，因為是將其他不同比賽的冠軍集合起來再比一次所得到的，所以可說是「冠軍中的冠軍」。除了演唱西方宗教歌曲，該團表演最大的特色是綜合印尼文化與流行歌曲，並且活潑地載歌載舞。古育仲回憶：「2004年來台時，他們邊唱還邊做大車輪的動作，非常震撼，台下觀眾是歡呼尖叫，難以置信。」 來自挪威的女生合唱團Cantus在歐洲女生合唱團隊中享有盛名，後來爆紅的原因是，動畫片《冰雪奇緣》第一、第二集開場的合唱，就是她們的歌。古育仲說：「這些是她們早年委託創作的招牌歌曲，靈感來自於北歐薩米民謠。之後《冰雪奇緣》團隊在製作配樂時，發現他們的歌曲很適合，於是請他們來重新錄製。」2006年來台時，她們就穿著華美的傳統服飾演唱過，這次當然也不例外。 來自西班牙巴斯克自治區的雷歐亞少年合唱團（Leioa Kantilka Koralsa），演唱的特點是同聲，同樣也是有歌有舞。自治區雖然屬於西班牙國土，但有自己的文化、語言與音樂，因此歌曲也相當具有民族風味。古育仲分享：「去年在土耳其參加世界合唱大會時，現場看過他們的表演。除了唱得好、動作棒之外，我感覺到他們的歌唱與動作都非常真誠，最後他們還是大會選出的10團中的第一名。」 <p
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藝號人物 People 導演、演員韋以丞 好好過活，征服劇場中的多重宇宙（上）
能導、能演的韋以丞，其實在戲劇系主修的是燈光組。許多人對此感到震驚，但若真正懂他之人，或許根本不該意外，畢竟這人處處充滿驚喜怎麼白天看他還在南部，晚上就現身台北的排練場？又或者，怎麼前幾天還見他帶著豬鼻子，飾演小朋友的偶像「豬探長」、接著又在明華園的戲台上唱戲，過沒幾天，還能看到他以導演的身分被放在節目單上。 重考之後，找回選擇的自由意志 如果說每個人的學生時期都有一個核心記憶為往後的性格定錨，組成韋以丞之核的記憶，恐怕離不開「重考」。他曾多次提及高中的迷惘，以及升學的挫敗，乃至考上北藝大以後，一度質疑自己是不是在做夢？或許因為曾有如此經歷，曾被困住、被剝奪過選擇的能力，使他在大學裡卯起來學習。 那幾年，他向尚派武生李柏君老師拜師，奠定日後與京劇、歌仔戲等傳統戲曲的緣分，也跟著班導羅北安到校外演出，但是到了大三，簽主修的時候依然猶豫不決，「我後來選燈光設計。其實，如果不是因為它的必修跟很多課都撞堂的話，我也會想去學舞台的繪景課。」 他學習的動力不光是來自外在稱讚，而是從知識本身獲得的成就，更具體地說是走到這裡，他發現將原有選擇權奪回來了。韋以丞不再是被升學體制牽著鼻子走的人，既知此事，他就得將過去失落的逐一補齊。 「你說，我後來之所以會選擇表演，是因為想要被看見嗎？其實每個人應該都希望有某個部分被看見，但我當時的思考狀態更近似於：『哇，我不知道要做什麼，可是知道前方有好多好多的選擇，只要彼此不會衝突，我都想試試看。』所以，真的是後來才慢慢、慢慢才走到表演創作的路上。」韋以丞笑著說。
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藝號人物 People 導演、演員韋以丞 好好過活，征服劇場中的多重宇宙（下）
《沒有人想交作業》於2021年起亮相，從一開始就是韋以丞起心動念，與夥伴串連所完成的作品。過去曾經歷了讀劇、劇場版，今年又將在空總展開讀演版，集合13位演員，於不同場次中輪流分飾6個角色。「在這個版本中，幾乎每個演員都會在不同場次中、飾演到不同的角色。這也是讓大家『填志願』角色而成的，我自己反而沒有在這個層面上主導太多。」 韋以丞開玩笑說，自導自演的過程多是「痛並快樂著」，例如他現階段一人當多人用，只能先排順走位，顧全大局，使大家安心，餘下精力再慢慢釋放給自己的角色。但是辛苦擺一邊，多數時候一群志同道合之人的排練，仍是笑聲不斷，「我光是把走位拉出來，演員就能自行發散出那個角色的特質。」 導演工作是如此，那麼回到表演工作上呢？「若身為演員，我還是很在乎劇場倫理，當然該拿出來討論的東西還是會說，但最終當然仍以導演的想法為重。」韋以丞說，即便如此，演員也是會歷經多重視窗的無限開啟，以9月即將演出的《父親母親》來談，此戲的「視窗」在於多個不同角色的轉換。他從疫情之初便積極參與製作，且因過程中需執布袋戲，韋以丞回憶：「三級警戒的時候我們是透過宅配收到『練習偶』，透過視訊跟老師上課。」 既是偶身，也是彼身。該戲全場僅有6個演員，卻得分飾30多種不同的角色，韋以丞除了偶戲演出外，亦有其他角色扛在身上。他試著說明：「《父親母親》對我來說很像是一個台灣公路電影，隨著一位計程車司機的尋親之路，從北台灣沿途下繞，想要參透自己的身世。」 隨著地理位置的轉變，時間軸也在場上時時變化，韋以丞說：「我所飾演的角色會出現在許多人的回憶之中，時而年少時而年老，當初排練的時候我們光是抓那個時間點就花了很多心力。」言而總之，無論在哪個領域之中，他的思考方向都得多方發散。
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PAR你不知道？！關於音樂劇《芝加哥》的10個不可不知
音樂劇《芝加哥》（Chicago）睽違7年即將訪台，雖然我曾在紐約一週內看了兩次這齣經典名劇，還是十分期待這次的台灣巡演！此劇的魅力究竟為何，可以讓人一看再看？一起來認識這齣在百老匯歷久彌新、長演不衰的黑色喜劇！ 1. 百老匯目前在線最久劇碼 有在關注音樂劇消息的人應該都知道，百老匯演出最久的劇碼是《歌劇魅影》，但它也不敵疫情，在2023年4月下檔，紀錄止於1萬3981場。這也讓原本排名第二的《芝加哥》，成為目前仍在「線上」的最長壽劇碼：本製作在1996年10月23日進行預演、11月14日進行首演，至今已接近1萬1千場，並且持續上演中，依照目前一週8場、一年約420場的速度算下去，再連演7年就有機會超過《歌劇魅影》，成為百老匯之冠。 2. 也是百老匯最長壽的「美國」音樂劇 雖然要追上《歌劇魅影》還有一陣子，但若說到「美國」土生土長的音樂劇，《芝加哥》當然就是第一把交椅，領先晚其一年首演的《獅子王》大概400場。另外，由於1996年的製作是「重演版」，它也自然是百老匯重演最久的劇碼，而且持續刷新紀錄中。 3. 你一定聽過他們的作品：詞曲拍檔坎德與艾伯 美國音樂劇的特色之一，就是出了不少長年合作的詞曲拍檔，譬如寫出《真善美》等名作的羅傑斯與漢默斯坦二世（Rodgers Hammerstein II）、蓋希文兄弟（George Ira Gershwin）等，創作《芝加哥》的作曲家坎德與作詞家艾伯（Kander Ebb），也是名流青史的佼佼者，他們音樂劇代表作還有同樣翻拍成知名電影的《酒店》（Cabaret）與《蜘蛛女之吻》（Kiss of the Spider Woman）等，但大家必定聽過的經典作品，是法蘭克．辛納區（Frank Sinatra）的代表歌曲《紐約紐約》（New York, New York），歌詞中寫道「若我能在此成功，就到處都能成功！」道盡了至紐約追夢、渴望成名的眾人心聲。
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追憶與悼念 In Memoriam偉大功業，業已完成
今年端午節剛過，便聽聞詹益昌醫師辭世的消息。除震驚外，更多的是不捨與感傷。回想起這幾年與詹醫師一起工作、研究音樂的時光仍歷歷在目，許多回憶也隨之湧上心頭。 還記得是2006年的時候吧，當時剛到台中教書的我聽聞有一位號稱台灣頭號華格納樂迷的狂熱樂迷在台中創立了一間私人性質的「華格納圖書館」。好奇心使然，某日我造訪了這間位於民權路巷弄內的神奇圖書館。事實上圖書館內的陳設我已印象模糊，但還在門外就聽到一陣滔滔不絕的講課聲，進了門才知道原來這位華格納狂竟然還自己開班授課，傳授聆聽華格納歌劇的秘訣。當天來聽課的人不少，室內幾乎坐滿，但我因為沒有事先報名所以只能站在後場聆聽。上課內容是什麼坦白說我早忘了，但授課者壯碩的身材與宏亮的嗓音讓我印象深刻，而這正是我與詹醫師的第一次相遇。 將近10年後，2015年某日，我的粉專捎來一封訊息，正是詹醫師想要邀請我到他新成立的「夜鶯講堂」進行一場演講。不過講題與華格納無關，而是針對他的旅行團的音樂行程為團員介紹百老匯音樂劇。就是這場演講開啟了我與詹醫師10年的緣分，在此之後幾年間，我成了夜鶯講堂的固定講師，從貝多芬、華格納、馬勒到百老匯音樂劇，幾乎每套系列講座都是我與他在不停地交流音樂思想、交換意見下孕育而生，而我也由此見識到了詹醫師對於古典音樂廣泛而專精的見識與涉獵。 2016年初，詹醫師在夜鶯基金會成立前夕邀請我擔任副執行長一職，我還記得那天中午他邀請了我與內人在台中的一間高級餐廳用餐，席間他告訴我，基金會成立的宗旨除了要推廣華格納的音樂與藝術外，更重要的是建立樂迷與樂團、音樂家之交流的平台，同時也積極向國內各大樂團爭取延長音樂會演前導聆時間至45分鐘的規格。這樣的理念放在今日來看都屬創新，更別說將近10年前了，但他卻憑藉著一股熱情認為這件事非做不可，當然我也因為他的這股熱情而被感召。基金會成立之初諸事如麻，無論是網站的建置、基金會形象的露出、與各大樂團間就演前導聆形式的溝通交流，還有號召國內各知名音樂講師共襄盛舉等任務，幾乎每一件事都在他的運籌帷幄中，每每有任何難以決斷的事項，只要他稍加思索，很快就能理出精準且正確的判斷。在我眼中，詹醫師不僅僅是一位感性熱情的音樂愛好者，更是一位擁有極端精明頭腦、思緒極為清晰的企業家。 在與詹醫師工作的這段時間，雖然因各項基金會事務
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藝號人物 People 英國編舞家馬修．伯恩 引爆青年震盪，讓經典活出當代模樣
劇院群聚的倫敦西區，英國編舞家馬修．伯恩（Matthew Bourne）的名字代表著驚喜。將經典芭蕾舞作賦予當代的改編與詮釋，是他獨樹一格且風靡西區的標誌。1995年他推出全男性芭蕾舞者版本《天鵝湖》（Swan Lake），天鵝成為充滿攻擊性的強壯生物，王子更愛上男天鵝，對比過往的柔情詮釋，柴科夫斯基的音樂在有力的肢體表演下展現全新風貌，隔年就獲得英國劇場奧利佛獎；兩年後前往紐約百老匯巡演，更獲得美國劇場界最高榮譽東尼獎導演與編舞的肯定，成為21世紀初的重要舞劇經典。 然而馬修並沒有在高峰停下腳步，而是放手展開一系列充滿野心與挑戰的創作，他成立的「新冒險舞團」至今已推出35部舞作，其中由馬修擔任導演與編舞的有13部，包括改編經典的《剪刀手愛德華》（Edward Scissorhands，2005）、《灰姑娘》（Cinderella，2010）、《睡美人》（Sleeping Beauty，2015）、《紅舞鞋》（The Red Shoes，2016）等，以及即將在今年巡演至亞洲的《羅密歐與茱麗葉》（Romeo and Juliet，2019）。而集口碑與票房於一身的馬修，也在2016年獲英國皇室授予爵士的榮譽。 從小種下的創作啟蒙 1960年出生，成長於英國倫敦，裨益於地緣，馬修成長過程就常跟著父母造訪電影院和劇院，他回憶：「印象中他們沒有太多錢，所以我們總是坐在最頂層，最便宜的座位區。」然而馬修正式學舞的時間相對地晚，22歲才進入倫敦拉邦中心，畢業後跟著拉邦中心的過渡舞團（Transitions Dance Company）進行兩年的巡演。很多人以為他是先跳舞才編舞，其實不然，馬修早在5歲就開始頻繁參與社區、學校的大小演出，儘管沒有正式學過表演，但他從小就會試著用不同的方式處理演出，「換個方式試試看」的念頭可說是他編舞的啟蒙，過程中他也一路自學舞蹈，直到長大才正式進入學校學習。而父母為他培養的看戲興趣，則是他從小就身兼影迷、戲迷，最終更投入劇場工作的重要啟發。 隨著他為電視、劇院和其他舞團的編舞工作變多，表演次數減少，最終他在1986年創立公司開始個人創作。如今64歲的他，依舊充滿熱情地表示，這是他一直以來最喜歡做的事，未曾改變。
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人間父子回到初衷，重溫魔法誕生的那場戲
真：我每次要跟別人談論戲劇的魅力在哪裡，都會從我小時候看戲的經驗講起。記得那是我小學二、三年級的事情吧？我們村子裡拜拜，邀請歌仔戲過來。我一直都記得當時看的是《孫臏鬥龐涓》，裡面有一幕，孫臏被害得斷了腿，那演員以跪坐的姿勢在舞台上，從眼神中你就可以感覺到他的恨，見他開始甩髮，接著用全身的力量、從跪坐之姿高高跳起！哇，當時演員大喊出情緒的畫面，我看到就直接哭了。明明我當時只是小孩子，卻激動成這個樣子！所以後來，我總是會跟很多做戲的人講說，舞台上有時候只要有一個情緒，讓它感染下去，就非常夠了。 謙：好像從很小的時候，你們就會帶著我進劇院了。但其實當時在演什麼，很少真的看得懂。記得有次，你應該是帶我去看表演工作坊的戲吧？我從頭到尾只記得一個橋段有一個精神有些異常的女子，若問她時間，她就會往手腕處用力咬下，咬出一個齒痕，狀似手錶的樣子。這也算是某種「深刻的情緒」嗎？那一幕我的確是到現在都無法忘記。 真：我們第一次帶你看表演，應該是在5、6歲左右，去音樂廳觀賞「維也納少年合唱團」吧？其實是我們夫妻一直很想看戲，算算時間，想說差不多可以訓練你進劇院了吧？記得要去看演出的前幾週，我們就在家慢慢訓練你，提醒你「要在椅子上坐很久喔」、「音樂結束之後要拍手喔」，搞得你最後走進音樂廳，從頭到尾手都放在胸口，好像隨時準備要拍手的樣子。（笑） 謙：這怎麼這麼像我兒子會做的事啊？但其實那些事情我都忘得差不多了，且真的要說第一次「認識」劇場的話，我的經驗可能還是《人間條件一》吧？我記得那也是綠光第一次找你合作，你第一次要寫劇場的作品。就正好，那年3月我得知自己考上戲劇系了，不必再進學校，劇團就讓我進去當排練助理。 坦白說，我當時還沒弄清楚什麼是劇場，內心感受到的興奮，更多是因為終於擺脫學校體制了，可以不用再考試了。算是很後知後覺地才發現，那一次的經驗，其實是我生命中非常重要的一段時光，它讓我明白劇場的魔幻感到底從何而來。 被浪費的時光也彌足珍貴 真：你生命中的第一齣戲
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音樂墜入名為《玫瑰騎士》的情網
由奧地利劇作家霍夫曼斯塔爾（Hofmannsthal）撰寫劇本，德國作曲家理查．史特勞斯（Richard Strauss）譜曲的歌劇《玫瑰騎士》，可說是其藝術成就的絕頂之作。故事內容描繪18世紀的維也納貴族間有個特別的儀式：向心儀對象提親時，要派名為「玫瑰騎士」的使者遞送象徵純潔愛情的銀製玫瑰花作為定情信物。好色的歐克斯子爵，將與新興貴族法尼納年輕的女兒蘇菲結婚，請身為威登堡元帥夫人的表妹瑪莎琳物色玫瑰騎士，夫人推薦年輕貴族歐大維。而當英俊的歐大維見到美麗的蘇菲，劇情有了意外的發展。為了詮釋這部經典作品，NSO音樂總監準．馬寇爾（Jun Mrkl）攜手國內外著名歌手，更特邀於德國、日本都有豐富歌劇指導經驗的太田麻衣子擔任導演，此次以「半舞台形式製作」（Semi-staged）形式呈現，作為NSO 2023╱24樂季壓軸好戲，值得觀眾期待。 Q：太田導演與馬寇爾指揮似乎相識多年，請談談合作的經過？ A：我在德國巴伐利亞國立歌劇院擔任導演助手時，認識了馬寇爾指揮，陸續有過幾次合作。去年在東京演出史特勞斯的歌劇《和平之日》，則是我初次以導演身分與他合作。馬寇爾在音樂上有很高的造詣，也具有深厚的知識，和他一起工作很開心。這次的工作確定後，為了場勘，去年我特地來台聆聽馬寇爾指揮NSO演奏貝多芬《第九號交響曲》音樂會，當時和馬寇爾、樂團、工作人員等，開會討論這次演出的事宜，也勘查了舞台。 Q：您以往是否有過執導《玫瑰騎士》的經驗？ A：這是我第一次執導《玫瑰騎士》。我進入歌劇世界不算早，以前是舞者，偶然機緣下與歌劇相遇。當時周遭每個人都很喜歡《玫瑰騎士》，極為誇讚，但我尚未看過，實在不懂為什麼，心想：「還有其他更優秀的歌劇吧？」可是在初次欣賞《玫瑰騎士》後，「不得了！」我墜入情網。或許是因為一開始不以為然，喜歡上之後，這份喜愛的心反而更強烈。