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戲劇、舞蹈 2026新人新視野從自身經驗出發 探看當下所在的世界
在數位工具快速更迭、進化，且社會結構持續變動的當代，創作者或許正面臨一個根本的大哉問：還有什麼經驗，值得在劇場被訴說？ 國藝會長期推動的「新人新視野」在今年邁入第18屆，被視為表演藝術界重要的人才孵育平台，國藝會新任董事長彭俊亨表示，「這個案子不只是支持創作，我們也重視陪伴的過程，還有場域的對接。」從今年入選的3位創作者翠斯特（孟昀茹）《千面湧現》、陳聖文（omo）《愚歌》與鄭伊涵《三牲有幸》來看，這個支持新秀的計畫也像是一個觀測點，讓人得以窺見新一輩的創作者的創作核心與關懷，與他們所見、所感、所處的當代台灣社會樣貌。
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四界看表演 Stage Viewer居於實，遊於虛
第54屆香港藝術節節目，香港城市當代舞蹈團（CCDC）由藝術總監桑吉加編創的《空間間析》，日前在東九文化中心首演。 桑吉加擅長將城市觀察轉化為舞蹈。2016年首次為CCDC編作的《煙花．冷》，即關注「城市裡的人」，在舞蹈語言中穿插戲劇，以舞台上的3座水泥牆營造人「被城市包圍」的孤獨感（註1）。10年後的《空間間析》，桑吉加從「空間與身體之間的關係」、「它們相互作用所產生的力量」等提問出發，與設計者、舞者共同創作，再度扣問他們所生存的空間。 演出場地東九文化中心才剛開幕（2025），是香港繼西九文化區後，近10年來唯一由香港政府投資建設的劇場，也是第一個致力推動藝術與科技融合的表演旗艦場館。劇場所在地，是老舊的政府出租公共房屋拆遷而來，位置夾在港鐵九龍灣站、淘大花園綜合商場、傳統熟市場和稠密住宅區間的三角地帶。劇場建築設計之初，特別以「一個高滲透度、無縫地接連周邊人流匯點的架空藝術回廊」為概念，通過上下層的天橋連接道、開放型的展廳，讓劇場保有原本場域的流動特性。 僅管《空間間析》在一開始並非為東九量身打造，但東九先進的劇場設備為作品提供了有利的施展條件，作品也呼應著東九對人與空間的關照。《空間間析》透過抽象的肢體語彙及提煉後的劇場元素，以超脫創作者、觀眾的個人經驗，折射出城市的集體潛意識。
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聚光燈下 In the Spotlight 燈光、空間設計與劇場創作者曾睿琁 在光影交疊處，剪裁平等的真實
光，不僅為了服務表演而存在，同時乃平行於創作者的一個角色。 曾睿琁的創作思維，正立基於這樣的概念去發散。作為燈光設計，過去她習慣在暗處凝視，捕捉在光影消長間被忽略的質地。然而，出身自北藝大的實作磨練，到紐約疫情期間的生存自省，再到泰國街頭的文化觀察，曾睿琁的創作路徑始終在處理一個核心命題：平等。 至於，所謂平等，或許可以這麼解釋：一種試圖消解創作者與技術、神聖與庶民、乃至人與機器之間界限的溫柔實踐。
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戲曲 不只是濃縮與再現《金銀天狗》 多面展現拱樂社的傳奇風華
2026臺灣戲曲藝術節以「純棉與混種@繁花世代」為策展主題，策展人紀慧玲借用日治時期台灣新劇中「純棉（純粹）」與「Fiber（混種）」，藉此釐清傳統與創新並非對立，而是一個演進、演化、甚至接枝移植的動態過程。（註1）其中，為能呈現歌仔戲最繁盛內台時期的藝術風華，今年度的旗艦製作特別委託國立臺灣戲曲學院，將1950至1970年代間全台最具規模團隊「拱樂社」的經典連台大戲《金銀天狗》，以上、下兩集的形式重現舞台；同時，也搭配了為期近3個月的「紅蝴蝶追香從內臺到劇場的聲音特展」，藉由影音資料去回溯該段時期商業內台演出的聲景，用不同角度與方法接近當時的劇場風華。 由於拱樂社留下的劇本多為「連台本戲」，也就是接近現今的「連續劇」、「影集」模式，因此與現代劇場多用兩小時左右完成一個故事有明顯差異；因此《金銀天狗》的重現，並無法原封不動地復刻與再現，更考驗團隊的是：如何延續、又如何改變與精簡。
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抵達終點左轉數位幽靈把死亡變成活的
前一篇專欄寫完幾天後，Cookie就離開我了。 嚴格說起來，是我們讓她離開的，希望她能快速脫離病痛不要受苦。有心理準備的道別，最難受的是從決定到執行這段時間。當死亡真的抵達，前後甚至不到3分鐘的兩劑藥物，好像什麼都沒有發生。Cookie的一切只是停住了。 死亡怎麼可以好像什麼都沒有發生呢？ 早些時日，先生跟我說國外一位富商複製了自己的愛犬，然後帶著複製的狗去埋葬原本的狗該怎麼稱呼它才對？本體狗？源犬？供體犬？冷硬的詞彙確實很符合最後被埋葬的意象，但那10幾年極致純粹的回憶經驗又該被安置何處？ 先生問我如果可以，想不想複製一隻Cookie，那時她正衰弱，我考慮了兩秒說不要，因為她是獨一無二的，我必須坦然接受生命的衰亡。Cookie離開後，我常想起這問題，立場竟然有些動搖。就算是Cookie 2.0，我們不也會透過日日相處建立起新一段的經驗過程嗎？有天我突然想到，要是Cookie沒有結紮，生了自己的小孩，此刻我們的悲傷是否能被她的延續悄悄稀釋一點？ 這些想法都是情緒性的。我知道還有更多已經出生等待被愛的小生命，也認同領養的動物被要求結紮的理由。但我容許這些有情緒的「如果」天馬行空，畢竟在世界的很多角落，如果已經成真。 先不談實體複製，AI所創造出的「數位幽靈」就足夠動搖我們既有的感官邊界。台灣最深刻的案例，是藝人包小柏失去22歲愛女之後，投身於創建女兒的AI替身，甚至在2024年成立「愛語包容人工智慧聲影服務股份有限公司」提供相關服務。最近歌手方大同逝世一年後，在YouTube頻道釋出一隻新的MV，有鑒於影像生成的技術確實極速發展，去判斷影片究竟是否為AI製作其實沒什麼意義，對歌迷來說真正重要的，是方大同的身影與聲音是否為科技的再現。 數位幽靈的危險之處，是影響大腦接受死亡的記憶重組過程。上述兩個例子最大的不同是前者為血親，後者為歌迷。親緣是一個相對封閉單向的系統，當人類失去至親，大腦需要重新編碼記憶來適應、接受「對方已不存在」的事實。
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焦點專題 Focus在TIPC遇見來自世界的擊樂力量
當鼓槌敲響重音，2026年的台灣再次激起跨國節奏。朱宗慶打擊樂團第12屆臺灣國際打擊樂節（TIPC）盛大登場，自1993年起來秉持「台灣走出去，世界走進來」的初衷，直到今日，已讓這片土地成為國際擊樂的平台與重鎮。 本專題將帶您走入這場時光紀事：從本屆團隊濃縮為5天密集展演的創舉、直擊10國155位音樂家的多元節目，到回顧當年如何建立無微不至的高接待標準等珍貴過往。 33年過去，這場跌跌撞撞的青春狂想未曾停歇；他們依然用每一記純粹的敲擊，將台灣的溫度深刻進世界的記憶裡。
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焦點專題 Focus匯聚世界力量，共創擊樂奇蹟
光陰淬煉下，朱宗慶打擊樂團在2026年邁入了深具意義的40周年。作為台灣擊樂發展的領航者，樂團不僅在藝術造詣上持續蛻變，更在今年5月，再次為這片土地獻上3年一度的跨國藝術盛宴第12屆臺灣國際打擊樂節（Taiwan International Percussion Convention，TIPC）。這場匯聚全球頂尖音樂家的節慶，不僅是樂團最隆重的文化獻禮，更是展現台灣在世界打擊樂發展重鎮地位的最佳寫照。本屆以「來自世界的力量」為主題，集結了台灣、日本、韓國、印度、美國、希臘、法國／伊朗、古巴、荷蘭等10個國家的155位音樂家齊聚一堂。
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焦點專題 Focus3大系列、9檔節目怎麼挑？第12屆臺灣國際打擊樂節全解析
第12屆臺灣國際打擊樂節（TIPC）精心策劃了9檔兼具深度與廣度的精采節目，總共邀請了11組國內外優秀團隊，其中更有多達8組團隊是首度來台演出。整體內容劃分為「張力無限」、「跨文化視野」與「魅力迸發」3大類型，展現全球擊樂風景的多樣性與潮流魅力。
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焦點專題 Focus擊樂狂想，綺麗酣夢的回首
當藝術總監朱宗慶毅然決然宣告要舉辦第一屆臺灣國際打擊樂節（TIPC）時，那份宏願，徹底翻轉了台灣擊樂的命運。要成就這場盛會，背後仰賴的是全體幕後人員不分晝夜的分工作業，當時辦公室裡無論部門職級全員出動，每個人都被分配了任務，連會計都得親自下場支援。 在這場盛會中，最令人津津樂道的，除了嚴謹的幕後籌備，便是對國際藝術家無微不至的「台灣體驗」。這份傳統，源於當時擊樂文教基金會中一群平均年齡才20多歲的熱血年輕人所創下的經驗。在當年團隊中，擔任宣傳主任的劉家渝，不僅身兼媒體、宣傳、票務與接待等多項任務，為了讓國外團隊留下無可取代的回憶，從藝術家落地台灣下機的那一刻起，她便安排專人全程拍照記錄。無論是緊鑼密鼓的排練、生活起居的點滴，還是充滿台灣味的吃宵夜時光，全都被悉心捕捉入鏡。不僅如此，當這些藝術家回國之前，團隊還會送上這幾天最即時的相片，並將媒體報導輯編成冊寄給他們，將這份感動化作永恆的紀念。 這份超乎預期的用心，深深震撼了國際團隊，在那個還需要用底片洗照片的年代，需要多少個通宵熬夜，才能趕製出熱騰騰的相本，而這套充滿人情味的接待方式，也成為往後歷屆TIPC不可撼動的最高作業標準。那份將心比心、熱情款待的初衷始終如一。從客製化卡片到讓人驚豔的在地水果，種種貼心細節都讓國際團隊感受到身為客人的尊榮。 如今，回眸那段跌跌撞撞卻璀璨無比的來時路，劉家渝的記憶依然鮮明。那不僅是一場盛會的籌備，更是燃燒青春、突破自我局限的奇幻旅程。
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宇航的戲曲手記藝術學習點滴談（二）——您捕捉細節了嗎？
當年跟汪世瑜老師學習《牡丹亭．硬拷》的時節，那段【折桂令】真是載歌載舞細節滿分，學來甚難。有同學問，我們有必要安排這麼多小身段嗎？老師回應這麼一段話：不要認為觀眾沒抓到或者根本沒看懂，我們就可以放棄不做了。我們要爭取把每一個細節展現在觀眾面前，至於觀眾能捕捉領略多少，那是觀眾的功課。
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多倫多四季表演藝術中心接連收到炸彈威脅 取消神韻藝術團多倫多演出
3月29日週日下午一點前，四季表演藝術中心（Four Seasons Centre for the Performing Arts，簡稱FSC）及其營運單位加拿大歌劇團（Canadian Opera Company，簡稱COC）陸續收到以電子郵件發出的炸彈威脅。信中聲稱，若不取消當天神韻藝術團的演出，將引爆已放置於劇院和加拿大國會山莊周邊的多個爆炸裝置。FSC隨即報警，並以安全考量為由，宣布取消當天下午兩點的場次。 該演出為神韻藝術團2026年世界巡演的其中一站，適逢其成立20周年，以「共產主義以前的中國」（China Before Communism）為主題，規劃在全球170個城市演出。自2017年首度以FSC作為多倫多巡演站的場館後，除了疫情期間暫停外，神韻每年春季都會在此演出4到6場、平均約有1萬名觀眾，並邀請國會議員及知名人士觀賞、發表心得。 今年原訂在3月28日至4月5日演出8場次，但第3場演出於3月29日開演前被緊急取消，當時已有不少觀眾抵達現場。即便FSC在週一上午重新對外開放，並表示將對後續演出採取更嚴格的安全措施，但因為陸續收到更多的威脅信件，劇院於週二晚間通知神韻藝術團取消後續的5場演出。
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新銳藝評 Review此致一具沒辦法假裝沒事的身體
《此致 生活》最準確也最動人的地方，在於它沒有把香港放回一個已經定型的歷史框架裡處理，也沒有急著替創傷安排一條清楚的理解路徑。它所選擇的入口更困難，也更接近今日許多人真正承受的狀態，當運動激情散去之後，人如何繼續活著。「生活」在這齣作品裡，從來都不只是表面上平凡的日常動作，生活在這裡是一種長時間與餘震共處的能力，是一副身體被事件穿過之後，仍要勉強維持日常的過程。也因此，《此致 生活》真正處理的，其實是後運動時代的身體政治，當劇烈的歷史時刻已經發生，人會以什麼方式把那段時間繼續帶下去。 許多與香港有關的創作，容易把表現重心放在2019年前後的街頭景觀，放在黑衣、煙霧、奔跑、警棍、口號、衝突與逃竄的可見性。可《此致 生活》讓我覺得珍貴的地方，在於它刻意把視線從那個瞬間往後挪移，挪到新聞鏡頭無法完整容納的位置，挪到流亡之後的茶餐廳、異地房間。這些經驗沒有街頭場面的壯觀，卻更靠近創傷如何真正運作，這使作品很有效地貼近流亡與失所經驗的本質，一個人到達新的地方，表面上已經移動，內心的座標卻還沒有重建完成。於是，所謂「在此地」往往同時伴隨著「仍在他方」的感受。
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關於戲劇的五四三想像練習
美伊戰爭，北韓射了10顆飛彈，假消息滿天飛，X上每一個breaking news下第一個留言都是tag Grok詢問是真是假。 「憤怒誘餌」（Rage bait），牛津大學2025年度關鍵字，指的是故意設計的線上內容，用令人沮喪、挑釁或冒犯的方式，引發觀看者的憤怒或憤慨。這類內容通常是為了增加網路或社群媒體帳號流量而發布。 非常喜愛的兩位導演艾力克斯．嘉蘭（Alex Galand）與亞瑞．亞斯特（Ari Aster）在2024、2025年各推出一部闡述分裂社會的電影《帝國內戰》（Civil War）、《瘋狂小鎮愛丁頓》（Eddington）。 《帝國內戰》中，不同陣營的美國人在州界駐軍，質問來者：「你是哪一邊的美國人?」，而在《瘋狂小鎮愛丁頓》，因疫情陰謀論與黑命貴（BLM）推到極端的身分政治，亞瑞．亞斯特並列正反兩種極端立場的荒唐，最後收在一顆鏡頭：在愛丁頓落成的超級計算基礎設施實在地切中了現代社會的推手。 喜愛的創作者就算身處極端分裂社會，也因焦慮不忍看到一切毀壞，不斷嘗試闡述他們眼前的現實：人們不能任由演算法推播情緒，即便這是個近乎無解的路。 亞瑞．亞斯特認為，網路本身的發展有正面也有負面，但若是網路加上社群，一切就會變得很可怕。他本人會滑社群媒體，但很少發文，瀏覽社群主要是為了觀察當今網路生態有多糟糕。 腦神經科學的核心：「同時放電的神經元會連在一起」（赫布理論），告訴我們大腦的運作跟社群算法一樣，愈關注負面，神經元愈會推播負面想法給你。神經元的機制：顯著性網絡（Salience Network，SN），篩選內外部刺激，比方說在人群中聽到自己名字大腦會啟動，異常會過度放大路人一個眼神或一句話、默認模式網路（Default Mode Network，DMN），在個體休息、回憶時特別活躍，功能異常可能會導致負面思惟反芻。是以正向思考真的有益於大腦，不過神經元連結受損特別嚴重的人，可能得尋求醫學治療。 是以在紛擾中，戲劇訓練出發的想像練習，成了「重新推敲事情來龍去脈，以免落入標籤化善惡二元思考」的方法之一。 最近喜愛馬伯庸小說，他善於將歷史的縫隙套入現代視角、類型思維，知名作品《長安的荔枝》，
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焦點專題 Focus解碼謝克特
出身以色列、長年在倫敦發展的編舞家侯非胥．謝克特（Hofesh Shechter），兼具舞者與音樂創作者的背景，擅長將打擊樂、電子聲響與群體動作緊密結合以低重心、持續震動的身體，與強烈節拍交織，構成一種帶有原始能量與集體感的舞台景觀，在國際舞壇上形塑出辨識度極高的創作語彙。 進入謝克特的作品，我們往往是先被聲響與節奏擊中，才意識到身體正不由自主回應。也因此，本專題除了深入解析謝克特的音樂與身體語彙的深刻關聯，回顧他的成長背景與藝術軌跡，理解音樂訓練、以色列社會經驗與舞團發展如何形塑其創作視野；接著從舞蹈與聲響的關係出發，分析他如何以節奏、噪音與聲響拼貼驅動身體，建立舞蹈與音樂同步生成的創作模式；最後，熱愛看舞的小說家何曼莊則以謝克特的最新作品《潛夢劇場》為例，觀察其劇場語言如何結合夢境敘事、舞台機制與近似Rave的群體能量，形塑一種強調感官參與的觀看經驗。 透過本專題，我們嘗試多面向解碼謝克特舞作中的幾個關鍵：聲音如何成為動作的引擎，群體身體如何在節奏中形成秩序與衝突，以及劇場如何被轉化為一場強烈的身體與感官體驗現場以此為起點，潛入他的劇場夢。
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焦點專題 Focus侯非胥．謝克特的5個不可不知
01 音樂與舞蹈雙棲 二戰後的以色列，為強健國民體魄，便要求所有學生學習以色列民俗舞。1975年出生於以色列的謝克特（Hofesh Shechter）也不例外；6歲開始學鋼琴的他，入學後也開始學習民俗舞，15歲則通過耶路撒冷音樂舞蹈學院的鋼琴演奏考試，卻在進入該學院後選擇轉向芭蕾和現代舞的訓練。他在以色列巴希瓦舞團（Batsheva Dance Company）擔任舞者期間，因台拉維夫繁盛的夜店文化而接觸到爵士鼓，離開舞團後，他便前往巴黎學習打擊樂，甚至曾擔任搖滾樂團鼓手。這段經歷讓謝克特的舞作擁有絕佳的音樂性，他甚至會自己製作演出音樂，並總能將強大的鼓聲和節拍化為肌肉的震顫，創造出如搖滾演唱會般狂熱、原始且撼動感官的劇場經驗。 02 對以色列的複雜感受 在18歲生日那天，謝克特接到了徵兵令。在以色列，每個人都必須服3年兵役，但若已開啟職業生涯的年輕以色列人例如謝克特則可在4週實戰訓練後，以較簡便的方式服役。即便謝克特在白天可以至巴希瓦舞團練舞、只需在夜間從事文書工作，對他而言，軍旅生活仍意味著規訓與壓抑。在接受英國《衛報》訪問時，謝克特曾說：「在我的國家，我們在成長過程中深受自由觀念的薰陶。然而，我突然被投入一個完全反民主的體制，整天奔跑、練習射擊，甚至連什麼時候上廁所都不能自己決定。」（註）個體與集體之間的張力與拉鋸，埋下了他日後在創作上的主命題。在911事件後，中東煙硝四起，以色列戰爭預算更日漸上升，厭惡戰爭的謝克特下定決心前往歐洲，最後落腳對藝術慷慨許多的倫敦，進而開啟了編舞之路。
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焦點專題 Focus聲響如何驅動身體共振？深度解析謝克特的聲響拼貼與身體敘事
提到侯非胥．謝克特（Hofesh Shechter）的舞蹈，腦海中會浮現出什麼畫面呢？是不是震耳欲聾的音樂與那轉化自民間舞蹈的身體動作。在當代眾多知名編舞家裡，謝克特也是極少數能同時自己編舞、自己作曲的舞蹈家。 謝克特獨特的舞蹈動作語彙其實與他深厚的音樂背景有關。1975年出身於以色列耶路撒冷，從小學習鋼琴和打擊樂，也接觸民族舞蹈，以鋼琴演奏入讀耶路撒冷音樂舞蹈學院後開啟正規舞蹈訓練。畢業後進入歐哈德．納哈林（Ohad Naharin）領導的巴希瓦舞團（Batsheva Dance Company），期間接觸到著重探索、開發感官覺察，透過豐富的意象刺激想像力，以訓練身體靈活度和爆發力的Gaga技巧。初到倫敦時期，謝克特曾以鼓手的身分參與樂團演出，樂團解散後，加入以色列編舞家雅絲敏．瓦迪蒙（Jasmin VARDIMON）的舞團擔任舞者，轉往舞蹈發展。這段經歷讓他對身體動能與內在感知之間的關係產生深刻理解。 回顧20世紀西方近現代舞蹈史，音樂與舞蹈被賦予同等分量的作品，大多是編舞家與作曲家的合作，如：新古典芭蕾大師喬治．巴蘭欽（George Balanchine）與作曲家伊果．斯特拉溫斯基（Igor Stravinsky）的現代芭蕾，或是摩斯．康寧漢（Merce Cunningham）與作曲家約翰．凱吉（John Cage）的機遇舞蹈。在編舞音樂分析理論中，舞蹈與音樂因自身元素之間的關聯性，能夠形成多層次的關係，大致可區分為：節奏的、力度的、織體的、結構的、性質的或模擬性的6類，彼此相互構築出動作與聲音的深層連結。因此，音樂與舞蹈的合作關係一般有兩種模式，一是如巴蘭欽提出的「看見音樂」（seeing the music），利用肢體動作反映音樂中的旋律、節奏等形式；二是如康寧漢的實驗，舞蹈與音樂在創作過程中彼此獨立，到演出時才相遇，形成偶然的結構關係。這樣的合作模式依賴雙方在藝術觀點與美學品味具備極大的共識，否則總有一方需要妥協。
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焦點專題 Focus夢、劇場、Rave
紐約林肯中心推出了30歲以下30美元的優惠票價，吸引年輕觀眾入場。我的同事因此第一次走進David H. Koch Theater，舞碼是《天鵝湖》，正統古典芭蕾加上家喻戶曉的童話故事，沒有比這更舒適的入門觀舞體驗了吧，我是這樣想的，結果第2天，我問年輕同事覺得如何？ 「我不知道我去幹嘛的。」 「你不覺得舞者很美、音樂很悅耳嗎？」我問。 「是吧，可是」25歲的同事還是不太滿意。 「不喜歡嗎？」 「可能沒有喜歡到要花錢去看。」 原來有代溝的不是審美觀，而是對消費的清楚認知，年輕朋友視角提醒我：「理解」跟「感受」是兩回事，對我的世代來說，上劇院追求的是一個觀摩學習的機會，如果我看不懂，那我的程度不到，要再多學習，但對Z世代來說，買票換取的是一場體驗，如果感受不到，那就是提供者的不對，下次不來了。表演藝術百分之百貨幣化、消費化的今日，劇場觀眾既不是粉絲也不是評論員，他們都是精打細算的消費者，他們在問：「花了一筆錢與兩個小時，我能得到什麼？」
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澳門兩單位2025年票選劇場作品出線 《你啟照》、《外掛玩家》分占鼇頭
澳門至今仍未有正式年度戲劇獎項，然而評論網站「評地」與社交媒體「Art騷共同體」近年持續舉辦的票選活動，逐漸成為某種「替代性機制」。兩者雖然定位不同，但共構出澳門劇場文化的年度記錄。在「評地」的票選中，石頭公社的《你啟照》獲得最高票（見附表一），成為最受評論人群體關注的作品，而在「Art騷共同體」的票選中，《外掛玩家》則成為最大贏家（見附表二）。 「評地」作者群的票選並非要選出「最好」的作品，而是選出「最值得討論」的作品與現象。《你啟照》兩位演員的真實成長故事編作而成，李啟照與塵雅正兩人本為舊同學，畢業後各自走上不同的人生道路，卻在多年後於劇場重逢。啟照因腦癱而成長於特殊的生命經驗，如今已是父親；塵雅正則持續從事劇場工作，仍然未婚。兩人對性別、婚姻甚至日常生活細節都有截然不同的看法。導演莫倩婷邀請兩人共同創作，將這份差異化以純粹的筆法呈現於舞台上。成為2025年澳門眾多自傳式劇場中最受具代表性的一齣。 幾位「評地」劇評人指出，這個作品打破了劇場處理「共融」議題的慣性，觀眾能平視地感受，而不是刻意去看殘疾人士是否需要掌聲，平常而淡淡哀傷的處理，簡樸、節制，真實地呈現「理解」的渴求與不可能。評論人認為，這部作品展現了石頭公社多年來在共融劇場中的探索與異積。 「Art騷共同體」的「2025我最推薦本地戲劇網上票選」結果，跟「評地」形成鮮明對比。作為一個由觀眾參與的網路投票，其票選結果更接近大眾的喜好。2025年的票選結果中大老鼠兒童戲劇團的《外掛玩家》成為最大贏家，囊括我最推薦劇目第一名、最佳導演、最佳編劇、最佳燈光設計、最佳服裝設計、最佳平面設計等多項獎項。 《外掛玩家》由20位參與「大老鼠」ACT PLUS計畫的兒童及青少年學員共同演出。編劇陳巧蓉創作的故事結合動漫、遊戲與日韓流行文學的元素，捕捉少年人的日常與想像。《外掛玩家》的演員均為兒童及少年，但製作規模卻接近專業舞台演出，並非人人皆可上台，而是經過角色甄選，這也讓作品更具專業水準。 兩個平台的票選結果完全沒有重疊。這種「兩極」現象顯示評論人與一般觀眾之間的關注點存在顯著差距。「評地」的評論人更傾向於探討劇場的實驗性、社會性，以及作品所導引出的文化現象。而「Ar
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戲劇 從味覺記憶出發《南薑．香茅．罌粟花》 溫柔訴說被掩蓋的故事
味蕾，是鄉愁最直覺的載體，承載著離地便難以複製的風土記憶。在《南薑．香茅．罌粟花》中，一碗父親親手熬製的「牛趴脯湯」，成了楊千雅尋根的引信。她從那熟悉卻難以再現的味道出發，逐步揭開父親的過往，也走進一段跨越邊境、追尋生命源頭的自我探尋之旅。
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檳城檳城布袋戲牽手台灣念歌團 《南洋過番歌》唱出先賢來時路
《南洋過番歌》緣起於2024年檳城偶戲節一次跨國合作的折子戲，來自檳城本土的「破浪布袋戲」（Ombak Potehi）與受邀前來的台灣微笑念歌團自此結緣，在半年內發展出完整的劇碼，先後在台中和台北演出，但基於經費問題，一直無法返回本土亮相。經過多次申請撥款後，今年終於獲得資助，如願在4月24至26日登上檳城Komtar的5樓A視聽室，一連3天呈獻馬來西亞全國首演，兩地的操偶師和樂師再次聚首舞台，以布袋戲、念歌和現場音樂演奏的形式，重現華人先賢南下過番的情感與記憶。 19世紀清朝末期以來，中國南部沿海一帶的人民因為生活艱辛，開始出海南下尋求生機，形成一股「下南洋」的熱潮，既是當地人口中的「過番」。雖知前路險象環生，但迫於生活壓力不得不放手一搏，抵達異鄉後面對重重挑戰，諸多事蹟因此流傳成為「過番歌」。