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香港
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香港舞台搭建擬推三級制 諮詢不足引發業界憂慮
兩年前，在香港體育館舉行的Mirror演唱會發生LED螢幕墜落事件，受傷的舞者至今仍然在漫長的康復路上慢慢前行。螢幕墜落事件當時引起業界很多討論，如製作成本如何影響工程質素、外判員工是否有足夠的專業知識、監管的程序如何在安全與創意之間平衡。政府在去年開始就場地和舞台搭建的安全擬定守則，近日就再提出方案，由原來去年建議的、根據舞台的懸掛系統設計、懸空高度和負載分成的四級（由簡單至複雜）規格，改為三級。然而兩次的建議內容，舞台製作業界包括香港戲劇協會和香港舞台技術及設計人員協會都分別提出疑問，並在社群媒體上發布，期望引起關注。
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藝@書《城市如何文化》 誌記香港目前階段性的發展和變化
在反送中運動與世界疫情趨烈的當口，茹國烈（編按）出走香港。他以客觀靈敏的眼光，透過遊歷歐亞主要城市所寫下來的體會與觀察，即是從「世界」的角度來看待「香港」這座城市。他有意無意地，讓自己針對每座城市的寫作，保持著一種理性與平衡的距離；不為批判也不是診斷，更不是莽撞和衝動的推崇，整體而言，本書相當有條理地歸納了這些重要城市的多層次社會發展，並且他以BEAM的「文化光譜」觀點（註），提供他認為當代城市需要這些人類生產的「動能」，作為建構文化事物與生存的基本要件。 作為一本誌記香港階段性發展的「情書」，茹國烈從質性概念出發進而量化的分析，能讓讀者更深入理解香港各區域「地區行政架構」的發展和構成。他採用聯合國教科文組織所提供的「文化專題指標」，對照「文化光譜」的類別，標誌香港各行政區域的「文化密度指標」，以及不同區域之間彼此的差距。例如油尖旺區、中西區與灣仔區，是香港文化密度指標總數最高的3個區。油尖旺區作為都市的中心之一，便與遠離中心的元朗區，分數差距超過10倍。 從規劃都會文化建設的角度來看，這是一本相當具有理念的文化政策建言書。身在台灣，此時讀到本書的「香港篇」，真是混亂時局中最有意義的一件事！然而，香港都會化的本質，除了百多年的殖民地歷史背景，還有特殊的政治性、地理性，甚至冷戰後地緣政治角力下的權力象徵，這讓香港構成的內涵顯得極為複雜。相反地，「文化光譜」折射下所顯示的城市理念，便又是那麼地珍貴且難得。我相信作者試圖提醒我們的是，每座城市均有它特殊的發展體質，或說根據時間和歷史所形成的「文化光譜」，絕非能以一個標準作為普遍性的價值衡量或政策做法。「文化光譜」所強調的都會主體性，不是城市資本主義經濟打造的平等或不平等；作者不強調（或許也不認為）都會文化建設與意識形態和權力介入相關，他循循善誘地說明我們可以從「文化光譜」看到更多具體的城市文化理念，而那正是我們可以努力的方向。 關於西九文化區的經營，本書作者著力甚深，竟選擇在落成完工之後離開，顯然是更珍視自己看待人事物的客觀距離與眼光。他針對戲棚相關的交際社群，有一定的敏感度，所以在建設初期便刻意為戲棚區打造更多可以容納市場交易的空間。這種由上而下的機構空間規劃，值得我們思考
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特別企畫 Feature 亞洲疫後打開新氣象 各大樂團鋪展開闊樂章
歷經了3年多的疫情，音樂家們的行程表不再需要配合隔離時間計算，總算又能恢復高密度的巡演行程，隨著亞洲各大交響樂團2023╱2024年新樂季開啟，音樂家們除了大顯身手，也可從樂季感受古典音樂界的新氣象，疫後的大師們更加卯足全力，新秀也紛紛挑起樂季大梁，節目的型態也更多元，更重視人與人的互動與交流，跨越國界，音樂家們正合力譜寫屬於疫後古典音樂的新樂章。 NHK交響樂團 老大師坐鎮走長遠 在亞洲地區若要能聽見一場老大師、或是現今首屈一指的名家音樂會，日本NHK交響樂團（NHK Symphony Orchestra）會是首選。瑞典指揮家布隆斯泰特（Herbert Blomstedt）自2016年起擔任NHK交響樂團名譽指揮，便以穩健、沉穩的態度，帶樂團走長遠的路，他自己就是新樂季的金字招牌，高齡96歲仍馬不停蹄在世界上指揮音樂會，在NHK交響樂團的新樂季也將指揮6場曲目頗具分量的音樂會，曲目包括編制龐大的布魯克納第5號交響曲。另外，同樣是活力滿點的76歲奧地利鋼琴家布赫賓德，也會在樂季裡一連演出兩場鋼琴協奏曲，包括貝多芬的第1號鋼琴協奏曲和布拉姆斯的第1號鋼琴協奏曲。 特別要提的是，在疫後為了符合觀眾防疫的生活型態，NHK交響樂團的新樂季也可看見多場縮短時間的音樂會，如：日本新生代鋼琴家阪田知樹、指揮家圖岡．索契夫（Tugan Sokhiev）等人的音樂會，演出長度規劃在60到80分鐘，同時沒有中場休息，走精緻迷你路線，一氣呵成，早早聽完可早點回家休息，沒有負擔。 首爾愛樂 新聘總監要走向世界 荷蘭指揮家梵志登才剛在今年6月帶著紐約愛樂來台巡演，加上即將於香港交響樂團完成最後一個樂季（2023╱24）的音樂會演出，台灣觀眾對他並不陌生。首爾愛樂管絃樂團（Seoul Philharmonic Orchestra）之所以聘請他擔任音樂總監（合約自2024年開始），立意明確，希望借重他的國際視野與歐美經驗，將已經有大批觀眾的首爾愛樂，提升為世界級的管絃樂團。 首爾愛樂在2023╱24樂季的曲目規劃，有雅俗共賞之作，也有進階曲目；如近期8月底的音樂會，有十分
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音樂 在香港疫情下對「零」的思考梁基爵《仍…息在零地》 人與機械手臂的數位撞擊
曾與導演蔡明亮合作媒體與裝置音樂作品《一零》的梁基爵，是近年遊走於流行與多媒體舞台藝術創作的香港中生代藝術家，也曾為香港流行歌手陳奕迅、黃耀明、王菲、郭富城、梅豔芳與鄭秀文等作曲與編曲，為香港著名音樂製作公司「人山人海」主要成員。近年也以創新媒體藝術作品，受邀奧地利林茲國際電子藝術節、法國EXIT數位電子藝術節等世界重要電子藝術節演出。 梁基爵的創作核心從聲音藝術出發，集結電子音樂、多媒體與傳統作曲， 加上土生土長的香港基因，因此創作出獨樹一幟、表達當下香港情境的當代藝術作品。他說：「音樂就是時間的藝術，音樂一定要有時間的存在，才會有聲音，這是音樂最特別之處，也是創作的重要素材，我常常從時間尋找創作的靈感。」 疫情之下對「零」的重新思考 一直對科技有高度興趣的梁基爵，繼《鳥語》等作品後、在香港演藝學院發表的《息在零地》，是他對經過核爆之處、斷壁殘垣景象的表達，這就是其所謂的「零地」。2021年疫情爆發後，多年忙碌的他，因為封城、百業幾乎停擺下，忙碌的腳步得已暫歇，於是他添購了工業用的機械手臂，思考如何將其結合創作。梁基開始研究如何運用機器手臂來表達疫情期間的人生百態，因而延伸出《仍息在零地》這齣作品，亦是疫情期間他對「零」的思考。 「讀書、生活我的所有生活日常主要都在香港，作品靈感理所當然也是來自我的生活，雖然有些是來自新的知識與研究，但很多時候都是關於這個地方。」梁基爵說。他在疫情期間，看到香港災情嚴重，因為封城造成人與人之間因恐慌所造成的不安全感，城市也幾乎停擺，似乎是回到「零」的狀態，但他認為從零開始，是個人如何看待「零」這件事，它可以是什麼都沒有，也可以是一點點的曙光，於是他從不同的角度創作了這齣《仍息在零地》。
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特別企畫（二） Feature 超越權宜與臨時的動力和想像
淺談香港線上展演的創作趨勢與現象
自去年初疫情爆發，香港的表演藝術團隊面對無法實體演出的困境，即展開線上展演的嘗試，光線上現場直播或錄播，或利用線上會議平台進行的表演製作接近200個。雖然在政府資源的挹注下，直播技術與網路硬體配套均有成長，但線上展演形式與美學是否有進一步探索？在抱持著權宜與臨時的觀望心態中，表演藝術工作者如何面對這樣的未來，值得持續觀察。
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香港資助削除、演出被取消，香港創作人接連遭受打擊
香港目前的創作環境面對前所未有的挑戰：疫後票房尚未完全恢復，觀眾流失比拓展快，加上經濟低迷讓消費者對支出更謹慎，同時社群媒體讓宣傳訊息片段化，生態變化讓製作困難重重；但對創作者來說，港區國安法實施的影響似乎更為深遠，商業製作雖可能享有較大自由但仍需守法，但對主要依賴政府資助的本地團隊來說，狀況變得相當複雜。 香港戲劇協會（簡稱劇協）主辦的上屆香港舞台劇獎頒獎典禮，是本地已有30年歷史的盛事，近年隨著合作多年的香港電台退出，劇協已面對重要難關，最近更因邀約頒獎的嘉賓（包括著名漫畫家尊子和紀錄片編導蔡玉玲）引起資助活動的香港藝術發展局指控，因「無主動商討下偏離以往做法」、「邀非文藝界人士任頒獎嘉賓」，和舞台設計暗喻紅橋與紅線等原因，活動完成後在未討論下扣減資助，並稱不會資助下屆活動，康文署亦表示將不會出租活動場地。劇協舉行記者會回應，事件亦引起廣泛討論，讓原已波動的創作環境更見嚴寒，本來在能說與不能說之間摸索出路，但路原來比想像中沙石更多。 接著藝團「小伙子理想空間」原訂在兆基創意書院劇場演出的作品，因場地按教育局發出的指引而解除租約，這已是該團第二次被取消演出，據說是有人投訴負責人「言論不當」。作品在上演數天前叫停，損失的不只是已投入的資源與可能收入，也讓人更感創作空間的壓抑。然而壞消息陸續出現，香港演藝學院畢業生製作的義大利劇作家達里歐．弗（Dario Fo）《一個無政府主義者的意外死亡》原定2月中上演，卻突遭校方叫停但並未說明原因，製作團隊在社群媒體上表示「做錯了什麼？」，並相信「一切都會載入史冊」。到底誰怕達里歐．弗？創作者該如何繼續守護這空間，讓創意和想像可繼續發揮？
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香港香港文化博物館可能遭「殺」，表演藝術保育問題引發關注
今年香港政府康樂及文化事務署首辦「香港流行文化節」，當時香港文化博物館與香港電影美術學會聯合策劃和舉行了第一個以香港電影美術及服裝造型為題的展覽「無中生有香港電影美術及服裝造型展」，吸引不少觀眾參與。事實上，香港文化博物館近年有不少與香港文化有關的專題，都為本地和海外觀眾津津樂道，包括以金庸和李小龍為題的常設展，而「絕代芳華．梅艷芳」的展覽亦將舉行。與表演藝術有關的還包括館內常設的大量粵劇藏品；去年亦舉行了「實驗實驗展榮念曾創作50年」，展出榮念曾多年的跨媒體創作。 香港目前尚未有與本地表演有關的專門資料館或博物館，除民間和大學有個別收藏外，政府的博物館中就以香港文化博物館會較具體地進行相關工作。近日香港政府《施政報告》提出有關設立和重組博物館的建議，計畫將現時位於尖東人流廣多、交通便利的科學館，改設成「國家發展成就館」，以與旁邊的歷史博物館互相帶動發展。而科學館將遷至位於新界沙田的文化博物館，文化博物館的藏品則有可能被分散各處。 現在，科學館和文化物博物館的每年入場人數皆名列前茅，但上述改動似乎未經業界諮詢和周詳計畫，消息傳出後，也引起坊間關注文化和表演藝術保育在政府資源外（如民間或商業資源）的不同可能。誠然政府的帶領或資源相對充裕，有利保育工作，但集中歸一也有其危機，即使表演藝術保育發展成熟的歐洲，也曾出現過「殺館」的情況，如在疫情間的2021年，英國著名的維多利亞與艾爾伯特博物館（Victoria and Albert Museum）就提出關閉其劇場與表演部門，並把館藏分散至其他部門，引發當地業界連署聲援。表演藝術長遠的保育策略要深思，為的不只是現在的、更是未來的觀眾。
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特別企畫 Feature多數的小眾
藝文市場本來就小的台灣，在揭開大劇院時代布幕後，市場與觀眾在哪裡的焦慮再一次放大，「放眼亞洲」又成為解套標的。從1990年代的南向、新世紀的新南向及大劇院時代有關亞洲的描繪，「台灣」往往是清晰可辨的核心常可見挖掘台灣文化的獨特性、多元性等起手式的概念，以轉譯成流通其間的精品，甚至還起到政治外交的效應。放眼亞洲，倒不如說是要讓亞洲看見台灣作為重要交流節點。但我們之所以會「南向」，也清楚反映亞洲從來不只是個市場，就像我們對「亞洲」的言說，會提及它是歐洲證成自身文明而創造的他者。 作為西方他者的亞洲，去殖民與反霸權毫無疑慮，只不過當我們的劇場還普遍仰賴國家資助，且由國家藝術機構策動相關計畫，我們還可如何擺脫國家的視角（seeing like a state），認識亞洲？ 「以民眾為名」的亞洲，還有中國 冷戰秩序瓦解後，除了亞洲各國間在政治部分的和解外，經貿往來在全球化大旗下也愈趨緊湊。鮮為台灣劇場圈留意的是，這段約處於1990年前後，以「民眾」為名的亞洲劇場工作者在交流演出與跨國共製上有著頻繁互動。面向亞洲觀眾，他們主要演出新自由主義下的彈性勞動者處境，與強調跳出國家疆界的交流視野。 誠然，此一時期的交流慣於把亞洲與其民眾視為對抗西方的同質體，壓抑彼此之間的社會脈絡差異；雖強調以民眾為名，但仍以各自身處的政體的地緣政治位階定位彼此，例如來自相對發達的香港、台灣與日本戲劇工作者，會被認為理當比來自東南亞、南亞的戲劇工作者負擔更多演出經費，前者有時還會被後者視為帝國的代理人。正是以國家為主體的交流視野，導致彼此合作的困境。也是這樣的經驗，「不想像」或「重新想像」國家，反倒為他們在新世紀的交流，打開了「民眾」與「亞洲」的更多認識空間。 2021年起，為了重省這段經歷留下哪些線索，差事劇團以「亞洲民眾戲劇線上」論壇，找了香港、澳門、東京、北京等地的劇場工作者回顧。一個隱而不顯的課題在於：亞洲「以民眾為名」的劇場實踐，究竟該如何評價中國？ 自戰後就被排除於全球體系之外的中國，1990年代逐漸以世界工廠之姿重返全球舞台。彼時來自香港、台灣與美國這三地
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香港疫情後開展文化交流，明年將首辦「香港演藝博覽」
疫情3年重創各地表演藝術，暫停實體面對面交流所帶來的影響相當長遠，雖然可以透過各式網上平台和資源，在當時繼續讓交流發生，但如大型藝術節等項目也是這兩年才見陸續回復進行，這些能量的恢復如果有助力應該可以更見成效。 香港不少藝術家過去在藝術發展局支持下，參與了如韓國首爾、日本橫濱等大型演藝博覽會，將香港作品輸出海外，同時讓本地製作人和創作人可以與世界各地表演機構和藝術節接軌，創造共製作品的可能性。 在政府推動香港成為中外文化藝術交流中心的政策下，香港將於明年迎來第一個演藝博覽會。這次的「香港演藝博覽」由香港藝術發展局主辦，將於2024年10月14至18日舉行，是疫後針對推動本地演藝長遠和發展的盛事。目前正在進行國際精品演出和項目推介的申請，申請截止日為今年10月底。屆時大部分活動都會在西九文化區進行，演出以外亦有講座、展覽及一系列交流活動，加深海內外業界與跨界別的認識，締造合作和發掘資源的空間。 有一段時間海外作品會視香港作為進入中國內地市場的轉接站，但隨著當地市場開放和場地與藝術節大量的建立，香港這個角色的獨特性必須再找尋出路，並思考如何強化其不能被取代的位置。本地製作人和策劃者與創作者的藝術視野與世界接軌的同時，怎樣在複雜的文化與地緣政治，以至世界風雲劇變的影響下，讓作品既能承載議題並找到有效的演繹方式，才能讓更多的觀眾產生共鳴。誠然演藝博覽這樣的機遇難得，要吸引到世界各地演藝工作者來港已是刺激的挑戰，作品也要預備充分，才不致讓交流的能量散失。
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香港第3屆紀錄劇場節聚焦華文地區，交流連結社會與戲劇
紀錄劇場作為一種結合社會議題和劇場形式的創作策略，近10多年在華文地區有不少實踐，如香港「一條褲製作」就以此為劇團發展方向，每年定期製作不同主題的作品，持續關注探討「真實」在舞台上呈現的可能性，並邀請海外專家來港交流。劇團於2017年及2019年舉辦了兩屆紀錄劇場節，疫情多少影響活動進行的計畫，當世界和社會變化更快追不上任何預期，紀錄劇場的意義就更值得思考。 第3屆紀錄劇場節剛在8月於香港舉行，以「社會的戲劇」為題，聚焦華文地區包括北京、上海、台灣、澳門、新加坡等地紀錄劇場的發展，與會者透過3天的研討會、展演、放映等活動面對面交流。「阮劇團」和「風盒子社區藝術發展協會」分別代表台灣與澳門，展演作品《FW：家的妄想》和《離下班還早車衣記》，前者以劇團發展，交織團員思考離開或留下的詰問，呼應當下離散的議題；後者則以1980年代澳門製衣業工人的勞動生命故事為主題。 研討會部分則有以不同紀錄劇場手段進行創作的藝術家經驗交流。首節先針對「紀錄劇場的定義」進行深入討論，事實上，正因各地劇場語境、文化接收和面對的群眾各異，創作策略的多元拓寬了紀錄劇場的光譜，然而彼此透過劇場讓社會被邊緣化、隱形的聲音得以被聽到，肯定共同的願景。不過，什麼是「真實」及與劇場「虛構」的矛盾，創作時面對的道德問題和立場的拿捏也難以清楚梳理。有與會者提出，如果「真實」無法被呈現，那麼創作者消費了議題和受訪者，又是否真的改變了什麼？而當觀眾抽離地觀看，但真正遭逢問題的人根本難以接近藝術，創作者又能否拉近不同族群的距離？這些都值得繼續思考，特別是當世界愈見紛亂之時。
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香港從上海到香港與世界，潘迪華藏品閃亮展出
南豐紗廠見證香港製衣業的全盛期，近年活化成為文創和保育的地標，加上寵物友善的環境吸引很多年輕人週末前往聚集，也經常有不少策劃獨特的文化活動，最近開幕的「她能在黑夜，給我太陽獻給潘迪華」展覽就是一個很有意思的項目。 在展覽文案中，本名潘宛卿的潘迪華被譽為「一位香港跨領域的文化拓荒者，涉足娛樂、音樂與藝術」，來自上海的她在東西文化的交織下成長，南來香港後，她更進一步邁向世界的平台。精通不同語言的潘迪華遊歷多國演唱，音樂事業在1950至1960年代開始蜚聲國際，且是香港第一位與英國EMI簽約的歌手；其後加入電視和電影界發展。1963年香港大會堂成立一週年，爵士巨星Louis Armstrong來港演唱，她就是當晚的表演嘉賓。 這次展覽的物件和文獻絕大部分來自潘迪華個人珍藏，很多珍貴藏品都保存得很好，光照片就超過萬張，由策展團隊精選不同時期的潘迪華──從兒時到少女，從日常到華麗，從生活到舞台──讓觀眾進一步認識這位劃時代跨領域的文化人物。她特別鍾愛的旗袍和其他時尚服飾亦有不少照片或實物的展示，側見60年時尚潮流的變化，亦見證香港華洋文化交匯的獨特性。其中一個展區聚焦在香港第一齣原創音樂劇《白孃孃》（1972），潘迪華是製作人和表演者。這改編自《白蛇傳》的作品由盧景文執導，顧嘉煇作曲，是當時潘和顧在海外觀賞眾多音樂劇後，期望在香港打造原創音樂劇的重要里程碑。此次展出《白孃孃》創作的文獻、手稿、戲服等等，由潘迪華完好收藏足見此劇對藝術家的重要意義。展場也展示了不少當時的藝評報導，此劇的前衛與實驗性並不受當時的觀眾歡迎，讓製作人損失不少，但卻為香港音樂劇創作帶來開拓性意義，歌曲〈愛你變成害你〉也廣為流傳。
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中國和香港都禁演的《5月35日》舞台劇首次正式登台
國際特赦組織台灣分會與曉劇場合作，由曉劇場導演鍾伯淵執導，挑戰將香港劇作家莊梅岩的作品《5月35日》搬上台灣的舞台演出，6月2日至4日將於萬座曉劇場首演，活動形式為舞台劇演出（粵語場次為讀劇），並在劇後進行與談，活動期間共計6場演出（華語五場、粵語一場），6月2日為貴賓場，6月3日與6月4日則開放民眾報名索票。
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香港重點演出紛上陣，新任總監潘惠森為香港話劇團推出第1個劇季
隨著香港藝術節落幕，陸續有大型表演團體和主辦單位推出重點演藝項目。香港話劇團新任藝術總監潘惠森主導的第1個劇季，以其個人影像作為主視覺，強調其視野與角度如何打造藝術上的不同發展。事實上這劇季有3個劇目都是潘惠森作品，包括重新修訂其早期作品《小島芸香》的《小島．餘香》、新作《親愛的．柳如是》和《從金鐘到莫斯科》，各有特色和時代背景，充分顯示潘惠森的確是目前香港本地擅於架馭古今題材的編劇高手；至於去年因疫情未能上演全部場次的音樂劇《大狀王》將會重演。而人事的新安排中，隨著前任助理藝術總監馮蔚衡離團另覓發展（但她仍擔綱主演劇季新作《醫．道》），劇團晉升現任駐團導演方俊杰、導演／演員劉守正和邱廷輝為助理藝術總監，從1位女導演轉化為清一色男性的藝術團隊，會擦出什麼新火花？值得觀察。 西九則舉行為期4週的首屆大型舞蹈節「自由舞」，以女性舞蹈藝術家為焦點，探討當代社會議題與她們的關注，這些主題在疫情後特別值得探索。其中開幕節目《女俠傳奇》是德國編舞2人組Lisa Rykena和Carolin Jngst的作品，透過顛覆典型漫畫超級英雄形象重新思考性別。在疫情隔離期間的家中引發奇思演化為創作，是Inbal Pinto在《異想客廳》期望帶給觀眾對日常的新想像。而梅卓燕以婚嫁為題的新作《囍紅色的承諾》也是讓舞迷期待的作品。 另一方面，城市當代舞蹈團也推出了新舞季主題「熱身嘛」，讀起來與英文Its Summer呼應，貫徹了藝術總監伍宇烈的玩味特色；中英劇團新劇季則以詩人泰戈爾《飛鳥集》中的名句為題，帶出「生如夏花」的力量，亦是在疫後對生命的反思。
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香港防疫鬆綁後，表演藝術界終於展現新氣象
香港各界飽受3年疫情衝擊和防疫措施之苦，政府硬說疫苗通行證和掃瞄「安心出行」應用程式的重要性，去年底神奇地一朝化解，交流又逐步恢復正常。好消息是劇場觀眾席可以100%開放，也大為減少取消演出的可能。過去3年都未能如常舉行的香港藝術節，本來小心翼翼分階段安排節目宣傳，現在也終於順利迎來海外藝術家來港表演，這對觀眾和藝術節來說真的是兔年最佳禮物。 畢竟防疫措施也剛放寬不久，大型歌劇應該要等明年了，但不少藝術節節目也頗令人期待。如由威廉．肯特里奇執導，里切卡爾古樂團及南非木偶劇團演出的蒙特威爾第《尤利西斯歸鄉記》；探討環境與記憶之改變與消逝的《水之書》是集結多種表演媒介的音樂劇場作品；至於莎劇新玩法的舞蹈劇場《茱麗葉與羅密歐》就撕破了愛情童話，要回歸現實的兩人面對生活的殘酷。 至於本地製作票房秒殺的肯定是《飯戲攻心》舞台版。去年的電影《飯戲攻心》票房異軍突起，圍桌吃飯的日常卻是三兄弟面和心有刺的攻防戰，擔綱改編的陳詠燊是電影版編導，舞台版導演則是去年將莊梅岩新作《我們最快樂》以拆解和後設處理，加上形體探索，讓觀眾眼前一亮的黃龍斌。 當一切復常，是否只是回到常態，或有新的可能？對不少藝術機構來說，去年開始了行政高層大變動，至今年陸續上任，也讓人期待。如曾出任教育機構行政總監的葉思芬接任香港藝術中心總幹事；資深作曲家和音樂策劃龔志成出任西九文化區的當代表演藝術主管；原任香港藝術節發展總監的余潔儀，接任退休的何嘉坤為行政總監；將上任接替陳敢權擔任香港話劇團藝術總監的會是本地著名編劇潘惠森。新年新氣象，期待火花四濺。
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香港香港資深戲劇人古天農辭世
香港劇壇近年痛失不少優秀的劇場工作者，令人深感惋惜。如年輕編劇鍾燕詩、資深配音前輩和演員謝月美、資深製作經理張向明；而6月底中英劇團前任藝術總監古天農先生在睡夢中離世，也令劇場人難過不已。 古天農在中學時已參與話劇創作，是校園中的活躍分子。在「香港戲劇資料庫暨口述歷史計畫」的訪問中，他提及了參與「校協戲劇社」對他在戲劇發展的影響，這也是當年很多香港年輕人追尋劇場夢想的創作和交流空間。在香港尚未有專業化訓練前，這裡可說是醞釀劇場種子的重要場域，包括吸收來自外國當代戲劇文本的養分。 而古天農對戲劇的熱愛，也讓他從業餘轉向專業，在1983年加入香港話劇團成為全職演員，後來他在1980年代末獲亞洲文化協會獎學金赴美國紐約研習，也在當地觀察到當地最前沿的實驗劇場發展，並把這些經驗轉化於香港。他曾任香港話劇團室助理藝術總監，除了是創作人外，也是香港教育和應用劇場重要的推動者之一。 作為中英劇團的首位華人藝術總監，他秉承了劇團在戲劇教育方面的開創性發展。在古天農的追思會上，分享者特別提及香港目前不少活躍的劇團的藝術總監，都出身中英劇團；他們多元的創作身分，多與劇團鼓勵團員創作探索的文化有關。古天農也製作了許多為人津津樂道的作品，觀眾較為熟悉的應該是《我和春天有個約會》及《南海十三郎》等。中英劇團將在香港大會堂舉辦「永遠的新青年」紀念展，回顧古天農的戲劇人生。
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香港香港首個「科藝藝術節」7月登場
觀眾對舞台製作較容易切入的是故事情節，繼而是表演者，主要的討論是針對編導演，然而作品能夠順利呈現，靠得是複雜的集體展現，舞台科技藝術（Technical Arts）的創作和支援者往往隱藏在他們的黑衣後，但沒有了他們在執行上的創造和能耐，又如何成就作品？ 香港舞台技術及設計人員協會在「藝能發展資助計畫」的資助下，將在7月舉行首個以科技藝術（以下簡稱科藝）為策展核心的「科藝藝術節」，以「模稜與並置」為主題延伸多個展演、幕後導覽、演後分享會、講座和工作坊等項目。聯合策展人李浩賢和徐碩朋是資深劇場工作者，前者是製作經理、後者是舞台設計師，但這次他們也給了自己很大的挑戰，就是穿針引線邀約14位來自不同科藝崗位、擁有不同專長，而且成長於不同年代的科藝藝術家，跨出創意的想像，在從未有機會合作的情況下，共同就特定的主題一起進行創作，最後組成6個不同組合創作展演作品，在西九自由空間內演出。 這些作品可能是一組結合舞台機械和化妝造型元素的裝置，亦可能是一次在燈光氛圍下以聲音導航的旅行，或可能是重構設計師過往的燈光設計並以NFT的方式賣出「燈光」，也有用不同物料在舞台上建構城市森林的未來。不同內容的展演其實都是一場藝術家與觀眾的實驗之旅，難得有這樣開放的空間，何不以開放的心進入科藝的新想像？
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香港線上製作阻礙多使得產量大減
經歷了數月第5波疫情的影響，香港的表演藝術界從業人員即便有防疫基金的補助，但演出和活動停擺，加上學校暫停實體授課，後來疫情更加劇、感染人數每日達數萬人，讓眾人都面對比兩年前更複雜的處境。
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香港第5波疫情殺得表演藝術團隊措手不及
香港表演藝術工作者在2020年經歷了超過200天劇場關閉的日子，也嘗試在不同空間發揮劇場的可能性，利用線上資源和平台創造永續空間，亦讓海外交流在段時間維持著一定的發展。2021年香港的疫情受控，團隊和觀眾從演出取消和退票的陰霾下逐步走出，劇場又開始熱鬧起來，即使海外演出因為藝術家必須隔離而大量減少，但本地作品繼續上演，包括因疫情而延期的製作。
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香港研究報告指出觀眾仍愛參與實體活動
疫情爆發初期，各表演場地首當其衝，如何讓演出繼續以不同方式接觸觀眾，是表演藝術界各方探索的實驗。那段時間線上表演藝術節目大量推出，香港也不例外；今年場地陸續鬆綁，觀眾似乎又習慣了戴口罩看演出，進場觀賞演出似有回復「正常」的狀態。
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香港
大館兩演出，舞出城市變遷與歌廳情懷
「大館表演藝術季」向來鼓勵本地藝術家對表演藝術進行「跨度」及「深度」的探索，今年也對此有所延伸；一是梅卓燕自編自演的舞蹈劇場《日記VII．我來給你講個故事》，同一場地進行歌廳式演繹的《撈鬆》亦值得玩味。