Q2：补助再高，终究会有上限。但，这次将用更天马行空的想像：3位非传统戏曲出身的青年剧场创作者，以「经费无上限」作为基础，提出他们各自的歌仔戏创作提案。
近年我参与了两档以「人间到地狱」为题的作品，分别是2021年与景胜戏剧团合作的《摆渡．戏梦》，以及2025年与游戏团合作的采茶戏《阎罗殿AI手册》。这两部作品的角色徘徊在阴阳交界之间。在创作过程中，我面临一个问题——如何在舞台上具象化「地狱」？为什么我们需要具象化「地狱」？
从「还原」到「转化」
我在美术班受过长期的视觉训练，素描、油画与摄影的「写真」逻辑，建立在还原现实的欲望上——把一颗苹果画得像苹果，让观看能够立刻辨识对象。
然而进入剧场后，我被另一种表演逻辑吸引。戏曲演员只需一把马鞭，就能让观众感受到骏马奔驰；演员一转身，便能跨越空间与时间。观众透过身段、节奏与象征去补全真实，这样的「拟态」之美，让我深刻感受到观众的想像力也是创作的一部分。从那时起，我开始思考：舞台的任务不只是还原，而是转化。
选择舞台展演的形式
当预算无上限时，如何选择舞台展演的形式与必要性，反而成为最关键的课题。在资源极度丰盛的情况下，如何仍保有叙事的核心与观看的焦点，是创作者最大的挑战。
我很喜欢英国舞台设计师Leslie Travers的歌剧设计。他擅长放大必要的视觉元素，例如巨大的雕像或手的意象，使舞台设计具象出「命运」，让我们看见一个小人物在无形力量之中挣扎、抵抗的空间。这种以简驭繁的语言，让空间本身就具有叙事功能。
同样地，我也受到罗伯．威尔森（Robert Wilson）《欧兰朵》（Orlando）的启发。他以光、声与动作构筑出延展的诗意节奏，让观众在极简的画面中，专注于表演者的声音与身体。
我也喜欢日本剧团☆新感线的《骷髅城之七人》。那是另一种极致的戏剧能量——歌舞伎的繁华与暴烈，将节奏推向极限。那种「热闹」不只是视觉上的，而是一种生命力的爆发。
我一直喜欢戏曲里的锣鼓与节奏，特别是武打片段。那是一种由表演者的身体与乐师的声音共同创造的张力，既具形式的美感，又蕴含生命的韵律。或许我追寻的，不是「地狱」的具象，而是那股节奏——一种在声段与身段之间流动的能量，让观众在想像与现实之间，感受到生的狂热与死的静止。
这3种力量——构成了我对未来歌仔戏的想像：在极简与繁华之间、在光与呼吸之间，让观众不只是「看戏」，而是进入一场关于声音与身体的感官经验。
