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梁海彬
發表文章 22 篇
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新加坡兩平台推出培育編劇計畫，打造劇場創作未來
野米劇場新設立了「文藝部門」，今年推出一項嶄新平台「New Now」（作者譯：「此時新劇」），旨在培育新劇本創作，為新創作提供演出機會。「此時新劇」公開徵集新劇本，獲選的劇本將受委約在野米劇場內呈現演出。為「此時新劇」打頭陣的是編劇Laura Hayes的新劇本《潛》（Dive），講述情人間的虐待關係，於9月份在野米劇場的小工作室演出。Laura Hayes是資深演員╱劇場人，可見「此時新劇」未必聚焦在年輕編劇，任何對創作劇本有興趣的劇場人皆可參與。 而另一培育年輕編劇的平台，則有「42新劇中心」（Centre 42）的Playwrights Professional Development Residency（編劇專業發展駐留計畫），此計畫於2022年開始，今年邁入了第二階段。這項計畫的基本理念是培育編劇，而非僅僅培育一個新作品或一次新創作。在駐留期間，編劇們都必須定期聚集、討論、創作、反思，引領他們建立自己的觀點，挑戰並發展自己的能力。今年9月，參與第二階段的新編劇們進行了他們的第一輪對外演讀，主題是「打破事物」：如何「打破」舊習慣、打破對寫作的恐懼、打破固有的劇本創作形式，探索新領域。
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新加坡劇場呈現LGBT+議題，引領觀眾思考弱勢族群處境
配合「同志驕傲月」，野米劇場於6月份呈現原創劇《TRANS：MISSION》。這是新加坡首部由跨性別人士以集體創作的方式編寫並演出的紀錄劇場。《TRANS：MISSION》先是於今年1月份在新加坡歌德學院的「136 GOETHE LAB」實驗平台呈現，野米劇場的常駐編劇亞非言（Alfian Saat）擔任該劇的劇場構作，由年輕的跨性別劇場工作者Medli Dorothea Loo 自編自導，透過不同世代的跨性別人士的口述記錄，探討他們在新加坡生活所面臨的種種挑戰。 《TRANS：MISSION》的緣起與一起社會事件有關。2021年1月，一位跨性別高中生在網上指責學校干預她的荷爾蒙治療；教育部則在聲明中否認一切指控，這起事件引發了公眾議論。5位男女於是在教育部外舉標語牌，希望教育部長能讓LGBT+（同性戀、雙性戀、跨性別者）學生在安全及受支持的環境下學習，並呼籲公眾終止對LGBT+群體的歧視。在新加坡，和平抗議被視為違法行為，於是其中3人因為繼續留下舉標語牌而被警方拘捕。 也是在6月，新加坡國際藝術節委約呈現原創劇《The Prose and the Passion》。編劇哈里斯．沙瑪與導演張子健根據20世紀英國作家愛德華．摩根．福斯特（Edward Morgan Forster）的作品與愛情史為創作起點，探討LGBT+議題，談及新加坡首位進行性別肯定手術的跨性別者。故事圍繞一個文思不暢的作家如何開啟想像與E.M.福斯特展開一場跨世代、跨種族的對話，由此探討愛與文學的真諦。
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新加坡各大藝術節5月啟動 跨領域╱跨媒介作品繽紛上陣
今年各大藝術節如期進行，濱海藝術中心的「另藝派」（Flipside）於5月31日至6月9日進行，一如往年，為觀眾呈現雜技、偶劇、喜劇、肢體表演，有的藉此探討人與自然的關係，有的進行關於人與科技的狂想。 今年「另藝派」以物件劇場居多：來自泰國的《Ta Lent Show》以家居物件進行即興表演；來自法國的《Stars in Our Eyes》以日常物件進行兩齣短劇，激發觀眾的想像力，引領觀眾一下遨遊宇宙、一下進入機器服務人類的未來世界。物件劇場使得人與物之間的界線模糊，讓藝術者與觀眾得以「跨越」，發現表演的更多可能性。「跨越」讓想像力得以馳騁，對生活更加敏銳。 「新加坡國際藝術節」（Singapore International Festival of Arts，SIFA）也於5月17日至6月2日上演，今年的主題是「他們宣稱」，邀請觀眾為所有與自己抱持不同信仰與理念的群體敞開心房。與往年不同，今年的藝術節多了「Little SIFA」，即為適合親子共賞的戲劇節目，包括偶劇、戶外演出、製偶工作坊。另外，今年也增設了「明天、明天」系列，邀請新加坡各劇團呈現小品演出（work-in-progress）。
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焦點專題（三） Focus
疫後新常態，探索劇場新形式？（一）
在歷經封城、解封的反覆歷程下，向來以現場性為主要特色的劇場演出，也必須在限制下殺出血路，於是無接觸的線上展演，也成為劇場創作者不能不思考的選項。文化部在日前推出「藝FUN線上舞臺計畫」，透過示範演出及公開徵件，推動售票型的線上演出，期盼在疫情時期與藝文團隊共同發展多元展演模式，也鼓勵創作者思考線上展演的創作可能。而在其他國家，又是如何透過資源挹注協助劇場工作者發展線上展演呢？讓我們透過海外作者，來分享第一線的觀察
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特別企畫（二） Feature
疫情起伏之間 各國劇場如何「開門」？（三）
本專題在策劃之初，台灣本土疫情突然爆發，劇場再度關門，彼時歐美正逐步解封，劇場也陸續開門營運，未料疫情一波未平一波又起，現在各國疫情又因Delta病毒再度升溫，劇場的重啟再添變數就讓我們邀請旅居各國的藝文╱劇場工作者，為讀者提供第一線的觀察，看看各地劇場如何面對這樣起伏變動、滾動調整
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新加坡劇團更名事件引發新加坡劇場人身分思考
去年慶祝創團30周年的「新加坡專業劇團」（Singapore Repertory Theatre，SRT），今年2月宣布更換劇團名字，成為「Singapore Theatre Company」（新加坡劇團），引起了新加坡藝術工作者們的熱烈討論。 所謂的Repertory theatre，是指有著固定演員班底，呈現固定劇目的劇團。SRT沒有全職演員，也沒有長期重複呈現固定劇目，其藝術總監Gaurav Kripalani因此認為SRT名不符實，在向國家藝術理事會提出申請以後，成功把SRT的「Repertory」一詞取出。 然而，劇團從此被稱為「新加坡劇團」（以下簡稱STC），卻引發更多疑問。實踐劇場藝術總監郭踐紅表示，STC雖然未必有「代表新加坡劇場」的意圖，但如此更名，很難不令人如此解讀；同時，新加坡劇場的多元化，並不是任何一個劇團可以獨自擔當的，新加坡劇場應該是所有新加坡藝術工作者們共同擁有的身分。 年輕劇場編劇A Yagnya也發聲，她認為STC雖然扶持了許多劇場工作者，但是該團鮮少製作與本地課題相關的劇目、呈現的劇目也多以外國名劇為主、並聘請國外導演導戲、邀請沒有新加坡口音的演員參演她表示，若該STC自稱是「新加坡劇場」的代表，那麼他們是否也成了新加坡劇場的權威？其他不符合該團標準的藝術團體，是否就不是「新加坡劇場」？ Kripalani目前表示會繼續保留新名字，並且也確認不會自居是新加坡劇場的代表。這次的更名事件讓新加坡劇場工作者們討論「身分」的問題，思考「何謂新加坡劇場」，相信在未來的日子裡，我們將會有更多關於「新加坡劇場」的思考和慎思。
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新加坡養成未來劇場人，多個團隊創建培育平台
2023年底，各個劇團為年輕人打造的培育與表演平台紛紛推出展演與活動。彭魔劇團旗下的青年支部「Very Youthful Company」（簡稱VYC）於12月公演，呈現美國劇作家懷爾德經典《我們的小鎮》。成立於2021年的VYC是專為14到19歲的青年人提供演出的平台，學員通過面試後，在9月至11月間每週六一起進行訓練，並在演出前兩週每天密集排練。而學員不僅接受表演訓練，也必須學習、參與演出的各項環節，如擔任舞台監督、舞台製作、服裝設計、演出宣傳等。 12月份，必要劇場也為新晉演員與編劇呈現原創作品。必要劇場多年來以其獨特的集體創作手法進行創作，也致力於為新加坡劇場培養導演、編劇、演員。2022年，必要劇場推出了「Devising with Actors and Playwrights」（簡稱DAP）平台，用5個月的時間為新晉創作者進行培訓。如今DAP步入第2年，從5月至12月，必要劇場為20位參與者（編劇與演員）提供訓練，最後讓他們呈現5部新作品，並安排演後交流，讓創作者為其創作收取建議，以供將來繼續發展其作品。 戲劇盒也以不同的方式培育年輕劇場人。11月底戲劇盒進行了5天的「露營」：Camp-O，這是戲劇盒青年發展計畫的活動，邀請了業界人士（舞者、演員、音樂人、製片人）以導師身分帶領15歲至20歲的年輕人，透過藝術，打造可供青年們分享、交流、學習、發揮創意的安全空間。 各個劇團分別以不同方式培育年輕劇場人，可謂百花齊放。一個蓬勃的劇場生態不應只有靠學院訓練，不同理念的劇團以其不同的藝術理念為年輕人進行藝術訓練，絕對是好現象。
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新加坡面對艱困時代，兩現代舞團或停歇或自省存在意義
8月份，新加坡新典現代舞團（Frontier Danceland）呈現了告別之作《Milieu2023》，藝術總監劉美玉表示，舞團將繼續以「另一種步伐重新出發」。 由新加坡文化獎得主劉美玉與丈夫陳春寶一起創辦的新典現代舞團成立於1991年，在2011年轉型為專業舞蹈團。舞團曾參與許多國際舞蹈節，劉美玉也會邀請海外藝術家到新加坡進行跨國合作，曾受邀的編舞家有馬來西亞的朱智寬、駱素琴、台灣的王雲幼教授等。 新典現代舞團並不拘泥於單一舞蹈風格，他們1993年的作品《Crossover》就融合了華族、馬來族、印度族的舞蹈風格，搭配西方音樂與亞洲音樂演出。除了文化交融的嘗試，舞團也會對社會課題進行創作：2007年的舞劇《Something Wrong》就從美國911事件和伊拉克戰爭進行人性的反思。 新典現代舞團的結束，是新加坡舞蹈界的一個世代的終結。同樣在今年，「人．舞團」則慶祝創團15周年，以「15年來，我們為何在此？」作為周年慶主題，探討舞團在新加坡社會的存在意義。9月份，舞團舉辦了放映會，為2021年創作的數位作品《盤》添加新鏡頭，成了《盤：我們為何在此？》特別剪輯版。另外，其二團每年一次的展演「liTHE」，多年來為新銳編舞家提供平台，明年起則將轉為兩年一次來展現年輕舞者。年底，舞團將呈現新作《尋藍》，在戶外演出，以類似徒步導覽的形式，嘗試探索人與自然、人與人之間的關係。 在世界各地，維持現代舞舞團依然是吃力的事。新典現代舞團在創立32年後決定以新形勢邁向未來，人．舞團則在團慶之時進行內省⋯⋯對當代舞蹈團及所有當代舞蹈愛好者們而言，自省與創新是他們時刻都在進行的事；而也許在最困難的時代，也是最需要現代舞的時代。
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新加坡必要劇場與實踐劇場推出舊作重演
戲劇反映社會，倘若戲劇作品能夠擁有持久的生命力，則顯示該劇能夠與不同時代的觀眾對話、引起共鳴。近期必要劇場與實踐劇場都推出了舊作的重演。 必要劇場的《Three Years In The Life And Death Of Land》於1994年首演，近30年以後，編劇哈里斯．沙瑪（Haresh Sharma）除了為劇本更新內容，這次也親自指導這部劇。儘管當時的社會狀態與現在截然不同，劇作內容在今日依然具有現實意義。 哈里斯．沙瑪先也前在今年2月重演了20年前的《Old Gaze》。必要劇場的舊作不僅經得起時間考驗，還能與時並進獲得重演的機會，在資源有限的藝術環境中，這樣的契機無論對藝術工作者或觀眾而言都非常難能可貴。 實踐劇場則在今年三度重演《四馬路》，以流動式演出的劇場形式（觀眾在劇團內外穿梭10個地點看戲），探索滑鐵盧街150年的歷史。這齣戲於2018年首演，之後在2020年演出時卻因疫情影響，僅演1場就被迫取消。今年重演，卻在距公演倒數10天的7月24日凌晨發生火災，所幸無人受傷。由於劇場大門是防火門，火災只發生在一樓儲藏室，整棟大樓建築得以保存。儘管劇團人員隔天一早第一時間進行清理工作，但牆壁被濃煙燻黑，需要動員專業人員清理，《四馬路》的舞台布景、道具與服裝也遭毀損，影響了劇組的排練進度。不少觀眾和支持者在獲知消息後，也在第一時間表示關切，並且捐贈金錢與物資給劇團。《四馬路》終於在8月4日順利開演，並按原訂計畫演出至9月3日。 觀眾是演出重要的一環，重演作品的意義因人而異，無論是保留原版或另有創新，好的作品總能讓觀眾在一次一次觀看後，擁有不同的感知和感受。
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新加坡跨藝術媒介演出頻仍，打開包容的視野
5月至6月，新加坡國際藝術節（SIFA）再次登場，藝術節總監Natalie Hennedige負責2022年至2024年3屆藝術節，這為期3年的主題為「表演的解剖學」，今年的副標題為「Some People」（一些人），推出了4部委約新作品，以及11個國際演出。 有趣的是，一些劇評質疑今年的藝術節作品是否過於「高檔」，另外也有劇評提出這屆藝術節的作品是否「過分自省╱自我中心」。有不同觀點與評論總是好事，本地報章也特別做了一篇訪問，專訪第一次參與藝術節的觀眾，觀眾年齡從13歲至72歲，對於許多跨藝術媒介的作品，都顯得很包容、很好奇。參與藝術，無須勇氣，只求包容、好奇的心。 另外，新加坡華族文化中心一年一度的「華彩2023」也在5月至6月間展開，其中除了舞台劇表演，也有舞蹈、音樂會、特展和電視節。今年的主題為「華麗重現，代代精彩」，著重跨界合作的作品，例如南華潮劇社（推廣潮劇的社團）首次嘗試創作現代音樂劇《戲誰先說》；鼎藝團的《繡藝．留香》結合華樂室內樂與新加坡正在消逝中的手工藝（刺繡及大柱香製作）；䪭樂房的《今後》結合阮演奏和婆羅多舞，呈現原創音樂劇。而本地劇團TOY肥料廠的原創劇《告訴陽光》，則講述本地南洋大學60年代的詩樂歷史，也是首次呈現南大詩樂的舞台劇，意義非凡。 自2021年以來，新加坡華族文化中心的「華彩」系列向來為觀眾帶來跨藝術媒介的演出作品，雖然以推廣華語為主，卻常常能看到華語、英語和各種方言的身影，在愈來愈少年輕人使用華語的新加坡語境下，「華彩」何嘗不是一道勇敢美麗的風景。
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新加坡濱海藝術中心培育新創，酷兒製作為弱勢療傷
濱海藝術中心今年落實了3項嶄新培育計畫，分別是「華藝醞釀場」、「PLAYlab」、「TRIP」，為本地藝術工作者提供資源進行實驗與創作。 「華藝醞釀場」邀請兩位經驗豐富的劇場人分別進行創作。他們利用中心的排練及演出場地，在今年2月各自邀請觀眾觀賞他們的「過程展現」，並交流反饋。「PLAYlab」則公開邀請藝術工作者為兒童觀眾創作戲劇表演，今年3月，獲選的5組藝術工作者們在中心提供的表演場地裡呈現演出。演出之後，所有創作者也與藝術中心進行了匯報和反饋。「TRIP」是培育新晉導演的平台，通過公開招募的方式，選出兩名年輕導演，讓她們在藝術中心旗下的常年節目系列「The Studios」中執導創作。「TRIP」為期兩年，新導演有機會向3位資深導演定期進行諮詢會學習，今年4月份，她們都各自呈現了執導作品。 另一方面，自今年初，本地劇場陸續呈現了3部探討酷兒議題的演出。1月份於M1藝穗節呈現的《Never The Bride》探索新加坡男同志婚姻的各種可能性；戲劇盒於3月份呈現《色染雲朵時》，這部引錄劇場（verbatim theatre）（編按）作品探討年長酷兒群體所面對的創傷與困境。必要劇場也在3月份呈現《Old Gaze》，這是該團酷兒系列三部曲的最終版，劇團以荒誕喜劇形式探索年長酷兒在新世代所面對的掙扎。自去年新加坡廢除377A條文，男性之間的性行為不再被視為刑事罪行以後，藝術工作者們不約而同地在創作中回應這項決定，劇場向來是反映現實、提高社會意識的空間，更是為弱勢群體展開癒合過程的寶貴平台。 編按：紀錄劇場的一種，源起於英國，相較於發展較早的德國紀錄劇場，引錄劇場更著重口述語言的特性，劇中的一字一句，甚至語氣及停頓均來自錄音訪問。
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新加坡多個實驗性創作平台激盪繽紛創意
今年初，「新加坡藝術週」以實體和線上形式登場，以「戲耍」為主題，從1月6日至15日一連10天，在全島推出超過130項藝術活動和展覽。值得一提的是作為藝術週節目之一的「島：時基藝術節」（Islands - Time-based Art Festival），其名稱取自於「沒有人是一座孤島」之意，試圖為各種藝術媒介之間搭橋，讓來自不同領域的藝術家們進行交流。 「島」由藝術工作者林凱烈與謝燕芳聯合發起，為藝術工作者們提供非正規、實驗性的藝術表演平台。今年，「島」邀請了19名藝術工作者，以「及時」為主題，一起探討，面對各種危機與災難時，人類如何處理自身與「時間」的關係。參與的藝術工作者呈現行為藝術、聲音藝術、即興表演、集體創作、舞蹈等；除了演出，藝術工作者們也進行講座、為公眾進行藝術工作坊。對喜歡肢體藝術、實驗性音樂、非傳統藝術創作的觀眾來說，這是新加坡難得一見的實驗空間，也是獨立藝術家向來少見可貴的創作平台。 同樣為多元藝術創作提供平台的「M1新加坡藝穗節」，今年一改以往增設主題的方式，首次以無主題、開放式的形式邀請藝術工作者們思考：「你們關心什麼？」，讓這次的藝穗節百花齊放。今年的「華藝節」也已全面實體進行，邀請了台灣的果陀劇場、驫舞劇場、雲門舞集、拾念劇集前來演出。除了大型演出，華藝節也推出「華藝醖釀廠」這個培育創作的計畫，讓獨立藝術家在華藝節的支持下進行具實驗性的藝術創作。 今年，觀眾有機會浸濡在一系列的實驗藝術作品裡，藝術工作者們則有機會在多元的、跨領域的藝術平台上進行實驗性創作，這絕對是讓人鼓舞的現象。
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新加坡「戲劇盒」創辦人郭慶亮獲頒新加坡文化獎
2022年12月，資深導演、編劇、戲劇顧問郭慶亮（註）與印度舞團總監阿拉文斯．庫馬拉薩米（Aravinth Kumarasamy）同獲新加坡文化獎。 郭慶亮是「戲劇盒」的創辦人，該劇團自1990年便以關注社會議題為戲劇創作的重心，旨在為弱勢群體發聲。他踏足劇場，關心民眾，並踏入政壇（於2016年至2018年期間擔任代表藝術界的官委議員）。郭慶亮在2022年卸下戲劇盒聯合藝術總監及戲劇盒董事成員之職，以藝術工作者的身分繼續創作。 郭慶亮也是新加坡論壇劇場的重要推手。自2000年起，他與劇團不斷與社群實驗論壇劇場的各種可能，成功讓論壇劇場在新加坡「解禁」。郭慶亮亦積極與外地接軌，例如與香港的莫昭如、廣州的木棉劇團進行交流，也曾應台灣應用劇場發展中心的邀請，在牯嶺街小劇場推出論壇劇場《小地寶》及《一僱二主》（2011）。 郭慶亮的社區藝術創作橫跨多領域，例如關注環保議題的《補天計畫》（2008、2009、2012）、《兩面之間》（自2013年至2022年）。尤其《兩面之間》探討的生死課題，是郭慶亮長年的嘗試與實踐，在2021至2022年，郭慶亮甚至把觸角伸到馬來族群，在馬來文化圈內探討這個禁忌課題。近年來，他的作品也關懷人與自然的共生共存關係，例如《在不久的將來》和《ubin》。 這些年來，郭慶亮和戲劇盒從「人與體制」的探索，到跨媒介的藝術表現形式、到跨國交流、乃至跨文化，慢慢走向思考人與自然的關係。郭慶亮以思想家的身分，透過藝術表達手法去關懷人性，從未忘初衷，以戲劇界巨人姿態，默默進行「育人」、「育仁」的工作。 註：郭慶亮介紹請參https://fb.watch/hnQxwGpkqn/。
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新加坡中型劇院「新電信水濱劇院」建成啟用
新加坡濱海藝術中心的新劇院「新電信水濱劇院」原本預計在2021年建成啟用，藝術工作者們引頸翹望，今年終於盼到了劇院的落成。 新劇院於10月13日正式開幕，是新加坡第一個多形式的中型劇院。4層樓的劇院空間可以容納700名觀眾，觀眾席的配置也可靈活改成容納400至600位觀眾。新加坡目前雖有兩所中型劇場，但演出場地供不應求，因此「水濱劇院」的建成，正好可以改善演出場地不足的情況。 早在1979年，時任副總理的王鼎昌先生（也是後來的新加坡首位民選總統）建議設立文化藝術中心，但直到2002年，濱海藝術中心才建成啟用。在1994年，由於工程浩大，資金昂貴，當局宣布濱海藝術中心必須分兩個階段進行，於是先建了大型音樂廳與劇院，以及小型的吟誦工作室與劇院工作室。當時，作為第二階段工程計畫的中型劇院，只好被無限期擱置。如今，水濱劇院在濱海藝術中心20周年慶開幕，這項歷時40餘年的藝術願景，終於落實了。 在開放給一般觀眾之前，水濱劇院於9月7日組織了一場特別演出，邀請特別嘉賓們前來先睹為快他們便是參與修建的建築工人、保安、清潔人員、技術團隊人員等。在10月至12月期間，水濱劇院為大眾呈現5部委約作品，包括郭瑞文和「人．舞團」的舞作《無限的接近》、鋼琴家陳靈的《龍女不哭》、戲劇人張子健對《摩訶婆羅多》重新構想呈現的《分離的王國》，以及音樂製作人沙富安打造的視聽體驗作品《RATA: new grounds, new sounds》。
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新加坡多元戲劇內容刺激觀眾獨立思考
2022年下半年，新加坡劇場保持活躍，以英語劇居多，題材與種類紛呈，為觀眾呈現多樣的戲劇演出。 7月至9月間，TOY肥料廠與新加坡專業劇場分別呈現了獨角戲《柯玉芝》和《光耀建國路》。前者講述新加坡建國總理夫人柯玉芝的人生故事，後者則是於2015年首演，聚焦在李光耀政治生涯初期的歷史故事，如今是二次上演。事有湊巧，兩部戲剛好在同一年上演，觀眾也有機會從不同角度回顧新加坡歷史。 也是湊巧，十指幫與戲劇盒分別呈現了與青少年議題相關的演出《少年Jun與八爪魚》*與《集會》*。十指幫的《少》劇改編自同名繪本，以偶戲呈現，邀請學生們思考兒童性侵害的艱難課題。戲劇盒的《集會》是原創劇，以沉浸式劇場的形式，邀請學生們在劇場內自由跟隨劇中人物反思霸凌與自殺課題。8月，必要劇場呈現《戲子．瘋子》*，探討劇場演員的心理健康；年輕藝術組織「所謂工作室」則透過8部原創短劇，探索與心理健康相關的故事。 8月至9月期間，野米劇場呈現《動物農莊》與原創劇《蒲羅中》*。世界各地戰亂紛爭升溫，劇團再度把《動物農莊》搬上舞台，透過喬治．歐威爾的經典作品，探討革命、霸權和政治的本質。《蒲羅中》追溯還未被殖民者開發的蒲羅中（蒲羅中即新加坡最古老的名字），藉由與植物學家、動物學家、歷史學家、活動分子等相關人士進行的訪問，探索全球暖化的議題，刺激觀眾思考地球的未來。 世界動盪，新加坡劇場繼續為觀眾開啟獨立思考的珍貴空間。 註：*作品為英語劇，劇名由筆者自行翻譯成中文。
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新加坡「跨界」掀起疫後藝術大潮
新加坡疫情暫緩，「新加坡國際藝術節」也華麗歸來，今年新任總監Natalie Hennedige以「表演的解剖學儀式」為藝術節的主題，探討表演的儀式感。 今年藝術節強調跨表演媒介、跨藝術領域的創作，在跨界合作中進行融合、碰撞與創新的藝術實驗。例如《Ceremonial Enactments》是由MAX.TAN（服裝設計時尚表演）、Nadi Singapura（馬來打擊樂隊）和Bhaskars Arts Academy（傳統印度舞蹈）綜合而成的演出；《project SALOME》由導演王景生重新解構王爾德的名劇，並以社交媒體、紀錄片形式，探索女性與權力的課題。回想2020年藝術節被迫取消、2021年部分演出臨時被取消的窘境，今年藝術節的盛況簡直不可同日而語。 新加坡藝術家也有機會進行跨國合作。由市區重建局主辦、星展銀行呈獻的「照亮新加坡」（i Light Singapore），以「火花之光」的主題圍繞環保課題，由來自14個不同國家的藝術家參與；其中《塑料鯨魚》、互動投影裝置《單獨一起》等作品，則是由新加坡和其他國家的藝術家聯手創作的作品。 新加坡華族文化中心一年一度的藝術盛會「華彩」，今年主題乾脆就圍繞著「跨界」，呈現14部數碼和現場演出：有融合華族舞和印度舞元素的《化蝶》、以講座音樂會的形式重塑傳統的《承古揚新》兩年的封鎖和隔離，讓藝術界「報復性」似地以「跨界」進行藝術實驗，在連結中探索人性，甚是可貴。
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新加坡藝術工作者積極進行各類跨界嘗試
新加坡國家藝術理事會去年推出了「自僱人士津貼」，為藝術工作者製造藝術創作的契機，催生了各類的藝術作品，既有線上呈現，也有實體表演。所有獲得補助的作品在今年3月底呈現，線上數位作品以音樂表演居多，戲劇演出則多以實體演出進行，例如單人劇《餐飲外送》（Order On The Go）刻畫外送員的苦樂心酸，便是邀請觀眾到街上隨著戲劇主角穿街走巷。
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新加坡表演團隊「與病毒共存」展開新嘗試
歷經艱辛，新加坡終於邁入「與病毒共存」期，從近期的多樣活動也可看到表演團隊重新拾回創意與活力，展開全新嘗試。
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新加坡原創劇浪潮將延燒至2022
野米劇場在2021年底順利呈現了一年一度的聖誕童話劇《桃太郎與超厲害巨桃》，為了防疫，劇組並沒有如往年那樣，邀請兒童演員一起上台參與演出，但觀眾有機會帶著孩子們到劇院看戲，也讓人欣慰。
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新加坡
新常態下，新劇綻放
新加坡近期放寬防疫規範，實施與新冠病毒共存的措施。劇場重啟，不少作品都是原創劇。據約略統計，9月以來，16部上演的戲中就有8部是新作。