詹姆斯．吉魯東（James Giroudon）自一九八二年與皮耶-亞蘭．傑夫荷努（Pierre-Alain Jaffrennou）創立法國里昂國立音樂創作中心（GRAME）。擔任中心主任至今三十餘年，持續地以鼓勵創意、促進創作、保障發行、促進科技和音樂研究發展與搭起創作和群眾之間的橋梁為使命。他不僅是作曲家，也是音樂節及音樂裝置藝術等活動的策展人。
吉魯東與所領導的團隊近年來與台灣的接觸頻繁，近期更帶來「形、音、異：法國里昂國立音樂創作中心聲音裝置展」在台北市立美術館展出。本刊藉由此次越洋專訪，讓這位音樂創作中心的主持人與我們分享音樂創作中心概況、北美館展覽的宗旨，與多年來對現代音樂與創作所抱持的觀點。
Q：您是里昂國立音樂創作中心的創辦人之一，請您談一下當初創立此中心的動機與使命。
A：我和作曲家兼研究人員皮耶-亞蘭．傑夫荷努，於一九八二年共同創立了里昂國立音樂創作中心，我們希望透過這個中心，協助作曲家運用最新科技，從事創作。同時，也期盼作曲家能與來自不同領域的藝術家攜手合作，更有要領地使用最新科技，而這些技術自一九八○年代起，有了日新月異的發展。亞蘭和我，我們一致認為，音樂的創作勢必需要適當的組織作為後盾，這個組織不但能供應硬體設備，更能提供知識與專業能力等軟體資源，以期為音樂創作開闢新途徑。
Q：貴中心具有哪些特色？
A：首先就內容而言，在法國音樂史上，「具象音樂」或「電子原聲音樂」（electroacoustic Music）流派佔有很重要的地位，它誕生於一九四八至一九五○年，代表音樂家有皮耶．雪費爾（Pierre Schaeffer）。此流派發展了別樹一格的音樂創作方式，特別喜歡運用「原聲素材」（acoustic materials）或「具象素材」：舉凡能被用來操縱與改變聲音的材料。這種創作音樂的方式與德國的純電子音樂大異其趣。我們可以說，自一九五○年起在法國興起的「電子原聲音樂」，極為重視聲音素材的寫作。後來，電腦合成音樂也應運而生，不過，聲音的創作仍停留在實驗性的階段，因此，我們試圖利用日新又新的科技，繼續探索聲響的世界。就形式而言，法國電子原聲音樂中心最初都由作曲家創立，堪稱一大特色，自一九六○年代起，許多以作曲家私人名義成立的音樂中心，獲法國文化部的協助與支持，繼續蓬勃發展，這是一個很特別的現象。而在美國，類似的音樂中心都由大學成立。
Q：貴中心每兩年辦一個大型藝術節之外，有沒有舉辦其他活動？
A：與大眾接觸是敝中心最基本的任務。我們想一改現代音樂只為專家而作的觀念，因此舉辦了許多活動，旨在與更廣大的民眾交流，其實敝中心也是為了這個目標而誕生。自一九九二年起，我們每年在里昂舉辦「舞台音樂節」，直到二○○二年之後才改為雙年展；近幾年來，我們每屆都針對一位作曲家策劃節目。中心另一項重要活動，是接待作曲家與藝術家，協助他們完成創作計畫。我們每年接待大約十五位作曲家，讓他們與專業的研究人員一起在適當的環境中工作。最後，敝中心也是一個研究實驗的基地，讓研究人員長期從事研發。
Q：作為一個現代音樂創作中心，為什麼要做聲音裝置藝術？
A：聲音裝置藝術雖然牽涉到聲音，但與造型藝術的關係更為密切。聲音為了一首音樂或音樂會而創作之外，它本身也是一種活生生的表演、一種完整的創作，而且與現代造型藝術的發展息息相關，譬如二十世紀的音樂家約翰．凱吉與荀貝格（Arnold Schoenberg），他們的音樂就結合了造型藝術。當音樂不再只由樂器奏出，聲音的素材（sound materials）成為音樂場域的一部分，聲音會向其他藝術張開雙臂，而聲音與視覺藝術的組合特別有意思。裝置藝術饒富趣味之處，是當我們聆賞音樂會時，必須安靜諦聽，不能輕舉妄動。然而面對裝置藝術，我們可以來回走動，對視覺與聽覺的創作者來說，這是個很有趣的特質。二十世紀初可以找到許多結合音樂與繪畫的實例。而今天，我們的科技技術有助於聲音與其他藝術的連結。
Q：您和台灣已有豐富的合作經驗，台灣觀眾對您們也愈來愈熟悉，不知您和台灣有無新的合作計畫？
A：目前我們跟台北數位藝術中心一起合辦駐村創作計畫，交換台法藝術家。另外，我們定期參加彼此舉辦的音樂節，譬如去年我們在台北數位藝術節演出，或是台灣應邀參與我們的「舞台音樂節」，接下來我們將於十一月的「里昂國立音樂創作中心日」合作。
Q：請您談談這次北美館的聲音裝置展，選擇作品的考量有哪些？
A：當北美館與我們確定合作籌劃一個大型裝置展後，我們馬上決定以展覽視聽裝置作品為主。接著我們必須考量展覽的空間，所有裝置作品的「並存」問題，譬如聲音是否相互干擾，這也是為什麼放映影片的作品另附耳機。此外，我們必須設計一條路線，有效傳遞不同類型的感官經驗；視覺的與聽覺的，類似舞台裝置。我們並不要求所有作品必須達成某種一致性，相反地，這些作品大異其趣，甚至產生強烈對照。當然，更要緊的是每件裝置作品都應具有內涵，言之有物，內涵不一定得明顯而具體，有時候是和感情與想像力有關，譬如提耶瑞．德．梅（Thierry De Mey）的《海前奏》，即散發極為動人的情感。
Q：本展覽放映許多老片，不知有何特殊用意？
A：的確，是有一、兩部老片，一部是裘愛樂．布維耶與瑞吉．歐巴狄亞聯袂創作的《房間》，大約拍攝於一九八○年代，提耶瑞．德．梅的《自由之家》也斷斷續續播放影片，同樣是黑白片，但攝於《房間》之後。我之所以選擇這兩部影片，一來因為片中舞者身體的姿勢與動作極其誇張，二來兩部影片獨立觀賞起來也很有意思。《房間》並非數位影像，因為拍攝的年代有些久遠，影片略微耗損，卻因而散發一股詩意，別有情趣。《房間》很感動我，我曾與該片搭檔，舉辦過兩次演奏會。此外，透過這部影片，我們走進一個由暗沉的黑色與明亮的白色，形成強烈對比的美麗世界。
Q：現代音樂創作是否有「集體創作」的傾向？
A：集體創作的潮流已有二十年的歷史，雙人合作的模式也各有不同。首先，許多作曲家雖有創作的計畫，卻缺乏技術上的專業知識，無法發展並使用適當的高科技，順利完成創作；也就是說，作曲家雖然主導創作，但卻無法獨立完成，他需要一位具有專業背景的「音樂助理」，這個角色大約在二十年前應運而生。「音樂助理」可能只負責操作與執行，但也可能積極參與，提供重要的意見。第二種組合是跨藝術、跨領域的合作。其實，來自不同領域的藝術家的集體創作像一場賭注，得冒點風險。這次參展的伯諾瓦．莫迪克與伊夫．馬利．路爾即是一例，他們自高中時代起認識至今，兩人各有所長。就像電影一樣，音樂勢必逐漸演變為集體創作，而高科技的發展與應用為創作者之間搭起溝通的橋梁，為集體創作起推波助瀾的作用。
Q：音樂中心以跨領域的作品居多，請問您是否認為未來的表演藝術將無法再區分音樂、舞蹈、戲劇等類型？
A：我覺得沒有一種類型可以取代另一種類型，也沒有迂腐的藝術形式，而每一種藝術類型都可能出現拙劣的作品。現今嶄新的藝術形式正在百花齊放，不過，我們仍然需要純粹的表現方式，我覺得各種創作形式能夠共存而且與時並進，是很有趣的一件事，我們可以多做嘗試，而前進的路線也非得筆直不可。最重要的，是別為藝術或任何事物畫分等級，我們應該以更開闊的心胸面對新的藝術形式。
Q：藝術結合高科技是必然的趨勢，請問您認為數位音樂的前景如何？
A：我不太喜歡數位音樂這種說法 ，因為這它似乎把科技擺在優先的地位。我以為科技是必要的，它有利於思想，也有益想像力的發揮，但最重要的還是具有藝術思想的計畫，科技是為了推動藝術思想而存在。數位音樂意味了純粹以電腦數位科技製成的音樂。不錯，可以有很棒的數位音樂計畫，不過這些計畫並不排除融合其他方式。我一直相信創作是混和的結果，長久以來如此，未來也是，而且會日漸蓬勃。
