PAR 表演藝術雜誌

比利時編舞家戴米恩．雅勒（Damien Jalet）早年於布魯塞爾國家高等表演藝術暨傳播學院（INSAS）研讀戲劇，主修導演，赴紐約後轉而學習當代舞蹈。九○年代末，他展開舞者生涯，曾參與比利時終極現代舞團（Ultima Vez）和比利時當代舞團（Ballet de C de la B）的演出。

二○○○年，雅勒加入西迪．拉比（Sidi Larbi Cherkaoui）的創作團隊「東方人」（Eastman），不僅擔任他的舞者，也參與場面調度、戲劇構作和音樂編排。兩人的合作開啟了雅勒的創作生涯，逐漸讓他在歐陸表演藝術圈嶄露頭角。

近十年來，雅勒受到許多國際知名舞團的邀請。Transaquania是他與冰島當代舞團（Iceland Dance Company）在二○○九年共創的「沉浸式」演出：在藍湖（Blue Lagoon）中，觀眾一邊泡著溫泉，一邊欣賞表演者如何運用肢體表現生命的起源。二○一三年，他率領卅位舞者在羅浮宮展開了一場移動式演出，《美杜莎》Les Médusées為古典雕塑注入活靈活現的生命力，帶領觀眾歷經一場穿越時空的旅程。二○一四年，在蘇格蘭舞蹈劇場（Scottish Dance Theatre）的邀請下，雅勒運用動感十足的服裝材質，創造出獨樹一格的Yama。隔年，他與冰島編舞家Erna Omarsdottir再次合作，完成《黑曜石碎片》Obsidian pieces，這齣舞作透過堆疊的肢體，營造出恐怖的末日意象。二○一七年，他與黑森邦立威斯巴登歌劇院（Hessiches Staatballet）合作的Thr(o)ugh，以龐大圓柱滾輪和舞者之間的相互傾軋，突顯出肉身的脆弱。二○一九年，他則與瑞典哥德堡劇院舞團（Gothenburg Dance company）一同在SKID中挑戰地心引力，傾斜四十五度角的巨型舞台平面不僅考驗舞者的體力，也營造出目眩神迷的光影效果。

雅勒勇於嘗試跨界創作，作品橫跨視覺藝術、流行音樂、劇場及時尚等各種領域。除了與西迪．拉比和行為藝術家教母瑪莉娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramović）共同執導當代舞劇《波麗露》Boléro（2013）和歌劇《佩利雅與梅麗桑德》Pelléas et Mélisande（2018），他也參與義大利導演卡格達戈尼諾（Luca Guadagnino）《窒息》Suspiria的編舞，甚至還為碧玉（Björk）、湯姆．約克（Thom Yorke）的MV與瑪丹娜二○一九世界巡迴演唱會“Madame X Tour”擔任編舞。

在他與日本雕塑家名和晃平合作的《器》Vessel來台演出前夕，本刊獨家專訪這位不斷挑戰形式的界限的創作者，一窺他無法被定義的編舞風格、多重材質的實驗、探詢靈性的儀式、文明與自然的衝突，將如何在《器》中呈現——

Q：您的編舞創作橫跨各個領域，也經常與不同的藝術家合作。跨領域是否為您的創作關鍵？

A：我的工作方式一直建立在對話上。創作的本質，就是讓不同的陌生人相遇，彼此尋找相互合作的方法。從我在比利時當代舞團擔任舞者時，就受到集體創作的啟發。離開舞團之後，我也與西迪．拉比共同展開編舞創作。對我來說，舞蹈就像是一種匯集各種藝術形式的媒材。當然，這也與我的學習背景有關。我大學在戲劇學校主修導演。九○年代初期，比利時的戲劇界仍循規蹈矩，顯得極為保守。不像編舞家已經開始融合不同形式，超越各種局限。這讓我想轉換跑道，嘗試跨領域創作。我認為，與不同領域的人相遇，會迸發出更多創意，能開創全新的藝術形式。

Q：戲劇背景為您日後的編舞創作帶來何種影響？

A：學習戲劇給我最大的啟發就是創作結構：如何發展作品的一致性？怎麼讓舞台意象維持曖昧，延伸想像空間？要是我當時沒選擇跳舞，我可能會成為一位戲劇構作。不同於舞蹈強調抽象、寫意的動作，戲劇著重條理分明的架構。它也讓我認知到觀點的重要。不同視角會衍生出相異的詮釋。即使沒有任何文本，觀眾都可以自行解讀作品的意義。然而，無論是戲劇或舞蹈，身體還是表演藝術的本質。

Q：您如何與造型藝術家一起工作？

A：造型藝術家從空間去構思作品，如同我習慣用結構去發展創作。我們共同形塑五維空間的變化，改變它的體積大小，尋找如何讓作品更為精簡、濃縮，表現出它深刻的涵義。對我而言，跟造型藝術家一起工作，最重要的是如何標出一種範圍，讓彼此有默契地在同一個框架之中，發揮自己的創意，探索更多的可能，進而找到最精確的表現方式。這樣才能帶領觀眾從凝視外在進入內在思索，讓他們參與創作，找到屬於自己的詮釋。