Q2：補助再高，終究會有上限。但，這次將用更天馬行空的想像：3位非傳統戲曲出身的青年劇場創作者，以「經費無上限」作為基礎，提出他們各自的歌仔戲創作提案。
近年我參與了兩檔以「人間到地獄」為題的作品，分別是2021年與景勝戲劇團合作的《擺渡．戲夢》，以及2025年與遊戲團合作的採茶戲《閻羅殿AI手冊》。這兩部作品的角色徘徊在陰陽交界之間。在創作過程中，我面臨一個問題——如何在舞台上具象化「地獄」？為什麼我們需要具象化「地獄」？
從「還原」到「轉化」
我在美術班受過長期的視覺訓練，素描、油畫與攝影的「寫真」邏輯，建立在還原現實的慾望上——把一顆蘋果畫得像蘋果，讓觀看能夠立刻辨識對象。
然而進入劇場後，我被另一種表演邏輯吸引。戲曲演員只需一把馬鞭，就能讓觀眾感受到駿馬奔馳；演員一轉身，便能跨越空間與時間。觀眾透過身段、節奏與象徵去補全真實，這樣的「擬態」之美，讓我深刻感受到觀眾的想像力也是創作的一部分。從那時起，我開始思考：舞台的任務不只是還原，而是轉化。
選擇舞台展演的形式
當預算無上限時，如何選擇舞台展演的形式與必要性，反而成為最關鍵的課題。在資源極度豐盛的情況下，如何仍保有敘事的核心與觀看的焦點，是創作者最大的挑戰。
我很喜歡英國舞台設計師Leslie Travers的歌劇設計。他擅長放大必要的視覺元素，例如巨大的雕像或手的意象，使舞台設計具象出「命運」，讓我們看見一個小人物在無形力量之中掙扎、抵抗的空間。這種以簡馭繁的語言，讓空間本身就具有敘事功能。
同樣地，我也受到羅伯．威爾森（Robert Wilson）《歐蘭朵》（Orlando）的啟發。他以光、聲與動作構築出延展的詩意節奏，讓觀眾在極簡的畫面中，專注於表演者的聲音與身體。
我也喜歡日本劇團☆新感線的《骷髏城之七人》。那是另一種極致的戲劇能量——歌舞伎的繁華與暴烈，將節奏推向極限。那種「熱鬧」不只是視覺上的，而是一種生命力的爆發。
我一直喜歡戲曲裡的鑼鼓與節奏，特別是武打片段。那是一種由表演者的身體與樂師的聲音共同創造的張力，既具形式的美感，又蘊含生命的韻律。或許我追尋的，不是「地獄」的具象，而是那股節奏——一種在聲段與身段之間流動的能量，讓觀眾在想像與現實之間，感受到生的狂熱與死的靜止。
這3種力量——構成了我對未來歌仔戲的想像：在極簡與繁華之間、在光與呼吸之間，讓觀眾不只是「看戲」，而是進入一場關於聲音與身體的感官經驗。
