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音樂 從台北、台東到高雄「李泰祥告別十周年」系列活動 緬懷全方位作曲家
出生在台東市馬蘭部落阿美族的音樂家李泰祥，是台灣40歲以上的樂迷們熟知的一號人物。他的作品有紮實的古典基底，也有前衛的風格，更重要的是他不受拘束的性格，不僅走入民歌、流行，探究客家風味，更挖掘原住民自身的元素來創作，讓各類樂種互為媒介、豐富彼此。最直接的例子便是將古典音樂通俗化的同時，也將流行音樂的質感提升到更高的層次，除了大家琅琅上口的〈橄欖樹〉、〈告別〉等流行歌外，大型劇樂作品還包括清唱劇《大神祭》、歌劇《大風起兮》，以及為雲門舞集創造的舞劇音樂等。此外，他清亮的歌聲尤其獨特，旗下弟子無數，可說是才華洋溢且無可定義的音樂家。 在李泰祥過世10周年之際，衛武營國家藝術文化中心、臺東縣政府、國家交響樂團及台北室內合唱團將攜手合作，共同舉辦巡迴特展及5場音樂會。系列活動一棒接一棒，6月從台北揭幕，8月到李泰祥的故鄉台東，10月再由衛武營壓軸。會中將邀請多位歌手演唱代表作，也會有交響樂團演繹他的大型作品。 國立傳統藝術中心陳悅宜主任致詞時表示：「李泰祥老師是一位跨域的作曲家，也是一位把原住民DNA發揮得淋漓盡致的作曲家。期待活動能夠讓年輕朋友們了解李泰祥，也能愛上屬於本土音樂家，更了解台灣各個角落所累積起來的音樂。」衛武營國家藝術文化中心藝術總監簡文彬則期許：「藉由演出、展覽，看見作曲家使用的物件、看到自己親手創作出來的手稿，讓民眾從不同角度來認識作曲家也是一個『人』，而不是一位遙不可及的大師。」總策展人李欣芸則說：「李泰祥的跨界，早在這麼多年前就已經在為台灣做典範！」她認為：「與其說是台灣給他多元元素，反而覺得這位偉大的作曲家增添了台灣音樂的多元性。」
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音樂 紐約大都會歌劇院管絃樂團紐約美聲首度訪台 亞尼克．聶澤-賽金揮灑經典
紐約大都會歌劇院（The Metropolitan Opera）創立於1883年，管絃樂團也同時成立，因此在歌劇及音樂會領域雙雙都有燦爛的過往。諸多知名人物都曾在此寫下歷史，如作曲家馬勒於1908年的合作，是他離歐赴美的重要里程碑，而被譽為20世紀最偉大作曲家之一的托斯卡尼尼在1913年也以擔任該團指揮在美國首次亮相。當然，前任音樂總監列汶（James Levine）也功不可沒，樂團在他的打磨下顯得燦爛輝煌。而在亞尼克．聶澤-賽金（Yannick Nzet-Sguin）接任音樂總監後，樂團更是走出新世紀，今年6月，樂團在卡內基音樂廳結束演出後，將由聶澤-賽金領軍，攜手抒情花腔女高音莉賽特．奧羅佩薩（Lisette Oropesa），首度跨海來到亞洲。經過韓國、日本兩站，最終站將來到台灣，獻上樂團固有的經典之聲。 紐約大都會歌劇院管絃樂團（The MET Orchestra）不僅是紐約耀眼的招牌，更是全球公認的頂尖樂團之一。早年經過戰火摧殘，後搬遷至林肯中心，至今於卡內基音樂廳定期演出已逾30年。樂團時而伴隨歌劇演出隱身於樂池中，時而躍升於舞台展現實力，是為世界上最卓越、也是最繁忙的樂團之一。
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焦點專題 Focus音樂劇創作者的許願箱，與他們的生活
隨著台灣現象級音樂劇《勸世三姊妹》的出現，票券啟售就被搶購一空，不再只是大型演唱會的專利了！而這也是否意味著，音樂劇將正式走入我們的日常呢？另一方面，不僅是本土原創劇本，今年度台灣各大劇院也陸續引進百老匯經典作品，如《西貢小姐》、《媽媽咪呀》且據傳聞未來還有許多驚喜將陸續登場。 於是，乘著這波浪潮，我們邀請台灣各具代表性的音樂劇創作者，分享這幾年的感受，並於文末許願自己的百老匯願望清單而且，有些創作者的願望，說不定馬上就要成真喔！ （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）
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焦點專題 Focus 演員張擎佳 曾經失落的高音C，終能為命定角色飆唱
因《勸世三姐妹》的爆紅，讓多年耕耘音樂劇的張擎佳，好好地被觀眾看見了。 她在戲中所飾演的宋國珍，是一個不可思議的角色，於情感面向，因過分壓抑而充斥著悲情張力，分明扛下所有，卻落得獨自委屈；於技巧面上，這是一個幾乎從頭到尾都沒有被端下台的演員，姑且不論好幾場戲她得踩著高跟鞋在斜坡上困難地移動，全長3個多小時，她得唱好唱滿，張擎佳說：「我幾乎都沒有下場的時間，若有，也都是在快換（編按：快速換裝），完全無法喝水或者上洗手間。」 曾有觀眾打趣問：這種程度，根本是體罰了吧？不過，張擎佳只是吐舌：「我覺得很感恩，好險是在這個階段遇到國珍，我在各方面都累積到一定的經驗了，能夠好好把握住。若再早幾年給我這麼好的角色，我可能也沒辦法吧。」 所謂「沒辦法」，是曾經有某段時間，她硬撐上台，把自己的聲音給搞壞的低谷時期。 張擎佳的生命歷程，乍看之下簡直是作為音樂劇人的養成之路5歲習舞，接著學琴，鋼琴老師帶她進合唱團以後，自組團隊，演出歌劇。她說：「所以，我從小就知道，我不是害怕上台的人。」 但是，不害怕上台又能歌善舞的人，還能夠做什麼？這在當時是沒有概念的。迷惘之際，她大學唸了聲樂組，然而「你聽，我的聲帶比別人小管，音質偏高，照理來說應該是被歸類在花腔女高音，不過我的技術好像又無法讓自己穩穩成為歌劇中的女高音。」 張擎佳說，原本萬念俱灰，不知何去何從，在報紙一版小小的角落，像是被命運推了一把，恰好看見躍演的工作坊徵選，她沒頭沒腦地報名，這才轉而認識了音樂劇。 一切都是巧合，無所謂命定。即便如此，如今演、唱、舞三者俱佳，甚而經常授課的張擎佳，看起來就像天生要吃這行飯一樣。 因此，外人恐怕很難想像，她曾經有多麽的不自信。
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焦點專題 Focus 導演高天恆 用征服世界的笑容，打造音樂劇的燦爛
音樂劇編導全才的高天恆，說起話來非常明亮，就像他的作品一樣，好像他的腦袋隨時都進行著宇宙大爆炸，讓熱烈的恆星發散、自行組建成一個太陽系，星球上生生不息的故事，會一路從他的腦袋裡溢出，淹到手機的記事本上。 「我手機有一個清單，生活中發生有趣的事情，都會把它儲存下來。」他說，清單內容瑣碎雜亂，有時是故事結構面向，例如多重敘事或破碎敘事；有時是議題取向，例如「現實中我曾經思考過直男是否也曾經懷疑過自己的性向？後來就變成故事裡的元素。」 如此一來，方方面面的生活雜感，都能存成他的點子素材，因此，無論今日是其所領軍的刺點創作工坊想要發想劇本，或其他單位的邀請翩然造訪，他都能第一時間丟出靈光，因而累積出大量的作品。 有段時間，好像隨時點開音樂劇相關節目列表，都能看到一兩齣高天恆導演的作品在線。「其實，有很多都是團隊重演的關係啦。」高天恆說，如人所知，一齣作品從零到有，製作資金太過龐大，若無重演，成本幾乎沒有攤平的可能。高天恆的生存法則便是如此，新作舊戲交疊出場，慢慢顧及創作與生活品質。 「一開始，有任何案子我都接，無論大小，甚至非關劇場，我也會做，直到這幾年開始有作品被接連著重演，經濟上較為穩定，才能慢慢把心力放在音樂劇。不過，我還是有限制自己，一年最多只能接4檔新戲，4齣這真的是極限了。」 雖說是極限，他仍是笑得燦爛這個笑容啊，是不是認定人生志業的人，才能夠展現的呢？
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焦點專題 Focus 製作人暨作曲家張芯慈 浪漫，靠的是理性判斷與全力以赴的心
韓國音樂劇，是張芯慈戲劇生命的重要起點，且可從《洗衣》這齣戲開始談起。 2012那年，張芯慈在韓國留學，生活雖稱不上克難，但也絕非優渥，甚至連韓文也談不上精通，卻因如此，最後她與戲劇的連結並非通過語言文字，而是歌聲，氣味，以及雨天的感受。張芯慈回憶：「我還記得，《洗衣》那場戲進行的最後，演員真的在劇場內洗衣服，最後把被單攤開來，肥皂泡泡的香味傳過來，我好像整個人也被洗乾淨了」 她說，那是一齣略帶悲傷的戲，日後每一個下雨的日子都會想起。也是因為那場戲，張芯慈隱約明白，音樂劇能夠是一場華麗的秀，卻也絕對可以精緻小巧，像是煙霧一樣穿透你的日常。 無論大小，只要能夠陪伴觀眾的作品，就是好戲。 這樣的概念，成為日後C MUSICAL 的價值核心溫暖，而且療癒人心，張芯慈擔任團隊的藝術總監，始終將這份初心牢記。她近期自韓國引入的作品《Let Me Fly》也是如此。
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焦點專題 Focus 演員林家麒 喜歡用自己的身體，裝進不同角色的靈魂
「我其實不特別會定義自己為『音樂劇演員』。」林家麒說。 脫離學生身分以後，便與夥伴共同組成四把椅子劇團，林家麒對台灣觀眾來說不是一個新的名字，但論及音樂劇領域，的確是近幾年來才頻繁跨足的嘗試。 雖說如此，他一直都是能唱的。 大學時期便與蘋果兒童劇團合作，他曾飾演一個小木偶，並以木偶的心情創作一首歌；而後與室友學琴，吉他一拿，歌曲自來。彼時創作的歌曲大抵幽默有趣，一首首歌都是用來調劑生命。 近年來，因《好事清單》走訪台灣北中南，他清澈的歌聲，在燈光底下氤氳成霧氣一樣的質地，使觀眾走出場外，都還繚繞耳畔。前前後後，看見他從《第十二夜》、《台灣有個好萊塢》乃至開始獨挑大梁的《搖滾芭比》，林家麒愈唱愈多，但作為演員的初心不因而改變。 「我不會去思考所謂的『音樂劇演法』該是怎麼樣的，對我來說，最終還是要回到這個角色的本質，他的外型怎麼樣？會有什麼習慣的小動作？」林家麒說。 也因為他本身就是個外放的人，似乎很容易就進入到音樂劇的節奏之中，「之前聽某些朋友說，要花一點時間才能習慣『進歌點』，需要思考怎麼樣唱出來才不會顯德尷尬？但我好像蠻習慣這樣唱唱跳跳的角色狀態。」 他笑著解釋，大概是因為，日常生活中就靜不下來吧，要他當一個嚴謹的人反而拘束。雖然他的外型高挑冷冽，第一眼總會讓人意外他心裡壓抑不住的活潑。 至於踏足音樂劇的林家麒有什麼變化？他的家人或許才是感受最深的。
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學習老人轉彎的隱喻ga hiya在某處
「老人在夢裡跟我說，你要把線頭接起來。」 ga hiya在某處的老人將人的生命比喻為一塊布，這塊布不僅僅是單一的線條，而是一系列繁複且相互交織的步驟：從種植苧麻到捻成線，再到最終的紡織（mhug krig、smkring、qmnuqih、tmgiya、dmaus、mhapuy waray、dmsay、tminun）。這個螺旋狀的過程中，敘事者化身為織布者，將這種古老而抽象的概念轉化為新的、可見的實體，經歷一條曲折的路徑。過程中的敘述起伏不定，變化無常，如同布料的紋路，每一經緯都記錄著時間的交疊和織者的手感。 他坐在樟樹下，指揮著我們這群混亂的人，火光映照著他黝黑的臉，他的目光未曾與我們相交。他謹慎地將頭髮從前額梳理到後方，手中握著尖棍，不斷撥弄著火堆中的木柴，直到陰影在他臉上瘋狂地舞動。夢想如纖維般在他手指間交織，宛如棲息在指尖。 我望向月亮，想像自己的手指在夜空下如蜘蛛網般展開，夢想如同飽滿的蒼蠅停留在絲線上，黏附不去。我思考著，飛向黎明的自己是否仍被如昆蟲般困於其中，對變革嘶鳴。 「如何把身體、語言與編舞捻在一起。」 將跳舞與織布的聯繫扎根於兩者概念間的相互交織，必須認識到身體在這兩者間的共鳴媒介角色。身體不僅是時間和空間的縫合，也是過去與未來、傳統與創造之間的連接點。在族語間隙中，身體潛藏的詞彙如火種逐漸點燃對話的橋樑，「brah」與「bukuy」分別暗示著過去與未來，而「grig」與「tminun」展示行動與敘事的融合。進一步地，「織布的圓」象徵循環與螺旋的時間觀念，「織布╱種植」則連接創造與生長。 此外，身體與織品的「生命葉脈」展現了連結性與相互依存，絲線的「糾纏／解開／縫合／磨損」揭示了生命過程中的結合與分離、修復與耗損。這些概念相互糾纏，透過身體的實踐創造，形成一個關於身體、空間、時間與自然交錯的複雜網絡，使得跳舞與織布成為一種深邃的語言。 在這語言的挑織中，我們試圖解讀， 「brah</em
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藝號人物 People 歌仔戲演員張孟逸 專心一志，只為成為戲裡的角色（上）
「第一苦旦廖瓊枝的大弟子」或許是我們對張孟逸的第一印象。 這曾經帶給張孟逸很大的挫折，並不是害怕學不好，而是她明白自己與老師的不相像無論是姿態、還是聲音。於是她很努力，努力成為廖瓊枝曾演繹過的劇中角色。 其中最著名的大概是《李三娘》裡的同名女主角。這位丈夫離家從軍、被迫在磨房產子的苦女子，陣痛那刻的一聲慘烈高音，化作全劇的最高潮，劃破劇中的夜晚與戲外的舞台，是難分真假的疼痛感受，重擊觀眾內心，而不只是耳膜。張孟逸為了詮釋她，不只是真實經歷了自身產子的經驗，更得將生活轉化到表演裡，這依賴著她反覆練習、揣摩，然後消化、演繹。 這背後的努力也不只是為了成為李三娘，或其他女主角，更是要成為一名「演員」張孟逸。
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藝號人物 People 歌仔戲演員張孟逸 專心一志，只為成為戲裡的角色（下）
打掉重練的轉捩點：從老師身上學習到屬於自己的技藝 真正拜廖瓊枝為師，是在張孟逸第二度離開蘭陽戲劇團，大概2009年時擔任第一屆文化部文資局廖瓊枝歌仔戲傳習計畫藝生。「那一年，老師就跟我說，自己得到了人間國寶的封號，然後文化部要給她3個藝生，『我留一個位置給你好嗎？』。」張孟逸的那聲「好」，成為她人生最大的轉捩點。 這是個讓她再次「打掉重練」的轉捩點。 辛苦的不只是張孟逸，其實還有廖瓊枝。「我自己很清楚，要改變一個人的習慣有點難，我自己帶藝入師門，對老師來講就很辛苦。」張孟逸直接伸出手指開始比劃，說廖瓊枝老師特別在意指法，還替這些指法命名，像是觀音指、含蕊指等，「老師希望折進來的部分是一個圓的感覺，然後這裡手是要直的。」不只有指法，還有指出去的狀態也都有講究，不像自己過往不經意就直接出去，而是得把圓畫滿。其他像是下腰的身段，「其實認真說起來不太人體工學，但在舞台上就有美感。」以及廖瓊枝演唱【七字調】時百轉千迴的韻口，都是「跟著老師一直修。」 現在說起廖瓊枝老師的教學，張孟逸語調輕柔、卻又眼神放光，彷彿生命得到了某種救贖；但當時的自己是很挫折的，出自於藝生評鑑機制下的那句評語：「妳怎會不像廖老師」。 「我的挫折是，如果教完4年還是不像，那老師會多失望？她想要找傳人的這件事情，是不是就會讓她很受傷？」張孟逸細思自己的身形、聲音質地等條件，更清楚知道：「不可能啊，那這樣我就是不適合的人。」 她試著與老師討論。「我跟老師說，可不可以不要看我們像不像你？如果是看我從不及格到可能及格，從及格到70分，然後70分到80分的過程，會不會比較好？」廖瓊枝接受了這樣的想法，也影響其他人看待這樣的傳習計畫或許大家都清楚，不可能再找到、或是複製一個廖瓊枝出來。絕對不可能。 廖瓊枝無法被複製，但張孟逸才會就此誕生。
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特別企畫 FeatureNSO 2024 歐洲巡演地圖
闊別6年，揮別新冠疫情的陰霾，NSO又踏上歐洲巡演之路。此次在簡短的十多天內，樂團走訪了3個國家、上演了7場音樂會。其中，每個登場的音樂廳，不僅具有歷史意義，更富有諸多故事。
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特別企畫 Feature 第1站⮕瑞士．蘇黎世蘇黎世音樂廳
從蘇黎世車站搭11號電車，抵達Brkliplatz站後，沿著蘇黎世湖的美景散步5分鐘，就能看見蘇黎世音樂廳（Tonhalle Zrich）的大門。音樂廳原址是位於現在蘇黎世市中心的六鳴廣場（Sechselutenplatz）上，1867年由穀倉1867年改建而成，1896年拆除，於現址的新音樂廳，在 1895 年 10 月落成啟用。 2017至2021 年間的大規模翻修，成就了新舊時代對話的建築主體。主廳 Grosse Tonhalle（大廳）可容納1,430名觀眾，小廳Kleine Tonhalle則有609席，場館同時配置一容納150人的宴會廳。音樂廳每一季產出大大小小的音樂會，約莫150場，在修復強調裝飾性、亮度、實用性、優雅的4大前提下，大廳的聲響效果優秀，為觀眾帶來絕佳的聽覺享受。該廳音樂會演出的型態以古典、室內樂為主，也會舉辦兒童、青少年音樂會，培養下一代音樂欣賞觀眾。 蘇黎世音樂廳自1895年起， 同時是蘇黎世交響樂團（Tonhalle-Orchester Zrich）的所在地，這媲美NSO的樂團，可謂瑞士最重要的樂團。
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特別企畫 Feature 第2站⮕瑞士．日內瓦日內瓦維多利亞大廳
日內瓦維多利亞大廳（Victoria Hall）是由駐紮在日內瓦的英國領事丹尼爾．菲茨杰拉德．帕克納姆．巴頓（Daniel Fitzgerald Packenham Barton）為獻給當時的維多利亞女王，於 1891至1894 年委託日內瓦建築師約翰．卡莫萊蒂 （John Camoletti）建造的音樂廳，館舍於是以女王來命名。 巴頓於1904年將音樂廳捐贈給日內瓦市，之後維多利亞大廳於1984年慘遭祝融，部分內部裝飾被毀，修復後呈現今日的風貌。原畫家歐內斯特．比勒 （Ernest Biler）的裝飾隨之被多米尼克．阿皮亞 （Dominique Appia）的當代作品所取代。維多利亞大廳目前主要以推廣、演奏古典音樂為主，同時也廣納爵士樂。
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特別企畫 Feature 第3站⮕瑞士．巴塞爾巴賽爾音樂廳
1824年成立的巴塞爾音樂廳（Casino-Gesellschaft Basel）在今年邁入了第200個年頭，最初這座音樂廳的誕生，其實是因1808年一群愛好賭博、桌遊和閱讀的男士而起，他們感到原本的空間不敷使用，於是計劃興建能夠跳舞、打牌、賭博辯論的場地，且對所有人開放。就這樣，位於Steinenberg的城市賭場Stadtcasino於1824年2月開始營運，期間經過營運失敗、餐飲業務與建築管理業務分開，新賭場的興建計畫被巴塞爾市民拒絕等，2020年8月，城市賭場Stadtcasino終於以音樂廳之姿重新開放，從此大受好評。 萊茵河流經巴塞爾，將這個城市分成小巴塞爾（Kleinbasel）與大巴塞爾（Grossbasel）兩部分，巴塞爾音樂廳和巴塞爾市政府，同屬於大巴塞爾的老城區，聚集了許多藝文場所。身為瑞士第3大城，巴塞爾的面積約23.91平方公里，在這個面積內，巴塞爾擁有瑞士密度最高的博物館數量，一共近40所。巴塞爾音樂廳算是屹立不搖了200 年， 當初興建時有一則趣聞，據說當時音樂廳地下挖掘地基，意外發現了260多具骨骼，從嬰兒至老人的骨骼都有，此外還有墓碑、金幣跟一座900公斤重的洗禮池。
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特別企畫 Feature 第4站⮕德國．布藍什外格布藍什外格國家劇院
布藍什外格國家劇院（Staatstheater Braunschweig）是下薩克森州的一個機構，歷史最早可以追溯到300多年前。從1690年布藍什外格-呂納堡公爵（Braunschweig-Lneburg）安東．烏爾里希（Anton Ulrich）在哈根馬克特（Hagenmarkt）創立了德語區最早的公共劇院，名為哈根馬克特劇院（Opernhaus am Hagenmarket）。到18世紀中期開始，也定期舉辦戲劇表演。其中最知名的就是在1829年首演歌德的作品《浮士德》了。之後隨著時代的發展，劇院有過多次的改建與擴建，仍無法滿足現代劇院的需求，因此在1861年，全新的劇院落成。可惜的是在二戰期間部分建築遭到嚴重毀壞。
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特別企畫 Feature 第4站．同場加映藝文景點⮕德國．布藍什外格魏樂富與葉綠娜帶路，探訪歷史古城布藍什外格
布藍什外格是長年在台為鋼琴教育奉獻的德裔鋼琴演奏家魏樂富（Rolf-Peter Wille）成長的故鄉，在來台定居之後，每年仍會回家鄉2、3次。據魏樂富與葉綠娜夫婦所言，布藍什外格是德國樂器製造業的中心，這裡的威廉．席梅爾鋼琴製造廠是德國最大的鋼琴廠，該公司於1885年由威廉．席梅爾（Wilhelm Schimmel）在德國的萊比錫創立，接著移到布藍什外格，以生產高品質的樂器而聞名。席梅爾家族4代後來管理並發展了家族企業。自2016年以來，Schimmel成為中國的珠江鋼琴集團所擁有。所有的鋼琴更名為Fridolin Schimmel，並且移到中國珠江鋼琴廠生產。 而這裡的格羅特里安-史坦威（Grotrian-Steinweg）也非常有名。事實上，無論在德國註冊的「葛洛蒂安－史坦威」也好，或在美國註冊的「史坦威父子」（STEINWAYSONS）也罷，都是源自亨利．史坦威（Heinrich Engelhard Steinweg）。史坦威家族於1835年成立的工作室，後來因戰亂而分家。但原地的Grotrian-Steinweg 每年有青少年鋼琴比賽，最後得獎者都會在布藍什外格國家劇院演出。
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特別企畫 Feature 第5站⮕德國．漢堡易北愛樂廳
德國漢堡是歐洲的第二大港口城，繁忙的港口讓漢堡成為德國北部最富裕的城市，易北愛樂廳（Elbphilharmonie）因其長達10年的營造期程，與不斷追加的預算，讓這座音樂廳在2017年開幕之前，就成為眾人目光的焦點。這座音樂廳由設計北京鳥巢、東京表參道Prada，並獲得普立茲獎的瑞士建築師Herzog de Meuron事務所操刀， 建築師和房地產開發商Alexander Grard與其藝術史學家妻子Jana Marko 於2001年提倡在歷史悠久的易北河碼頭倉庫上建造一個音樂廳，音樂廳的一至七層使用了港口倉庫A（Kaispeicher A）37米高的基座。音樂廳新穎的外型，海浪般的屋頂與港口的浪花相互呼應，玻璃立面總高度為110米，像是一個巨大水晶體。用玻璃面板彎曲和刻畫，捕捉天空、水和城市的反射，和倒映河水的玻璃帷幕，讓這它成為代表這座繁華海港城市的新地標。
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特別企畫 Feature 第6站⮕德國．漢諾威庫佩爾音樂廳
庫佩爾音樂廳（Kuppelsaal, Stadthalle Hannover）位於漢諾威市中心附近，是德國最宏偉的古典音樂廳，該音樂廳在二戰後曾短暫成為下薩克森邦的議會所在，因此是頗負盛名的場地。 這座有著華麗圓形穹頂大廳的市政廳建於1914年，在二戰中遭受嚴重破壞，1962年進行了翻修，巧妙的新設計優雅地融合了大廳原始的樣貌，最終在2016年進行了大規模的基本翻新，使其達到了現今的狀態。場館擁有白色牆壁和精緻的灰泥裝飾，以及60年代設計的較深色木材和明確的線條，使它看起來古色古香。在翻新後，配備了現代照明、劇場所需的技術機關等等，使它可以根據各種場合的需求，個性化地調整音響效果。舞台的後方頂端有大約3排圓弧狀的席次，2樓兩端近的包廂非常接近舞台，或說簡直在舞台上端，這樣一來，演奏家細微的表情變化一覽無遺。
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特別企畫 Feature 巡演終站⮕法國．巴黎香榭麗舍劇院
1913年5月29日，俄國作曲家斯特拉溫斯基與編舞家尼金斯基為俄國芭蕾舞團創作的舞劇《春之祭》在巴黎香榭麗舍劇院（Thtre des Champs-lyses）舉行首演。演出不久，觀眾因尖銳、不諧和的音樂，以及轟轟的吵雜節奏而暴動，身著俄羅斯民間傳統服飾與奇異裝扮的舞者，完全顛覆巴黎人對芭蕾舞的印象，不少人甚至奪門而出，隔日樂評更是大肆抨擊。一個月前才開幕的香榭麗舍劇院，劇院經理阿圖克（Gabriel Astruc）與當時的前衛藝術家有緊密的關係，於是大膽排演《春之祭》這齣驚世駭俗的作品，不僅讓該劇一戰成名，亦讓被認為是現代建築標誌的香榭麗舍劇院在歷史留名。 香榭麗舍劇院，雖取名香榭麗舍，卻不在同名的大道上，而是在附近、精品聚集的蒙田大道，離塞納河不遠。劇院內有3個廳，主廳（Le Salle）是半圓形、鏡框式舞台的表演廳，樸素的舞台上方有管風琴的音管，每層樓有著優雅的弧型線條，4層樓的座位，圓頂的天花板，以簡單線條的新藝術花朵造型為中心，圍繞著同風格的畫作，簡潔的設計，讓這可容納1,905人的廳顯得雅緻與大氣，相較於大眾熟知的巴黎加尼葉歌劇院，紅色的座椅更為舒適，空間更為寬敞，無論聆賞音樂或舞蹈，都很自在。另外有兩個廳，是3樓的喜劇廳（Comedie）可容納601人與5樓可容納230人的小廳（Studio）。建築外牆樸素的水泥飾板與強烈的幾何線條的建築造型，在裝飾藝術（Art Deco）流行的年代，顯得特別。雖然它沒有加尼葉歌劇院的華麗與皇家的貴氣，卻是20世紀現代建築的先聲。欣賞完演出後，走到塞納河邊，寬敞的視野與徐徐的涼風，令人心曠神怡，一場美好的表演亦永存於心。
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特別企畫 Feature各國媒體盛讚，NSO音樂現場直擊人心
一趟巡演，並非從出發的那一天開始，它的成功與否，從行前就決定了一半。2024巡演，NSO自規劃完成到啟程之際，從宣傳、售票、登上舞台皆同時向外傳遞訊息，因此從預備上路起，大量的資訊即燦爛如花。在台灣的行前音樂會之時，即有法國評論家飛一趟台灣搶先聆聽，訪問小提琴家黃俊文、作曲家李元貞，並實際走一趟美濃，體驗台灣風情。德國古典音樂權威雜誌《Das Orchester》在粉專上公布NSO的歐巡消息，媒體《Kultur Leben》也大篇幅採訪巡演獨奏家黃俊文，談論樂曲、演奏細節。 此次巡演，NSO在不同場次分別與3位獨奏家合作。來自台灣旅居美國的小提琴家黃俊文，以精湛的琴藝打入美國古典音樂市場，並且迅速在國際樂壇獲得高度評價。出生喬治亞現居巴黎的鋼琴家卡蒂雅．布尼亞季什維莉（Khatia Buniatishvili）亮麗的外型及自帶的明星光環，目前是歐洲古典音樂的寵兒。年方18的俄國鋼琴家謝沃洛德．扎維多夫（Vsevolod Zavidov）亦已在國際大賽中表現優異，人氣逐漸攀升中。 謝沃洛德．扎維多夫雖只在瑞士巴賽爾音樂廳演出一場，卻獲得瑞士媒體《AMG》極高讚賞：「他表現得如此自信，彷彿他已經這樣做了30年，充滿感情，但更重要的是：強勁有力。強弱音段使整個音樂廳、鋼琴和鋼琴家本人都震顫起來，深深地觸動著聽眾。更瘋狂的是你從來沒有感覺到扎維多夫在極限挑戰中，他似乎隨時可以自如地增加更多的強度。」同樣的美言也在樂團的配搭上，作者更讚賞他們是：「巴塞爾市音樂廳過去幾個月中最好的管絃樂團表演之一。」並表示：「無論是管絃樂團還是鋼琴家，都以一種強烈而精準的方式演奏，使許多人臉上都帶著熱切的驚愕表情。」安可曲《來自福爾摩沙的天使》之後，作者更感動地認為一向被視為缺乏前景的古典音樂，在這絕妙的結尾後，「再次證明了它依然充滿著生機。」