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劇場
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聚光燈下 In the Spotlight 演員王肇陽 表演，是我衍生出來的東西
「這裡讓我非常自在，可以放鬆地聊、自然地說出我想說的事情，有些場合我不行，會顧慮很多，在這裡不會。」王肇陽坐在中和華新街的清真雲南小吃店裡，邊啜飲著奶茶邊說。一向喜歡小吃與路邊攤的他，2023年結束馬來西亞與台灣合製的《同棲時間》吉隆坡演出後，仍著迷於那裡的食物風味與生活節奏。 王肇陽，彰化人，37歲天蠍座A型，母語台語，INFJ提倡者（編按）。自我介紹時會把職業定義為「自由演員」，不是劇場、影像，或是任何其他特定類型的表演者。「自由」聽來無邊無際，但認識他的人就知道，這兩個字若發生在他身上，那就必然代表著深思熟慮後的選擇。細數他的表演經歷，若從2011年退伍後第一檔正式售票演出《迷彩馬戲團》開始，王肇陽在表演領域的資歷已近14年。 追求有限度的自由，讓表演成為一件工作 現在的王肇陽，似乎少了一種憤怒感，像是在某些轉折後，來到職涯人生的另一種階段。 「最近幾年聽到有人說，表演其實是一件很自私的事情，現在對我而言，好像比較是這樣子，是一種自我追求，純粹是我喜歡透過表演，得到一種很自由的感受。」他突然切換語速模式，興奮地分享從日本旅行放風回來的見聞，那是一間在樂迷之間很熱門的爵士俱樂部「Blue Note Tokyo」。講起這個難忘的夜晚，他慵懶的身體瞬間充滿能量。他與朋友是臨時起意的造訪，那晚的主要表演者是美國爵士鋼琴家Billi Childs，搭配3位不同國籍的樂手演出。這是王肇陽第一次到專門的場地欣賞純粹的爵士音樂表演，看完後激動得難以名狀，感動不已。爵士樂由樂手的個人風格出發，同時探索樂曲的各種可能性，在台上表演者彼此有基礎共識的狀態下，遊走在音樂的語境裡，與同台夥伴靠近或比拼，沒有過多的預設，卻處處是專業。 這般帶著規則卻同時擁有無限自由的演奏方式，喚醒王肇陽心底對於表演理想的圖像。「我坐在台下，默默覺得，能夠這樣跟自己視野、想法差不多的人一起演出，真的是好像在飛！這種機會真的太難得了，我好希望以後的合作都可以像這樣，這是身為表演者應該都很想追求的事情。」 能夠好好表述自己在職涯所追求的狀態，當然也曾經迷惘過，在這個產業誰沒有呢？剛入行不久，王肇陽便順利接到國際大型製作的巡演，有資源的劇組把每
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關於戲劇的五四三串流、短影音與實體演出
根據臉書粉專「葉郎：異聞筆記」指出：「Netflix大力道投資韓劇雖然即時解除了韓國內容業者在中國政府禁韓令後的市場危機，卻帶來了新的製作成本通膨問題。出手大方的Netflix動輒給予韓國明星兩三倍的演出費用，讓本地業者只能咬牙提高製作費用，並被迫減少製作案的投資數量來因應。如今有些韓國明星的開價已飆到1集10億韓元的天文數字，而一檔韓劇的平均預算也因此突破400億韓元的水準。反應在產量上，Tving（編按：韓國的串流平台）在2022年推了13部新電視劇，而到2023年的數量攔腰減至6個。Wavve（韓國本土串流）則是從 4部新電視劇，縮水至2023年的2部新節目。」 最近大舉進軍台灣，透過補貼大撒幣一舉成為Momo 與蝦皮競爭對手的韓國電商巨人「酷澎」，正仿效著Amazon的會員機制，將可能一舉成為最大的串流服務。而國際平台進入後拉高整體製作規模、造成預算緊繃，也早已在台灣發生，市面上起碼三、四十部賣不掉的劇不掉多少是因價碼不夠好無法cover成本，以及如果不是賣給國際平台，幾乎沒有能見度。而短影音或者社群，會成為推升觀看某部電影、書籍或者劇集的推手，「芭比海默」現象，或者日本書店出現的「＃Booktok」（指在TikTok上以短影音推廣閱讀引起讀者興趣成立的實體銷售區）專區就是最好的證明，如果不以「抖音一響父母白養」的角度來討論，TikTok的確可以帶起群眾參與的熱潮。幾乎可以等於說，在資訊爆炸的年代，如果沒有在社群上成為一個話題，幾乎就很難帶來相對應的報酬，而成本極為高昂的影視產業，如果沒有報酬幾乎無以為繼，至少目前為止，也只有串流的龍頭Netflix有賺錢，但它已不需要再增加那麼多內容，就已確定得到足夠多的用戶。而對於劇場的演出，會有什麼影響呢？首先，你可以在Disney+上面看到《漢彌爾頓》的正版，也可以在 N 上面看到《倒數時刻》，一部改編自《吉屋出租》（Rent）劇作╱作曲強納生．拉森（Jonathan Larson）的音樂劇電影，甚至，你可以在專注於同志影音的Gagaoolala上面看到我與前叛逆男子劇團合作的 2019年版本《新社員》，串流要打開群眾，當然就得在多元與主流中取得平衡。當然，關於二倍速觀看是否已成常態、比起追劇更在乎自己的時間成本，甚至不怕被暴雷，暴雷反而更增加觀看意願等等，已經有非常
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挑戰邊界過度自由
這些演員們沉浸在表演裡，確實表現出每個動作的力度，但我知道他們不會在演出中真的觸碰到我，這種身體的近距離反而導致了內心感受的疏離。有時候，藝術作品需要更多空間，讓我們能夠更全面地觀看和感受它。
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回想與回響 Echo從演出謝幕之後談起
「謝幕」的理所當然 在劇場漫長歷史的大多數時間裡，並沒有「謝幕」這件事，演員在演出結束之後，不會回到舞台上，接受觀眾表達謝意的掌聲與鼓譟。依據劇場史家的研究，我們現在習以為常的「謝幕」，大約開始於19世紀初期的歐洲劇場，其緣起並不是演員的意願，而是應觀眾的要求而生，甚至會有拒絕「謝幕」的演員，在離開劇場回家的路上，遭到「憤怒」觀眾的追逐。 當「謝幕」在19世紀流行開來，終於成為表演者與觀眾共同接受的慣例與默契，大約再沒有人會對「謝幕」的必要性，或對「謝幕」的意義舞台上下兩方對彼此表達謝意，有所疑慮，或抗拒，無論我們對演出本身的評價如何，都可以接受謝幕作為演出一部分，對舞台上下雙方的重要性。 換言之，我們都認為演出結束之後的謝幕，是理所當然的事。 但，「謝幕」這件事，真的是這麼理所當然的事嗎？ 在音樂劇《熱帶天使》的謝幕之前，我也沒有想過這個問題。 「謝幕」之可為與不可為 7月30日，臺中國家歌劇院，《熱帶天使》演出結束之後，就是一般性的謝幕：演員依照事先編排的順序與方式上場，回應觀眾的掌聲，編導上台與觀眾分享創作心路歷程，發表感謝名單，同時如莎士比亞時代的報幕人（chorus）一樣，跟觀眾提示作品主題的重要性。接著，編導宣布演出團隊特別為當天觀眾準備了「彩蛋」：男女主角演員在第一次謝幕之後悄然下台，此時換穿正式禮服再度上台，與觀眾分享他們如何因戲結緣相戀，最終走入禮堂的精采故事，並且將要迎接新生命的到來！在全場觀眾的哄然之中，開始播放兩人交往的花絮影片，劇場頓時變身為婚宴廣場，「謝幕」也不再只是「謝幕」。 《熱帶天使》的謝幕活動，雖然特別，但其實不是特例，而是本地劇場近來某種趨勢的展現：演出謝幕段落，愈來愈複雜，也愈來愈不「單純」，開放、鼓勵觀眾拍照打卡上傳，邀請觀眾同框合影，編導上台分享創作心得與周邊商品訊息，幾乎已是常態，唱名感謝贊助廠商，宣布票券摸彩中獎名單，「支持藝文」與「業務配合」無縫接軌，已無扞格，劇場會不會真的不再只是「劇場」？ 另一個愈來愈常見的趨勢，是編導在上台與觀眾分享創作歷程的同時，會不厭其煩地跟觀眾說
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聚光燈下 In the Spotlight 劇場創作者蔡柏璋 生命裡的課題，都源於劇場
《Reality No-Show》，是蔡柏璋「回到」劇場之作？ 聽到這個問題的蔡柏璋露出不置可否的神情。與這個問題連動的是「告別」之作台南人劇團在2017年推出的30周年作品《天書第一部：被遺忘的神》（後簡稱《天書》）；不過，他說：「那個時候我從來沒有想說要告別。」 當時的他早就規劃好、並獲得獎助計畫，在完成《天書》和雲門2《春鬥2018》後，就要去國外駐村到2019年；不過他也明白新聞、行銷下標所需的聳動，就沒多說什麼。或許是告別之作的推波助瀾，《天書》招致的批評遠超乎作品本身，甚至夾帶了針對蔡柏璋的人身攻擊，成為生命裡很大的創傷。 他說：「這個創傷現在回想都會覺得太小家子氣了，可是那時候還真的走不出來。我真心覺得全世界的人都背叛我。我知道戲有好看跟難看，即使是覺得難看的東西，我好像也不需要這樣被人踐踏。」接著說：「最關鍵的想法是，來罵我的、來攻擊我的這些人，因為是匿名，所以是用小的群眾去『借代』大的群眾面貌，現在想想是很不公平的，可是當你很脆弱的時候偏偏就會這麼想；甚至是，如果你是這樣子看我的作品，那我可能再也不需要去認真看待過去人家對我的讚美或稱讚，一樣都是虛無的。」 說不上是告別，但蔡柏璋真的去休息了。 2018年之後的他，與台灣、與劇場拉開了距離。現在想想，反而是珍惜COVID-19疫情前那段可以自由旅行的時光，「走了兩年才離開這個陰霾，可是現在回頭看，會覺得好感謝。」他用「幸運」描述了當時做完作品的一塌糊塗。 以真相作為主題的《Reality No-Show》，確實來自於當時經驗，也同時告訴蔡柏璋劇場，對他的重要性，關於自卑卻也自信、堅強卻也脆弱的自己。
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看戲不忘電影楊德昌的劇場身影
在這次展覽中，還能看見楊德昌與表演藝術的淵源，除了展示1988年開始在國立藝術學院戲劇系任教的聘書，還有4齣較少為人所知的劇場導演作品。因為只有1992年的《如果》在皇冠小劇場公開演出，1993年在君悅酒店JJs俱樂部演出的《成長季節》，是《獨立時代》開拍記者會前的演出，另外1997年的《九哥與老七：九七狂想》與2000年的《實驗莎士比亞：李爾王》都是在香港演出，若對楊德昌舞台劇創作好奇，可在這次展覽一次補足。
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藝@書幕起之前，神聖的半小時
資深舞臺劇和電視演員邁克爾．科斯特洛夫（Michael Kostroff）與朱莉．加尼耶（Julie Garny）合著的新書《劇場演員大補帖：百老匯演員手把手教你劇場潛規則與禁忌，一本搞懂戲劇職人的神祕世界》中譯本於今年6月出版，以演員角度，揭開百老匯的各種秘辛，淺顯易懂（且苦口婆心）地說明演員的的工作倫理、注意事項，堪稱演員教科書。書中也介紹了趣味十足的劇場禁忌與迷信，比如演員們上台前半小時都在做什麼？如何成為一個好觀眾？莎士比亞的《馬克白》被認為帶有詛咒？以上這些問題，科斯特洛夫都給了答案，不只讓內行人看門道，也讓外行人看熱鬧。 下文摘錄書中談論演員在演出開始之前的部分段落，也讓讀者一窺演員的自我修養，與大幕開始前30分鐘，演員到底在做些什麼事。
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是因為在劇場中發生所以我覺得美好，還是這本身就是美好的
或許是因為是劇場，所以即便是一個倉庫般的地下室，都能夠是一個無限擴張的宇宙現場。是因為這能夠在劇場中發生所以我覺得美好，還是那本身就是個美好的發生；或之所以我覺得美好，是因為這裡是劇場，這與劇場關聯，還是，這本身單純就已然是美好的。有的時候我分不清楚，很多時候，我都分不清楚。
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特別企畫 Feature感覺亞洲
亞洲，西方的製造，駁雜的地緣，反抗的痛史，理念的叢結。 可是宣稱「亞洲」，就足以走出一條非西方的自主路徑嗎？在台灣劇場的現代歷程，或許指向的更是對多重現代性的清算，在世界性的權力結構，以及混雜性的美學構成之中，篩出其間的殖性，以重認自己，再生產嶄新的動能。 故事難免從以前說起，總是關乎實踐與移動。接著下來，文化冷戰、海峽兩岸、南島、南向到新南向，亞洲及東方，這些彷彿約定俗成的詞語，架為層層密密的文藝網絡，大敘事從未消亡。但身體實踐作為劇場的本體，正可以是穿越迷霧的想像的飛行器，在大敘事覆蓋的系統之內，戳出一洞又一洞異質的孔隙。 感覺，定義之前的探索；亞洲，名詞之外的行動。
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攝影手札故事裡的答案。
與舞台上保持著一段距離 也維持著一段關係 起初是想找答案 而開始聽人們說故事 愈聽愈多 似乎離答案愈來愈遠 也因為怕忘記 所以開始拍攝 捕捉故事的碎片 或是幻想 也許不說完 就可以成為別的故事 劇場裡 每個人都流露著情緒 無論是演員還是舞者 大家都做著同一件事情 用自己的身體、情緒還有聲音 說著各種各樣的故事 使我沉迷 透過鏡頭 看著故事的發生 攝影是安靜的 站著遠遠的看 可以看得愈清晰 可能最後不會有答案 但 我最後聽了也看了很多的故事
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編輯室碎碎念 Editorial編輯室碎碎念
大家好，我又來了。這期的主題要和大家分享許多藝術教育工作者透過各自的行動對特殊境遇青少年帶來的影響。藝術是滋養心靈的力量，為處於特殊環境中的年輕人帶來改變、希望和發展的機會。 美國管理學大師史帝夫柯維曾說過一個故事：「地鐵上的一位父親放任自己的孩子在車廂裡大吵大鬧，直到旁人上前質問他為何不管小孩，他才說因為他的太太剛剛過世了，他也不知道該怎麼辦⋯⋯實在是無能為力了⋯⋯」這個讓人心疼的故事談的是觀念的移轉觀念改變，看事情的角度才能有所不同，而觀念和品德息息相關。從事藝術教育工作，特別是要陪伴青少年，很多時候我們要找到隱藏在冰山底下的核心需求，才能找到問題的根源。吳靜吉博士也曾告訴我學習戲劇是為了「成為一個完整的人」，認識自己、同理他人，並學著用多元的角度看世界與人生。青春期的我在缺乏愛與關注以及充斥暴力的環境成長，自小就是師長眼中的頭痛人物，打架，蹺課，放火燒教室，高中操行不及格被退學成了中輟生，因此流浪街頭、為非作歹，更差點誤入歧途，那樣的晦暗青春就如同許多真實存在的特殊境遇青少年一樣，渴望被承接、被溫柔對待。幸運的是，當時的我遇見了啟蒙老師張皓期，把我帶進劇團工作，改變了我的生命軌跡，因為遇見「劇場」把我從「不是坐牢，就是死掉」的命運中拯救。 那些可能與我感受相同的青少年，無論是面臨經濟、身心或社會挑戰，都可能在生活中感到無助、焦慮和孤立。被貼上標籤的所謂「問題少年」，其實只是被問題所纏繞。劇場能為他們打開一扇通向創造力、表達和自我發現之門的窗，讓這些年輕人因藝術獲得一個探索自身身分和情感的媒介，喚醒內在力量，使他們能夠超越困境並找到對自己的盼望。 這些年來，青藝盟串聯社會各界的資源，藉由「花樣戲劇節」與「風箏計畫」從單一的投入到擴大戲劇影響力的建構，讓更多找不到方向、或是處於社會安全網邊緣的青少年，在劇場成長並相信自己的人生也能綻放光芒。 我相信，只要能多帶一個孩子回頭，台灣的未來就有機會變得更好。
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攝影手札走進劇場的曾經
如果觀看表演是一種享受，可以拍下表演時隻字片語的瞬間，絕對是另一種快感。每個表演的呈現，是每一個創作者、表演者及無數默默工作人員所展現出來的美。在光影變換、故事人物流轉、時節更迭中串聯起的一點一滴，絕非瞬間。但拍下屬於自己的瞬間總是帶來無可取代的回憶，如走進帳篷中看到既生活又疏離的遊走，或是台上舞者飛舞伴著落英繽紛的悵然，抑或是台上盪氣迴腸的時代變革引來的淚眼矇矓，雖說在病毒入侵電腦後，有的照片已蕩然無存，但感受與記憶依然深刻入心。每次拍攝演出時光所帶來的一切，好像也跟著體驗了無數的人生變化。舞台表演的魅力在現場是最可見的，不論那一種演出類態，都是獨一無二。經典雖有再製的可能，但屬於我和演出者那當下的氛圍，仍是場場不同。劇場內的輪轉是如此真實又魔幻，沒了時間、空間的限制，放肆地讓自己隨心所欲徜徉的，也只有那個短暫的璀璨瞬間。
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攝影手札時間地敘積
快門作為視覺總和的瞬間，記錄了無數秒間當下，攝影本我自述的世界觀、源於創作者的概念、演出者的情感及表演動能，比起最終那場獨一無二的完美構圖，每一次的攝影，都仍思索在這過程中，有什麼隨時間流失而未完成的記錄？在看不見的角落中，還有更多嗎？ 劇場內迷人的是反覆排練所累積的時間，建構彼此的總和，我情衷排練時走進劇組，尋找彼此創作的核心，遇見不同的過程；日常則流解在隨身經過的風中，拍攝成為與相遇的暫別，你無法時時與四季纏綿，但仍期盼累積下一次相會。時間是我們目前最能計量的共同單位，也是在繁複的旅程中最容易丟失的：我在想，攝影凝結了輾轉思辨人生的一種跨度。 註： 名稱也意表指時間╱在地╱蓄積，照片不應僅止於框景，透過不同的時光流程，輾轉變貌成不同的時空嫁接。 繁複的升降吊桿，是機械幕後數學小數點及指關節的操作、升起鐵捲門要同時彎腰的登場、等待平交道的每1分鐘，火車已經多行2公里，而等待在不同地域也相繼存在與消失。數時段排練，都為了演出那時片刻。
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練物闢煙機
劇場或是各類現場演出類型的效果中，有一個特殊的視覺效果叫做煙，這個效果可以造成隱蔽、忽隱忽現，及讓光被看見，而且隨著空氣的流動，還會造成各種風景，使得原本在室內的表演空間也可以有像是戶外的錯覺。 煙，是一個介於看得見與看不見的物質，存在於空氣中，隨著不同的來源內容，可能會上升，可能會下降，例如乾冰。而光因為無法穿透，所以就會產生像是雲一樣的畫面。更多時候，為了看見光本身，還要放出煙，才能夠顯現光的形狀，因為光本身無法被看見，所以當我們在劇場中看見「一道光」打在舞台上，實際上並不是看到光，而是看見光打在煙上所顯現的樣子。 「煙機」就是將這些物質產生的設備，將煙油加入煙機後，舞監在控台下指令，接著煙機就加熱，讓煙油產生煙，並且被吹往出口，一群一群煙小孩就從那小小的管道被嘶嘶地噴出來，它們原本集中在一罐桶子，後來像是火箭發射器一樣，將這些小孩彈出去，飛到空氣中準備進行一場日光浴。讓原本皮膚白色的煙小孩，在劇場中的9個太陽照射中，變成一片片機機喳喳的雲朵。 劇場像宇宙一樣是黑色的，而那些白色的煙小孩和太陽們讓劇場的黑，有了不同的顏色。也因爲它們是白色的，所以當太陽們換了一個顏色，像是夕陽般的橙紅色，孩子們也同時被染色，那一片潔白無垢的白雲，就變成了一片絢爛晚霞。而這些美麗的彩霞都還是這群孩子擠在一起的風景，隨著它們獲得了飛翔的空間，孩子們四散到劇場的各處，於是雲層散去，天上地下都可以看到它們被陽光染上的顏色，好像整個世界都是彩色的。隨著后羿舞監把一個個太陽熄滅，漆黑的劇場宇宙裡，剩下1座像是三角錐般，被這些孩子們占據的光塔，光塔裡站著一位老者，訴說著他的話語。如果只有太陽和老人，我們只會看見被染色的老人，但因為這些孩子在他身邊跳舞，於是我們看見了他周遭的空氣顏色。 在劇場中，煙機藉由汽化煙油所噴出來的煙霧，可以做到視覺上的動態遮掩，讓煙霧後面的人或物產生若隱若現的美感，如同薄紗般地讓場上的一切都變得更美，燈光打下去還能讓整個空間改變，整個空間視覺就像是讓觀眾戴上了濾鏡，隨心所欲地控制空氣與氛圍，除了美化，當然也可能被醜化或其他可能性。 和煙一樣，水也是光的介質，而且還能改變氣味，雖然本身沒有味道、顏色，也不吸引人，但當我們加上了各種化學調味劑，就可以有了不同的味道，可以是檸檬水、咖啡，也可
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蜉蝣ㄘㄗ
《劇場》裡的劇場
主角緘默，觀眾要從現成物去辨識，一九六五年創刊的《劇場》雜誌字體還活跳跳著，十本鎖存於展框裡，不知誰說話：「徵求你做我們的演員。只要你覺得你可以。只要你不敢開口向我們要錢要飯要車票。你可能演的角色，看演出預告便知。」哈，這不就是今日素人演員open call嗎？截自雜誌裡的文字，回聲式轉回半世紀前，半世紀後素人、樂齡當道，沒想到先輩口氣卻如此叫囂挑弄。
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最近在忙什麼
「最近在忙什麼」──這似乎是稀鬆平常的對話起手式，但經常，我不太知道怎麼聊這件事；常常在想還是來做件T恤，上面詳列近三至六個月乃至年度的工作項目與規劃，參與什麼劇組，順利嗎正在經歷什麼問題？投了哪個補助案，上了或是沒上，知道原因或不知道原因；正在跟哪個場館單位互動；經歷什麼樣的製作技術資源環境系統問題；被什麼人搞到或被什麼人拉了一把；我的感受是喜悅、是不爽、或是厭世、或是欣慰等等（覺得被打敗了／覺得意志堅強／覺得被療癒了／覺得豈有此理）。內容定期更換隨時補充，在各式工作、看演出、大小劇場相關活動的現場穿著，在遇見同業先進後輩友人時，問起：「最近在忙什麼，還好嗎？」派上用場。
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藝活誌 Behind Curtain
不只來看戲 藝文複合空間大挑戰
劇場不只是劇場， 要有茶、有酒、有咖啡， 買票不只來看戲， 也能看書、嚐美食、逛設計。 文創不只賣商品， 還能扶持、相助、共打拼， 園區不只拍張照， 讓遊客多看、多聽、多學習。 希望更加親民的國家劇院， 卅歲，加入戲台咖改換空間； 成為觀光新景點的臺中國家歌劇院 剛開幕，就有好樣美學加持。 被文創環伺的松菸園區， 靠「原創力」奪得好評； 由企業接手的傳藝文化園區， 激起來訪者自發參與的心。
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總編輯的話 Editorial
大劇院，新藍圖
一九八七年，兩廳院落成，是台灣第一座國家級的表演場館。卅年後，隨著臺中國家歌劇院的正式營運和即將落成的高雄衛武營國家藝術文化中心，長期南北傾斜、僧多粥少的表演藝術生態，即將重新翻轉。再加上臺北表演藝術中心、臺灣戲曲中心，台灣將新增四座擁有千人席次的劇院，總座位大增近一萬四千個。面對大劇院時代的來臨，場館與場館、場館與團隊、場館與觀眾的關係，都將全面改寫，我們如何勾勒大劇院時代的新藍圖？ 以場館之間的互動而言，兩廳院、臺中國家歌劇院與高雄衛武營國家藝術文化中心，是國家表演藝術中心轄下的三場館，在「一法人多館所」的組織架構下，除了要「異中求同」，尋求合作機制，共同把表演藝術市場的餅做大，同時必須「同中存異」，兼顧在地觀點，塑造場館的品牌特色。相較於資源豐沛的大劇院，中小型劇場如何自我定位？個性鮮明，更顯重要，像是新北藝文中心以音樂劇為重心，水源劇場提供長銷式節目演出，牯嶺街小劇場的亞洲串連，各擁有明確的發展策略。 劇院多了，節目需求量大了，表演團隊與場館的關係更形緊密，合作模式將有別於過去：委託製作、共同製作，甚至串連多地劇場、以連鎖院線的方式進行簽約、執行巡迴，都會因大劇院時代而生。例如，「國家表演藝術中心場館共同製作計畫」即是北中南三場館串連，以千萬製作費徵求國內團隊共製作品。值得思考的是，因應新場館的舞台規格與觀眾席次，未來勢必有更多大型製作的產生。然而，躍上大舞台對國內創作者而言，是一展身手還是被迫「升級」、「長大」？ 觀眾在哪裡，是大劇院一開門，就得面對的問題。以往，演出集中在北部，要看表演得「北上」；如今，演出北中南遍地開花，造成了觀眾南北流動的現象。表演藝術板塊位移，票房是否也跟著分散？對表演藝術重度觀眾而言，票價加上交通、住宿都是成本，觀賞節目更得精挑細選。如何吸引更多觀眾走入劇院，考驗劇院經營的能力，深耕在地、加強地方連結並且開發觀眾，雖非一蹴可及，卻是長遠之計。 本期特別企畫，邀請場館管理者、團隊經營者、創作者，共同針對大劇院時代提出他們的建言與想像。同時以擁有百年歷史的英國劇場為對照，從教育、文化地標、永續環境等面向，梳理劇院的社會責任。而邁入卅周年的兩廳院，在新場館如雨後春筍般出現的當下，如何迎向新的挑戰？本刊也特於國家兩廳院邁向卅歲生日之際，專訪藝術總監李惠美，提出她對兩廳院
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紐約
外百老匯求「升級」 藝術實驗性慘被犧牲？
不同於前代的藝術家甘之於蝸居在下城和外百老匯圈子，今天的外百老匯劇場，一站穩腳步，就想向百老匯進軍。最近不少外百老匯劇團蓋了更好的演出場地，但也有評論擔憂，這些劇團因為新工程背負了沉重的財務壓力，加上又要與百老匯競爭，在作品的選擇上，會不會走向保守和商業化？
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特別企畫 Feature
西葡關鍵詞130—音樂、舞蹈、文化生態、劇場
西班牙 音樂 72. 法雅（Manuel de Falla，1876-1946） 作曲家。音樂結合了西班牙民俗文化和在巴黎學習到的印象樂派技法，創造出獨特的音樂魅力，法雅的成就在於把西班牙傳統音樂成功地匯入世界。著名的作品有：1905年發表的歌劇《短暫的一生》、1915年的《愛之魔術師》，1919年的《三角帽》以及鋼琴協奏曲《西班牙花園之夜》。 73. 阿爾班尼斯（Isaac Albeniz，1860-1909） 作曲家及鋼琴演奏家。年輕時遊歷歐洲各國，博採眾家風格，但取材絕大部分來自西班牙，因此成為廿世紀初現代西班牙樂風的代表。著名的作品有：《西班牙組曲》，樂曲中使用了大量的西班牙元素，包含了舞曲、歌曲、幻想曲等樂種。還有最著名的《伊貝利亞組曲》，這是阿爾班尼斯晚期的代表作，樂曲中不但充分運用西班牙民族特殊的節奏與和聲，也融入了法國印象樂派及浪漫樂派的內涵。 74. 葛拉納多斯（Enrique Granados，1867-1916） 十六歲時獲得「巴塞隆納音樂院」的鋼琴比賽首獎，之後前往法國巴黎學習作曲。回國後，以鋼琴家身分公開演出，他的作品有歌劇、管弦樂，但以鋼琴曲最出色，鋼琴小品《十二首西班牙舞曲集》，深情的西班牙民歌旋律，和強烈的民族舞曲節奏，獲得了眾人的喜愛。葛拉納多斯著名的代表作品《哥雅畫景》，靈感來自於西班牙畫家哥雅的作品，之後更改編為舞台劇。 75. 羅德利哥（Joaquin Rodrigo，1901-1999） 三歲時因白喉病而失明，1927年前往巴黎，向著名作曲家杜卡學習作曲。羅德利哥根據西班牙濃郁的民間色彩音樂為素材，採用廿世紀作曲手法，創作出大量的音樂作品，有《在小麥田》、《方當果舞曲》、《遙遠的薩拉邦德舞曲》等，其中最著名的是《阿蘭輝茲》吉他協奏曲。