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紐約
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紐約百老匯漸漸「好萊塢化」 傾向商業也愈趨保守
在台灣不時會聽到要創建台灣的百老匯的聲音，但如果在商言商，百老匯劇場本身並不是一個很好的生意。是的，以時報廣場為中心的百老匯商區看似人潮洶湧，也是所有觀光客都一定要朝聖的地方，但演出的作品平均只有四分之一能夠回本，這個殘酷的現實，可以從觀光客都知道買折扣票的TKTS票亭看出，每天電子屏幕上滿滿的折扣票，都是一個個沒有滿座的劇院。一家天天都有打折商品的店，應該不能說是生意興隆吧？ 百老匯生意難做，原因是成本高，從場租、人工、原物料、到市場宣傳費用，在紐約都要高於其他地方，但最根本的原因還是這是一個創意產業，而好的創意難求，創作者殫精竭慮的成果不見得一定能讓觀眾認可。為了吸引觀眾的興趣，百老匯愈來愈有好萊塢的走向。
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話題追蹤 Follow-ups姊妹咬蘋果 躍演紐約行（上）
2025年1月，躍演VMTheatre Company帶著台灣原創音樂劇《勸世三姊妹》登上紐約外百老匯劇院Theatre Row連演4場，《PAR表演藝術》總編輯黎家齊認為，這不單單只是把演出原封不動地挪到美國演出，而是為了外百老匯的舞台進行一定程度的再製。而這趟試演的起心動念、事前準備、落地執行等細節，究竟是怎麼發生的？《PAR表演藝術》編輯部特別邀請《勸世三姊妹》導演曾慧誠與製作人林易衡，一同來聊聊紐約之行嘗試將《勸世三姊妹》帶入百老匯音樂劇產製流程的過程與經驗。
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話題追蹤 Follow-ups姊妹咬蘋果 躍演紐約行（下）
而《勸世三姊妹》在紐約的試演無疑是成功的，這加深了團隊將作品推到美國市場的信心，「我們花900萬到美國的階段任務已經完成，確定要往下發展，其實有3個面向的問題要處理。」林易衡解釋，第1個面向是「版權」，因為要將《勸世三姊妹》這個IP進行改編，無論是編劇詹傑或音樂創作康和祥的版權，要如何授權給美方？是需要討論的。
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紐約，我準備收行李了說故事的台灣人
在百老匯，大小製作通常會選在薩迪餐廳（Sardi's）舉行開幕餐會，這裡也是許多知名人士開會的場所。這家歷史悠久的餐廳，牆上掛滿了百老匯名人的卡通肖像畫，彷彿守護靈一般，看顧著在此用餐的製作人、演員與創作者。薩迪的菜單與牆上的畫像一樣琳琅滿目，我翻來覆去難以抉擇，最後點了一道最普通的鮮蝦義大利麵，靜靜地與《勸世三姊妹》的劇組共享這次慶功，腦中則不斷回顧這週發生的一切。 進劇場裝台時，兩隊人馬的工作模式立刻顯現出差異。台灣人習慣高密度工作，一進到美國劇場，頓時像是威力狼追著嗶嗶鳥，停不下來，總想把該做的事一口氣完成。而美國的工作人員則顯得從容不迫，他們彷彿有一種底氣，相信事情終究會完成，不需急於一時。有位技術人員隨口丟下一句箴言：「進劇場就是要開心，不能帶著焦慮和怒氣，不然進來幹嘛？」我無法說自己羨慕這樣的從容，卻深刻感受到，一個產業的成熟，或許就在於能讓每個工作崗位上的人都安心且自豪地熱愛自己的職業，這絕非易事。 這樣的感觸，在與製作人討論作品的過程中，更得到了印證。 《勸世三姊妹》演出的場地 Theatre Row 約可容納100位觀眾，每一席皆彌足珍貴。製作人 Ken 和 Barbara 精挑細選邀請來觀賞的貴賓，除了美台裔觀眾，還包括不少當地製作人、創作者與業界人士，他們特意前來體驗「牽亡」的文化魅力。據 Barbara 所言，這場演出的風聲已遠遠超出我們的預期，甚至在百老匯圈內流傳開來：「有個來自台灣的挑戰者。」 首演當晚，有人看完禮貌鼓掌，也有人如台灣觀眾一般淚流滿面，甚至不乏外國人。我們收到的多數回饋指出，上半場的劇情鋪陳仍可加強，但下半場父女間的情感濃度，即使跨越語言與文化，依然能直擊觀眾內心。最讓我們信心大增的，是許多業內朋友特地向製作人祝賀，讚賞這部作品的音樂動人，且內核獨特。這是一項難得的評價，意味著他們不僅看見了「牽亡」的奇觀，也感受到其中的美。 這場演出，算是真正踏出了第一步。於是，我們開始討論下一步的計畫。 百老匯的運作遠比想像中繁瑣，合約中詳列了各種可能的情境，並將每一種作品使用方式對應到不同部門，確保所有參與者都能獲得應有的報酬。我想，這或許就是讓每個人都能愉快工作的基本條件。 接下來，我們需要找到一位編劇來完成全英文版
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紐約，我準備收行李了條條大路可能攏會當去
大伯公被我們砍半了。 在這篇文章刊出時間點，我們應該已經人在美國，正在與紐約觀眾直球對決，而台灣的觀眾也應該在1月的遊心劇場看過全新的外百老匯版本。我們預期大家會有些不一樣的感受，卻還不知道這些差異是好是壞。無論如何，這些回饋都將成為我們面對國際舞台的珍貴經驗。 在文化轉譯的過程中，有很多選擇要做，再不忍心也要下手。我們在和美國製作團隊一次一次的討論中，重新釐清了劇本還可能讓人迷糊的地方，特別是當遇到需要解釋的文化橋段，若一次、兩次無法說明清楚，那我們就會開始思考可能那是一道壁壘。不管是大家族裡的人物紐帶關係，甚至「靈魂過橋」對我們來說這麼簡單一個概念，可能都會讓國外觀眾產生更多與情節無關的疑問。 來自百老匯製作人丁墾有很清晰的訴求：「故事情節如果讓觀眾停下來思考為什麼，背後更大的隱憂是出戲。」 每一次的開會，都會感受到他並非在挑戰創作者的創作意圖或世界觀，而是將自己放在最直接的觀眾視角、提出一道又一道的各種疑問「周文王和彭祖」這個符號有必要嗎，有沒有其他說法？這段卡拉OK的戲，要交代什麼？台灣的鬼怕不怕日光，美國的鬼會在意這個嗎？角色口中的「時辰到了」又是指什麼時辰？ 討論到大伯公這個角色，非鬼非人的彌留狀態，和已經成鬼的角色產生了不同狀態的疊加，再加上這次需要有個英文說書人來協助串接劇情，原本大伯公在一旁說書講古的功能也會被取代，因此幾經討論，最後忍痛降低了這個重要角色的台詞量，也希望這樣的決定能更幫助我們更聚焦在女主角與父親的關係上。 我看著下半場開頭的劇本，宋國珍、宋家姊妹和大伯公在半夜惡闖街里的一段華麗冒險，歌隊精采的演出搭配著華麗的詞曲：「獻紙來你也燒錢去呀，獻紙燒錢是要買路去喔！」突然莞爾一笑，真的是燒錢買路！當初寫出這段精采歌曲就已十分銷神，但就因為這樣一個決定，可能即將會面臨不小的調整，除了感謝創作夥伴，也好在我們都依然為了創作這件事而感動不已。 我只願這樣的開發環境和溝通方式有一天在台灣也能成為日常：一位經驗豐富的製作人，敏銳地從觀眾角度發現創作中的盲點，準確地提出挑戰，但卻不刻意指引方向，給予創作者最大限度的自由，讓他們在創作中裡恣意揮灑，打造出屬於自己的獨特作品。並且投資方與團隊都能有共識將作品打造
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紐約黃翊《墨》巡迴美國 林肯中心演出受矚目
去年秋末，編舞家黃翊帶著新舊舞作在加州、德州、紐約市、北卡羅萊納州和邁阿密等地7個場館進行了11場演出，這是近年來除雲門舞集外僅有的台灣舞蹈在美國的大規模商演。黃翊和美國經紀公司SOZO合作10年，終於促成了這次巡演，這其中還包括了Covid-19造成的延遲，顯示了在資本主義的美國，即使是要打進非營利的表演藝術市場，還是要有耐心和毅力。 但Covid-19的影響也不完全是負面的。黃翊得以完成新作《墨》並列入巡演（另一半的演出是他的招牌《黃翊與庫卡》）。《墨》在紐約被規劃入林肯中心的秋季節目，而林肯中心在新藝術總監的提倡下，Covid-19後重開以來，所有節目都採用依購買者意願付費的價位，所以有1000多個座位的劇院，兩場包括週日晚場都賣得滿場，看來紐約人是不會放過任何一個好交易！
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紐約，我準備收行李了種出大蘋果的秘訣
紐約氣候宜人到讓人有點羨慕，秋季此時盛產蘋果，還記得以前學生時代，超市裡的蘋果各個爭奇鬥豔，甚至到了傳統市場，時常一逛就出不來了。 但此行來紐約行程滿滿、無法那麼悠閒，除了為了明年即將去到紐約演出的《勸世三姊妹》演出作前置作業，更是為了趕上一年一度、由美國音樂劇場聯盟（NAMT）舉辦的「音樂劇新品節」（Festival of New Musical），考察最新音樂劇的趨勢與作品風貌。 為期兩天的活動，主辦單位安排觀眾坐在《戲啊！出包惹》（The Play That Goes Wrong）平時演出的劇院中，趁著沒演出的空檔，以坐讀的方式看完了8齣來自全國各地的創作。創作者上台簡明扼要地介紹了自己的故事，讓台下觀眾都很清楚知道故事的賣點與核心，接著便是45分鐘的讀劇呈現，沒有燈光沒有走位，僅靠著紮實的創作打動人心。 這些作品中，有些已經在地方場館的支持之下發展超過5年，也有的作品曾經參加評選，贏下第一筆可投入製作的資金。現場也有來自各地的超過500位製作人或單位，包括韓國的投資公司，都坐在台下準備與作品展開直接對話，討論未來繼續壯大作品的方式，不論是邀演或是入股，每日節目後的交際應酬宛如小型的華爾街。 據主辦單位說，本屆光收件就收了500多件，可想整個市場環境背後的能量如何撐起個商業金字塔，但明顯地，他們也更願意花更多的時間等待作品長成，從這樣的環境中彷彿看到百老匯對作品的共同態度：嚴謹耕耘才能期待碩果累累。 每看完一部作品，我便和《勸世三姊妹》的美方製作人 Ken Dingledine 與 Barbara Darwall 一起討論、交換對作品的想法，並且交換著對明年製作的共識，他們指出，專業製作人的工作不僅是尋找資源，更是要能夠在文化差異與語言隔閡中，找到讓作品生存的關鍵點。 音樂劇不僅是藝術表達，更是一種與觀眾建立聯繫的方式。我們的作品應該如何在這樣一個競爭激烈的市場中脫穎而出，必須得先深入了解目標觀眾的期待，並在此基礎上進行創作。也因此在TECO（註）的協助安排下，我們趁著會議間的某日空檔，和在紐台人與劇場工作者進行了一次深度的對談，並且接受各方回饋。這些行程都在在提醒著我，尋找那個「鉤子」
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紐約紐約劇場界大規模世代交替 未來新風貌令人期待
是危機，還是轉機？紐約劇場界正在經歷前所未見的世代交替，將近10個劇團的資深領導人已經或準備退休，而其中至少半數是紐約最大的非營利劇團，還有4個擁有百老匯劇場，影響力不在話下。 擁有3個百老匯劇場和兩個外百老匯劇場的圓環劇團（Roundabout Theatre）是全美最大的非營利劇團，有10個製作拿到東尼最大獎（此指最佳新或重製音樂劇或舞台劇），在其60年的歷史裡，有40年都是由陶德．海姆（Todd Haimes）擔任領導人。但他在去年4月猝逝，得年66歲，有點出人意外。劇團最近宣布找到阿什利（Christopher Ashley）接任。阿什利只比海姆小10歲，算不得年輕新秀，但導演的音樂劇《曼斐斯》（Memphis）和《來自遠方》（Come From Away）都登上百老匯，具有區域和百老匯劇場的經驗，是他中選的原因之一。 林肯中心劇團的畢雪普（Andr Bishop）將在明年初退休，結束33年的領導生涯。林肯中心有一個百老匯和兩個外百老匯劇場，也得過至少10座東尼最大獎，又屬於林肯中心的一員，具有指標意義。 明年要退休的還有「第二舞台」（Second Stage）的創辦人羅斯曼（Carole Rothman），離開她經營了45年的劇團。第二舞台專演美國作品，可以是舞台劇或音樂劇，可以是新創也可是重製，著名的製作包括獲得普立茲獎的《近乎正常》（Next to Normal）。她的繼承人是46歲的卡布內特（Evan Cabnet）。 管理「曼哈頓劇場俱樂部」（Manhattan Theater Club）近50年的葛羅夫（Barry Grove）在去年退休，與他幾乎同時開始的藝術總監梅多（Lynne Meadow）動向也受到矚目。Signature Theatre的創辦人霍頓（James Houghton）在2016年過世後，藝術和執行總監都是後一輩的人。以首演《溫馨接送情》（Driving Miss Daisy）和《星期天與喬治同遊公園》（Sunday in the Park with George）知名的Playwrights Horizons劇院也在最近增加一個執行主任協助現有的藝術總裁。其他在過去幾年已經有過世代交替或正在進行的還有HERE Arts Center、Cla
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紐約轉型變裝皇后夜總會，沉浸式的《貓》起死回生？
誰會預料到今年夏天紐約最熱門的表演，是安德魯．洛伊．韋伯備受嘲弄的《貓》（Cats）？而且這個表演（Cats: "The Jellicle Ball"）不在百老匯，甚至也不在哪個以前衛表演知名的外百老匯劇場，而是在下城世貿中心911遺址上所建、最新的帕爾曼表演藝術中心（Perelman Performing Arts Center）！ 《貓》似乎不需要重新引介到觀眾的意識裡，原來的製作在倫敦演了21年，紐約演了18年，至今仍是兩地最長壽的音樂劇之一，在德國和日本也都有長壽製作。原導演崔佛．努恩（Trevor Nunn）改裝演出的劇院，讓觀眾感覺是置身於垃圾場裡，對許多觀眾來說，這是他們第一次接觸到所謂的「沉浸式演出」。 但許多評論家和圈內人一直都有點看不起《貓》，認為它純粹是譁眾取寵，風格多樣的歌曲是「大雜匯」。韋伯就詩人艾略特給他的孫子女寫的催眠詩譜成歌串成戲，當時就受到智慧財產權的嚴格限制，基本上沒有故事（這部戲沒有掛名的編劇），只好說是一群流浪貓每年一晚來選后，後來也大大減少了重新想像這個作品的可能性，2019年的電影版票房口碑兩失利，似乎證實了《貓》的局限性。
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紐約氣候危機抗議者 藉打斷演出表達訴求
對有些人來說，氣候改變地球暖化是當前地球最大的危機，但是人類沒有採取應有的行動來改善，所以他們願意用各種方式來喚醒人們的注意，包括毀損價值連城的藝術品。視覺藝術觀眾在過去幾年來已經非常熟悉向博物館內的藝術品潑漆的抗議行動（從過去的反毛草行動者學來的），但在過去幾個月以來，氣候抗議的行為也發生在表演藝術的場域內，分別是在紐約的大都會歌劇院和百老匯劇院裡。 去年11月，在大都會歌劇院一場華格納歌劇《唐懷瑟》的演出進行大約兩小時時，從兩側邊最高的觀眾席間，突然有人大叫「死的地球沒有歌劇」，然後垂掛下寫著同字樣的長布條。當這些抗議者被警衛帶離後，一位坐在一樓最好區的觀眾又站起來喊同樣的口號，直到被警衛帶離。這個抗議行動讓演出中斷近30分鐘，本來就已經很長的演出拖到近午夜才結束。 百老匯的抗議則是發生在《人民公敵》裡，這齣易卜生的名作是講一個小鎮醫生發現水源受污染而呼籲鎮民解決問題，這個製作有因電視劇《繼承之戰》（Succession）而竄紅的傑瑞米．史壯（Jeremy Strong）飾演醫生一角而票房滿堂紅（他也因此拿下東尼獎）。戲中最關鍵的一場戲是醫生在公聽會上舌戰鎮民，在3月的一場演出裡，一連有3位觀眾起身陳述氣候暖化的危機，因為這個製作是在一個觀眾環繞舞台的劇場裡，而且台上也有觀眾席，這場戲又有演員在台下，所以一開始很多觀眾都以為這是預先安排的橋段，直到劇院經理出面將發言者帶離，大家才知道這是抗議。
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焦點人物 旅美打擊樂家魯千千 揮舞琴棒、勇敢追夢
在紐約初見魯千千，俐落的髮型與時髦的打扮顯現出獨有的個性，言談間的大方和自信，與街頭的快節奏毫無落差。就在4月底的這天，她興奮地分享著剛獲知的喜訊在「葛萊美」這個擁有美國音樂界權威的獎項中，公布了「2023年十大爵士新秀」（10 Emerging Jazz Artists），而魯千千是唯一上榜的台灣音樂家。回想來時路，她苦笑著說：「如果當初我知道來這裡要經歷這麼多事情，會有多害怕啊！」 確實，印象中的她，留著長長直直的頭髮，在朱宗慶打擊樂團的二團中相當亮眼，卻也柔順低調。從小念音樂班的她，也一路從北藝大念到碩士畢業。在團體中，她演奏寫好的音樂，練著規定的棒法、打出一致的聲響，學習如何團隊合作。但她內心那不想安分的靈魂卻隱隱騷動著。她還記得，第一次走進創辦人朱宗慶的辦公室「討論」退團意願時，結果被慰留；第二次，她又帶著「討論」的想法，再度被說服；直到第三次，心意已決的魯千千直接說出她的「決定」，未料竟獲得朱宗慶的擁抱與祝福，放手讓她去闖蕩。
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話題追蹤 Follow-ups東亞在紐約起舞 疫情下的實體交流
新冠疫情進入第三年，美國防疫規定在維護公共安全和恢復正常生活的兩個考量之間拉拒，愈來愈顯得莫衷一是，凡是室內群聚的活動，不管是公司、商家、餐廳、學校、場館，主事者都得自己評估開與不開的得失風險。紐約每年1月舉行的北美表演場館研討會，往往有許多圍繞著大會的表演。在停擺1年後，原本準備重整旗鼓，結果Omicron爆發，再度打亂了陣腳，許多預先宣布的表演，都在最後一刻取消。只有日本協會有超過10年歷史的「東亞當代舞蹈節」，主協辦單位與演出者密集協商後，決定照常舉行。
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特別企畫（二） Feature
疫情起伏之間 各國劇場如何「開門」？（一）
本專題在策劃之初，台灣本土疫情突然爆發，劇場再度關門，彼時歐美正逐步解封，劇場也陸續開門營運，未料疫情一波未平一波又起，現在各國疫情又因Delta病毒再度升溫，劇場的重啟再添變數就讓我們邀請旅居各國的藝文╱劇場工作者，為讀者提供第一線的觀察，看看各地劇場如何面對這樣起伏變動、滾動調整
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紐約美國表演藝術界對以巴衝突戰事異常沉默
中東戰事開打已4個月，表演藝術界對這個可能對全球政經情勢有深遠影響的大事幾乎是毫無反應，這個沉默與近幾年對其他重大社會政治議題的反應，有很大的不同。像是「黑人的命也是命」、奧蘭多同志夜店槍擊案、蘇俄入侵烏克蘭等，大多數表演藝術機構都傳達支持的聲音，有時是在社群媒體上發文、有時是在演出前致哀、有時是在場地內外張貼標語等。這些很明確的立場表態，顯示了表演藝術工作者不願給人躲在象牙塔裡、自外於真實世界的疏離印象。 但這次的情勢很不一樣。在一開始2023年10月7日哈瑪斯襲擊以色列的時候，還有一些反應，像是紐約的大都會歌劇院演唱了威爾第歌劇《拿布果》裡的《奴隸之歌》，但隨著以色列的反擊造成大批傷亡和難民流亡，西方社會批評以色列的聲浪愈來愈大，表演藝術界反而噤聲了。沒有音樂廳、歌劇院、劇場在演出前聲明為死難者默哀，沒有特別的演出悼念死難者，沒有場所掛上巴勒斯坦的旗幟像掛烏克蘭旗那樣。藝術家私底下被公關公司、經理、演出主辦單位要求，不要對以巴衝突表示意見，連在社群上都要小心。 對比西方社會，表演藝術界的沉默顯得很不尋常。大學校園是反應最激烈的，示威抗議靜坐從去年開始就沒停過，劍橋大學甚至取消一場聖誕節前韓德爾神劇《Saul》的演出，因為主角是以色列國王。然而以巴衝突前因後果太過複雜，不管說什麼，都會得咎。柏林就有一個藝術中心，因為邀請了一個左派的猶太團體而可能失去政府的撥款。著名的視覺藝術刊物《Artforum》因為刊登反戰的聯名信，總編輯被迫離職。表演藝術直接面對觀眾，一不小心，不是得罪了這一邊就是冒犯了那一邊，只好三緘其口。
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紐約踩到中國紅線 《天安門：新音樂劇》男主角辭演
鳳凰城劇團的《天安門：新音樂劇》近期備受注意，並非因為這是全新的創作，而是因為傳聞有不少幕前幕後人員因擔心觸怒北京而不敢參與。劇組在8月下旬透過Playbill.com宣布百老匯演員Zachary Noah Piser將擔任男主角，第二天，人正在中國迴演的Piser就在他的IG上宣布「我已經辭演音樂劇《天安門》。」 業界都知道，要在Playbill宣布卡司是極為慎重的，肯定是所有合約都已經談成才敢進行，而宣布第二天，演員就打臉劇組，這是極為罕見的。由於Piser和劇組都沒有對此再做更多的說明，所有外界的討論都只是推測，但大部分的人都相信，Piser不是受到北京的壓力，就是自己擔心受到政治報復而退出。根據報導，之前也有劇組方接觸的導演和演員（都有華裔背景），或是因為擔心仍在中國的親人、或是擔心自己將來不能進中國而不肯接這個工作，似乎讓這個推測更加可信。 天安門事件是北京多如牛毛的政治禁忌中之大忌，不但不能有公開討論，在網路與社群上也是嚴密封鎖。《天安門》這部新戲，刻畫兩個大學生因為參與六四的抗爭而相愛，絕對會踩到中國的紅線。但這部戲既不在中國上演，劇組也絕不會天真得以為可以去中國演，雖然有吾爾開希掛名諮詢，但資金、人員都來自美國，為何要擔心北京的壓力？ 即使北京不施壓，光是演員的自我設限就是足夠的阻力，這在好萊塢早已是司空見慣，《華爾街日報》記者Erich Schwartel在《Red Carpet: Hollywood, China, and the Global Battle for Cultural Supremacy》書中就有詳細描述。《天安門》相關事件，是不是預示表演藝術圈也將開始屈服於北京的商業╱政治壓力之下？
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紐約舞台劇《排除》描繪好萊塢對華裔歷史的曲解
隨著電影《媽的多重宇宙》拿下多項奧斯卡大獎，Disney+強力推銷改編自華裔作家楊謹倫的《American Born Chinese》（楊紫瓊和關繼威也擔任要角），美國華裔似乎成為影劇圈的新寵。但華府Arena Stage上演的舞台劇《排除》（Exclusion）顯示，美國百年來的排華歧華意識並沒有消失，只是潛藏起來，當與「（白人）美國」的利益衝突時，又會浮現。 《排除》的中心人物是一個叫Katie的華裔歷史學家，她的美國排華法（Chinese Exclusion Act）歷史書被好萊塢相中，要拍成電視劇，然而在改寫的過程中，她發現與歷史相對應的部分被不斷改掉，像是華工被白人吊死，女裁縫的角色變成妓女，受壓迫的中醫師變成身懷武功絕技的復仇者等。當她質疑這與事實不合時，她的白人製作人只是不斷提醒她，這是電視，觀眾要看的不是「歷史的真實」，而是「情緒的事實」。 《排除》的劇作家Kenneth Lin自2007年以來已經有近10部舞台劇在全美演出過，正與作曲家Jason Robert Brown合作《霸王別姬》的音樂劇版。但就像許多劇場工作者，他也寫電視電影劇本，在Netflix熱門劇《紙牌屋》當過編劇，對好萊塢並不陌生。他的舞台作品《Warrior》、《Kleptocracy》都有政治的背景，《紙牌屋》尤其是講政壇的風雲詭譎，但《排除》的重心不是政治，而是好萊塢娛樂工業的公式化、膚淺化、利益至上的原則。因為走的是情境喜劇的風格，有些議題不能談得太深，白人製作人的角色刻畫說得好聽，做是另一套也有些落入陳套，但好萊塢乃至美國社會對華裔歷史的片面認識及曲解，擇其對己有利者所用的態度，仍相當清楚地呈現出來。
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紐約紐約愛樂終於迎來杜達美擔任音樂總監
經過可能是古典樂壇最長的追求期後，紐約愛樂終於追到了當紅指揮杜達美（Gustavo Dudamel），他將從2026樂季起擔任這個美國歷史最悠久交響樂團的音樂總監。 杜達美是21世紀崛起、至今聲望最高的新生代指揮。他在2004年贏得馬勒指揮大獎時才23歲；一頭爆炸捲髮、指揮時隨音樂全身舞動，深具舞台魅力；加上他出身委內瑞拉的國家音樂訓練機制El Sistema，對因為公立音樂教育不斷縮減而憂慮不已的西方古典界很有「禮失求諸野」的認同感，所以很快就成為樂壇寵兒。當時紐愛和洛杉磯愛樂都在尋找新總監，他被視為熱門人選，最後是西岸搶下這朵花魁。 10年後紐愛的葛伯特（Alan Gilbert）宣布不續任，杜達美再度成為第一人選。但他與洛愛的關係正是你儂我儂，更是難得好萊塢也賞臉的古典音樂家，何況紐愛固定演出的音樂廳改建一再難產，他沒理由跳槽，其他知名的指揮也沒人願意接這個燙手山芋，所以紐愛選了一個跌破眼鏡的梵志登。 梵志登就這樣不慍不火地過了幾年，他任內「聲量」最高的一件事卻與演出無關，是在2017年把柏黛（Deborah Borda）從洛愛請回來當大老闆。柏黛正是當年簽走杜達美的伯樂，所以此舉馬上引發諸多聯想。但要迎名駒入肆前，得先修好馬房；柏黛不愧是經緯大才，果然達成幾個前任都未竟的志業，趁著疫情停止演出期，完成這項5億美元的大工程，在去年9月風光開幕，但她隨即宣布將在一年後離職，震驚樂壇，讓人擔心當時還是進行式的樂監徵才會不會卡住。等到2月突然宣布簽下了杜達美，大家才知原來她是鴨子划水，一切盡在計畫中。柏黛臨走前終於幫紐約把這個乘龍快婿帶進門，可說是為近10幾年都有點消沉的紐愛，開啟了新的一頁。
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紐約女指揮安索普對電影《塔爾》提出嚴厲批評
上個月底在台上映的《塔爾》（TR）挾著入圍6項奧斯卡及女主角凱特．布蘭琪橫掃各獎（她是唯一有可能阻斷楊紫瓊成為第一位亞裔影后的候選人）的光環而來，算是今年頗具聲量的藝術電影。雖然此片美國票房只有1千萬，算是典型的曲高和寡，但因為故事背景是極少出現在主流電影的古典樂壇，在業界引起陣陣波瀾。或許因愛之深責之切，樂壇不很買單，尤其是美國頭號女指揮安索普（Marin Alsop）「身為女人我生氣。身為指揮家我生氣。身為女同志我生氣」一說，頗引起共鳴。 布蘭琪的角色是柏林愛樂的首位女主指揮（現實裡還未有），可以說是樂壇天后，只是濫用權威，頤指氣使，以黑手段報復敵人，藉權力勒索性與錢，心理也像暴君一樣扭曲，到處都看到對她不利的人和事。 片中惡行確實存在於樂壇，過去幾年的#MeToo 運動揭發了這層黑幕，只是目前所知的加害者幾乎都是男性。導演Todd Field和布蘭琪說此片檢視的不是性別而是權力，但權力不存在於真空，兩端的社經性別身分不同，槓桿的斜度就會不同，電影努力構築現實氛圍，偏偏最重要的主角設定上遠離現實，因為女指揮至今仍屬罕見（1份業界調查說前百名指揮中只有8名女性），頂級樂團領袖則是全無，電影偏偏讓這位頂級女指揮表現最壞的男指揮行徑，又沒去探討性別可能對她行為的影響，難怪讓業界看了不舒服。 其中最不舒服的就是安索普。她可不是普通人，她不僅是數一數二的女指揮，而且Tr這個角色的塑造就從她身上取材不少，她的意見似乎特別有分量。加上她本人的紀錄片《瑪琳艾索普：首席女指揮》（The Conductor）也在去年上映，真的假的銀幕安索普不期而遇（兩片的觀眾應有不少重疊），難怪她擔心《塔爾》會歪曲大家對女指揮的印象。
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紐約華人舞星陳鎮威成為紐約市芭蕾舞團主舞者
每年6月是紐約市芭蕾舞團（New York City Ballet，以下簡稱市芭）汱舊換新之時，準備離開退休的舞者在此時宣布，舞者的擢升也在此時正式公告。今年名單中有個第一：第一位成為主舞者（Principle）的華人舞者陳鎮威。 他2020年才加入市芭，第1年還因為COVID-19，基本上沒有演出。但他並非初生之犢，此前他已在休士頓芭蕾跳了10年，並取得主舞者職位。陳鎮威晉升市芭主舞者，馬上就成為繼舊金山芭蕾的譚元元後，在美國成就最高的華人舞星。 古典芭蕾源於歐洲宮廷，其審美觀是圍繞著白人身體建立的，其他族裔要打進這個圈子本就困難重重，男舞者要承擔女舞者跳躍時的重量，能在國際舞壇上嶄露頭角的東亞人就更是少之又少。陳鎮威可說是祖師爺賞飯吃，身高181公分的他一上台就是玉樹臨風，搭配哪個女舞星都風采翩翩。 但市芭的主要舞碼是創團者巴蘭欽的作品，需要的是與跳《天鵝湖》、《吉賽兒》等古典芭蕾不同的身體感和音樂性。巴蘭欽特別辦了1所學校來培養能跳其作品的人，迄今80年；巴蘭欽的舞碼已成為全世界舞者必跳的作品，但有9成以上的市芭舞者都是出自這所學校。 陳鎮威在中國長大，快20歲時才因得到國際芭蕾比賽獎項而出國，與巴蘭欽相距甚遠。他與市芭結緣，是市芭的獨舞者派克（Justin Peck）牽的線。獨舞者的位階雖比主舞者次一級，但派克真正的長處是編舞，至今已有超過25件作品在全世界演出（他也為史帝芬．史匹柏的新版《西城故事》電影編舞），因為替休士頓芭蕾編舞認識了陳鎮威，他便把陳帶到市芭。 如同許多年輕舞者，陳鎮威很認真經營社群，尤其是微博，所以他在中國擁有大批粉絲。郎朗引發了中國小孩學琴熱，陳鎮威會不會也帶動芭蕾熱？
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紐約林肯中心廣場化身紐約最大舞池
5月到8月，林肯中心廣場變成了紐約最大的戶外舞池，有個直徑10英呎、1,300磅重的吸睛迪斯可閃光球。這是新任藝術長唐柯（Shanta Thake）上任後第1個大節目《夏日我城》（Summer for the City）的核心，讓林肯中心所有戶外場地，都活化成有音樂、舞蹈、表演，讓紐約人可當觀眾也可當表演者的大舞台。 長達3個月的《夏日我城》邀請了上千名表演者，排出超過300個節目，分布在10個戶外場地和3個室內場地。以迪斯可球為中心的舞池是最亮眼的地標，林肯中心稱其為「綠洲」（Oasis），說明了主辦單位的期望：這會是個讓紐約人在酷暑中駐足停留的地方。不同的樂團或DJ在「綠洲」現場提供音樂，讓人跳舞，涵括舞曲、爵士、搖滾、拉丁、嘻哈、鄉村等，有的場次可讓闔家共舞，有的是戴了耳機的「無聲迪斯可」，據說能讓人緩解焦慮。 另一個別出心裁的設計是把地下車道改裝成Speakeasy，這原是1920年代禁酒令時期的地下非法酒家，酒客邊喝酒邊看爵士大樂團、脫衣舞等表演，現在變身為節目的一部分，也為林肯中心增添了鄉土味。其他演出還有歌唱、現代舞、印度舞、佛朗明哥、原民舞蹈、韓國鼓舞、古典樂、流行音樂、脫口秀、親子節目、說故事、同志節目、聽障節目、戶外電影、視覺藝術等。 《夏日我城》有很大一部分與過去的林肯中心戶外節、莫札特再現音樂節、Mid-Summer Swing雷同，唐柯表示目的就是要打破不同節目的疆界，希望為某一類型表演而來的人，也可能剛好看到其他表演就留下來。所有節目不是免費就是自由樂捐，鼓勵大眾的參與。她的使命就是要讓林肯中心親民化，現在就看後疫情的紐約人捧不捧場了。
