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PAR表演藝術
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藝@書鋼琴的承傳與記憶：從黃金年代的輝煌到歷史錄音
鋼琴藝術的發展是人類史上的珍貴篇章，每一位偉大的鋼琴家，無不在歷史的洪流中承襲前人的智慧，並透過自身的演奏詮釋，為後世留下不朽的印記。代代相傳的師承關係如同音樂的血脈，將古典傳統與現代創新緊密相連，而歷史演奏則為我們提供了不同時代風格的珍貴窗口。在這些音符與鍵盤交織的世界裡，鋼琴家不僅是技藝的傳遞者，更是音樂精神的守護者，他們的足跡和成就塑造了我們今日的文化珍寶。經過漫長的撰文、蒐集及研究，鋼琴家葉綠娜整理出《黃金年代最偉大的鋼琴家從優雅不羈到精緻客觀》一書，橫跨18世紀以降、100多年間偉大鋼琴家們的演進歷史與承傳，為現代鋼琴演奏提供了寶貴的參考文獻。 書中文章的兩個主要來源，一是葉綠娜與夫婿魏樂富（Rolf-Peter Wille）從1996年起在台北愛樂電台共同主持「黑白雙人舞」節目，介紹全流鋼琴專輯與錄音，分享他們對鋼琴音樂深刻見解的內容。透過廣泛的資訊搜尋，為聽眾帶來珍貴的歷史錄音和演奏風格介紹；二是兩人從2007年起為《PAR表演藝術》雜誌撰寫「四手聯談」專欄，其中包括了他們對音樂、演奏及教育的見解。多年來，他們不僅豐富了聽眾的音樂知識，也見證了鋼琴藝術的承傳與發展。 此書開宗明義指出，20世紀鋼琴家的承傳幾乎源自於李斯特（Franz Liszt）與雷協悌茲基（Theodor Leschetizky），前者在德國威瑪（Weimar）教學，後者則是在維也納與聖彼得堡，兩位鋼琴名師可說是現代鋼琴彈奏的「祖師爺」。在約莫1890年到1920年間的德奧地區，那段以演奏教學與作曲合一的時代，是個「鋼琴黃金年代」。葉綠娜表示：「早期沒有錄音，直到愛迪生發明留聲機後，才開始有鋼琴家的演奏聲響留下，後來轉錄到LP，經過愛樂者的收集，才讓後世能夠從歷史錄音中認識當時的彈奏風格。」 魏樂富觀察到一個有趣的現象：「現在科技愈來愈快速，但彈琴速度卻愈來愈慢。」葉綠娜則回應：「演奏時，我們常常思考著該怎麼彈？」然而有了歷史錄音，就可以了解李斯特當初創作的意念及樂思，「畢竟他的學生跟他上過課。」然而她也認為：「每個樂曲隨著時代有所改變，不可能完全回到從前的演奏法，不過至少可以從認識歷史中，再自我驗證。」為此，書中每個章節都有「歷史錄音之比較」，讓讀者能夠從中參閱。 最珍貴的是在書末的附
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焦點專題 Focus張震洲：準備好無限量的子彈，確保不錯過任何一刻
「我想先說明，我是屬於媒體攝影，跟一般的劇照師不太一樣喔。」張震洲開門見山地說。 大眾傳播學系畢業，因興趣使然而後才開始學習攝影。雖是如此，在業界，張震洲是出了名的捨得花錢在器材上的攝影師，無論遠景近景都有其專門的相機，採訪當日，他才聊到自己近日買了一顆鏡頭，「大概50幾萬，可是從那個鏡頭看過去，真的連很小的細節都能捕捉到。」說到這裡，他神采飛揚，若不是今天沒帶這顆鏡頭出門，他或許早就將之架上，想讓人一睹遠景的細節丰采。 花時間等待的剎那 事實上，在踏入表演藝術拍攝之前，張震洲在攝影技術上下了很多功夫。 他在大眾傳播上學習的是文字能力居多，關於攝影等事，都是日後自己找資源取得。換句話說，他的「捨得花錢」不只是器材上的，也是學習層面上的意義。 「雖然網路上的資料很多，但我自己摸索無法判斷對錯，想說乾脆學一個正統，就報名了攝影課外拍，從初階一路學到高階，前後大概歷時兩年多的時間。」張震洲回憶，那兩年間他拍的多是景物，且是季節限定之景，「冬末春初之際有櫻花，特殊節慶有煙火，不同的氣候也會對應不同群鳥的來去。」他細數，且無論是拍攝的主角是什麼，其共通點都是：你得花時間等待。 「比方說要拍煙火，從早上7點你就要過去占位置，現場還要看天的臉色，一張照片背後花的時間難以估量。」張震洲說。 卻不知是否因為這層緣故，日後他進入《PAR表演藝術》雜誌工作，所拍攝的內容相對駕輕就熟，畢竟現場所需的不再是無止無盡的等待，而是分秒必爭的捕捉。 所謂「媒體攝影」，出席的場合多是在活動、記者會現場，張震洲解釋：「若得進劇場拍攝，多數團隊都還是會有自己的『主攝影師』，因此我一般會退在他的後面，不會有太激烈的移動，盡量把最大的空間彈性交給主攝影。」 過去學習攝影，他的對象都是風景，而此刻，劇場則是充滿故事的風景，以張震洲的話來說，那是：「所有事情都準備好發生的地方。有服裝，有舞台，有光線，還有情感，就算沒有辦法卡在最好的位置，還是有機會等到充滿張力的一張照片現身！」
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話題追蹤 Follow-ups實踐與對話：台日藝評的環境與現況
本次講座緣起於今年國家兩廳院與「京都國際舞台藝術祭」（Kyoto Experiment）的合作交流計畫，由台灣藝評人余岱融赴日參訪Kyoto Experiment、日本藝評人山﨑健太來到台灣的秋天藝術節，希望透過交流活動開啟雙方藝評的對話。本次的講座的主題為「藝起聊聊吧：台日藝評人交流對談」，並由余岱融、山﨑健太進行對談，分享他們在兩個藝術節中看見藝評及創作實踐的不同樣貌。 希望改變的現狀：山﨑健太的藝術評論之路 首先由日本藝評人山﨑健太介紹目前日本藝術評論的現狀，他從10年前開始從事藝術評論，5年前則開始參與劇場的營運。在日本的藝術評論界，會經常針對一些少數族群的議題進行交流，例如性別、年齡，以及移民的身分認同等。這次參訪秋天藝術節，能有機會與台灣的劇團進行交流，對他來說也是十分珍貴的經驗。 山﨑健太提到，日本在藝術評論方面的媒體資源其實相當匱乏，尤其是針對「戲劇」的評論。目前主要有3本雜誌可以發表相關評論，第一個是《悲劇喜劇》（Tragedy and Comedy），它是日本最知名的藝術雜誌之一，曾經是每月出版的雜誌，現在則改為雙月刊。第二個為《La Teatro》，這本雜誌至今仍是純紙質媒體，目前是以月刊的頻率發行。最後則是由AITC Japan出版的《Theatre Arts》，出版的頻率為一年出版一本。 除了上述傳統的紙媒，還有一些藝術評論相關的網站，分別是Theatre Arts、Artscape及由京都國際藝術祭主理的SPIN-OFF。但真正以戲劇評論為主的其實只有Theatre Arts而已，即使如此，在2023年在此網站上關於戲劇類的評論也僅有13篇。雖然今年度的數據尚未出來，但目前大約有超過20篇。即使在數量上比起去年多，但以一整年度而言並不算多。第二個網站ArtScape，山﨑健太雖然也在此寫過幾篇表演藝術相關的評論，但它刊登的主要是美術相關的評論。由上述戲劇評論的發表數量及頻率來看，意味著在戲劇領域的評論，實際上幾乎沒有可供藝評人發表的地方。 因此，山﨑健太決定成立自己的評論平台，並將之名為「紙背」。《紙背》在實體雜誌與網路皆有經營，實體雜誌自2017年5月開始出刊，每期會介紹3個作品，每個作品都會有兩篇評論，以期提供不同的
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戲劇面對實體的消逝，以實體抵抗消失
高度講究儀式感的劇場，面對即將揮別雙月刊發行的《PAR表演藝術》雜誌，似乎也得做些什麼，讓彼此的告別產生意義。那麼，就來聊聊劇場如何處理「消失」這件事吧。 紙本雜誌的消失，之所以對劇場產生衝擊，在於兩者的「實體（physical）」特質無論是實物、物體或身體；也因此，始終在數位虛擬世界的威脅下，想方設法活下去。在一方不得不告終之後，另一方自然也再度出現危機意識，反思自身存在意義。然若從另一角度來看，對於朝生暮死、存於當下的劇場來說，消失本就是一種必然。在劇場發生的一切，本就不可能恆久存在。我們甚至可以說，在這個可以用網路保存一切的時代，只剩下「劇場」能好好處理關於消失的命題。 正因為意識到消失之無可避免，劇場於是以肉身╱實體對抗消亡。在我腦海中那些關於消失的作品中，述說的都不是消失本身，而是與之拉鋸的過程。然而，正是要直視消失的存在，才會讓抵抗產生力量。只不過，「消失」並不真的只是消失；正如劇場所呈現的當下，從來就不是斷裂、無延續的一次性當下。我曾在同樣講究現場性的足球運動書寫中，看過這段描述：「一個『過去』與『現在』交織互動的領域⋯⋯讓我們得以把心中的想望與實際的記憶融合混雜。」（註1）每一次的絕妙好球，都是在記憶中召喚類似的場景，如同人們同樣透過劇場經驗，疊合多重時空。換句話說，試圖抵擋「消失」的劇場，並非是單次復刻或重現，而是一次次顯現痕跡的堆疊。
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總編輯的話 Editorial讓我們一起重新定義 表演藝術 Performing Arts Redefined
一本雜誌，從來就不只是「一本雜誌」。 從1992年創刊以來，《PAR表演藝術》不敢說是唯一，卻是始終如一地，致力於搭建表演藝術與觀眾間的橋梁，藉由閱讀開拓劇場的疆界。過程中，也面臨讀者閱讀習慣的改變，以及全球永續趨勢的導入，特別是在2020年台灣COVID-19疫情爆發後，面對雜誌零售與訂閱量的消退與網站閱讀率的大幅提升，開始意識到「數位轉型」的必然，一路思考這本雜誌如何繼續回應這個時代，以重新定位迎接下一波的閱讀型態。 「數位轉型」確實是個變革，卻不只是不得不的轉變，更在展現我們的態度：《PAR表演藝術》從未將自身定位於一本雜誌。 自始至終，我們都在嘗試開發雜誌的多元閱讀，然後去接受更多閱讀習慣與群眾，甚至能引導讀者的閱讀方式與視角。2002年，在雜誌10周年首次大改版時，就設立了官方網站，並於2013年開始資料回溯工程，隔年進行資料庫的建置與APP的開設，這也得以讓我們在無法預期的國際趨勢，與突如其來的疫情下，於2020年正式踏入數位轉型的啟動，包含雙月刊的發行與網站原生內容的分流，正式啟用全文資料庫、發行電子報等，企在有限的資源裡，將32年來的累積，發揮最大的效益。努力往前走的同時也步步為營，檢視曾走過的路線，調整、維持步伐，並探詢不同的可能。 另一方面，我們也在回應國家兩廳院「不只是一座場館」的策略，如何在雜誌的編輯、發行與營運中實踐。面對「無牆化」與思考「共融」，雜誌如何弭平閱讀的界線，設計更多連結表演藝術的主題，強化雜誌的公共性，迎接更多元的讀者類型。營造超越空間、時差的閱讀型態，提供更完整的閱讀體驗。回應「永續」，如何將資源更有效地再利用，不受限於單一的發刊模式，透過數位閱讀強化互動性與主動性。 未來，不只線上見。除了現行雜誌上的各個單元：節目介紹、專題、專欄、評論等，日後都會持續在網站上看見外，也會有讓人驚喜的新單元推出，以及不定期發行紙本雜誌特刊，與日日更新的網站內容彼此呼應，展現《PAR表演藝術》的多元面貌。因此，當我們正在重新想像這本雜誌的同時，也歡迎所有讀者與我們一起走進想像裡，回應下一個世代的閱讀。
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「聽」雜誌！？ 「愛盲有聲雜誌」賦予《PAR表演藝術》永續的聲音
至今走過24個年頭的「愛盲有聲雜誌」，透過有聲書錄製，讓今年31歲的《PAR表演藝術》雜誌擁有聲音，朝著「永續」的步伐繼續邁進。
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特別企畫 Feature 年度現象從中央到地方的場館與藝術節規劃，突顯創作生態問題
2017年初，《PAR表演藝術》開始談論「大劇院時代」（註1）；同年年末，表演藝術評論台亦在「TT不和諧開講」從國內、外案例討論「大劇院時代」。其背景是國家兩廳院完工30年後，臺中國家歌劇院、臺灣戲曲中心陸續落成，也即將迎來高雄衛武營國家藝術文化中心等場館；隔年，所謂「三館一團」的國家表演藝術中心正式完備。從《PAR表演藝術》到表演藝術評論台的發聲，無非是在望向這些能容納千人席次的劇院陸續啟用後，對於未來的票房、交通移動、場館規劃與定位、創作導向、製作壽命等問題提出前瞻思考。當時，一併被納入思考的還有在2012動工，但2016年承包商倒閉停工、而一度停擺成都市奇景的臺北表演藝術中心（簡稱北藝中心）。 直至今（2022）年，北藝中心終於完工、試營運，然後開幕、啟用，似乎代表台灣「大劇院時代」最後一塊拼圖完成而在這段時間內，與劇院可能相關的臺北流行音樂中心、高雄流行音樂中心也一一營運。同時，台灣COVID-19疫情也迎向「共存」局面，往持續開放邁進。台灣劇場的整體創作量在劇院備齊、經費挹注、疫情延宕等因素激化下，呈現極端爆量的情況，釀成衝擊「大劇院時代」的第一道關卡。 必要與必然的擠壓：北藝中心節目規劃的衝擊 其實，我們剛結束史無前例（也希望是後無來者）的創作量與觀看量多到「炸裂」的暑假（7月至10月）。 始作俑者必然是北藝中心的開幕。北藝中心自3月試營運，到7月的明華園《東海鍾離》拉開「開幕季」序幕，與「開幕季」緊連的還有常年規劃的臺北藝術三節（臺北藝術節、臺北兒童藝術節、臺北藝穗節）。縱使不將在各小型場地發生、超過百檔的臺北藝穗節，以及內含大量免費戶外演出的臺北兒童藝術節列入計算，單就北藝中心主辦、規劃的節目，在7、8、9這3個月內就有37檔，場次破百（其中，《西來庵》、《NEXEN未來密碼浮光疊影劇場》等作因疫情等因素臨時取消、延期）。 這些節目同時使用水源劇場、中山堂等場地，但也常有北藝中心3個劇場全開並同時有內部排練場加入戰局的情景。依據席次規劃，若票房熱絡，整個北藝中心可能會同時有3,000人以上在
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特別企畫 Feature關於那些文字的重量
「在浮華的世界裡，自己心裡有一片執著的天空，是一份珍貴的禮物。」這是已故音樂家也是好友黃瑞芬（ZOE）恆常的信仰，她的文字感既口語又輕盈，但是背後是她對文章主題的再三咀嚼，承載的是她對這個世界的極度眷戀。 ZOE是台灣唯一得過比利時伊莉莎白國際聲樂大賽銅牌獎得主，演唱機會減少之後，她以文字取代聲音，書寫她對藝術、經典、人文的品味。每一個篇章都是一個個精巧優雅的音樂盒，或有小小芭蕾舞者在旋轉，或是小鋼琴閃著金光，那些文字背後的世界，是ZOE對美的堅持。 ZOE驟逝之後，《PAR》的編輯群們很快地整理集結ZOE曾經在雜誌中發表的25篇文章，就像是25個造型不同，材質不同的音樂盒，每個都讓人愛不忍釋。 她說舒伯特的音樂就像是「清澈的小溪」，有時旁邊有著死神與少女手牽手在散步；荀貝格的音樂像是一位穿著老式西裝的紳士，但他說的每一句話都讓人驚奇。是的，她像個嚮導，用她滿滿的想像力帶著我們穿越重重門檻，自然進入古典音樂神奇的世界，認識人生，體會美。 《PAR》是老朋友，翻之閱之樂之，為我多年的新聞工作帶來許多硬知識；《PAR》也是新朋友，常常給我極度不可思議的奇想世界。 謝謝ZOE跟《PAR》，我們得以看見那些表演藝術的重量。
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特別企畫 Feature面向世界的窺孔
自小在基隆長大，年少搭火車去台北，都覺得是進城大事，彷彿是搭新幹線去東京。這樣的我，人生第一齣舞台劇要遲至大學生涯在台南誠品，第一次感受在黑暗裡期待一齣戲的揭幕。為了要更接近表演藝術，每個月的《PAR》雜誌，都像是一本情報饗宴，繁花似錦地報導著世界上不同地方正上演的新戲，發生的各種大小事情，成了我那時的認知養成。 其後人生兜兜轉轉，意外進了劇本創作研究所，開始執筆書寫故事，在那個劇本出版徹底匱乏的年代，2015年5月號的雜誌製作了劇作新文本專題，很大程度打開了我對劇本形式的認識。英國劇作家馬克．瑞文希爾的《Shopping and F**king》尖銳回應社會議題；德國劇作家羅蘭．希梅芬尼的《金龍》、《阿拉伯之夜》，在敘事上的輕盈魔幻遊走；法國劇作家米歇．維納韋爾劇作《求職》採用的複聲合調手法。那時真是一篇篇作筆記、寫小抄，記錄下那些我其實很陌生的劇本創作者，然後自己開始上網查詢，一個人接著一個人，累積對各國劇場編劇的認識，時不時有，哇，這樣也是劇本，或者這樣寫也太有趣的讚嘆。 2018年我前往紐約進行駐村交流，帶著那份小抄去了專賣二手書的書店Strand Bookstore，衝往戲劇專區真是失心瘋買起來，橫掃一陣去到收銀饋台前已經是一大疊書快兩萬元，可以繼續深入這些傑出創作者！期待《PAR》雜誌在多元媒體大風潮之中，可以持續帶給下個世代的創作者養分，千萬不要停！
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特別企畫 Feature我，決定做自己！
剛開始接觸《PAR表演藝術》雜誌大概是3年前，我開始對當代馬戲的創作或相關的歷史感到好奇，於是在網路上搜尋相關資料時才與《PAR》相遇，才發現裡頭也有不少書寫當代馬戲的相關文章，與此同時也在思考台灣馬戲在表演藝術圈內的討論度，是否因為作品數量不高而無法深入討論呢？總之，那是我第一次認識線上的《PAR》。 在網路上閱讀一段時間後決定來場相見歡。2021年的自己已經經歷了艋舺國際舞蹈節和北藝中心馬戲棚計畫的呈現，正在為自己長篇作品的下一階段苦惱，尤其自己後來得知第一次嘗試創作就被台新藝術獎提名，原來是件不容易的事（以前沒聽過台新藝術獎，到底要多LOW，哈哈哈哈），因此一直想著下個階段要打鐵趁熱，在戲台咖遇見了《PAR》本人，當時在翻閱時看見孫平的一篇文章標題寫著「勇敢一點，拋開『一定要成功』的偶包吧！」裡頭最後一段文字深深影響著我對表演藝術的看法。 「你的成功跟這世界沒太大關係，最重要的是，做自己。」孫平 我發現過去自己常用一些看起來很學術的術語來包裝自己的計畫，到後來發現這些形式都只是形式，與自己想做的東西並沒有太直接的關係，或許就如上述文字所說，過於擔心自己會劣於其他表演藝術工作者，才將其武裝，但更應該回到自己身上，拿出自己擁有的、喜歡的方式去表現，流於形式或隨波逐流得不到真正的累積，畢竟能長遠的走下去比成功來得更重要。
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特別企畫 Feature 評論環境篇十年有成，還是十年現形？
從《民生報》「民生劇評」（1997-2006）、《PAR表演藝術》雜誌（1992年創刊，最初名為《表演藝術》，並於2002年成立網站），到國家文化藝術基金會「表演藝術評論台」（2011-）、台新銀行文化藝術基金會「ARTalks」（2013-），台灣的表演藝術評論擁有專屬欄位或平台，歷經平面到網路媒體的轉變，也呈現評論的另一世代、生態與風氣。（註1）《PAR表演藝術》曾三度以專題形式討論台灣的表演藝術評論，前兩次分別於1998年6月的「評論藝術的藝術」、2002年10月的「十週年專題╱2002演評面面觀」，最近則是第257期（2014年5月），時間點便落在「表演藝術評論人專案」的啟動，面對到評論人才的培育、世代與風氣的養成。以將近10年後的今日回看，到底是後繼有成，還是讓更多問題逐一現形？
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特別企畫 Feature走進另一個導演的腦袋
我時常很好奇其他導演們都是如何思考創作、如何進行排練的。畢竟，導演不像演員，在四處游牧於各個劇組的生活裡互相建立了一種（可以交換情報的）社群；導演，大多數是孤獨的狼（好啦沒那麼帥，可能就是人緣差而已）。 莎妹劇團導演王嘉明曾在《PAR》連載專欄「一字一劇場」，每期以1 個甲骨文為題，從古老的中文字原義，延伸至與劇場、創作、生活的種種關係。專欄裡，被大家稱為「頑童」的嘉明非常縝密細膩地推敲、思考以及落實他的劇場觀；對我而言，更像是終於有機會走進另一個導演的排練場（腦袋）。雖然一廂情願，但似乎因此理解了他作品裡給自己的靈光或不爽，進而釋懷（或加強了）自己的焦慮，以及直視自己的盲點與匱乏。 即使每個導演、每個創作者都是獨一無二的，並且也都這般深信著，但，發現自己並不孤單也並不奇怪，肯定也是一種力量吧。我想。 嘉明分了上中下三期談「系」這個字，其中有一句話對那時（甚至至今）的我當頭棒喝。（我希望這個專欄能夠集結成冊，最好是像日本的文庫本尺寸。） 2021 年起大幅改版的《PAR》對我的思考刺激和「一字一劇場」異曲同工。雜誌編輯與導演相像之處在於：在一個主題或概念之下如何調動結構與安放素材，這一年多來，每當翻閱改版後的《PAR》，有時會想起嘉明說的那句話： 「探索不是往下挖，而是往後退，或是把頭歪一下」。
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特別企畫 Feature我看《PAR》的那些日子……與那些身分
第一次讀《PAR》是什麼時候呢？在大學玩劇場時，應該曾經在控制室看過些零散的《PAR》，到圖書館應該也是會看到每期新刊對了，2005年第一次在國家戲劇院舞台上的蓮花池區看《如夢之夢》，巨大撼動後走到櫃檯把劇本書跟做封面特企的《PAR》都帶走了，應該是我第一次買了《PAR》又認真讀了《PAR》，這時還只是一個純粹喜愛看表演、正在思考自己要不要考劇研所的讀者。（或許還幻想過未來繼續玩劇場的話也可以登上《PAR》？） 終究是沒有繼續玩劇場，倒是退伍後沒多久進入了現在的公司。身為古典音樂媒體，跟《PAR》真是有「亦敵亦友」的感覺雖然我們的受眾不盡相同，但有時不小心撞題，還是會忍不住內心比較（或讚嘆）《PAR》做了什麼不同內容。每年8月必出的樂季大盤點，也是社內同事會爭相等候寄達時要搶先看的期數，有時還會偷偷羨慕《PAR》能有「地利之便」，能提早知道NSO的樂季內容或是TIFA邀請到哪個名團這時的我與《PAR》，是同行競業（？）。 2020，敝刊停掉紙本轉為數位，隔年《PAR》也轉型為雙月刊並強化線上閱讀，對於數位浪潮襲來的反應，倒是有志一同。少了同在書店上架的束縛，我也開始為《PAR》寫一些文字，年輕時登上《PAR》的妄想，最終竟以作者的身分完成了！
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特別企畫 Feature遇見的，與被留下的
有兩個時機點，我會閱讀《PAR》雜誌。 當看到雜誌被郵寄生硬對折塞進郵箱時的窘況，我會快速取出來，拿上樓，回到房間將包裝拆除，花點時間停留在封面設計、紙本材質後，立刻坐在桌前，速速瀏覽當期主題與是不是有看過的作品點評、感興趣的人物採訪，因為我知道如果這個時候不看，接著它就會被收納進紙箱，存藏在層櫃中。 而下一次與它相遇的時機，就是搬家了。積累下來的期數成為沉甸甸，無法完全帶離至新租處的雜物之一。斷捨離的過程中，我會將所有雜誌搬出，疊為一落，開始一本本翻閱，將雜誌大致分為：全本保留、單頁裁切和回收。想跟讀者分享一期，在我全本保留的選擇之一的雜誌：「聚光燈下 In the Spotlight 」第322期（ 2019年10月號）。 這是3年前刊登在雜誌上的人物專訪，看見自己神采奕奕的臉被刊出，職銜是劇場導演。出刊後，兩名友人看完的回饋，回想起來給了我非常鮮明的印象：一是，哇靠你登上《PAR表演藝術》雜誌，好屌出名了；二是，看完其實不太理解什麼叫做「被選擇的」、「被需要的」，閱讀起來有種優越感。對你來說，那其他人算什麼？ 其實，沒有想過會被這樣解讀、也沒有想到有這樣的解讀方式，所以，我把這期《PAR》保存下來。提醒自己，一路以來做了哪些選擇、哪些是選擇之外。
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特別企畫 Feature煙硝總未息，典型在夙昔
2001 年我尚在美國就讀企業管理碩士班，當時央請友人將讀畢的《PAR》捆包寄到異鄉，是我治療中文閱讀思鄉病的珍貴藥方；當年自然也並未想過爾後會「加入」表演藝術產業，僅是以一個觀眾的身分，透過《PAR》建立自己接近表演藝術的「體系」而熱中閱讀。 第100 期「台灣表演藝術類雜誌的現況與未來」座談會記錄，之所以令我印象深刻，在於當時MBA 的學習方式是大量閱讀與模擬案例分析（case study），從而找出最有效率、最聰明的經營結構與商業模式，啟發了將這樣的一套邏輯適度地移植到所謂表演藝術「產業」上的思考（如果當年環境勉強可以稱為「產業」的話），《表演藝術》雜誌、或更為廣義的表演藝術出版品所面臨的總體環境，某種程度也呈現了表演藝術如何「產業化」的困難，若雜誌、廣義的藝文產業與我所習專業領域不同，不以利之所趨，甚至無利可圖乃是家常便飯的時候，推動產業演化的驅力又該是什麼？ 記錄中提到的種種命題，在今天似乎煙硝依然未息，我們也還在尋找答案：行政法人化是讓整體產業更強壯的最大公約數？媒體的虛實整合給了《PAR》更大還是更小空間延續過去的成績？若認真追根究柢起來，或許都可以扣合到20 多年前這篇文章所隱然埋下的種子。
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特別企畫 Feature被恆久留存的我們
那是個尋常的早晨，因採訪王嘉明導演之故，我與攝影師受邀到他剛搬進的新家，趁著攝影師補拍畫面的空擋，瀏覽他書櫃中的書，直到瞥見其中一本後停下那是《親愛的人生》。 啊，是的。攝影師剛到訪的時候有跟導演提到，「我們見過面，」她說：「2018年的時候，因為拍攝《親愛的人生》，你跟李維菁的對談。」 「對，2018年。」導演想起。 這一來一往的對話好快就結束了，當下沒有什麼情緒，但我總感覺，在這空間中的我們仨，心中都有一個沒有吐出來的嘆息，悄悄地收著。同樣沒有說出來的是，那一年，我就是看了刊登在 《PAR》上他們的對談，才會買票去看《親愛的人生》。當時我不知道自己再過不久就會開始在雜誌上登採訪稿；王嘉明大概也不曉得這齣戲會在法國巴黎的秋天藝術節獲得這麼大的回響；而更沒讓所有人想到的是，李維菁當時依舊像夏日早晨的晴朗笑容，再過幾個月就會離開。 我有時候會想，劇場一直都是這樣的地方，必須有人的存在才能夠成立，因為如此，雜誌的意義，某種程度而言，是永恆地記錄了一切還沒有發生的那一刻還沒有發生，卻熱烈期待；還沒有發生，而勇敢期盼；還沒有發生，所以當下這一刻便恆久的被留存，這些人的這些對話，被恆久地留存。 這大概就是為什麼每回拿到雜誌，我總是最先翻起人物專訪的原因吧。
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特別企畫 Feature伴我一起成長的夥伴
《PAR》第二次改版時，我正過著幾乎兩天一次，從古亭走到中正紀念堂的日子。有時參加樂團演出，有時看戲，更多時候在追舞；從雲門到瑪姬．瑪漢，讓自己離開譜面，繞行另一種軌跡。所以2004年9月的「林懷民與陳映真答客問」，與隔年1月的「山海塾」企畫，都讓我忍不住買下來。 也很難忘記2007年5月號，爬梳阿班．貝爾格四重奏近40年的演奏生涯，2008年3月二度討論如日中天的里契特拉，是否會成為帕華洛帝接班人？還有始終敬佩的Midori在同年6月登上封面。伴隨《PAR》每月出刊，遠方的藝術家與靈感，逐漸與我的學生生活親密起來，甚至生成想書寫跨界散文的渴望。 2012回到台灣，《PAR》成為我觀察演出生態的光源。尤其喜愛「藝活誌」中，作者群常用分解和弦即興般的筆法寫人物與生活，讓創作者的內在能如月相被顯現。後來有幸與雜誌合作，陸續採訪了即將來台的名家、從小仰慕的老師，還有藝術與植物的共生。遠遠近近的主題，讓我更加感到每一本《PAR》，都像是夜空中的星體，在頭頂視野中開展。 因為撰稿，我總會獲得一本屬於自己的雜誌，不過最後我都把它們送給了身邊適合某個主題的朋友（都是還未踏進劇場的那群）。因為當他們在翻閱時，《PAR》會繼續閃爍，牽引出一條更長的星河。
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特別企畫 Feature沒關係，危機就是轉機
如同人生進入不惑之年時各種有感的轉變迎面而來，《PAR》338期〈40難料：中間世代的待修學分〉毫不拐彎抹角地破題，不給說教性質的「必修」指南，而是明白點出一切都還「待修」呢別天真了。 當在問卷調查的年齡選單得多花幾秒填寫那刻起，心理上深刻感受到一個全新階段的來臨，孰料40歲之後更有感的是生理上各種勢不可擋的螺絲鬆動，因此看到〈音樂職傷的迷思與轉機〉專題時特別有感。尤其此專題穿插在各類舞台工作者深度專訪之間，才剛沉浸在謝盈萱的自在真誠，或是被黎煥雄給40代苦口婆心的建議給逗樂，如此「血淋淋」的話題看似就要截斷當期諸位表演者建構起「人生下半場才剛開始」的希望但此時又發現輕鬆的插畫版面提示了這是一個「沒關係，危機就是轉機」的衛教單元。此專題打破一般提到表演者職傷時，多少會賦予傷害病痛一個成就偉大演出使命或背景意義的視角。內容回歸到表演者也是肉身人類，面對長期工作各種身體與心靈耗損的態度，與額外專業醫療資訊的提供，是讓身為一位長期姿勢不良而導致耗費半年復健背部筋膜的普通讀者如我，能夠無縫自我投射並深刻體會的閱讀角度，也讓〈40 難料〉這題的共感度多了有血有淚（非隱喻）的一層。
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特別企畫 Feature書寫表演藝術的重量
《PAR表演藝術》（以下簡稱《表藝》）創刊即將滿30年，作為華人首刊綜合性表演藝術雜誌，它見證台灣藝術發展及全球的表演藝術變化。30年一瞬，《表藝》是整體台灣「文化奇蹟」的一環，它的摸索代表理想與現實感的追尋。 閱讀1992年試刊號，仍令人怦然心動。時任兩廳院主任的戲劇學者胡耀恆在〈發刊詞〉寫道：一般媒體追求新聞價值，「我們則企盼藝術內涵」。新刊採公開發售，面向公眾，避免成為「政府刊物」，「同時保持特有的品質與風格」。總編輯黃碧端並指出，《表藝》雖為兩廳院主辦，但藝術無國界，更沒有「廳院」之界，已見公共設想。在專業藝術尚起步的年代，這種「獨立媒體」般宣告，實具前瞻定位。1992年的兩廳院幼齡5歲，教育部官員曾經垂詢，貴院工作已夠繁重，為何還要自添業務，胡耀恆說得真切：「為了藝術，為了文化」。 是的，若非為了文化，基於長期發展，誰有餘裕辦理想雜誌？但是，若沒有書寫，誰來記錄瞬間的藝術。沒有記錄就沒有評論，藝術無以成長，觀眾也無從培養。 30年分期史 細數《表藝》30年史，從中山大學外文系借調來的黃碧端（創刊至11期）起始，奠定「專業主義」時期，她以專題與評論為雙核心，將表藝「文化」化；拔高規格，廣邀名家執筆，例如試刊號裡〈懷念約翰凱吉〉由譚盾、林懷民、潘皇龍執筆，爾後專欄還有姚一葦、韓國鐄、漢寶德等大家，是重要起步。「林靜芸（第12至90期）、鴻鴻（第4至11期）」主編的「專業發展」時期承續精緻、「嚴選」之選題與評論，採責任編輯制，畫分戲劇、戲曲、音樂、舞蹈等領域，「專業」程度有時像學術期刊。 《表藝》100期，曾推出「尋找百分百的表演藝術雜誌」專題，是典型的「表藝架構」：深、廣、國內與國際。它跨國專訪德國《芭蕾舞蹈》（ballett－tanz）總編輯、英國《留聲機》（Gramophone）總編、美國《村聲》（The Village Voice）主編，穿插引介倫敦《Time Out》、東京《PIA》周刊、法國《影音視綜覽》（Telerama）及世界音樂雜誌《Folk Roots》等情報型刊物，另有德、法、美、日等國重要戲劇與音樂期刊的專文導讀，後附「台灣表演藝術類雜誌現況與未來」座談會，邀專家學者共商，這種慎重，是一個時代特徵。國際視野
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特別企畫 Feature 安原良☓林芳宜☓施如芳☓陳品秀☓傅裕惠別話當年了，我們就是「當年」
即將在今年滿30歲的《PAR表演藝術》（編按）雜誌，歷經兩廳院不同時期的行政變遷，在雜誌社納入行政法人體制前，雜誌社員工甚至被掛名在印刷廠下，而非兩廳院的正式員工。歷年來的編輯除了分屬不同專業領域，也多充滿個性，藉著手上的筆與雜誌這個載體，分享自身對整個表演藝術產業的觀察與批判，不僅是台灣最具指標性的表演藝術刊物，也對30年來身處期間的表演藝術工作者們，帶來深遠悠長的影響。 也因為是台灣第一本，頭10年的編輯思考完全不受兩廳院的限制，宛如獨立雜誌般，大肆運用編輯的觀察與獨特的視角，書寫他們眼中的當代表演藝術現狀與報導，必要時更不吝給出犀利的評論，成為那個年代獨樹一格、也是唯一以表演藝術為主題的雜誌。 本期我們特別邀請5位歷任編輯，包括安原良、林芳宜、施如芳、陳品秀與傅裕惠齊聚一堂，回顧當年的珍貴記憶。如今5人都已成為各自專業領域中，獨當一面的專業工作者，當年青春的衝撞與困難，如今聊起來都帶點甜，笑鬧間，也讓我們得以一窺台灣表演藝術產業這些年的旅途風景。