:::
张慧慧
发表文章 325 篇
-
焦点专题 Focus 为什么法国观众疯台湾文化？从法国夏佑国家剧院「体验台湾」，看台法文化交流现况
位于巴黎的法国夏佑国家剧院（Thtre national de la danse Chaillot）的今（2024）年10月很「台湾」。布拉瑞扬舞团、微光制造、小事制作、VR《无法离开的人》、纪录片《行者》等，都因「夏佑体验：台湾焦点」（Chaillot Exprience#2: Taiwan）来到了这个历史悠久的剧院。 「夏佑体验：台湾焦点」由夏佑剧院主力策画。这所成立于1937年的剧院是法国5个国家剧院之一，也是唯一以舞蹈作为发展核心的国家剧院，更是1948年联合国大会《世界人权宣言》签署仪式所在地。过去，台湾的汉唐乐府、无垢舞蹈剧场、云门舞集郑宗龙的《十三声》皆曾在此演出，编舞家黄翊亦曾在2018年参与夏佑剧院的驻村计划。 本次「夏佑体验」接连3天（10月10日至12日），跳脱过往台法合作的单档节目买卖、邀演模式，除了将馆内空间交给多个台湾舞团尽情挥洒外，这所骨子里刻著国际人权价值的「舞蹈之家」也上映了由陈芯宜执导、囊括海外许多大奖、讲述台湾白色恐怖受难者故事的《无法离开的人》。此外，还举办了多项音乐、摄影展、工作坊及艺术家对谈等周边活动。夏佑剧院艺术总监哈希德．乌兰登（Rachid Ouramdane）表示，「夏佑体验」就像是个小型艺术节，「3天不太可能呈现台湾丰富多元的文化，但仍希望可以呈现360度的台湾表演艺术。」 夏佑体验，让世界看到台湾 法国时间10月10日晚间8点半，台湾国庆刚过，一宣告演出即秒杀的布拉瑞扬舞团《我．我们》首部曲打头阵，跳上夏佑舞台。 这件重新诠释台湾排湾族生命历程的作品，在谢幕时让挑剔的巴黎观众热烈地起立鼓掌、欢呼不断，并跟随舞者嘟嘟（Kwonduwa Takio，孔柏元）的引导，在阿爆（Aljenljeng Tjaluvie）的音乐摇摆身体，台上舞者与台下观众一同将这座可容纳400人的Firmin Gmier厅转化为摇摆电音舞池。 哈希德说，他在2023年来台观赏《我．我们》的首演时，惊艳于布拉瑞扬舞团将传统转化于现代的能耐。按他的说法，那是「活生生的，而不是积满灰尘的」艺术语言，「他们创造出这种肢体运动是我过去从未见过的，」哈希德自
-
焦点专题 Focus 现场直击布拉瑞扬舞团唱跳巴黎夏佑剧院，点燃OMG台湾体验
「我们再来一次 !」「再来一次 !」「再一次 !」 法国时间10月9日，布拉瑞扬舞团的歌声绕梁在夜间巴黎夏佑国家剧院，时间已近晚间10点，舞团两天前才刚抵达巴黎，脸上、身上仍布满时差的痕迹与重量，工作了整个晚上，但布拉瑞扬仍对谢幕后舞者从舞台走下的动线、唱什么歌、引导观众进入大厅互动的环节不甚满意。他们试了许多走位、唱了各种台湾原住民传统歌谣，有沉静的、有忧伤的、有欢快的，一次又一次。 布拉瑞扬舞团执行长廖咏葳观察这个从山、海、部落养分长出来的团队，回忆去（2023）年同样带著《我．我们》首部曲到澳亚艺术节（The OzAsia Festival）演出，演出前，澳洲才刚举行了原住民相关议题公投，但选举失利，原住民地位仍不被宪法承认，演出现场弥漫压抑气氛。演出后，舞者们按惯例自我介绍完，唱起了一首低沉安静的歌谣。廖咏葳留意到现场不少观众都眼眶泛泪，她说：「舞者们不在意去了哪些国家，大舞台、小舞台对他们来说是一样的，他们更在意跟哪些人沟通。」 每一回国际巡演，面对不同的群众，布拉瑞扬舞团都有因地制宜的调整。这回登上这个法国舞蹈圈指标性的殿堂，他们以同样态度面对，而沟通显然成功了。
-
焦点专题 Focus 法国夏佑国家剧院艺术总监哈希德．乌兰登：让主流与边缘，在国家剧院皆宾至如归
2023年，哈希德．乌兰登（Rachid Ouramdane）因「Taiwan Week两厅院台湾周」来到台湾；隔年，在他的主导下，位于巴黎铁塔正对面的法国国家夏佑剧院高挂起「夏佑体验：台湾焦点」（Chaillot Exprience#2: Taiwan）的旗帜，让布拉瑞扬舞团跳上法国最高舞蹈殿堂，写下新历史。 但这不是哈希德首次接触台湾，早在2012年，他就在关渡艺术节演出《世界博览会》（Exposition universelle），以舞蹈结合日常声响、灯光、舞台空间与影像等强烈体感，震撼了台湾观众。那时的他，借由作品探问：「什么东西是史书做不到，但舞蹈却可以。」（What can dance do that history books can't?）10年后，他成了法国唯一的国家舞蹈剧院艺术总监，承担起接纳主流与他者，以舞蹈为剧场写下历史的责任。 哈西徳长期关注主流叙事之外的故事，贴近少数与边缘，这与他身为难民二代的身分脱不了关系。他的父母因故乡阿尔及利亚爆发战争，在1960年代逃难到法国。他在移民社区成长，自小作为「他者」，面对社会异样眼光，让他一度困惑于课堂上所习得的历史迥异于家族故事版本，并认知世界是由多重观看维度所构成；成年后，他作为编舞家，著迷于身而为人的脆弱与力量，与运动员、难民、弱势青少年、老人和残疾人士合作，让他们用身体说出自己的历史与故事。 如今，作为法国夏佑国家剧院艺术总监，哈希德又是如何思考剧场的当代社会责任？如何与艺术家、观众沟通？如何规划一系列相关活动，让舞蹈传达难以用语言表述的讯息？他为何邀请布拉瑞扬舞团《我．我们》来到法国，并规划系列活动让法国观众「体验台湾」？以下是哈希德的回答！
-
焦点专题 Focus 巴黎秋天艺术节艺术总监法兰西斯卡．可和娜：跟现实连接，做政治（可能）做不到的事
全球化的今日，跨文化交流与对话是当前艺术工作者的标准配备，而艺术节则是包含观众、创作者、策展人、机构等跨文化沟通最直接的场域之一。国家两厅院与瑞士洛桑维蒂剧院联合制作的《这不是个大使馆》首登法国历史悠久、颇负盛名的巴黎秋天艺术节（Festival d'Automne Paris），今（2024）年11月将在巴黎MC93文化中心演出。艺术总监法兰西斯卡．可和娜（Francesca Corona）是决议该艺术节共制这档跨国制作的重要推手，成为巴黎秋天艺术节开办52年以来首档台湾共制节目。 巴黎秋天艺术节经常与各国艺术节和主要文化机构合作，邀请作品除了欧陆，也经常横跨韩国、南非、中国、巴西、印度、伊朗和日本等国家，致力让各种差异被看见，打造跨文化沟通的平台。现年46岁的法兰西斯卡本身也是跨文化沟通的老手，究竟义大利裔的她是如何思考这个法国老牌艺术节的未来走向？今年艺术节（除了有2024诺贝尔文学奖新科得主韩江《素食者 文字|张慧慧
官网限定报导 2024/10/28 -
焦点专题 Focus 国家场馆为何、如何建立起「背后的一群剧院」？三个重点，解析两厅院近年国际连结发展策略
在布拉瑞扬、阿爆、杨乃璇、王宇光等艺术家在法国夏佑国家剧院的「夏佑体验：台湾焦点」（Chaillot Exprience#2: Taiwan）演出之前，新生代编舞家周宽柔与导演洪唯尧在今（2024）年7月，也先后来到法国，参与亚维侬艺术节「不可能的传承」艺术家培育计划（Transmission Impossible）。这是这个法国最古老的艺术节的首度尝试，让合作的全球伙伴各自推举该国的创作者参与，分两梯次进行为期一周的交流，并与各国创作者共创呈现阶段作品。 周宽柔与洪唯尧不约而同地表示，他们各自在一周内密集看艺术节演出、直接与主创者对话并与各国创作者交流、创作，虽有语言隔阂、交流时间太短等障碍与限制，但都不妨碍他们用感官、用身体去尝试理解不同的对话对象，在异国语境中去思考与回答「我是谁」这个基本问题。 洪唯尧分享：「这次经验让我更发现国际合作有很多机会跟可能性，也让我更思考创作不该只限在台湾，创作应该不受地域、文化差异的限制，应该要关注世界，乌克兰、黑人种族、生态都跟我有关。」 无论是「夏佑体验：台湾焦点」或「不可能的传承」艺术家培育计划，台湾艺术家在这些国际舞台演出、驻地交流，与世界产生关系，背后的重要推手之一，是国家两厅院。两厅院国际发展组组长高作珮表示：「国际发展组成立时目标就不仅推制作国际巡演，国际场馆结盟合作内容是很多样性的，将艺术家交换与合创共制都考虑进来，希望能参与制作流程的前期，从研发、制作、呈现到巡演，建立循环。」
-
戏剧、舞蹈 第16届新人新视野3位年轻艺术家 以马戏、舞蹈、戏剧探问人生
国艺会「表演艺术新人新视野创作专案」（以下简称「新人新视野」）今年迈入第16届，由3位年轻艺术家温其伟、赖耘琪、黄品媛出线，将以马戏、舞蹈、戏剧的表演形式，创作3支不同风格的全新作品，4月底起将于北、中、南巡回演出。 国艺会董事长林淇瀁表示：「对年轻人好，就是对国家好，他们是国家未来的主人，等他们成长了，也会继续帮助下一代。透过国艺会这个平台，能让新生代艺术家完成他们的创意。支持年轻人开创未来，不仅是政府的工作，也需要民间的众力来完成。｣ 本届3位新世代艺术家从59位申请者脱颖而出，皆崭露寻找自身创作语言与方法的强烈企图。新人新视野自2008年启动至今，支持 35 岁以下音乐、舞蹈、戏剧的青年创作者，为新一代创作者搭建舞台，陆续扶植了66名新锐创作者发表82件作品，也培养了一批正处于中坚世代的艺术家群，如近年以VR作品横扫国际影展的导演周东彦、受邀参与今年4月中伦敦The Coronet Theatre「台湾艺术节」的编舞家谢杰桦等。 温其伟《流逝的粒子》 在斜坡上探索不同生命状态 有马戏、舞蹈背景的温其伟编创《流逝的粒子》，与3名拥有不同身体训练背景的表演者，巧妙融合舞蹈、杂耍、街舞等形式，探索生命的不同挑战。温其伟表示，在18岁之前他有特技马戏的训练背景，进入FOCA福尔摩沙马戏团后至爱丁堡艺术节的演出经验，对他影响甚钜，「我开始想创造自己的创造模组」，他转而攻读舞蹈，开启他的编创旅程。 《流逝的粒子》使用许多物件如弹性球等，并打造了一个倾斜平台装置，3名表演者代表3位处于人生不同阶段的男性，在斜坡装置上展现高难度动作。温其伟透露，装置上的影像来自他手机里的一张照片，「那是我散步路上拍下的一栋房子，我当时想：我何时可以拥有一栋自己的房子？」他反思，年少时的单纯与初衷，被长大成人的过程中所产生的各种需求与欲望消磨，「我的生活愈来愈复杂，忘记自己的初衷与热情，这几年被很多东西迷惑，这让我产生创作灵感。」 他将斜坡比拟为孩子的溜滑梯也是成人的高楼大厦，「时间往前流逝，我心里最想要的是什么？」他尝试从所处的人生状态来叙事，让舞者们犹如城市漫游者，在水泥丛林中激荡各种生命故事。
-
舞蹈 回应「自由与限制」的母题赖翃中《拥抱》 从「欲望」探索人与人的关系
一个动作可以表达出几种情绪？编舞家赖翃中新作《拥抱》让「拥抱」这日常动作，融入七情六欲，表述欲望、关系、自由与限制等生而为人的大课题。 《拥抱》历时4年，从2020年15分钟的双人舞，发展为2022年20分钟的5人版本《Hug》，再到今年的60分钟由8位舞者演出。从最初直接指涉两人情感关系，再深入探讨欲望本质，「当时，受到乌俄战争影响，延续到近期的以巴战争，让我开始酝酿《拥抱》。」赖翃中思考远方战事与近在咫尺的惘惘威胁，「战争也关乎欲望。从艺术发声，我觉得很重要，所以我的作品一直阐述自由与限制。」 自由与限制 1990年次的编舞家赖翃中，毕业于北艺大舞蹈系，2017年创立翃舞制作，创团作《Birdy》结合传统戏曲的动作、物件元素，表述现实囿限与自由渴望，曾夺得国际多项编舞奖项。此后，自由与限制成为赖翃中创作的主旋律，贯穿于《无尽天空》、《羽人》等作。 赖翃中分享，今年团队在法国外亚维侬艺术季演出脱胎自《Birdy》的《羽人》8人版共20场，许多欧美观众最初将舞作中的传统意象联想至中国，但发现这是来自台湾的作品后，竟也能敏锐联想台湾跟中国之间的关系，「刚好在一个相似的状态之下，被观众捕捉到了。」 「这几年台湾跟中国的关系，让我有一种包覆感，没有一个正面的冲突，但就是非常暧昧的情绪在这里跑来跑去。大家想法都不太一样，看似和平，看似自由，但其实并不。这种状态影响了《拥抱》。」赖翃中说。
-
舞蹈 林祐如X田孝慈 《SUPER》透过物件 思考人类的欲望
人是什么？编舞家林祐如、田孝慈携手合作《SUPER》，尝试以大量物件、行动，聚焦在人类所型塑的种种极端景观，来回答这个看似无边无际、难以清楚定义的问题。 《SUPER》是林祐如、田孝慈继2022年两厅院35周年系列活动「2057：给35年后的活存演习」（后简称「2057」），共同创作的《只能看见部分的折叠的绿洲喝空运动的酒瓶与婴儿》（后简称《只》）的续作。《只》发想于两位舞蹈工作者在疫情期间直面「剧场活存」的焦虑，从而衍生对人类生存现状的关怀，林祐如说：「最终呈现是我们不曾预期的形式，大家好像觉得可以更好，还有更多想像可以玩，所以当人中邀约，就有了《SUPER》。」 林祐如与田孝慈是台艺大的学姊妹，两人个性南辕北辙，前者热情直接，后者温吞内敛，过去仅作为表演者共同参与其他编舞家的作品，《只》是两人首度合作编创，只因为「2057」策展人林人中的一句话：「把妳们两个凑在一起，应该蛮好玩的吧！」 田孝慈回忆，在2022年初疫情仍蔓延之时，她们从接到邀约到正式演出只历时不到3个月，「中间还夹了一个过年！非常崩溃！」但还好设计团队皆是疫情期间她们筹组的读书会小组成员，彼此对于疫病、身体、意识、生存等议题已有一定的讨论与共识，田孝慈说：「我们抛接想法，就像接龙。这让作品不是单一或绝对的思考，包含了我们，是共同组构而成的作品。」 「当时还各自把自己包包里的东西一件一件掏出来，梳子、喉糖、橘子、药用身体的行动去做，像人在建构，我们的进步也是透过手，我们有点像是玩的方式来建构出作品。」林祐如进一步说明，《只》拗口繁复的剧名即是接龙而来，可拆解为「只能看见部分的折叠的绿洲」「喝空运动的酒瓶」与「婴儿」，内藏「『未来』等于『死亡』与『新生』」的讯息，「我们正在经历的每一个当下已经死亡，也是建立未来。」她们表示，这件在短时间内「玩」出来的作品，留下太多悬念，这是《SUPER》的开始。
-
舞蹈 从人体的206块骨骼出发郑伊雯《206 Lab》 探索身体的秘境与想像
将实验室、手术室的场景搬进小剧场，舞蹈空间舞团推出勥4《206 Lab》，让舞者们身穿手术衣，化身为实验者／被实验者、人类／仿生人，从体液、关节、骨骼等重新认识「身体」，也回应近期ChatGPT掀起的「AI是否会取代＿＿」的热烈讨论。 编舞家郑伊雯从去（2022）年11月带著舞者开读书会、上课，以亚历山大技巧为轴心，从生理学、解剖学、哲学、身心学等观点研究身体。「最开始，我们从达文西的画作，讨论人体黄金比例，接著，从外在回到内在，我们做了很多实验，是因为对人类很好奇。」她表示，作品的发想是源于身体的疾病与失去，「过了40岁，真的觉得身体不一样了，很多都失去了。」
-
舞蹈 从一场行为展演开始周宽柔《TOMATO》 性与欲望的探索旅程
「情欲」要如何在舞台上安全、赤裸地诉说、感受？新生代编舞家周宽柔以《TOMATO》谈论性，以诙谐笑闹的黑色幽默挑逗感官，是从画外音「要如何挑选番茄？」的教学开始说起。 《TOMATO》历经3年，首演在2020年的台北咖啡馆，从一场个人行为展演开始，接著为「嘉义新舞风」（2021）的北中南巡演编创为双人舞，并在2022年入选「台湾季」至爱丁堡艺穗节巡演，发展为30分钟的3人舞。英国媒体《FEST》评为：「每一刻都揉合了性在当代的自由与复杂。」今年5月，本作则将于台北牯岭街小剧场重演。 从「番茄」开始，探索欲望的各种样态 1995年次的周宽柔，毕业于台北市立大学舞蹈系，从事剧场表演、创作、动作设计与舞蹈教育相关工作，作品取材自日常中的异常身体，善于以舞蹈视角捕捉行为与生活状态。近年作品多由女性身体经验出发。除《TOMATO》入选台湾季至爱丁堡艺穗节巡演外，2019年应法国国家舞蹈中心之邀至巴黎参与「CAMPING」活动；2021与艺术家陈诣芩共作「女殊运动」计划受邀参与泰国Loei、日本东京等地方艺术节。 《TOMATO》的灵感来自中国女诗人余秀华的《西红柿》与2020年韩国骇人听闻的「N号房」事件，番茄成为具体的象征，「隐喻情欲，尤其是女性情欲、女性身体，就是她怎么被选择、怎么样被切开，怎么样被煮这件事情。」周宽柔以女性视角梳理欲望的险恶与剥削，但并未止步于此，3年的发展，让周宽柔持续探索自我欲望的各种样态，更进一步地从不同的性别身体出发，探索情欲的殊异样貌。 「性是一个核心，情欲是在周围围绕、往返、远离。简单来说，就是把身体放在性的处境，不管是被别人放，还是被自己放，从认知、觉察、感受性化身体，展开回应、行动。」性也不只有一种样貌，有千百种人就该有千百种情欲的状态，「我希望搭建很多桥梁，让不熟悉的人，有办法有感受、理解性。」
-
舞蹈 《群众》创作团队新作《争》 质问人如何「生而自由」
曾以舞蹈、烟雾、灯光与声响撼动观众感知，夺下第18届台新艺术奖表演艺术奖的《群众》（2019）创作班底导演王世伟、编舞／舞者田孝慈、声音设计李慈湄、灯光设计Helmi Fita，睽违3年，推出续作《争》，同样从近年动荡不安的国际情势、风起云涌的社会运动出发，探讨人如何理解、争取自由，又该如何掌握自己的命运等子题。 王世伟说，《群众》受香港反送中运动的影响与启发，「充满了遥望、怜悯、同情，但《争》想进入群众运动最矛盾、核心的部分，混乱、暗黑、卑屈受辱，这让我们质问人生如何自由？」 「天赋人权」谁说了算？ 本作发想于发生几件撼动全球的重要大事的2021年：英国正式脱欧、美国国会骚乱／拜登就任、缅甸军事政变与民众抗议等；隔年2月，俄罗斯坦克进入乌克兰境内，发动二战以来欧洲最大规模的军事袭击，引发全球能源危机、通货膨胀等问题，战火至今尚未停歇；6月，美国联邦最高法院否决女性堕胎权；9月，伊朗22岁女子阿米尼（Mahsa Amini）疑因违反头巾规定，被警察羁押期间死亡，触发大规模示威浪潮；而在2022年的最后几周，中国的「清零」政策同样引发罕见的大规模白纸抗议。 「这么多事情，让我们质问人如何生来自由？法律可以给予，也可以剥夺我们的权利。」国际上传来的这些新闻，对身处蕞尔小岛的王世伟来说是切身之重。他举例，去年他在法国为了申请居留证，除了准备大叠的身分证明文件，还耗尽了漫长的时间与心神，「我的自由是不被允许的。当我们每个人的身分被编码，一定要有护照、身分证，那所谓的自由到底是什么？中国是最明显的例子，人都进到系统，我们只是数字，只是单位。」 从Goblin Mode发展，处理「被动」身体 1980年次的王世伟，于台北艺术大学戏剧系主修导演，毕业后，前往法国钻研剧场美学。旅法期间，以研究者、报导者身分解读、分析、研究表演艺术，于巴黎新索邦第三大学完成剧场艺术博士、硕士学业后，目前定期往返台法两国，现从事剧场创作、翻译、报导等工作。 《争》从王世伟移居他国的身分归属，与创作团队面对世界动荡、体制的规训与惩罚的具体感受出发，更进一步地聚焦在剧场空间中的权力关系，「透过演
-
舞蹈黄于芬的橡皮筋哲学 《谈弹》弹射压力与解放
自2019年始，舞蹈空间推出「勥」系列，艺术总监平珩藉著舞团迈入30周年之际，邀请昔日自家舞团舞者「回娘家」编舞，今年迈入第3届的「勥3」推出编舞家黄于芬与空间暨灯光设计黄申全、服装设计林璟如共同编创的《谈弹》。这件平珩笑称为「三头牌」的制作，将从台湾街头巷尾常见的黄色橡皮筋出发，让橡皮筋等物件直接拉扯、撞击舞者肉身，写实地表现人在现实生活中所遭遇的冲突与压力。
-
焦点人物 台湾版《群像》排练指导刘奕伶：抹除界线，成为桥梁
COVID-19在这两年席卷全球，至今方兴未艾，也带动了一波表演艺术生产模式的转型。无论是基于永续剧场、节能减碳的考量，或是受疫情所迫，近年有愈来愈多的创作者采取远端排练的方式，进行排练或演出，特别是在国际巡演方面，创作者们无不研发出精密的模组，并邀请当地的排练指导加入制作，以适应新世界的运作方式，如澳洲编舞家史蒂芬妮．雷克（Stephanie Lake）的《群像》（Colossus）与台湾排练指导刘奕伶的跨国合作关系。
-
焦点专题 Focus 皮蛋豆腐？！鸳鸯火锅？？台北表演艺术中心 开箱啰
历经10年筹备，施工曾多次延宕，命运多舛的台北表演艺术中心（以下简称北艺中心）终于在今年3月中旬展开试营运，并将在8月开幕，正式成为台北新地标。
-
艺次元曼波 HEART to HEART 王嘉明 ╳ 郑宗龙找到你创作的那颗石头，用力砸向自己的脚
相差5岁的剧场导演王嘉明与编舞家郑宗龙是认识多年的朋友，同样生于1970年代，曾合作过《文森梵谷》 （2006）与《麦可杰克森》（2011）。如今看来，创作光谱各异其趣的两人，当年却在彼此的作品中，都看见了缜密结构中藏著的共通玩性，他们因此经常展开艺术的讨论。 3月中旬，国家两厅院举办了2022 TIFA「开箱！艺术家小宇宙！」系列讲座，特邀王嘉明与郑宗龙进行对谈，并借由与两位创作者相识10余年的主持人陈品秀穿针引线，将他们现阶段的创作思考端上台面，看10余年过去，他们如何在日常生活中提炼灵感，找到有魅力、深刻吸引他们的「原石」，各自在新作《无题岛：孽种与魔法师》（以下简称《无题岛》）与《霞》中，爽快地砸向自己的脚，在创作的阵痛中碰撞出的新鲜、充满活力的小宇宙。
-
艺次元曼波 HEART to HEART 威廉．佛塞 ╳ 桑吉加
不要怕打破期待，创造混乱并持续保有好奇
7月初，编舞家威廉．佛塞（William Forsythe）于香港西九文化区的自由空间展出《无处又遍处（二）》（Nowhere and Everywhere at Same Time No.2），并与桑吉加举办了一场相隔15年的线上公开对话。 1949年生于纽约的威廉．佛塞被誉为当代舞蹈的全能者，与碧娜．鲍许（Pina Bausch）齐名，其创作路径以舞蹈架构为基本原则，却经常打破界线，援引科技、音乐、空间、结构、数学几何等，将抽象的「编舞」视觉化。佛塞对舞蹈不拘一格的「编辑」观点，强调对世界的观察，编舞是世界观的体现，在2003年作为起点，从此影响了香港城市当代舞蹈团的驻团编舞家桑吉加的创作风景。桑吉加多半从现实当下出发，融合建筑、多媒体、视觉艺术等多种艺术形式的戏剧张力，备受瞩目。 两位跨世代、跨国族的编舞家是因2002年首届劳力士创艺推荐资助计划，结下了师徒缘分。最开始，桑吉加赴德国加入法兰克福芭蕾舞团（Ballet Frankfurt），接受原定为期1年的指导。最终，桑吉加跟著威廉．佛塞学习了4年，前两年在法兰克福芭蕾舞团，后两年则于Forsythe Company担任舞者兼助理编舞。桑吉加提到，那4、5年作为舞者的德国学徒生涯，彻底扭转了他对舞蹈的看法。 15年过去，两位编舞家隔空对谈，跨越了地域、时间，回顾往昔，不只是师徒，更以同为创作者的身分，谈对舞蹈、对疫情时代工作方法改变的观察与体悟。
-
艺号人物 People 郑志忠 ╳ 周书毅
认识差异，让「疯狂」出现在剧场之外（上）
「半年好长啊！」郑志忠脱口而出，那叹息分不清是快乐还是痛苦。 为了《阿忠与我》，周书毅、郑志忠与整个制作团队密集工作了大半年，他们以一周4天，每天6小时的频率，高强度、高密度地进出排练场。一个是10岁开始学舞，一路舞蹈学院体系出身的编舞家／舞者；一个是4岁罹患小儿麻痹，19岁投身剧场的编导演创作者两个身处两个相异星球的身体，需要更多时间来熟稔对方的星体运作轨道。 排练之前，他们暖身。周书毅说，暖身是一切的开始，是交流与理解差异的关键。 采访那天，场上暖身的还有舞台灯光设计李智伟、排练助理梁俊文，他们跟著周书毅、郑志忠凹折、支撑彼此的身体，那是不同星系的交会。在这个共同创作的排练场上，有大量的对话，有各种「呼吸的可能性」。他们在剧场里，试著叩问、了解彼此，打破约定俗成的二元分类系统，带著崭新的认识蔓延到剧场外的日常。
-
艺号人物 People 郑志忠 ╳ 周书毅
认识差异，让「疯狂」出现在剧场之外（下）
郑志忠形容周书毅对世界、对人的好奇「很疯狂」。疯狂源于对理解陌生的渴望，快乐与痛苦本是未知所孕育的同卵双生，如同德国文学家赫赛（Hermann Hesse）所说，鸟要挣脱出壳，蛋就是世界。要挣脱出壳，就得打破原有的世界，痛苦是必然过程。人也得破壳，我们的「壳」是惯习，而使用不同的重力、角度观看世界需要练习，如此才能看见未曾看过的风景。 郑志忠期待：「我们希望观众看了作品，走出剧场后接著去想：如何去面对差异个体，找到跟对方说话的方式，共同生活的方式，让『疯狂』出现在剧场之外。」
-
特别企画 Feature 年度现象08跨国交流取径转向，当代舞蹈圈持续「南向」
2023年舞蹈圈持续发生的「南向」国际交流仍方兴未艾，各项作品、计划、交流的能量都愈来愈丰沛。 作品方面有陈武康与泰国编舞家皮歇・克朗淳（Pichet Klunchun）的《野台罗摩》，他们于2017年展开一段为期2年至柬埔寨、缅甸、泰国、印尼4国拜师学舞的旅程，又因疫情之故，演出几经延宕与变化，作品历经7年漫长的酝酿，最终在今年完成首演；而持续发展中的，有王宇光与印尼舞蹈家Danang Pamungkas的《去你的岛》，本作于2022年台湾舞蹈平台演出阶段性发展版本后，创作团队受英国舞蹈剧院The Place艺术总监Eddie Nixon之邀，于今年至英国进行移地创作、持续发展该作，完整作品预计在2024年秋天于台湾首演；此外，林宜瑾也因2024年的新作发展，除了与团队走访国内移工社群外，也前往印尼日惹进行田调；另外，蒂摩尔古薪舞集则举办「艺术生活节」与「南岛当代乐舞与身体踏查交流」计划，前者带入泰国、印尼、印度等身体工作坊，后者则菲律宾多个舞团合作，由彼此舞团的舞者互相给予工作坊，进行文化交流与身体练习等。
-
特别企画 Feature 2024 进行中台湾舞者钟长宏参与皮歇．克朗淳新作《泰．未来》
才刚结束《野台罗摩》，皮歇．克朗淳（Pichet Klunchun）又即将于2024年TIFA推出新作《泰．未来》（Cyber Subin）。 按克朗淳的说法，本作是《No.60》（2020）的「下一章」。《No.60》是他长年研究泰国传统舞蹈箜舞（khon）的成果，在该作中，他用力学分析出箜舞动作体系与六大元素，包含能量、圆圈和曲线、轴点、同步肢体、外部身体空间和转移关系；在《泰．未来》中，他进一步结合「模控学」（注）的概念，舞者将透过与AI所习得的「60号原则」进行「对话」互动，尝试更专注于自身舞蹈技术的感应与挖掘，从中探问传统、舞蹈与科技共存的未来性与创新可能。 克朗淳延续过去几年与台湾舞蹈圈的深度交流，《泰．未来》除了有来自四面八方的制作团队（包含美国MIT AI艺术家Pat Pataranutaporn、新加坡舞蹈构作、台湾灯光设计、亚洲声响音乐家）之外，4名跨国组成的表演者中，其中一名即是台湾舞者钟长宏。 1988年次的钟长宏，曾担任美国StateStreet Ballet舞团、希腊Greek National Opera Ballet舞团舞者。自幼学舞的他，舞蹈养成体系来自与箜舞截然不同的街舞与芭蕾，但在2023年7月至泰国象剧场的首度实体工作中，皮歇告诉他「没有要跟每个不一样舞者合作都做箜舞，希望从舞者身上找到他们本来就有的东西」，这让钟长宏在合作过程中「感觉可以做自己，可以尝试自己想要的东西」。 钟长宏回忆，他第一次看克朗淳演出是在2016年混种现场艺术祭，与骉舞剧场陈武康进行「身体的传统：交流计划」于宝藏岩绿野地进行的公开展演，接著几年，他也陆续听闻陈武康分享他们去东南亚等国学习传统舞蹈的旅程。钟长宏观察到皮歇是一个开放的创作者，「有很强大的基底，但又不断吸收不一样的东西，是一个不断进化的艺术家。」 本次合作，也让钟长宏对舞蹈的理解产生巨大冲击。他回忆象剧场舞者给的一堂暖身课，做了箜舞相关练习，「他们对于下盘的稳定、末梢的掌控、手指线条路径的乾净度要求非常高，跟我所学的系统有非常大的差异，比如芭蕾的Pli（蹲）是动态，但我在那次暖身练习中，认识到他们的身体像是『种』在那里，这跟我习惯的动态非常不一样。」 作为一名与各类型的编舞家合