黄浩良不过三十出头，却已拥有十余年的摄影资历及得奖记录。第一个拍摄对象就是表演艺术，从此没再回头，他特别喜欢拍摄新生代的作品，因为强烈的实验性、包容性和延展性最能与他互动出创作的火花。
三十出头却已拥有十余年的摄影资历及得奖记录、目前是国立艺术学院剧场设计系专业摄影讲师的黄浩良，和摄影的接触是在艺术学院美术系就读时。当年在阮义忠启蒙下，开启了摄影旅程，第一个拍摄对象就是表演艺术，从此没再回头，连毕业作品都以摄影作品取代。选择以表演艺术为拍摄对象，除延续学生时代经验，喜欢具多样性的表演形式，也是吸引黄浩良投身其中的理由，「表演艺术本身就充满了各种可能，因此能发挥的空间大。其中，我特别喜欢拍新生代的作品，因为他们具有强烈的实验性、包容性和延展性，许多小成本的制作都能迸发出让人眼睛一亮的成绩，而我合作过的许多学生制作非但不输专业表演团体，而且更勇于实验、创新，对摄影者而言是更大的挑战，也更有趣。」因此，黄浩良选择合作拍摄对象不在于表演者的知名度或经费预算，而是「有没有挑战性」。
摄影是一面镜子
黄浩良觉得自己像一个视觉的魔术师。「影像是造梦，将稍纵即逝的东西捕捉住，透过镜头，将舞蹈、戏剧变成照片，让照片自己说话。」因此他认为真正掌握表演艺术摄影精髓的灵感是来自表演者。「和我工作的人会教我，例如罗曼菲、赖声川等人，会适时地让我明白整个舞或戏要的感觉，加上我本身善于影像思考，一段音乐、一个画面都能作无限延伸。」「我觉得我是一个互动式的拍摄者，和实验性强的团体会玩很多形式，但若是本身很强的创作者，就会将自己变成一面镜子，将创作者的原味忠实呈现。」其中，黄浩良又特别钟爱拍舞者和演员，「因为他们最『无常』，人生如戏在他们身上最能印证。」
和多数摄影师一样，黄浩良也希望每天都能沈浸在拍摄表演艺术的愉悦中，但现实是，此一生态圈无法提供摄影师足够的经济条件，许多摄影师都需兼拍商业性作品以谋生。拍摄商业性作品和表演艺术是截然不同的，黄浩良说，拍商业性作品需要更多的妥协，因为它讲求的是效率、经济效果和快速，不能将客户的东西拍成创作性的人文艺术品，因此，在拍商业作品时，他将自己定位为「影像服务者」，为的是储存「人生旅行的盘缠」。
表演艺术则不同，「表演艺术是一座秘密花园，我可以按我的习惯、规则来运作，我可以选择什么时候呈现、什么时候花开，可以不计成本，随心所欲，不会因谁来而开得更久。」
成为一位专业摄影老师
而对于自己的拍摄风格，黄浩良认为是「不经思索，自然形成，且一直在变（跟著心变）。」对他而言，拍一出戏拍到的是心动的感觉，是无常的呈现。「拍第一年和第十年间的距离不只十年」，黄浩良说，由于表演的幻化无常，加上周边刻意的条件铺排（灯光、舞台、剧本、导演的伏笔、剧作家的刻意安排等），常有「一觉醒来五百年」之感。「相机只是素材，心开窍就上路了。」
一路拍来，却没想过要作一名摄影师或专业摄影师，直到近年，才开始领悟到「我是个摄影的人，是一个见证者。」「因为表演者已经习惯我的存在反而无视于我的存在，因此我可以从容地在旁观看。透过镜头的观景窗，可以抽离也可以靠近，由不完整到完整的过程，我看到的是人生，而我也成了影像见证者。」因此，黄浩良目前最大的心愿是成一位专业的摄影老师，一位寻宝师，带领著小园丁一起浇灌、滋养秘密花园，将商业慢慢放下，成为一个专业的摄影工作者，用影像说人生，创作出令后人赞叹的作品。
「很苦，却非常实在！」黄浩良如是说。
特约采访｜钱丽安
