PAR 表演艺术杂志

循著艺术家脚下趴答作响的拖鞋声，进到工作室，你快快压下瞥见角落满满一小车酒水的惊讶，紧紧跟上，探入艺术家的隐蔽家居。终于你再也无法抑制嘴角笑意，望著眼前这宛如装置艺术、不到五坪的多功能家居，集结马桶、浴缸、床铺、衣柜，还有一座可供闲暇烹饪的豪华厨房。这时，一旁穿著棉裤的艺术家得意且懒懒说道：「这里全是我动脑筋改的！」

于是你隐隐想起，古代那些居陋室、游历天下的骚人墨客，归来后，就著几分酒意，执笔驰骋于天宽地阔的宣纸上，醉眼凝望那不拘小节的大山大水，绘就写意人生。然而时序来到现代，同样灵动且意境悠远的山水画作，不再仅能由毛笔勾勒，它可能是一缕平凡无奇的铁丝网、也可能是一张晴日烤炙的蓝晒图，透过艺术家犀利幽默的眼睛，带领观者窥看到另一个截然不同的世界。

他是艺术家吴季璁，以前卫感性和创新手法，重新演绎栖居身体里的古典灵魂。

不安于室的好奇男孩

当别人家的小孩还在玩钢弹模型、拼图积木的时候，年幼的吴季璁已经开始把玩父亲的电钻、锯子、螺丝起子。这些特殊玩具让他早早就习惯自己动起手来，探索事物背后的组成和拆解（可能也是破坏）。头痛的母亲为了要让好动的小儿子安静下来，意外找到了绘画这个方法，就此吴季璁自七、八岁起开始学画，一路考上师大附中美术班，再进到台北艺术大学美术系油画组。

然而学院派制式的技法教学，隐隐让吴季璁感到束缚与僵化，画画不再是一件让人感到身心发烫的创作历程。高中生涯，他跑到登山社去学攀岩，一度还跟国手们一起培训练习，高三毕业时他又和一群伙伴大搞另类主题舞会「附中营造」，在校门口停了一辆货真价实的大怪手，兼立了施工告示牌，让每个来参加舞会的同学进场前都困难重重，得越过两旁用鹰架和绿网搭起的甬道。现时回想，吴季璁笑著说：「那大概我人生第一次舞台设计的经验。」

在北艺大继续精进绘画技法，吴季璁仍未解心中郁闷，直到大学二年级遇上袁广鸣老师，开始修习录像艺术，身体里那股积累的创作能量才终于找到纾解管道。至此，吴季璁开始大量拍摄影像，摸索这崭新艺术语汇，回望生活里的大小事物，诸如拍摄一支探讨赖床主题的作品，记录眼皮如何沉重地藕断丝连。

然而，在录像艺术领域的全新突破，要等到大三时期的某个阴沉雨日，吴季璁在面向关渡大桥的赁居家中把玩摄影机，意外发现在高速快门下，原本肉眼所见一丝丝的雨滴，变成随意跳动的水珠，运动的连续性被断裂开来，完全不同于日常视觉经验，当下宛如神启般，揭露了这世界的另一个存在面向。

大四时期因遗失摄影机，驱使吴季璁发想动手制作机械的念想，意外让他找到了存在投影机具象和失焦两者间的有趣空间。他让一块毫不起眼、工业生产用的铁丝网，透过自制机械投影而出，魔幻般霎时勾勒出一幅深邃渺远的山景。这件名为《铁丝网》的作品，不仅成为吴季璁少时代表作，为他赢得一座台北美术奖首奖，更替他吸引了国内外艺术圈的关注目光，好奇这个年轻小伙子怎能如此别出心裁地与传统接轨。回顾这段创作历程，吴季璁自言：「自己尝试动手做，我觉得会有某种思考方式上的差异，你会好奇这东西是如何运作，背后存在怎样的逻辑，因而进一步发想其中的隐藏意涵。」

从山水造境到未来科技城市

自《铁丝网》、《烟林图》、《灰尘》、《小品》各从不同角度与传统对话，乃至「皴法习作系列」，运用古老影像冲印技术——氰版摄影法（或称蓝晒法），将感光材料涂抹在宣纸上，揉皱后经日光自然曝晒及水洗，让纸张皱褶纹理显现层峦叠嶂的壮阔山景，巧妙置入中国书法与绘画，将东方文化的美学想像和视野，重新带回到现代艺术之中，这一路的创作发想，呼应著吴季璁参与国际双年展的见闻经验。当他赫然发现全球流行的艺术创作趋势，俨然是另一种新型态殖民现象，消弭了艺术家与自身文化的连结，因而想不断透过作品，让自己回归到文化根源上去进行探索。

这几年的专注创作，让吴季璁在国际上屡获肯定，从乍闻通知以为是新型态诈骗手法，入围二○○五年国际艺坛奖金最高的视觉艺术奖项「英国盟代艺术奖」（Artes Mundi），到勇夺二○一三年波兰媒体艺术双年展（WRO Media Art Biennale）首奖，自一千五百多件作品中脱颖而出的《水晶城市》。吴季璁始终走在自己的创作道路上，自生活中寻常可见的物品，觅得无限诗意。诸如「水晶城市」系列，安置妥当的透明宝特瓶材质塑胶盒，经由LED光源投射，瞬间便召唤出一整座杳无人迹的未来城市，其中隐隐透露某种剧场氛围，恍如待填补的想像正蛰伏其中，遥相对照吴季璁的剧场创作脉络。

用艺术家身分挑战舞台设计

持续耕耘自己的作品之余，吴季璁近年也屡屡参与剧场创作，以舞台设计身分，打造不同诗意空间与氛围营造，让戏剧与舞蹈圈惊艳。二○一三年，他与编舞家苏文琪合作，推出舞作《身体舆图》，从半掩的电脑屏幕获得灵感，以四十五度的倾斜白色墙面，映照光滑如镜的地板，打造海天一色的视觉奇景。当舞者踩在以大楼隔热纸铺设而成的地板上时，幽微的肢体韵律便会扰动光影波纹，同时作用在两个相互成像的平面，形成一个不断流动改变的空间，谕示著肉体与精神上的分裂拉扯，进一步具象化舞作核心。精采的舞台概念发想，入围该年的世界剧场设计展。

聊起自己以艺术家身分参与剧场，吴季璁不断思考自身定位，他认为，「面对剧场空间的特质，我的任务，就是要将那些不可见的抽象概念实体化，赋予其深刻的视觉意象。」

延续吴季璁秉持的概念，不难看出他经手之舞台设计所具备的空间活化特质。

二○一三年与林文中舞团合作的作品《小结》，他于两厅院实验剧场中，以大块弹性布料自观众席拉向舞台尽头，形塑出漏斗状的异样空间，让人仿佛身置在一光线无法穿行的无尽甬道中；同年与莎妹剧团合作之《不在，致苏菲卡尔》，偌大舞台上仅有一张巨幅白纸，舞者Shai Tamir和演员徐堰铃自始至终都无法碰触彼此，却能透过场上那张或折拗、或平顺的白纸不断对话，俨然是三个角色的私密共舞，慢慢慢慢引导观众走入那戏剧氛围；二○一四年甫落幕的刘守曜独舞作品《Shapde 5.5》，吴季璁以四块弹性白纱，塑造出高低起伏的错落分隔，熨合舞作中的不同生命阶段，直至最后舞者将一切收拢于胸怀，象征生命归于初始。

屡屡参与舞台设计，吴季璁都像是给自己和团队出了个大难题，无论是《身体舆图》的滑溜隔热纸地板，驱使苏文琪必须重新找到身体质地，抑或是《小结》的特殊舞台让灯光设计大伤脑筋，然而就在如此的激荡和发想中，每回挑战都带领著所有创作者离开舒适圈，前进到更好阶段。如此反馈，也发生在吴季璁自己身上，他谈及因为参与剧场，后来作品诸如《轮回》，以六架摄影机彼此拍摄传输影像，探讨媒体时代人与外在世界的关系和自我意识，便蕴含了剧场的思维特质在其中。

携手古舞团共谱《爱情如是继续》

二○一四年深秋，集结苏安莉、余彦芳两位新生代编舞家，古舞团推出跨领域的实验舞作《爱情如是继续》，除了邀请同样入围世界剧场展的灯光设计高一华、吴季璁担任舞台设计，更找来两位音乐人应奇轩、余佳伦现场创作音乐，齐力探究「爱情」此一古老命题。

为了摸索爱情的百般滋味、难以捉摸的面貌，吴季璁以两大四小的流动平台，承载著观众缓如在海上漂移，让彼此融入舞作风景，在不同距离、角度、遮掩、移动的观看体验中，每位观众都将看到独一无二的舞作面貌。「观看视角的不断改变，呼应著爱情本质，一如我们永远无法看清或摸透其面目。」吴季璁如是说，且企图更进一步打破「单面台的剧场空间，不再让观众旁观如全知上帝，他们将会发现，自己也身在其中，无可抽离。」

在这不断改貌的剧场空间里，抽象的爱情究竟会具象成何种风景，如同每次我们窥看吴季璁的作品，都将是一场崭新冒险，等待我们勇敢启程。

创作有「伴」

小厨房

在高压而密集的创作之余，吴季璁忙里偷闲的嗜好就是隐身在自己的窄小住所，为自己烹煮晚餐。几道混搭料理，番茄蛋花汤、蛋饼，还有国外驻村时，父亲透过skype跨海教学的家乡味肉燥，是他永远忠实的创作后盾。

手绘图稿与笔记

不爱科技，力求简朴回归本质的吴季璁，出人意料地坚持手绘设计图稿，除了非要精确尺寸的施工图，大部分的创作都是在纸上一点一滴乎洒成形。空白处写下自己的片刻思索，宛如跟自己对话著，一种美好的老派作风。

皴法习作

平均实验数十张才能成功一幅的「皴法习作系列」，利用日光和时间作画，十足手作风格。而皴（ㄘㄨㄣ）法，是传统中国画表现技法之一，多用以表现山石、峰峦和树身表皮脉络，透过笔墨，将物体的质感栩栩如生表现出来。

一车小酒

艺术家到各地游访带回来的醇酒，载满工作室里一小车，镇日工作后，闲来三五好友吆喝小酌，群聚分享彼此创作体悟，抑或生活中的小小忧烦，俨然是藏于市井间的艺文沙龙。