PAR 表演艺术杂志

第一套节目

《安平追想》的节目单上开宗明义即表明：五位表演者是「非舞者」，意图以其「质朴的身体能力及线条」在舞 台上呈现「如一幅幅的照片」。这样的立意虽好，但当庞大的动态银幕出现在舞台上时，毕竟还是个需要费心处 理的舞台元素。

该作品所应用的影像内容，从历史照片、古迹现貌到今日街头拾景都有，时空横跨百年、主题庞大，但影像与台上表演者的关系大部分的时间都各自独立。创作者刻意让表演者采取「观看」的角度而非积极的介入或互动， 但当给了影像这么一个崇高的自我表述地位时，其纷陈的内容与拍摄观点却让人无从归结出创作者所欲传达的理 念，观众只能被动地和表演者一起观赏，出现了如看地方简报的尴尬。一直到演出尾声，银幕上出现一些苍凉的 老墙画面，表演者不看银幕直直往前走来，才似乎对观众说了些什么。

相较之下，《两我的平方》则为一出完全个人的自编独舞，从舞者站在一个定点玩弄身体各部与雷射光点的嬉耍，乃至与布的纠缠，至最终情绪的激越，设计了多样的手法表达个人极端的情绪。至切换到第二段的影像部分， 因缺乏足够的转换，一下从极端的情绪落入相较之下较为理性的银幕影像，令人有点措手不及。

影片初始一段时间内容也和原本舞台上的表演一样（只在定点不动），让人不解为何要从三度空间「压扁」成二度 空间？不久，创作者意图制造三度空间感：影像朝镜头边框推动、甚或人影「破格」出镜。影像接下来做三百六十度翻转，同时也以一方块状的灯光在观众席间四面团转，制造环场的「立体」效果，似乎在呼应先前舞者狂乱的情绪。当平躺的舞者影像如风标般转动、而后静止，缓缓下降与躺在银幕下方的真实舞者合而为一，原本期待平静起身的舞者会有另一番新的感悟，不想全舞就这么结束了。

《下一站：□□》的结构完整，舞蹈与戏剧元素亦有可观。影像于舞作一开始即先行打满整个舞台，舞台上下与裸露的背墙上都有表演者与影像互动；观众在观看各部进行时，一方银幕即悄悄降下，在不知不觉中与影像「贴合」，避免了「全场观众静待巨大银幕缓慢降下」的奇景，是一巧思。

这支作品的影像是此次舞展六支作品当中，内容最为繁复、制作最具商业架势的一支。连串的平面图像，每一帧均经过电脑处理：或多次重复物件成规律几何图形、或放大局部成巨大图像，将周边的日常生活琐物（如台湾小吃等）处理成既诗意又荒谬的「史诗风格」，有若商业设计界爱仿傚的「苏联前卫时期」的海报设计风格。表演者的人形也逐—或两两地，以拼贴方式（collage）「游走」、「出没」在影像之间，人形在放大的唯物环境中显得渺小而可笑，语调隐含荒凉。而在各式异国旅游风景照中虚拟的「主观镜头」（如在画面前方贴上一角船头，谐仿坐在船上摄影），又加强了梦想的强度。整体影像妥切呼应作品在数个段落中欲传达的旨趣，关于年轻、情爱、放逐、压力与梦想。数段旁白文句亦例示了时下年轻人的文字风格；灯光、音乐、表演者、影像、道具与文本环环相扣，整体看来质感十足，是部难得的年轻人的制作。

第二套节目

《寻找本世纪的莎士比亚》在抽象的精神氛围中夹带叙事的表演方式，是编舞者之一李名正的特色。

影像出来首先在图像之外出现一些「为什么？」、「相思」、「怨恨」、「无心」、「沈重」等文字，做法直接。 影像主题为「不断走动的人」，陈述一种不得已的人之存在处境。但可惜银幕出来之后，为避免影像模糊掉，灯光打光的范围不敢过高，以致台前左方一段条状光区上数位舞者的独舞，舞者的上半身以至脸部都全隐没在一片昏暗之中。相较于银幕上鲜明的符号性象征与背景强烈的电子音乐，舞蹈缺乏足够动能，虽然舞者也在舞台上相应走动、自银幕后墙上的走道走「入」画面的设计，但仍无法锐利呈现舞蹈与影像的关系。

直到最后一段舞蹈才有足够的著墨，舞者以互相拥抱接触，或落空或被拒、接受安慰却仍失神离去等种种情境，点出人与人之间关系的困难：有心无力、有力无心，颇见动人之处。吴品仪在收放之间情绪有味，舞蹈精准，仍是李名正常用班底中最亮眼的一位舞者。

24—如接触即兴，不落斧凿痕迹但强调处处有味。平面的动态影像如立体的装置艺术，看似与舞者无直接互动，实则提供了动作三度空间面向的依据。不同调性的几何图像设计也提供了不同氛围的情境：如刚开始雷射光般的简练线条，于徐缓的方向转动中营造了一种忧愁的简约。加上三名女子彼此间温柔的眼神关照、现场木吉他的弹奏，一时之间好似Windham Hill （八〇年代红极一时的轻爵士音乐厂牌）的秋天写景，让人温暖中感受到淡淡的惆怅。之后随著林慧玲如梅芮迪斯．蒙克（Meredith MonK）式的女声诙谐变奏，影像又随之变换成活泼的圆 点色块跳跃、重组，如六〇年代欧普（Op）艺术的装饰风格，又如同时期好莱坞社会喜剧片头设计的轻松世故。最终如风车般转动的花朶图案，则称职地为全舞款款的女性叙述衬上一层软软静静的终结。

整支作品即便看来舒缓细致、满是女性感性质地，但在空间元素的开发上却理性、富条理变化。即便舞者手中垂坠出的一节线头，都构成舞台上的线条。而灯光设计也在三名舞者的走位之外，主动开发出更多横条或纵深的面向，引领舞者作更细部的空间组成。银幕上各式几何图案的变幻，自非偶然，亦呼应著舞台上一切的点、线、面构成。

此外，编剧的加入也为全舞各段落注入了更流畅的转承（一段无人的三次灯光变化「空景」转场，尤是神来之笔！）；如此细密的结构考量在一般的舞蹈演出中是少见的，这也是这次舞展数个有编剧人士加入的作品一致的特色。

《马路天使》是个将流行文化融入且辛辣呈现的聪明小品。最突梯的是该作影像，乃撷取一段好莱坞四、五〇年代的科幻影片，可惜能引起美国人立即哄堂大笑的「咖啡盘式的飞碟」和绿光中即可传送太空人的「低档科技」，并未让台湾观众有太多的反应。同样的「美国经验」还出现在「衣服上还吊著标签」、「自己会转的椅子」，还有「大众逃生说明」等笑话。其实踢踏舞背后的美国文化影子本身就很重，不禁令人捏一把冷汗，不知台湾观众是否会有共鸣，了解其中尖锐的文化讽刺与高度神经质式的幽默。所幸创作者另外成功地在内容上加入大量在地元素，透过别具创意的「说书人」式的设计，外加上精心设计的道具惊奇，让全场高潮不断。而「异国风味」浓重的踢踏舞，也得以显得和我们的生活如此亲近，帅气地令人也想跃跃欲试。

末了，舞台上在一切的「疯狂」停止之后，还留下了一盏可爱的小灯静静地对著观众。这是一出对观众招手的作品：一方面用心地免除了「只是踢踏舞」可能带来的单调，一方面又以庞大的指涉、用黑色幽默的方式，狠狠 地嘲讽了我们文化中可笑的常规与现象；在可爱的外衣之下，有著深沈的内容。

 

文字｜邹之牧 美国俄亥俄州立大学艺术硕士