PAR 表演艺术杂志

芬兰，一个遥远的境土，充满神话、布满森林的千湖之国，首都赫尔辛基更是地灵人杰，自十八世纪起就有十分活络的音乐风气，从室内乐到歌剧的多元呈现，已然成为重要的日常活动，再加上音乐教育的深耕推展，十九世纪创立的「文化与教育协会」（Society for Culture and Education）及赫尔辛基交响乐团，到了西贝流士（Jean Sibelius）的手中，更是将这个民族的独特人文精神推向最高峰。

北国音乐才子  国际乐坛绽放光芒

半个世纪后，艾萨-佩卡．沙隆年（Esa-Pekka Salonen），这位生于赫尔辛基，原本主修法国号与作曲，之后毕业于西贝流士音乐学院的指挥家及作曲家，承袭优良的音乐传统，继往开来。一九一九年以带领芬兰电台交响乐团开启职业指挥家生涯，之后于国际乐坛履创佳绩。未及耳顺之年的他，现任洛杉矶爱乐的桂冠指挥、英国爱乐管弦乐团常任指挥，同时也是纽约爱乐的驻团作曲家，并与前瑞典斯德哥尔摩的音乐厅（Berwaldhallen）总监麦可．特登（Michael Tydén）及指挥家葛济夫（Valery Gergiev），共同创办了「波罗的海音乐节」（Baltic Sea Festival），每年八月于斯德哥尔摩及邻近地区举行，期间邀请著名的音乐家共襄盛举，发扬波罗的海地区特有的音乐传统。

沙隆年曾获多项大奖，如一九九八年获法国政府颁授艺术及文学勋章，二○○三年获西贝流士音乐学院颁授名誉博士学位，二○○五年又获颁授赫尔辛基勋章，亦获《美国音响》杂志选为「二○○六年度音乐家」。此外，在作曲上的成就更是令人惊艳，曾于二○一二年以《小提琴协奏曲》荣获美国路易斯维大学（University of Louisville）「葛洛麦尔奖」（Grawemeyer Award）的音乐创作奖项。

同行不相忌  为当代作曲家发声

沙隆年除了投入创作及演出传统古典曲目外，更积极为当代作曲家发声，许多新作皆在他的指挥棒下「初试啼声」，如约翰．亚当斯（John Adams）为电子小提琴及管弦乐团所写的《大南方岬的达摩法》The Dharma at Big Sur（2003）、约翰．科里利亚诺（John Corigliano）《红色小提琴》The Red Violin（1998）、阿福．佩尔特（Arvo Pärt）《第四号交响曲》Symphony No. 4, Los Angeles（2009）、卡雅．莎里亚荷（Kaija Saariaho）的歌剧《妈妈雅德莉亚娜》Adriana Mater（2006）等等，皆传为佳话。

除了为当代新作首演之外，沙隆年对于挖掘前辈作曲家束之高阁的旧作亦不遗余力，譬如在今年二月才於伦敦首演了斯特拉温斯基（Igor Stravinsky）生前并未付梓及演出的作品《葬礼的音乐》Musique Funebre。这是史氏为纪念其恩师林姆斯基-高沙可夫（Nikolai Rimsky-Kosakv）所写，为史氏年轻时的创作，这令同样身为作曲家的沙隆年感同身受，格外振奋，也很惊讶，他分享道：

「当我获得斯特拉温斯基的曾孙女玛丽亚．斯特拉温斯基女士的允许让我们在欧洲首演，并拿到《葬礼的音乐》的电子版乐谱时，那是很难忘的一刻！欣喜若狂之余，也对此曲感到惊讶，因为他的老师林姆斯基-高沙可夫对他的影响无庸置疑，但在这部作品中竟也可找到华格纳《帕西法尔》Parsifal及《崔斯坦与伊索德》Tristan und Isolde第二幕的影子。从《斯特拉温斯基回忆录》Stravinsky's Memoirs得知史氏本身并不欣赏华格纳的风格，并大肆批评，所以在这部作品里看见史氏使用绵延不绝的旋律线，与华格纳作风相近，出乎我的意料之外。」

话说回来，每一位作曲家的创作风格，会随著生活经验及所处的环境而产生变化，斯特拉温斯基更是如此，这首《葬礼的音乐》与他之后的创作风格就相距甚远。沙隆年说到：「这绝对是史氏发自内心、本乎情的作品，音乐充满感伤的情绪，我相信每位听众都可以感受到他当时对恩师离去的不舍及伤痛，但我们仍可从这首曲子中找到很多之后的音乐元素，像是和声的风格，当时可能还是在尝试阶段，可从这首曲子中看到他的某些作曲技法的雏型。」

由作曲家的观点去看另一位作曲家，更能清楚了解创作风格的养成及思考脉络，与自身的经验相印证。

不管创作或指挥  最重要的是让听众进入音乐中心

不久前，沙隆年才刚完成了为马友友所写的《大提琴协奏曲》，在今年三月与芝加哥交响乐团进行首演。马友友与他相识多年，亦多次合作演出过不同的曲目，如德弗札克、萧斯塔可维奇、卢托斯瓦夫斯基（Witold Lutosławski）等作曲家的大提琴协奏曲，至于说与老朋友演奏自己的作品，沙隆年认为：「这是我们在音乐上的合作的自然延伸，老实说，我觉得跟他一起演奏其他作曲家的作品是没有两样的。演奏古典音乐跟新创的音乐，就像是读今天的报纸跟读上周的报纸，衷心期望自己的作品能给予听众一些新意，亦可承袭前人的优良传统。」

不论是诠释自己的创作与其他作曲家的作品，最重要的是要让听众进入到音乐的中心，对于沙隆年而言，犹如一部电影中，身兼数职——自编、自导、自演。

古典音乐新舞台  走上数位科技最前端

在沙隆年与英国爱乐管弦乐团的努力创新下，古典音乐的大门为所有人而开启，不再遥不可及。近年来，他们将古典音乐的触角延伸至多媒体艺术，最令人津津乐道的就是《梦之城：维也纳1900-1935》City of Dreams: Vienna（1900-1935）、《恶魔之舞：贝拉 巴托克的世界》Infernal Dance: Inside the world of Béla Bartók，以及为纪念其恩师维托尔德．卢托斯瓦夫斯基百年诞辰的计划《交织之语：音乐始于言辞终结之处》Woven Words: Music begins where words end。

除此之外，他也策划曾获奖的跨界展览RE-RITE演出斯特拉温斯基《春之祭》与Universe of Sound演出霍尔斯特（Gustav Holst）《行星组曲》The Planets suite，让民众透过影像与声音计划，得以参与演奏、指挥，或是用任何自己想要的方式与音乐贴近。并协助发展iPad应用程式“The Orchestra”，挑选出八首作品的片段，让使用者透过萤幕的触控，更了解音乐中的细节，每件乐器在某个乐段所扮演的角色及宏观性的整体感。

沙隆年也与苹果电脑合作，用音乐参与iPad Air的促销活动，让聆听古典音乐是一种具时尚感的休闲。沙隆年乐观其成：「我们希望借此让古典音乐更大众化，尤其是年轻族群（在欧美国家聆听古典音乐的人口以银发族居多），我们现在也有在开发虚拟技术，透过数位化的传播，成为古典音乐推广的平台。」所以期待不久的将来，古典音乐能有更多元化的呈现。

来台演出理查．史特劳斯  两首交响诗隐喻矛盾心理

今年五月，沙隆年将率领英国的爱乐管弦乐团再次访台，会在台中国家歌剧院呈现两首理查．史特劳斯的交响诗——《唐璜》Don Juan（1888）与《查拉图斯特拉如是说》Also Sprach Zarathustra（1896）。沙隆年表示，这两部作品创作的时间相隔八年，皆为理查．史特劳斯试图用音乐诉诸哲理，不断延伸来表现尼采（Friedrich Nietzsche, 1844-1900）「超人说」（Übermensch），战胜虚无主义，而这两首作品也隐喻了矛盾心理：「哲学思想在歌剧中是不易表现的，理查．史特劳斯亲自撰写剧本《贡特拉姆》Guntram（1894），当年以惨败告终，之后他就以纯器乐来表现，给予空间去想像音乐所带来的弦外之音。《查拉图斯特拉如是说》，明明已产品了无穷的力度，但他最终决定以『问号』来终止音乐，就像是经过了漫长的旅途，我们最后停留在一个矛盾情结，真相是模棱两可，理查．史特劳斯认为生命是无止境的延伸，每天都在不断地学习新的东西、持续累积经验，否则生命是索然无味的……」沙隆年更强调：「这两首作品风格迥异，音乐的结尾皆是悬而未决的，但音乐的对位结构及和声变化都经过缜密设计，管弦乐配器相当瑰丽，所以演奏的过程可说是相当享受。」

这位来自千湖国的才子，不断以各种形式，邀约我们进入音乐的世界，透过他的指挥、创作、数位化的传递，沙隆年将神话转为奇迹，让古典音乐成为瞬间click垂手可得的礼物。