知名的灯光装置艺术家艾里亚森，去年参与了柏林国家歌剧院的制作、法国作曲家拉摩的《伊波吕特与阿丽西》。这出讲述四位神话主角间情爱纠葛的歌剧，满溢著音乐奇才拉摩的丰富创意，但这次兼任灯光、服装与舞台设计的艾里亚森，却没能体现拉摩作品中的戏剧质素，导致抽象舞台的象征意涵相对薄弱，缺乏戏剧张力与吸引力。
去年，灯光装置艺术家艾里亚森（Olafur Eliasson）参与的歌剧（注1）制作《伊波吕特与阿丽西》Hippolypte et Aricie（1733首演），引来德国媒体高度瞩目。对比传统，艾里亚森设计出「光」与「色」的剧场，很可惜在一片负评下，并没有开启歌剧制作的新指标，反而唤起这出拉摩（Jean-Philippe Rameau ，1683-1764）创作的「抒情悲剧」（ Tragédie lyrique）（注2）之热烈回响。从认识歌剧制作中的「灯光设计」，我们想借此谈谈，在与指挥家拉图（Sir Simon Rattle）、英国编舞家导演蔻林丝（Aletta Collins）等明星合作的光环下，为何当代视觉艺术里的巨人，难以跨入歌剧，相形下，三百年前的拉摩，何以屹立不摇，成功挑战传统，成为经典，持续带给观众美感触动。
歌剧的光，如何为音乐服务
歌剧里「照明」与「打光」有严谨的差别，在十八世纪蜡烛时代，已意识到，观众席与舞台明亮间，光源位置、角度和质感不同，能表达出迥异的场景意涵，渐而萌生了「光」的艺术性。走过油灯与十九世纪煤气灯，在划时代的灯泡使用后（约一八八九年），才日益确立了「灯光设计」的定义（约一九三三年），此后孕育到了七○年代，灯光艺术家（注3）开始加入歌剧制作的先机。
艾里亚森除了灯光设计，亦兼服装与舞台，以「黑」为风格的抽象舞台，将服装成为光线的元素之一，为成就「打光」艺术，银色大戏服，像巨型糖果包装纸，带来女歌者演唱时的负担，男歌者的便服，也有违剧场美感。
五幕的《伊波吕特与阿丽西》，讲述四位神话主角间的情爱纠葛：后母爱上养子，父亲误会儿子与妻子有染，伊波吕特与阿丽西相互迷恋、分离、再结合，依循著「抒情悲剧」该具备的英雄神话内涵。台前，歌者们呈现完美的集结，舞者中，特别是来自台湾的王柏年，在第二幕偌大极简的白光前，有著「像花一样绽放的身体」。相形下，在编舞导演与灯光设计间，缺少一个对戏剧质素（Dramaturgie）清楚的基本理念，使得「光」沦为场景装饰。艾里亚森除了用灯光建构出神殿与宫殿外，无论是黛安娜女神或森林场景，均采用一个无边际空旷空间的舞台，加入极为炫目的雷射光、Disco球、投影、镜面反射等，让剧评大批「无聊得像壁纸」。
其中关键的原因，应该归咎于无法掌握拉摩音乐上提供的戏剧质素，导致抽象舞台的象征意涵相对薄弱，缺乏戏剧张力与吸引力，在接下来第四、五幕中，音乐高潮迭起，反观此制作中的剧场美感，却愈趋贫瘠。第二幕地狱场景，在冥王（Pluto）的地盘上，雅典王提修斯（Thesee）来此想救出好友，面对复仇之王（Tisiphone）的刁难，要想再回到人间都自身难保。这个冥王世界中，艾里亚森用颜色区别三个角色，却彰显不出身分背后神话中的多条权力关系，缺乏立体感。纵使装置艺术家带来专业电脑绘图设计、技术制作规划、结构演算，但半透明，能反光的PC版或其他巨型灯管、镜面、鹰架等，要如何为音乐戏剧性加分？「光」创造出的透空舞台质感，需要紧密结合作曲家的意图，辅助歌者的歌唱性，反映乐团声响的丰富。一方面厘清戏剧复杂性，另一方面又能增加表演艺术当下的戏剧张力。原始音乐创作者的细腻处，在在都考验著，现代歌剧制作对音乐文本的理解，也决定能否提供观众更大的想像世界。
