尽管每日确诊数时而趋缓时而躁动，日子还是要过。欧洲各国去年普遍历经二次封城，在今年5月下旬，终于再度逐步恢复餐厅、酒吧与百货商家营业。被视为「非民生必须」的文化艺术产业，也终于在这一波普及疫苗覆盖率的大解封中，能重启场馆大门，接待艺术家与观众。许多去年被取消的艺术节纷纷调整节目策略卷土重来；加上国境松绑，旅行逐渐恢复，回到舞台上的，有原被取消回到解封排档的制作、有改编原作空间配置搬移到户外演出，还有回应及反思疫情以降的生活与文化变动与冲击的新作品。
「在」与「不在」的辩证
罗马尼亚艺术家马纽．佩姆斯（Manuel Pelmuş）9月在维也纳艺术馆（Kunsthalle Wien）首演的《永久收藏：持续行进的行动》（ Permanent Collection: ongoing action），是在疫情下对「何为存在的证据」的质问。原本因著奖助金旅居挪威的佩姆斯，在疫情爆发后，所有表演工作（被）取消而回到罗马尼亚。过去10多年来在中西欧主流当代艺术圈发展事业的他，一夕之间再度迁徙。封城期间，身体被迫不能自由移动，却也因国境与移民管制等相关政策，而处于被迫移动的流亡状态，让他再次检视各种体制与机器框架下，「永久 vs. 暂留」之间的关系连带。
在这件作品里，有佩姆斯对视觉艺术机构典藏机制的提问：机构去典藏作品的意义与方式、什么样的艺术产物值得被典藏、非物质的艺术与行动如何可╱不可被典藏，以及「表演」如何作为一种具有持续性、可更迭、不受限于物质艺术定义却也同时受限于物质典藏机制的艺术，来反复协商美术馆与（行为、舞蹈等）表演之间的「施与受」及「展与被展」。被典藏的作品，仿若拿到「无论如何都有文献记载，可被无限次展示」的「永久居留」门票；相对地，那些没有或无法被典藏的，就像自己在舞蹈及视觉艺术之间、西欧与东欧之间的流动状态，佩姆斯用身体演出来。透过舞者身体动作组装来转绎图像，佩姆斯呈现了一系列未被主流美术馆收藏的艺术，他用暂时存在、发生过的事件，在机构场域提出一种不在机制内部的在场证明。
在场与不在场之间相关的辩证，同样出现在南韩编舞家安银美的《龙》（Dragons）里。她也是少数在欧洲解封后能再度远渡重洋，回到舞台巡演的艺术家。本作发想初期，意图汇集亚洲各地千禧年世代舞者同台，研究亚洲多元文化主义，在疫情间调整了发展方向与创作策略，让另一群非韩裔舞者透过视讯排练，录制独白与影像，最后投影在剧场中与在现场的舞者共同演出。也因此，「影像与视觉文化」成了这场多元文化集会里的积极参与者。既然决意要寻找线上与线下并行的工作方式与剧场表现，安银美也琢磨著舞者肉身的不在场究竟如何能具有在场感这道命题，同时，还要接合虚拟及实体媒介的表演语言。在舞作最后一节，纱幕上投影一名舞者在家跪坐，面向镜头，跟著音乐节拍敲打身体的舞蹈影像：右手拍左肩膀3下、左手拍右肩3下、左3下上手臂、右3下上手臂、手肘、胸部、击掌，如此反复，仿若一帖在Tik Tok（抖音）上常见的网红舞蹈影片。接著，画面逐渐出现愈来愈多各地舞者与民众模仿复制这段舞蹈的影像，像是社群媒体上的 #Challenge 串连，「网路内容生产者」成了远端舞者介入这场实体演出的角色扮演。接著，安银美与现场舞者回到舞台，跪坐在地与投影影像同步再做一遍，并开始鼓励观众一起跳这段可被复制传播的迷因编舞。于是在影像里跳舞的人、在舞台上跳舞的人与在剧场看著影像并照著跳的人，在一种意义上的「线╱现场」被接合「在一起」了。
安银美一直以来关心的文化与社会族群的「群体性」（collectivity），在疫情的脉络下显得更加急切。当观众坐在剧场里随之起舞，令人格外想起解封前，那段无法群聚且不得不面对自己与封闭起居空间的经历。当艺术家问「为什么我们（想要）在一起」时，也同时在问「自己是谁」。当对自我的追问成为封城期间关在家里无时无刻的习题，孤独的身体与精神意象也是几位编舞家新作的核心。
