然而，成为「王者」的代价，往往是孤独与争议并存的。本届萧赛结束后，社群与媒体上的讨论声浪沸腾。有人偏爱诗意内敛，有人崇尚璀璨奔放；而更多人，其实在寻找那位能真正「征服」我们的钢琴家。这或许也说明了一个事实：大众的耳朵并不盲目，我们对艺术的敏锐与渴望，超乎想像。正因为如此，当结果与期待不符时，争议便难以避免。
在如次大赛的舞台上，「冠军」从来不只是技巧与风格的总和，更是评审、观众、时代审美与舞台魅力的交汇点。人们期待的不只是正确的萧邦，更是一位能以灵魂、气场与声音征服时代的音乐家。这样的魅力，也许不属于一时的评判，而属于长远的记忆。毕竟，比起奖项的光环，能留在人们心中的音乐才是真正的永恒。
而这一切，也让我们重新思考：当我们回望台湾的全国音乐比赛时，我们又在寻找什么？是无懈可击的技巧，还是能触动人心的声音？在我们的评审体系中，是否过度追求「正确弹奏音符」的思维，而忽略了艺术最珍贵的个性与灵魂？或许教育第一线现场的品味与传承，才是我们与大赛真正的距离。
鸿沟：交错的品味与制度
如果把任何一位萧赛冠军，甚至是入围决赛的选手，放到台湾的全国音乐比赛里弹奏萧邦，就必然能拿到冠军吗？恐怕答案是——非常不可能。我仔细翻阅记录，过去10年全国音乐比赛的历届得奖曲目中，以萧邦作品夺冠的选手，几乎没有；大多数获奖者的曲目集中在浦罗柯菲夫、鲍文（York Bowen）、贝柯维奇（Isaak Berkovich），甚至蒙萨尔瓦捷（Xavier Montsalvatge），清一色是外向、炫技、节奏鲜明的作品，更不是古典曲目中最有深度的选择。
在这样的评审体系里，参赛者追求的已不再是艺术表达，而是升学的通道。这场比赛成了「正确音符、精准节奏、够快够响」的竞技场。音色的层次、语法、诠释品味几乎不在评分范围内；反倒是谁弹得更大声、更炫技，谁就更接近「完美」。能够进入国际大赛如萧赛这等水准的台湾选手，几乎在全国赛都很难拿到冠军，或更甚早被淘汰。这样的标准久而久之，形成了一种「地方品味」——一种被习惯化的错觉。当一代又一代评审与学生在同样的审美框架下轮回，我们便离美的追求愈来愈远。「对的音」取代了「美的声音」，技巧成了唯一的语言，而灵魂的投射、音色的思考与对品味的挑剔，反倒显得格格不入。
也许问题的根源，不只是教育制度，而是品味的缺席。真正的品味，并非天生，而是历史与时间的累积，是人对「美」的渴望与追寻。只有当我们重新认识「美」的多样性，理解音乐并非只是音的对错与强弱，而是灵魂的语言时，我们与世界级舞台的距离，才可能真正缩短。
距离，是可以拉近的
自2000年参加萧赛后便一直有台湾需要更多国际能量的自觉。因此，自2017年起，我创办了「国际大师钢琴艺术节」。邀请国际评审来台，促成国际链结并灌注国际审美与品味给予下一代。2018年17岁的艺术节学员Vincent Ong（王文升）在艺术节最后的「明日之星大赛」得到冠军，这次更一举在2025年萧赛中获得第5名。他的萧赛官方自传便提到：其第一个国际认可源于台湾的国际大师钢琴艺术节。
唯有本地教育不再仅「为比赛而比赛」，而是真正为培育人才，我们才能缩短与国际舞台间的鸿沟。比赛是门槛，但并非终点；被看见是一刻，但持续创造艺术价值才是永恒。归根结柢，比赛并非音乐，而只是被看见与被讨论的一个舞台。当年，波哥雷里奇（Ivo Pogorelich）虽未夺冠，却因风格鲜明、讨论热烈，被永志乐坛。同样地，在2025年萧赛中，Vincent Ong虽不是冠军，但其第5名成绩所引发的讨论声量亦不容忽视。
当我们问自己：我们与大赛的距离为何？不在技术、不在晋级，而是：我们是否拥有那份清晰的艺术视野、那份自内而外的音乐品味、那份敢于从真正理解语法而有「艺术自觉」的勇气。若能如此，我们或许已经不只是距离舞台近了，而是已经站在属于自己的舞台，准备迈进。
