PAR 表演艺术杂志

Q：当创作遇到瓶颈、现实又很残酷的时候，是什么让你一次次选择留下来、继续做艺术？有没有哪个具体的瞬间，让你确定「我就是要走这条路」？

A：我常常把一段很长的生命经验，浓缩成一个瞬间来理解。不是某一个戏剧性的「顿悟时刻」，而是很多个当下的累积。每一个残酷与难关的当下，都在加深我「想要创作」的记忆。

有难度与限制，其实是好事。因为创造出来的事情，会因为这些条件而变得有趣；而这些被现实淬炼出来的生活片刻，往往会转化成舞台上令人感动的瞬间。至少，当我成为自己作品的观众时，会不会被感动，是一个必须被检视的要素。

我很清楚，如果我不经营舞团、只作为独立艺术家，我的生活可能会更轻松，也可能过得更好。但我偏偏喜欢矛盾、喜欢冲突，也喜欢在制度与现实的缝隙中工作。对我来说，那是一个充满张力的环境，而张力正是创作最需要的能量。

我也很享受从生活中提取灵感。不是伟大的题材，而是日常里那些让人感到不安、兴奋、卡住，或突然被触动的瞬间。当我还能对生命保持这种动能，我就知道自己会继续创作下去。

Q：会想要再次成为舞者在台上跳舞吗？

A：如果有编舞者愿意找我演出，我很乐意。不过，应该没有几位编舞者真正看过我跳舞吧！对我来说，「站在台上跳舞」早已不只是身体的位置，而是一种状态。有时我在排练场、有时在观众席、有时在行政会议里，我仍然以舞者的感知在工作。舞者的身体没有真的离开，只是转换了存在的方式。

Q：什么是推动你在舞蹈编创路上那怕遇到很多的困境，依然趋使你持续创作及推广前行的最大动力？

A：我不是被某一个宏大的理想推动。有时候，这些动能其实很小、很微妙。

每一个作品都在成长，舞者在成长，合作的艺术家在成长，世界也在变。没有一个作品是完成式的，它只是在某一个时间点暂时停下来。2025 年，《BIRDY》在北美巡演时，因为有连续演出10场的机会，我可以单纯作为观众，反复感受作品的能量。这让作品产生了大幅度的改变与成长，也迫使我重新调整动作的诠释方式，并引导舞者转换思维，以回应不同的演出状态。

这种「尚未结束」的状态，反而成为我持续创作的最大动力。有时候，这些过程本身，也会成为下一个作品的起点。

Q：有没有一个你觉得「做得太快」的作品？如果能重来，还需要多久？你会改什么？

A：我其实不太相信「做得太快」一定是坏事，也不认为「做10年」就一定会更好。

如果真的要重来，我反而希望可以做得更快，但前提是有更充足的准备。希望能更省钱、省力、省时间，并把省下来的资源，拿去测试更多可能性。对我来说，速度本身不是问题，关键在于我们是否有能力留下足够的空间，让作品在不同阶段被观看、被修正，直到首演。

Q：如果今天经费一样，只是没有补助，不需要递案结案，你的创作会长什么样？

A：其实会是一样的。

即使没有补助，我依然需要企划书。企划不只是为了制度，更是为了让创作有结构、有方向。当创作牵涉到舞者、设计、技术、巡演与未来发展时，本身就需要被妥善规划。

钱并不是创作品质的保证；没有策略的创作，反而更容易耗损人与作品。

Q：有听到谣言说翃舞从LOGO、行销，基本上整个都是抄袭丞舞，请问是真的吗？因为我也觉得真的很像！！！

A：如果两个品牌会被拿来比较，某种程度上反而是一件好事。这代表台湾的舞团，开始形成可被辨识、可被讨论的视觉语汇与美学系统。

我没有特别追踪 B.DANCE，也不太清楚他们的发展方向。有没有可能我在抄袭国外舞团？有没有可能别人也在参考我们？也有没有可能，只是大家看到的舞团不够多，所以把「相似」误认为「抄袭」？

也有可能，其实我们本来就很像；或者，我更在意的是作品本身，而不是 LOGO、行销。

有没有可能是抄袭来自于谣言，而谣言来自于觉得很像的人？

Q：经营舞团是不是会有给外聘舞者比较少的费用，为了要补其他亏损或是给原本的团员的情况发生吗？

A：在翃舞制作，兼职舞者的排练费用皆依合法时薪计算，演出费用则依经验与能力调整。进入剧场周与巡演阶段，则会依新旧作品而有所不同。

实际上，我们也有兼职伙伴的收入高于专职成员。是否成为专职，并不是能力高低，而是双方在时间、责任与长期投入上的选择。不过，专职成员所享有的奖金与福利，确实是兼职伙伴所没有的。

Q：你觉得你是一个会用良心善待每个跟你合作的人，还是以自己利益为主呢？

A：能够长期合作的人，通常是因为我们对彼此都很好，不只是在利益上，也包含心理层面。当合作关系成立，利益并不是零和，而是希望在形而上的理解、形而下的执行、质的成熟度，以及实际收益上，都能一起成长。不适合的人，就不勉强维持关系，诚实面对彼此，也诚实面对自己。

Q：请问对学现代舞初老初学者而言，即兴教法的老师，都要学生即兴跳舞，或是有编排好舞蹈的老师，那个适合？

A：其实取决于你喜欢哪一种学习方式。

如果要我给一个生活化的建议，我会说：周一到健身房练手脚、周二练核心与背、周三休息、周四练编排好的动作以提升精准度、周五练即兴让反应更自然、周六看演出、周日休息。

如果有机会，我会建议一定要学习与练习创作。

Q：能够给学舞的孩子一些对未来规划的建议吗？

A：多即兴、多创作，也多学习各种不同的设计领域，例如灯光、舞台、道具、服装等。

我毕业于高雄左营高中舞蹈班。很幸运的是，高一开始接触剧场与灯光，高二开始创作，同时需要思考舞台、灯光与道具，也在高中阶段有机会与国内外知名编舞家合作。这并没有让我赢在起跑点，但确实让我在未来某些时刻，能跑得比较快。

Q：好奇都怎么跟服装设计沟通，尤其在意象的过程中要具象诠释？

A：我通常会先建立结构性的文字、动作素材、图像与影片，制作成简报，在会议中让所有合作伙伴拥有足够的想像空间，舞者也是如此。当方向明确、共同语言清楚，具象化就不会变成限制，而是延伸。

Q：为何国外能巡演这么多场？如何让未来台湾也有机会场次和观众数增加？台湾国内看舞蹈演出的观众组成？

A：关键在于投资拓展、寻求经纪人合作，以及主动敲门。

我们可以一次寄出上千封 E-mail 寻求机会，但对策展人或经纪人而言，一年可能会收到上百封类似信件，他们真的有时间打开、观看内容吗？

阿喀郎．汗（Akram Khan）的制作人法鲁克．乔迪里（Farooq Chaudhr）曾经跟我说过：「如果你从台湾飞过去敲门，哪怕只是见面聊10分钟，事情可能就会不一样。」我想，这正是「见面三分情」的意思。

当然，同时也必须拥有清楚的作品发展蓝图，理解哪些作品适合巡演、哪些作品适合在台湾演出。有没有标准答案不重要，但有规划，总比没有想法来得好。

至于增加演出场次与观众，我也正在思考演出形式的转变：一个舞团是否能在同一档期呈现3个作品？是否能重复演出相同作品？是否能缩短演出时长？如何让观众愿意再次走进剧场，让进入剧场这件事变得更轻盈、更快速？这些都是近年在漂鸟舞蹈平台与舞团年度演出中，正在尝试的方向。

关于台湾观众组成，我会推荐参考两厅院OPENTIX 的年度数据报告。