PAR 表演艺术杂志

艺术家李安成辞世10年，高雄市立美术馆策划展览「和光同尘：李安成」，50件展品涵盖了少年时期到人生最后阶段，回溯他自成一格的笔墨世界。

笔、水、墨、纸是李安成的创作工具，若以材料分类，他的作品常被归于水墨艺术、当代水墨的范畴做讨论与评析，然今日再观其作，即使用的是传统的东方笔墨，李安成的绘画仍难以被划分在哪种风格流派，他根植笔墨传统，从中蜕变出自身的语法，「感知」在其创作过程中位居要角，也以此形塑出高辨识度的个人风格而走在时代的前沿，因此，若只以水墨看待，可能会造成观看上的局限。

农家子弟的艺术天分

李安成1959年出生云林莿桐农家，2015年病逝高雄。父亲「阿涂伯」是对美感有讲究的农夫，栽种的作物姿态好看与否，比起收成多寡更为重要，母亲娘家也富有文艺背景，家庭气氛的潜移默化，造就出家里6个孩子当中有3位艺术家：两位画家、一位篆刻家，兄弟之间也彼此影响，李安成的兄长李茂成（1954-）就是他的艺术启蒙，从小学四年级帮兄长磨墨、看兄长习画开始，自己也看出了兴趣，这次展出画作《芭蕉叶》、《夜》等都是1960、1970年代所做、约莫10岁至20岁期间的习作，即使是水墨常见的荷叶、蔬果等主题，他用墨堆叠、笔乾擦等手法表现，介于具象与抽象，初生之犊的少年不受拘束的兴味表现，也展露早慧的天分。

那个年代，台湾水墨艺术的代表有黄君璧等「渡海三家」，和刘国松等「五月」、「东方」画会团体带起西化的现代水墨风气，当时李安成的年纪还小，水墨艺术的主流对他是否产生影响不得知，但严格来说，虽然就读虎尾高中期间，课余时曾接受任教于虎尾女中的画家贾松珍（1926-）教导传统的画艺技法，可李安成对艺术的揣摩几乎是靠自身的探索，没有经过正规美术训练，而是在传统笔墨的长期锻炼中奠定深厚的基础，再从中发展出自己的语言。19岁他经历第一次人生低潮，就是深觉画中别人的影子太多，且对未来感到茫然。

「山水」作为感知的凭借

因联考失利，1979年李安成北上基隆，和大哥李茂成同住，咸认为这是他创作的起点，成日大量画图，不满意就销毁，其成果发表于1987年春之艺廊的首次个展，这次个展让他名声鹊起，媒体以「台湾画坛传奇」形容这位未曾接受正规美术教育、却开展水墨新局的新锐画家，也由此奠定他的创作走向：画中没有可供辨识的水墨符号，而是将日常的观察，例如在高速公路、火车上看见窗外风景闪瞬、沙洲、山景等感知经验，透过水、墨在纸上的晕染、交融以及毛笔、排刷的交替运用等方式，构筑出他对土地和大自然的观察体悟。

1990年代中期前，李安成曾住在阳明山，近身观察和体会山中万物流转，他用不同色阶的黑创作出多幅《夜晚与山的对话》堪称大胆的尝试，近乎抽象的画面却使人仿佛也能感受到晚风袭来、雾岚缥缈的山间动态。1990年代中期，李安成一度转行经营花艺店，创作空窗，直到1990年代末回归，至2002年间人身的颠沛辗转，加上心境苦痛，创作能量丰沛涌现，墨之于他不只是颜料，而是意念和感知传递的媒介。

「和光同尘」策展人吴慧芳认为，虽然李安成的作品常以「山水」为名，可核心并非再现山水，而是让画面成为一个生成中的气场：「山不只是山形，而是墨色的积聚；水不只是空间背景，而是时间渗流的痕迹。留白亦非单纯构图安排，而是气息流动与视觉节奏的重要部分。」然而，这些画作中的细节并不易显现在印刷品或数位图档之中，唯有在现场眼观，才能真正体悟艺术家如何透过笔墨的运行，在纸上构筑出气、韵的场域。

和其光，同其尘

2003年起李安成寓居淡水红树林近10年，无意中使用到韩国手工棉纸，这种纸材坚韧不易吃墨，开启他与物质对抗的另一个阶段。李安成经常试验不同的笔墨材料且不惜成本，韩纸纤维的阻力迫使笔触更重、更快，画中出现更多的飞白、拖曳与裂痕等特征，同时画作尺幅不断加大。

2012年李安成南迁高雄，尽管身体不佳，2014年仍完成多件大尺幅画作，力道不减。

「和光同尘」出自《老子》：「挫其锐，解其纷；和其光，同其尘。」意指一个人锋芒内敛，融入尘嚣杂俗的同时，还能保持内在的纯粹，以此描述李安成的生命气质，也为他在台湾艺术界的定位立下注脚。

综观李安成从年少到最后阶段的创作，因长年处于体制与市场之外，尽管经济来源不定，却能保有创作实践的独立性，也幸赖一路有洪文照、叶国显等藏家予以部分支持，令他得以在创作路上持续前行。

李安成终其一生只在笔纸墨等媒材上钻研深化，尽管这类媒材非今日主流，也未改其志，在笔墨锻炼的累积中叠加出画面的强度，不仅创造个人独树一帜的艺术面貌，也是传统媒介如何蜕变为当代艺术范式的绝佳演绎。