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纽约
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话题追踪 Follow-ups 小粒访RAY—关于百老汇的五四三（4）在观众眼底滚动式调整 全员戒备「试演」一个月
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
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话题追踪 Follow-ups 小粒访RAY—关于百老汇的五四三（3）商业票房决定作品存续 好莱坞明星也齐聚百老汇
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
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话题追踪 Follow-ups 小粒访RAY—关于百老汇的五四三（2）登上戏剧桌奖与东尼奖典礼舞台 近身体验纽约剧场盛事
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
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话题追踪 Follow-ups 小粒访RAY—关于百老汇的五四三（1）东尼奖、戏剧桌奖双入围 孙瑞鸿的百老汇惊奇之旅
「小粒」是台湾编剧简莉颖，「RAY」是旅美影像设计孙瑞鸿，两人透过一场老友间的专业闲聊，有问有答心得满满地解密百老汇除了有RAY今年「初登场」就荣获东尼奖、戏剧桌奖入围肯定的惊奇过程，还有这个剧场之都商业经营与运作的幕后种种藉著文字，也让读者沉浸感受「剧场产业」是怎么一回事。
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四界看表演 Stage Viewer一场从失败出发的家族哀歌与告别旅程
从纽约到东京：《鼻血》的追寻旅程 「你认识你父亲吗？」这是《鼻血》（The Nosebleed）的核心提问，也是活跃于纽约剧场的日裔美籍创作者小川彩（Aya Ogawa）在此自传式作品中，抛向观众也抛向自己的困惑。这部作品，近年来在纽约剧场界激起广泛共鸣，以直率的手法、幽默的基调且深具实验性的文本书写，引导观众直视由家庭记忆、自我认同与跨国族文化所共织而成的复杂课题。今年11月，《鼻血》将于日本东京新国立剧场上演（注），不仅对这部作品来说，是种国际巡演的里程碑，对这位日裔美籍的创作者而言，无疑也是某种文化意义上的回返与对话。 语言与文化之间：小川彩的剧场世界 小川彩是一位横跨剧本创作、导演与表演的跨界剧场艺术家，出生于东京，成长于纽约，作品常围绕身分、语言、性别与家庭等主题。在展演形式上，她经常以集体创作的方式与演员、设计师共同发展作品，关注的不只是语言与文本，也包括身体性、音乐性与观众的互动关系，风格兼具形式解构与深层情感，富饶丰沛多层且爆发性的表演能量，持续打破剧场的第四面墙，并挑战传统叙事结构。她独特的叙事手法与蓬勃的创作能量，备受纽约剧场关注，曾与林肯中心（Lincoln Center）、The Play Company、Soho Rep、Bushwick Starr等纽约重要剧场机构合作。 作为双语创作者，小川彩擅长在英语与日语之间穿梭，将语言的转换作为思考文化与权力结构的一种方式，而其多语能力与跨文化思考，不仅展现在创作上，也实践于日本剧作的译介。她不仅曾翻译冈田利规、前川知大、市原佐都子、神里雄大等多位知名日本剧作家的作品，同时也是日本剧作家协会所推动的剧本英译刊物《演剧：日本剧场在新千禧年》（ENGEKI: Japanese Theatre in the New Millennium）的御用翻译，并为该刊物的选书委员。著名杂志《Time Out》评其译作为「毫不费力、语感道地的翻译」，而《Village Voice》则称之为「一场语感转译的奇迹」。
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关於戏剧的五四三《片厂风云》、《日落大道》、《Sunset Blvd.》的选角
一向喜欢塞斯．罗根（Seth Rogan）的喜剧，今年终于有他的新作了，Apple TV独家，塞斯．罗根担任联合编导与主演的影集《片厂风云》（the Studio, Apple TV）节奏紧凑、讽刺连发，一镜到底的喜剧设计机智幽默，找真实世界的好莱坞编导扮演他们自己，更是内行外行的门道热闹都顾到了，塞斯饰演的一间片厂的CEO（Studio Head），热爱电影，却同时要解决片厂存续的现实压力，虽然经过夸大，但细节与出发点的事件真实到不行。我一个在皮克斯画分镜故事板（Story Board）的强者朋友，也说一切都太真实了，试片、买断剧本、颁奖典礼、选角、串流收购等等，想起那些看过的好莱坞并购故事：迪士尼买下皮克斯买下福斯、亚马逊收购米高梅、HBO MAX到底要叫MAX还是HBO；第一集就请出马丁．史柯西斯，看著看著，令人宽慰，连马丁的剧本都可以被买下不拍了，其他人还有什么好担心？饰演Netflix执行长的还真的就是联合执行长泰德．萨兰多斯（Ted Sarandos），甚至还有朗．霍华、莎莉．赛隆、《绝命毒师》布莱恩．克莱斯顿、艾伦．索金等人，观赏时完全可以感受到塞斯那种「嘿来做这件事！一定超好玩！」的疯狂热情。访谈中，塞斯被问到如何说服Netflix执行长来演一个Apple TV的影集，还是一位规定「演员得奖要在颁奖致词中感谢Netflix」的串流高层完全不用说服，泰德很快回信，表示只要能乔得出行程就参与；塞斯强调，泰德就是一个热爱电影的人。可以协调出这么多大咖的时间、意愿，佩服塞斯的协调能力跟精采犀利的观察，要嘲讽内容产业的人，也要先开一个所有内容从业者都会觉得有趣的玩笑，以这些人的挑剔程度，肯定艰难，但这部做到了。 在这样描述产业、演员真实与故事映照的作品中，想起了看《日落大道》、迷《日落大道》，搜查其中各种梗概的热情。 《日落大道》（Sunset Bouleverd，1950）是比利．怀德（Billy Wilder）编导的世纪经典，任何时刻点开比利．怀德的电影，都可以深深沉浸在他精采的故事里，作家编剧出身的比利．怀德台词精妙，完美运用黑色电影跟喜剧元素，角色扎实结构强大。 尸体在游泳池漂浮著开始说起自己的故事，他是Joe，一个年轻失忆的编剧，因欠债闯入昔日默片巨星、好莱坞的标志门面
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纽约音乐剧大师开放作品新诠 让经典与时俱进
旧戏新演在西方剧场界很普遍，尤其是古典戏码像莎士比亚、席勒、莫里哀、易卜生、尤金．欧尼尔等剧作家的作品，原因之一是经过时间考验而仍能留存至今的作品，必然有其恒久价值。另一个原因是，已经作古的剧作家，没法反对任何诠释手法，导演乃至演员有很大的空间去重新解释、甚至是挑战剧作家的艺术观。（这当然有例外，像贝克特版权持有者就有很严格的限制，因此他的作品比较少重演） 要重新诠释在世剧作家的作品，顾忌就多得多，尤其是现代很多剧作家，不只写下对话，甚至对舞台动作场景都有注记（田纳西．威廉斯是此中代表），任何偏离原著的表演，首先要通过剧作家这一关。如果剧作家已进入大师等级，那就更是让人敬而生畏。 当然不是所有创作者都如此坚持己见，美国音乐剧大师桑坦（Stephen Sondheim）就是众所周知很愿意听取年轻剧场人意见的人，英国音乐剧泰斗韦伯（Andrew Lloyd Webber）最近也开始容许新的诠释。这两位同一天生日却代表全然不同的音乐剧风格的大师，很可能因为这个开放的态度，而要在21世纪的音乐剧场界继续发挥影响力。
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纽约百老汇渐渐「好莱坞化」 倾向商业也愈趋保守
在台湾不时会听到要创建台湾的百老汇的声音，但如果在商言商，百老汇剧场本身并不是一个很好的生意。是的，以时报广场为中心的百老汇商区看似人潮汹涌，也是所有观光客都一定要朝圣的地方，但演出的作品平均只有四分之一能够回本，这个残酷的现实，可以从观光客都知道买折扣票的TKTS票亭看出，每天电子屏幕上满满的折扣票，都是一个个没有满座的剧院。一家天天都有打折商品的店，应该不能说是生意兴隆吧？ 百老汇生意难做，原因是成本高，从场租、人工、原物料、到市场宣传费用，在纽约都要高于其他地方，但最根本的原因还是这是一个创意产业，而好的创意难求，创作者殚精竭虑的成果不见得一定能让观众认可。为了吸引观众的兴趣，百老汇愈来愈有好莱坞的走向。
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话题追踪 Follow-ups姊妹咬苹果 跃演纽约行（上）
2025年1月，跃演VMTheatre Company带著台湾原创音乐剧《劝世三姊妹》登上纽约外百老汇剧院Theatre Row连演4场，《PAR表演艺术》总编辑黎家齐认为，这不单单只是把演出原封不动地挪到美国演出，而是为了外百老汇的舞台进行一定程度的再制。而这趟试演的起心动念、事前准备、落地执行等细节，究竟是怎么发生的？《PAR表演艺术》编辑部特别邀请《劝世三姊妹》导演曾慧诚与制作人林易衡，一同来聊聊纽约之行尝试将《劝世三姊妹》带入百老汇音乐剧产制流程的过程与经验。
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话题追踪 Follow-ups姊妹咬苹果 跃演纽约行（下）
而《劝世三姊妹》在纽约的试演无疑是成功的，这加深了团队将作品推到美国市场的信心，「我们花900万到美国的阶段任务已经完成，确定要往下发展，其实有3个面向的问题要处理。」林易衡解释，第1个面向是「版权」，因为要将《劝世三姊妹》这个IP进行改编，无论是编剧詹杰或音乐创作康和祥的版权，要如何授权给美方？是需要讨论的。
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纽约，我准备收行李了说故事的台湾人
在百老汇，大小制作通常会选在萨迪餐厅（Sardi's）举行开幕餐会，这里也是许多知名人士开会的场所。这家历史悠久的餐厅，墙上挂满了百老汇名人的卡通肖像画，仿佛守护灵一般，看顾著在此用餐的制作人、演员与创作者。萨迪的菜单与墙上的画像一样琳琅满目，我翻来覆去难以抉择，最后点了一道最普通的鲜虾义大利面，静静地与《劝世三姊妹》的剧组共享这次庆功，脑中则不断回顾这周发生的一切。 进剧场装台时，两队人马的工作模式立刻显现出差异。台湾人习惯高密度工作，一进到美国剧场，顿时像是威力狼追著哔哔鸟，停不下来，总想把该做的事一口气完成。而美国的工作人员则显得从容不迫，他们仿佛有一种底气，相信事情终究会完成，不需急于一时。有位技术人员随口丢下一句箴言：「进剧场就是要开心，不能带著焦虑和怒气，不然进来干嘛？」我无法说自己羡慕这样的从容，却深刻感受到，一个产业的成熟，或许就在于能让每个工作岗位上的人都安心且自豪地热爱自己的职业，这绝非易事。 这样的感触，在与制作人讨论作品的过程中，更得到了印证。 《劝世三姊妹》演出的场地 Theatre Row 约可容纳100位观众，每一席皆弥足珍贵。制作人 Ken 和 Barbara 精挑细选邀请来观赏的贵宾，除了美台裔观众，还包括不少当地制作人、创作者与业界人士，他们特意前来体验「牵亡」的文化魅力。据 Barbara 所言，这场演出的风声已远远超出我们的预期，甚至在百老汇圈内流传开来：「有个来自台湾的挑战者。」 首演当晚，有人看完礼貌鼓掌，也有人如台湾观众一般泪流满面，甚至不乏外国人。我们收到的多数回馈指出，上半场的剧情铺陈仍可加强，但下半场父女间的情感浓度，即使跨越语言与文化，依然能直击观众内心。最让我们信心大增的，是许多业内朋友特地向制作人祝贺，赞赏这部作品的音乐动人，且内核独特。这是一项难得的评价，意味著他们不仅看见了「牵亡」的奇观，也感受到其中的美。 这场演出，算是真正踏出了第一步。于是，我们开始讨论下一步的计划。 百老汇的运作远比想像中繁琐，合约中详列了各种可能的情境，并将每一种作品使用方式对应到不同部门，确保所有参与者都能获得应有的报酬。我想，这或许就是让每个人都能愉快工作的基本条件。 接下来，我们需要找到一位编剧来完成全英文版
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纽约，我准备收行李了条条大路可能拢会当去
大伯公被我们砍半了。 在这篇文章刊出时间点，我们应该已经人在美国，正在与纽约观众直球对决，而台湾的观众也应该在1月的游心剧场看过全新的外百老汇版本。我们预期大家会有些不一样的感受，却还不知道这些差异是好是坏。无论如何，这些回馈都将成为我们面对国际舞台的珍贵经验。 在文化转译的过程中，有很多选择要做，再不忍心也要下手。我们在和美国制作团队一次一次的讨论中，重新厘清了剧本还可能让人迷糊的地方，特别是当遇到需要解释的文化桥段，若一次、两次无法说明清楚，那我们就会开始思考可能那是一道壁垒。不管是大家族里的人物纽带关系，甚至「灵魂过桥」对我们来说这么简单一个概念，可能都会让国外观众产生更多与情节无关的疑问。 来自百老汇制作人丁垦有很清晰的诉求：「故事情节如果让观众停下来思考为什么，背后更大的隐忧是出戏。」 每一次的开会，都会感受到他并非在挑战创作者的创作意图或世界观，而是将自己放在最直接的观众视角、提出一道又一道的各种疑问「周文王和彭祖」这个符号有必要吗，有没有其他说法？这段卡拉OK的戏，要交代什么？台湾的鬼怕不怕日光，美国的鬼会在意这个吗？角色口中的「时辰到了」又是指什么时辰？ 讨论到大伯公这个角色，非鬼非人的弥留状态，和已经成鬼的角色产生了不同状态的叠加，再加上这次需要有个英文说书人来协助串接剧情，原本大伯公在一旁说书讲古的功能也会被取代，因此几经讨论，最后忍痛降低了这个重要角色的台词量，也希望这样的决定能更帮助我们更聚焦在女主角与父亲的关系上。 我看著下半场开头的剧本，宋国珍、宋家姊妹和大伯公在半夜恶闯街里的一段华丽冒险，歌队精采的演出搭配著华丽的词曲：「献纸来你也烧钱去呀，献纸烧钱是要买路去喔！」突然莞尔一笑，真的是烧钱买路！当初写出这段精采歌曲就已十分销神，但就因为这样一个决定，可能即将会面临不小的调整，除了感谢创作伙伴，也好在我们都依然为了创作这件事而感动不已。 我只愿这样的开发环境和沟通方式有一天在台湾也能成为日常：一位经验丰富的制作人，敏锐地从观众角度发现创作中的盲点，准确地提出挑战，但却不刻意指引方向，给予创作者最大限度的自由，让他们在创作中里恣意挥洒，打造出属于自己的独特作品。并且投资方与团队都能有共识将作品打造
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纽约黄翊《墨》巡回美国 林肯中心演出受瞩目
去年秋末，编舞家黄翊带著新旧舞作在加州、德州、纽约市、北卡罗莱纳州和迈阿密等地7个场馆进行了11场演出，这是近年来除云门舞集外仅有的台湾舞蹈在美国的大规模商演。黄翊和美国经纪公司SOZO合作10年，终于促成了这次巡演，这其中还包括了Covid-19造成的延迟，显示了在资本主义的美国，即使是要打进非营利的表演艺术市场，还是要有耐心和毅力。 但Covid-19的影响也不完全是负面的。黄翊得以完成新作《墨》并列入巡演（另一半的演出是他的招牌《黄翊与库卡》）。《墨》在纽约被规划入林肯中心的秋季节目，而林肯中心在新艺术总监的提倡下，Covid-19后重开以来，所有节目都采用依购买者意愿付费的价位，所以有1000多个座位的剧院，两场包括周日晚场都卖得满场，看来纽约人是不会放过任何一个好交易！
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纽约，我准备收行李了种出大苹果的秘诀
纽约气候宜人到让人有点羡慕，秋季此时盛产苹果，还记得以前学生时代，超市里的苹果各个争奇斗艳，甚至到了传统市场，时常一逛就出不来了。 但此行来纽约行程满满、无法那么悠闲，除了为了明年即将去到纽约演出的《劝世三姊妹》演出作前置作业，更是为了赶上一年一度、由美国音乐剧场联盟（NAMT）举办的「音乐剧新品节」（Festival of New Musical），考察最新音乐剧的趋势与作品风貌。 为期两天的活动，主办单位安排观众坐在《戏啊！出包惹》（The Play That Goes Wrong）平时演出的剧院中，趁著没演出的空档，以坐读的方式看完了8出来自全国各地的创作。创作者上台简明扼要地介绍了自己的故事，让台下观众都很清楚知道故事的卖点与核心，接著便是45分钟的读剧呈现，没有灯光没有走位，仅靠著扎实的创作打动人心。 这些作品中，有些已经在地方场馆的支持之下发展超过5年，也有的作品曾经参加评选，赢下第一笔可投入制作的资金。现场也有来自各地的超过500位制作人或单位，包括韩国的投资公司，都坐在台下准备与作品展开直接对话，讨论未来继续壮大作品的方式，不论是邀演或是入股，每日节目后的交际应酬宛如小型的华尔街。 据主办单位说，本届光收件就收了500多件，可想整个市场环境背后的能量如何撑起个商业金字塔，但明显地，他们也更愿意花更多的时间等待作品长成，从这样的环境中仿佛看到百老汇对作品的共同态度：严谨耕耘才能期待硕果累累。 每看完一部作品，我便和《劝世三姊妹》的美方制作人 Ken Dingledine 与 Barbara Darwall 一起讨论、交换对作品的想法，并且交换著对明年制作的共识，他们指出，专业制作人的工作不仅是寻找资源，更是要能够在文化差异与语言隔阂中，找到让作品生存的关键点。 音乐剧不仅是艺术表达，更是一种与观众建立联系的方式。我们的作品应该如何在这样一个竞争激烈的市场中脱颖而出，必须得先深入了解目标观众的期待，并在此基础上进行创作。也因此在TECO（注）的协助安排下，我们趁著会议间的某日空档，和在纽台人与剧场工作者进行了一次深度的对谈，并且接受各方回馈。这些行程都在在提醒著我，寻找那个「钩子」
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纽约纽约剧场界大规模世代交替 未来新风貌令人期待
是危机，还是转机？纽约剧场界正在经历前所未见的世代交替，将近10个剧团的资深领导人已经或准备退休，而其中至少半数是纽约最大的非营利剧团，还有4个拥有百老汇剧场，影响力不在话下。 拥有3个百老汇剧场和两个外百老汇剧场的圆环剧团（Roundabout Theatre）是全美最大的非营利剧团，有10个制作拿到东尼最大奖（此指最佳新或重制音乐剧或舞台剧），在其60年的历史里，有40年都是由陶德．海姆（Todd Haimes）担任领导人。但他在去年4月猝逝，得年66岁，有点出人意外。剧团最近宣布找到阿什利（Christopher Ashley）接任。阿什利只比海姆小10岁，算不得年轻新秀，但导演的音乐剧《曼斐斯》（Memphis）和《来自远方》（Come From Away）都登上百老汇，具有区域和百老汇剧场的经验，是他中选的原因之一。 林肯中心剧团的毕雪普（Andr Bishop）将在明年初退休，结束33年的领导生涯。林肯中心有一个百老汇和两个外百老汇剧场，也得过至少10座东尼最大奖，又属于林肯中心的一员，具有指标意义。 明年要退休的还有「第二舞台」（Second Stage）的创办人罗斯曼（Carole Rothman），离开她经营了45年的剧团。第二舞台专演美国作品，可以是舞台剧或音乐剧，可以是新创也可是重制，著名的制作包括获得普立兹奖的《近乎正常》（Next to Normal）。她的继承人是46岁的卡布内特（Evan Cabnet）。 管理「曼哈顿剧场俱乐部」（Manhattan Theater Club）近50年的葛罗夫（Barry Grove）在去年退休，与他几乎同时开始的艺术总监梅多（Lynne Meadow）动向也受到瞩目。Signature Theatre的创办人霍顿（James Houghton）在2016年过世后，艺术和执行总监都是后一辈的人。以首演《温馨接送情》（Driving Miss Daisy）和《星期天与乔治同游公园》（Sunday in the Park with George）知名的Playwrights Horizons剧院也在最近增加一个执行主任协助现有的艺术总裁。其他在过去几年已经有过世代交替或正在进行的还有HERE Arts Center、Cla
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纽约转型变装皇后夜总会，沉浸式的《猫》起死回生？
谁会预料到今年夏天纽约最热门的表演，是安德鲁．洛伊．韦伯备受嘲弄的《猫》（Cats）？而且这个表演（Cats: "The Jellicle Ball"）不在百老汇，甚至也不在哪个以前卫表演知名的外百老汇剧场，而是在下城世贸中心911遗址上所建、最新的帕尔曼表演艺术中心（Perelman Performing Arts Center）！ 《猫》似乎不需要重新引介到观众的意识里，原来的制作在伦敦演了21年，纽约演了18年，至今仍是两地最长寿的音乐剧之一，在德国和日本也都有长寿制作。原导演崔佛．努恩（Trevor Nunn）改装演出的剧院，让观众感觉是置身于垃圾场里，对许多观众来说，这是他们第一次接触到所谓的「沉浸式演出」。 但许多评论家和圈内人一直都有点看不起《猫》，认为它纯粹是哗众取宠，风格多样的歌曲是「大杂汇」。韦伯就诗人艾略特给他的孙子女写的催眠诗谱成歌串成戏，当时就受到智慧财产权的严格限制，基本上没有故事（这部戏没有挂名的编剧），只好说是一群流浪猫每年一晚来选后，后来也大大减少了重新想像这个作品的可能性，2019年的电影版票房口碑两失利，似乎证实了《猫》的局限性。
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纽约气候危机抗议者 藉打断演出表达诉求
对有些人来说，气候改变地球暖化是当前地球最大的危机，但是人类没有采取应有的行动来改善，所以他们愿意用各种方式来唤醒人们的注意，包括毁损价值连城的艺术品。视觉艺术观众在过去几年来已经非常熟悉向博物馆内的艺术品泼漆的抗议行动（从过去的反毛草行动者学来的），但在过去几个月以来，气候抗议的行为也发生在表演艺术的场域内，分别是在纽约的大都会歌剧院和百老汇剧院里。 去年11月，在大都会歌剧院一场华格纳歌剧《唐怀瑟》的演出进行大约两小时时，从两侧边最高的观众席间，突然有人大叫「死的地球没有歌剧」，然后垂挂下写著同字样的长布条。当这些抗议者被警卫带离后，一位坐在一楼最好区的观众又站起来喊同样的口号，直到被警卫带离。这个抗议行动让演出中断近30分钟，本来就已经很长的演出拖到近午夜才结束。 百老汇的抗议则是发生在《人民公敌》里，这出易卜生的名作是讲一个小镇医生发现水源受污染而呼吁镇民解决问题，这个制作有因电视剧《继承之战》（Succession）而窜红的杰瑞米．史壮（Jeremy Strong）饰演医生一角而票房满堂红（他也因此拿下东尼奖）。戏中最关键的一场戏是医生在公听会上舌战镇民，在3月的一场演出里，一连有3位观众起身陈述气候暖化的危机，因为这个制作是在一个观众环绕舞台的剧场里，而且台上也有观众席，这场戏又有演员在台下，所以一开始很多观众都以为这是预先安排的桥段，直到剧院经理出面将发言者带离，大家才知道这是抗议。
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焦点人物 旅美打击乐家鲁千千 挥舞琴棒、勇敢追梦
在纽约初见鲁千千，俐落的发型与时髦的打扮显现出独有的个性，言谈间的大方和自信，与街头的快节奏毫无落差。就在4月底的这天，她兴奋地分享著刚获知的喜讯在「葛莱美」这个拥有美国音乐界权威的奖项中，公布了「2023年十大爵士新秀」（10 Emerging Jazz Artists），而鲁千千是唯一上榜的台湾音乐家。回想来时路，她苦笑著说：「如果当初我知道来这里要经历这么多事情，会有多害怕啊！」 确实，印象中的她，留著长长直直的头发，在朱宗庆打击乐团的二团中相当亮眼，却也柔顺低调。从小念音乐班的她，也一路从北艺大念到硕士毕业。在团体中，她演奏写好的音乐，练著规定的棒法、打出一致的声响，学习如何团队合作。但她内心那不想安分的灵魂却隐隐骚动著。她还记得，第一次走进创办人朱宗庆的办公室「讨论」退团意愿时，结果被慰留；第二次，她又带著「讨论」的想法，再度被说服；直到第三次，心意已决的鲁千千直接说出她的「决定」，未料竟获得朱宗庆的拥抱与祝福，放手让她去闯荡。
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话题追踪 Follow-ups东亚在纽约起舞 疫情下的实体交流
新冠疫情进入第三年，美国防疫规定在维护公共安全和恢复正常生活的两个考量之间拉拒，愈来愈显得莫衷一是，凡是室内群聚的活动，不管是公司、商家、餐厅、学校、场馆，主事者都得自己评估开与不开的得失风险。纽约每年1月举行的北美表演场馆研讨会，往往有许多围绕著大会的表演。在停摆1年后，原本准备重整旗鼓，结果Omicron爆发，再度打乱了阵脚，许多预先宣布的表演，都在最后一刻取消。只有日本协会有超过10年历史的「东亚当代舞蹈节」，主协办单位与演出者密集协商后，决定照常举行。
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特别企画（二） Feature
疫情起伏之间 各国剧场如何「开门」？（一）
本专题在策划之初，台湾本土疫情突然爆发，剧场再度关门，彼时欧美正逐步解封，剧场也陆续开门营运，未料疫情一波未平一波又起，现在各国疫情又因Delta病毒再度升温，剧场的重启再添变数就让我们邀请旅居各国的艺文╱剧场工作者，为读者提供第一线的观察，看看各地剧场如何面对这样起伏变动、滚动调整
