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赵菁文
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新锐艺评 Review用脚步探索声音
音乐的当代性，之于以舞蹈或剧场为主体的呈现形式，似乎较难引起共鸣，或被认为封闭。音乐或声音的前卫，的确常局限于「作品内」，因演者须忠于乐谱诠释，观者需时间专注聆听，甚至对于些许音乐知识的理解也是必需。然而在《即视旅行》这场音乐会中，所尝试探究的不是作品「内」，而是作品之「外」，是呈现传递音乐╱声音未来样貌的「形式」而非「内容」；在一类似展览的空间，在多声点、多录像、自由观演互动、蓝芽装置即时回馈之间，如同即兴旅行般，让一切有机而生。 概念与文本设计者赵菁文在「传递声音的形式」这样的提问下，在台湾当代文化实验场一楼灰盒子与2楼联合餐厅的大、小空间中，设置了6.1环绕声场、耳机、沿楼梯间喇叭等量体迥异的播放媒介；在2楼主厅，一列对角线的灰色长椅观众座位，将空间分为两大对称的三角形区域，左边是3幅中型萤幕的投影区，右边则是一群旧式映像管电视约莫8、9台，不同尺吋，依其三原色自然老化的色调，放映著同与异的影像内容有白内障般的灰白，有的偏红、黑、青、黄；观者坐在长椅上，可以选择面向色彩丰丽的鲜明，或是望向象征生命时间衰变老化、无可避免的残缺。然而，在这视觉颇拥挤的空间中，「声音」却仍是主体；观者不论走到哪，同一首声音作品同步播放著，只是呈现媒介、声部数量、音质扭曲等有所不同。
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音乐 你听的音乐会，不是只有音乐会？《即视旅行》 一场因「你」而不同的音乐表演
西方音乐的演奏与聆赏，自古以来有许多种类，有家庭室内乐的、户外表演的、为教堂礼仪的、也有社交沙龙的但随著时间推移，「观」与「演」之间却逐渐分离，以一条线画开两界，分为台上台下。百年来也许成为惯例，但到了21世纪，在网路影音抢占生活空间、历经病毒肆虐后的今天，人与人的距离、真实与虚拟的区隔等，是否还可能因循来时路，一直走下去？《即视旅行》艺术总监暨文本设计赵菁文说：「其实音乐演出的形式，一直在随著时代而改变。正襟危坐地安静聆听，观演分清楚的音乐演出，还能再50年、100年吗？我怀疑。」 2023 C-LAB 声响艺术节以「DIVERSONICS」为主题，节目包括当代音乐／声响、舞蹈声响、展演跨域、校际单元、诗与声响、IRCAM 国际论坛与工作坊、专场讲座。《即视旅行》为国立台湾师范大学音乐学院、民族音乐研究所、音乐学系音乐科技跨域合作组、资讯工程学系共同制作的表演，并与史丹佛大学合作技术提供。 不同于一般一个半小时左右的音乐会，《即视旅行》完整的演出长达6.5小时，每半小时有截然不同的表演轮回一次。场地也非传统的音乐厅，而是两层楼的建筑物与预先布置的空间，期间观众不但可随意进出，也能像看展览一样上下楼欣赏。也许刚进来听见表演者只有单独的节拍声，但演奏者隐藏式耳机却有与其他相对应的音乐；又或许无人配戴的耳机内透露出相同的乐段，却被滤掉了高低频。走到不同的地方可能因为布幕、墙壁反射、远近等改变了声响。在创作中不断挑战形式的赵菁文，对制作提出的发想是：「同一首」音乐作品，会不会因为你的旅行站点，所听到的、看到的都不同？
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特别企画 Feature 作曲家赵菁文的读谱术乐谱的创作、呈现与再创作
若说音乐是一种语言，那么最初，音乐只能以口传心授的方式流传。但为了帮助传递，书写必然是唯一的途径。事实上，在公元前2000年前，就已经发现了一些符号，证明了现代乐谱的前身。经过历史的洪流，人类集体的贡献使得今日的我们，能够透过特定的符号，跨越时空与前人交流，阅读他们当时萦绕内心的旋律音符。 演奏家对乐谱的解读 「发展至今的五线谱，是一套近乎数学科学般高度精密又具有逻辑的记号！」作曲家赵菁文举例，相较于舞蹈、戏剧领域所使用的舞谱、剧本等，即使能够记录，绝大多数也必须仰赖演出者或导演等人决定最后的走向。然而音乐记谱上一旦标示了音高、速度、力度、音质、小节等等，就清楚地告诉了演奏者该知道的讯息。因此没有任何一种艺术能有这么高的辅助力，它近乎百分之百注记在乐谱上了。 音乐创作并不像绘画、雕刻艺术那般，创作完毕就等于作品完成，乐谱若没有发表就没有声音，它需要被演奏家呈现、观众欣赏，才算真正完成。也因此演奏家如何解读乐谱的符码，就变得相当关键。赵菁文认为：「音乐的自我发挥诠释空间必须要站在『理解乐谱』后才去做自我诠释。」但她感慨，大多人读谱只是读在表面上，也就是乐谱「看起来」如何，导致错误诠释。原因在于他们并没有真正对乐谱的细节、时代背景及作曲家的意图进行理解。 她举例，斯特拉温斯基（Igor Stravinsky）的《春之祭》（Le Sacre du Printemps），乐谱明确地标示著♩=50（四分音符为单位，拍子为每分钟50下）的速度。但在网站上搜寻影片就可以发现，乐团跟舞团一起演出时通常比较精确，但只要乐团单独演出，绝大多数是快很多的。赵菁文说：「演奏家常自认为这段规律重击般的音乐是活泼热情，然而它是诡谲、沉重、不那么舒服的。」演奏家常以惯性来判断，认为以往演奏过任何一种派别的乐曲，因此接下来的旋律性、点状的音乐就如法炮制，然而「当演奏家以为的诠释，改变了作曲家乐谱上记载的指示，就等于破坏作曲家的核心精神。任意更动内容，那就错了！」赵菁文说。 如此一来，也许演奏家会质疑：「那么我们表演的空间在哪里？」殊不知，站在舞台上所还原的声响、表情、触键、音色都是演奏家的诠释，没有人能
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特别企画 Feature 赵菁文跨域探索音乐「形式上的新」
创新，是所有创作者毕生追求的工作，回顾历史上的各个时代，所有艺术家都亟欲脱离旧有的框架，走出新的道路。为了激起更多涟漪，他们跨越艺术领域，期望在彼此的思维脉络中寻找更丰富的灵感。身为作曲家，赵菁文也不遑多让，创作之余，更深入剧场，让音乐在演奏家们的手上更为鲜活。多年来担任策展人与艺术统筹的她安排音乐家以各种方式演奏、结合新媒体和灯光艺术做剧场式音乐会演出、利用程式设计让观众以手机参与演出过程等等，不断突破自我，以跨域的形式构筑出难以定义的表演。
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专题 海线
《听海日记》＠龙山国小
地方 台南七股龙山是个位于市中心一小时车程外的小渔村，港口三面环绕了虱目鱼、蛤、虾的养殖渔塭，相比于不远处的打卡圣地七股盐山，近几年才因潟湖生态而吸引了不少观光客前来，在此之前，时光静静流过这片土地，日常仅回荡海潮、燕鸥声。傍晚时分踏入这个小聚落，货真价实的海味扑鼻而来，惊人巨大的温暖橘红落日仿佛触手可及，龙山国小的邱义相老师拿出google map，比划著：「如果你从地图上看龙山，会像一只鱼。」 许妙蒨老师在此地出生，外地求学，回龙山国小母校教学已超过十年，她回忆：「小时候，我不觉得这里哪里美，直到我十九岁那年，我爸载我去观海楼，我看著夕阳，第一次觉得我生长的地方好美！」台61滨海快速道路，上了高架，七股的潟湖和鱼塭一览无遗，那景色让妙蒨飙泪。美的不只风景，还有人。同样生于龙山的王秀玲老师笑说龙山的「第二美」是村里的老人家，日出而作、日落而息的旧时代简朴纯真仍铭刻在他们的身体里，那是我辈人已遗失的美德。 但另一个角度来说，这也是个高龄化严重、资源稀缺的小村落，龙山国小全校仅卅位学生，他们熟知彼此，放学在校门口道了再见，几分钟后又会在庙口聚集，即便年龄相异，却总是玩在一块。今年一月以来，这群孩子聚集的地方不只是庙口，还有活动中心，因为《听海日记》，他们开启了漫长的排练计划，要用身体学会一个「新的语言」去尝试诉说与重新发现，发现自己，也发现「龙山」究竟是什么样的地方。
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ARTalks
科技即远古——在《无人音乐会》的洞穴里
那些清一色著白色防护衣的演员，低调地提著盛装番茄的篮子出现，逐一递给每一个观众。然后，又由一个防护人员用手机录影功能拍摄观众手中的蕃茄，另一防护人员即时将之同步投影在墙上、在浮洲上、在观众身上这些默默进行中的仪式，带有一种末世救赎感，这也许是导演在音乐基础上延伸的剧场想像，而我想这想像是成功的，在声音的基础上，剧场赋予了画面与仪式，不减损原来已存在的，而延展出新的。
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焦点专题（二） Focus
三场寻找自我的旅程
今年的新点子乐展，主题是From Human to Machine，没有人，还有音乐吗？带著这样的疑问，策展人作曲家赵菁文规划了三场音乐会：「竞技XYZ」让三位使用不同乐器的演奏家轮流PK，「变数游乐园」则打破经过严格训练者才能成为音乐家的观念，透过手机APP让素人也能打造现代音乐，「无人音乐会」则透过「3D球型环绕声场」来创造耳朵的新体验，让生活中的各种声音，重现为美妙的乐章
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焦点专题 Focus
在海的另一端，聆听台北的声音
从台湾看美国， 第一个想到的地方就是加州， 最多华人的地方就是旧金山， 最美的度假景点就是圣地牙哥。 从美国看台湾， 第一个想到的地方就是台北， 最台北的乐团就是TSO， 最TSO的就是优美的音乐。 暌违了廿六年，乐团从台湾的早上出发，飞了十几个钟头抵达加州，依然阳光灿烂。上下飞机一样明亮，仿佛这两个世界是互通的。的确，TSO此趟美巡的独奏家黄俊文旅美多年；委托创作的作曲家赵菁文则是留美归国，然而乐团带去的，是台湾最在地的歌谣。既然无法亲自飞一趟，就让我们深入乐团的规划，了解小提琴家的成长、让曾经在史丹佛多年的作曲家带您探访电子音乐中心。在逛逛圣地牙哥柯普莱音乐厅之后，别忘了音乐会直击，让我们台美连线，通过海的另一端，聆听台北的声音。
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焦点专题 Focus 暌违廿六年 台北市立交响乐团再度访美
让太平洋彼端 听见来自台湾的骄傲
在首席指挥吉博．瓦格的领军之下，台北市立交响乐团在暌违廿六年之后再度访美，在加州的库帕提诺佛林特表演艺术中心与圣地牙哥雅各布音乐中心柯普莱交响音乐厅各演出一场，特邀旅美小提琴家黄俊文担任独奏，并委托作曲家赵菁文专门谱写了《来自远方的岛屿记忆》，透过精湛的乐章音符，让太平洋彼岸的乐迷，听见台北、甚至台湾的骄傲！
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焦点专题 Focus TSO美巡演出现场直击
台美连线 交织悠扬乐章
这次TSO美巡的两个场地各有千秋，但乐团都能适时调整，呈现出漂亮的声响。演出现场中，委创作品赵菁文的《来自远方的岛屿记忆》以声音带引故乡视觉，小提琴家黄俊文以优秀琴艺展现与乐团、指挥间的精采抛接，还有团员们的实力、向心力及十足的默契。两场演出，观众皆全场站立、爆出如雷喝采，感动之情溢于言表。
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演出评论 Review
横越太平洋的前奏曲
作曲家赵菁文为此次美国巡演所写的《来自远方的岛屿记忆》，以音乐表现台湾精神，一段完整的音乐是由好几种不同的乐器衔接奏出，代表台湾人的团队精神，音乐的核心是由《阮若打开心内的门窗》的主题所蔓延，不断扩充、弥漫在乐曲中，仿佛一股思乡情怀或是坚苦卓绝的精神随之飘散出去，最后到达了太平洋的另一侧。
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焦点专题 Focus
「点」石成金 无形的幕后推手
作曲家与灯光艺术家在舞台上是看不见的，音乐与灯光也都是一种摸不著的氛围，但却足以映照出创作者独特的个人特质。作曲家赵菁文与灯光设计师邓振威，两人合作多次，台上是合作无间的好伙伴，台下都是喜欢「化腐朽为神奇」的创作者；一个从小品学兼优，一个是及格边缘，两个人的极端差异，在创作路途的理念上却拥有著共向性。邓振威从小也学音乐，所以很了解音乐的呈现；反而赵菁文接触剧场后才开始慢慢学习接受灯光。 透过彼此，两人消解了自身过去创作脉络中的主体性，向对方领域提问，反思，碰撞，进而更了解音乐剧场合作中确切的跨度。因为对艺术的热情与执著，让这对跨领域合作的幕后推手，共同谱出新点子乐展的全新风景。
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焦点专题 Focus
一段从远方返航、发现自己的旅程
今年的新点子乐展以「亚洲新记忆」为主题，铺展出两周内的三档演出：「不承受时间的花」、「来自中亚的新语」与「遶境共声」。策展人赵菁文透过「欧洲中亚台湾」的脉络，从地理环境、时间与文化的意义，展开一段从远方返航、发现自己的旅程，也反映了当代亚洲人重新以亚洲作为出发点省思现代性的潮流。
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焦点专题 Focus
音乐新点子．耳朵新乐园
对新音乐感到抗拒？那是正常的！自古以来当新乐派的风格一出现，对于听惯一种声响的人们，总有一段挣扎。 但这些新奇的点子，就如同食物里的辛香一般，带来一种刺激、也诱发前所未有的感受。味觉如此，听觉，当然也如此。 生于现代的我们，该是最贴近现代音乐的一群，即使不熟悉，却不能不了解。藉著两厅院今年「新点子乐展」的规划，我们深入剖析乐曲中传达的理念、访问贯穿三档音乐会的「跨界好友」，畅谈新媒体及灯光艺术，并且邀请策展人赵菁文亲自撰文，介绍现代作曲家如何将满脑子的概念，在乐谱上呈现。 也许你会说你不懂五线谱，但在现代音乐领域里，谁要你读懂五线谱？翻开一页页缤纷多彩的图案，体会新音乐的乐趣，那时你将会发现自己离现代音乐的距离，其实没有那么遥远！
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焦点专题 Focus GAME 1／时间的漩涡
频谱乐派创始经典 法国天团特制「台湾限定」
打开「新点子乐展音乐新乐园」的大门，策展人赵菁文先送上由法国天团Ensemble Intercontemporain来台处女秀「时间的漩涡」，这是该团以小而美的编制为台湾特地打造的演出，将演奏「频谱乐派」创始人杰哈．葛里塞的经典《时间的漩涡》，大自然声响浑然成乐，打开乐迷的另类「耳」界。
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即将上场 Preview 「跨乐新视界」与「画韵」音乐会
东西乐团碰撞 当代艺术的视听盛会
由作曲家赵菁文策划邀请，西方当代音乐天团「荷兰新室内乐团」与活跃于台湾当代国乐展演的小巨人丝竹乐团将联手演出「跨乐新视界」与「画韵」两场音乐会，借由影像设计与类剧场的导引，将带领观众游历现实、梦境与未知世界，进入超现实声响异境。
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即将上场 Preview 十方乐集与台北室内合唱团携手
「击乐人声」 直触听者的原始感受
一个是打击，一个是人声，十方乐集与台北室内合唱团分属不同领域，却同样为新音乐耕耘。这次的合作，由十方首度邀请合唱团携手演出，两大现代音乐重要团队的组合，要将人类自古以来再熟悉不过的声响以新的面貌重新呈现，让观众有一番与众不同的体验。
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即将上场 Preview 「声．光．影．像的魔法师」音乐会
魔棒挥洒 让听觉与视觉翩然共舞
在现代音乐领域扮演先锋角色的十方乐集，这次将以四首国内外的乐曲，搭配电子音乐、投影及现场演出，要让台前幕后的演奏者就像魔法师一般，将出神入化的声、光与影像，在观众眼前展开。
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音乐 东方哲思灵动入乐 跨界取材意象丰富
台湾新锐作曲家 探寻世纪之声
「倾听二十一世纪台湾新锐作曲家联展」所呈现的，是一群从二十到四十岁不等的新生代作曲家，在近年来获奖及国内外委托创作深获好评的作品。写景、写意、写情之中，更包括了东方传统的哲思与情怀。而跨领域的跨领域的运用在几首乐曲中也可见端倪，不管是绘画与文学，都成为作曲家取材的灵感来源。
