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特別企畫 Feature 音樂總監準．馬寇爾帶路回母校漢諾威音樂、戲劇與媒體學院現場直擊！
位於德國北部下薩克森州的州府漢諾威市的漢諾威音樂、戲劇與媒體學院（Hochschule fr Musik Theater und Medien Hannover，HMTMH）是個音樂專業的頂級學校，人才輩出，學生也經常包攬世界重量級音樂比賽大獎。許多知名的台灣音樂家如潘皇龍、魏樂富（Rolf-Peter Wille）、嚴俊傑、范姜毅等人都曾於此地就學。學校中最頂級的還是音樂類的教育課程，包括爵士樂、流行音樂等皆有涵蓋，但尤以鋼琴、管絃樂和室內樂等為強項。戲劇、歌劇院系等，則與漢諾威國立歌劇院和北德廣播愛樂樂團等職業表演團體關係緊密。旅行演奏於各地，NSO音樂總監準・馬寇爾在歐巡期間一早撥冗回到母校，夾雜著激動的心情與年少回憶，親自帶領大家探訪這個聲名遠播的高等學府。
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話題追蹤 Follow-ups終見曙光！？ 以數據凝視表演藝術的回溫
2023年，台灣表演藝術總算完整脫離為期3年的COVID-19疫情，似乎進入了一個蓬勃發展的階段。除了長銷定目劇等持續發展，更出現了如《勸世三姊妹》開售全面秒殺的現象，乃至於臺北市文化局宣布設立「臺北戲劇獎」，似乎呈現了台灣當前表演藝術的「榮景」。但這個感覺，是否真的反映台灣表演藝術的真實情況？或者，反映到什麼程度？ 以下僅透過OPENTIX兩廳院文化生活售票系統（以下簡稱系統）之數據，以量化方式更細緻地檢視台灣表演藝術「蓬勃發展」的狀況。必須強調，此數據僅能代表系統內部的銷售狀況，不能直接推論至全台各售票平台，乃至於非售票藝文活動之發展。
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藝@展覽藝術作為歷史的隱喻
以執導《烏布王》、《魔笛》等劇作為台灣觀眾所知的南非導演威廉．肯特里奇（William Kentridge，1955-）也是國際著名的視覺藝術家，臺北市立美術館與英國皇家藝術學院（Royal Academy of Arts，RA）共同推出「威廉．肯特里奇William Kentridge」大型個展，首度將他40年創作生涯的90餘件代表作在台呈現，並且梳理探究其創作軌跡。在他跨足雕塑、動畫、戲劇、歌劇、電影等多元觸角的背後，回歸一切創作生成的原點：一張紙、一支炭筆所構成的素描繪畫開始，肯特里奇以此發展出記憶、歷史和風景形貌交織的獨特藝術視野。 由素描轉譯延展的動畫語彙 肯特里奇的炭筆素描是他在1982年從巴黎返回約翰尼斯堡後，於「路口大道劇團」（Junction Avenue Theatre Company）從事劇場布景與海報繪製工作，才開始專注於視覺藝術創作的摸索。相較於油畫顏料層層上色的堆疊與昂貴，被一般視覺藝術家視為繪製草稿用的炭筆來自天然材料、更便於操作、具直覺和偶發性、易於塗抹且充滿不確定性等特質，反而貼近於肯特里奇的表現需求，因此成為他視覺創作的慣用媒材。這次展出的早期繪畫包括代表作《保育人士的舞會》（1985）和難得曝光的《船上的午宴》（1985）等皆為多聯屏炭筆畫作，從不同視角繪製場景內發生的事件細節，就像劇場觀眾從不同角度觀看舞台上的演出一般，而這些繪畫的主題都與種族隔離時期的南非社會現實有關。 「對於南非種族隔離制度的記憶甚至早於任何藝術創作的記憶。」肯特里奇曾如此說到。南非自1948年實施種族隔離起，至1990年代初廢除、1994年首次舉行不分種族的總統選舉為止，40多年的種族隔離政策受到國際社會的譴責與排擠，在此政策階段下成長的肯特里奇透過藝術省視這段惡名昭彰的歷史，他以象徵主義的手法為詮釋：畫中土狼、疣豬和獵豹等野生動物代表官員，燃燒的輪胎是隔離期間用以對付黑人的「火鍊刑」，《卡斯皮爾充滿了愛》（1988）指涉的是南非國防軍鎮暴裝甲車「卡斯皮爾」等，在畫面中與暴力相對的是沉溺於奢華生活的南非白人，兩種極端的場景一同構成南非社會的現實。 有感於真實世界並非如畫作一樣靜止，1989年肯特里奇開始創作定格動畫，他以炭筆素描作為動畫的源頭，在工作室
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雕蟲演技口輕輕
做人處事真的不要「口輕輕」，「口輕輕」廣東話的意思是：輕率的承諾，隨便開口就來，相對於「一諾千金」。 口輕輕大多時候都是可以走數不認帳的，但若口輕的對象是你老婆、你母親、或尊敬的師長，甚至老板，你的麻煩就大了。 不久前我到法國拍電影，順道在拍攝前去探望對我影響甚大的戲劇老師菲利普．高利埃（Philippe Gaulier），高利埃老師是世界知名的戲劇老師，真可說是桃李滿門，曾經在倫敦辦學，後又移回法國，不斷周遊各國，有教無類。跟他學習的學生中亦不乏出色的演員，他亦曾經到過台灣開講，相信台灣劇場界中也有不少曾是他的學生。 我和他在20多年前認識，他來香港教學，我第一次跟他學習，然後又去英國進階一年，及後又邀請他再來香港。他的教學方法奇特，跟一般我們所認知的演技方法迴異，可說是獨樹一幟。但每次結束課程後總有一種模糊感，愈學愈模糊，愈模糊愈好奇。 他曾經出版了一本談論他演技方法的著作（老師非常不喜歡用「方法演技」一詞，所以反過來用演技方法），是法文和英語的雙語版。我買回家收藏多年，曾經多次想從頭到尾細心閱讀，但因內文用字實在太深，最終都是放棄收場。 那次拍戲前的探望，在他法國的莊園住了10天，每天騙喝騙吃，陪他喝香檳，聊天，上課。希望可以再獲一鱗半爪，搞清楚心中的疑惑。 8天過去，大家都是天南地北，始終沒有對演技作過任何探討，正當絕望之時，一天晚餐過後，話題轉到他這本秘笈，我問他有沒有想過把它譯成中文，他太太說（他太太是日本人，我在英國跟菲利普上課時，她是我同班同學，後來嫁了給菲利普。拉拉關係，大家好說話哦）：我們已經找朋友翻譯了。我聽到後非常高興，終於可以看得明白了。我問，可以給我拜讀一下麽？當然可以！ 她立即把譯稿拿給我，我看了序言及第一章的一半，奇怪！完全不知道在說什麼。我向他們表達了我的觀點，他們說原來曾經給其他懂中文的朋友過目，大家都有同樣的反應。我衝口而出（口輕輕來了）：或許我可以幫你們修訂一下，若你們不介意的話。當然好哦！ 於是，第二天我交給他們序言的修訂，再兩天又譯了第一章。他們給朋友看過後的反應非常正面，說：終於明白了，而且很有菲利普說話的風格，你幫忙修訂下去吧！ 口輕輕的後果是不自量力，接下去的文本用詞和
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首爾韓版《司卡班的詭計》引進「輕鬆自在場」概念
韓國國立劇團自2019年改編首演莫里哀（Molire）的法文經典劇《司卡班的詭計》（Les fourberies de Scapin），將17世紀的敘事在21世紀重現，並且在每一季都融入韓國當地討論度高的社會議題，如大韓航空堅果返航事件、學制改編、論文瓢竊等，諷刺和幽默兼具，成為劇團的代表劇目之一。今年在明洞藝術劇場展開的第4季公演，首度針對兒童、年長者、感官或學習障礙人士設計全場開放式的無障礙觀賞服務（註）。 國立劇團設計的無障礙觀賞服務，包含演出進行間自由出入劇場、開演前40分鐘起入席、演出進行間不暗燈、歡迎觀眾攜帶可安定情緒的玩偶入場、劇場外休憩空間、事前提供演出詳細介紹資料、事前閱覽劇本、可觸式舞台模型導覽。此外，部分場次也為身體及感官障礙人士提供手語同步翻譯、封閉式語音解說、韓文字幕和出入場移動協助。
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東京表演藝術媒體「PANJ」全新改版 聚焦以「人」為主體
由日本國際交流基金會（The Japan Foundation）所營運的表演藝術網路媒體「Performing Arts Network Japan」（PANJ），在營運20年後於2024年4月1日全面更新上線，以不同以往的網站面貌重新與讀者見面。2004年所創立的PANJ持續提供日英雙語的日本與全球當代表演藝術資訊，並於每個月進行更新，更累積許多國內外專業人士的專訪文章，已成為使用者研究表演藝術最新動態的重要媒體。本次大幅度改版，除了事先徵詢國內外使用者及專業人士意見作為回饋外，更邀請資深戲劇媒體人伊達なつめ（Natsume Date）擔任總編輯，期待能夠傳遞更多元且創新的藝術新訊。 作為更新後的首波企畫，PANJ以劇團イキウメ（IKIUME）團長、同時也是長期受到關注的編導前川知大作為主角製作人物特輯。前川在2023年以《傳遞人魂》（人魂を届けに）獲得讀賣演劇大賞最優秀作品獎，並一直是日本表演藝術界的焦點人物。國際交流基金會在2021至2022年間，曾將他的5部劇本作品翻譯成5種語言進行出版。本次的專文更包含當時參與劇本翻譯的翻譯家所撰寫的評論，讓讀者更能夠深入前川知大劇本與創作的核心。 國際交流基金會表示，本次網站更新的核心概念是「人」，所以將聚焦於對國際演出有潛力或已有實際經驗的藝術家為對象，提供不同角度的側寫。而對於國外的重要策展人或劇場工作者，也預計以前所未有的視角進行介紹。PANJ除了持續向國外傳播日本當代表演藝術內容外，藉著本次改版，將新增更多實用且能反映日本表演藝術動向的資訊。
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藝號人物 People 導演呂毅新 用表演替下一代、替台南留下些什麼
作為土生土長的台南人，呂毅新從成長環境、接觸表演藝術，再到創立劇團，都跟府城脫不了干係。二度赴美求學返台後，她回到家鄉成立「影響．新劇場」，並從2015年開始與台南市文化局合作「十六歲小劇場少年扮戲計畫」（於2019年更名為「十六歲正青春藝術節」），一晃眼已過了10個年頭；而今（2024）年適逢台南400活動，影響．新劇場也與台南人劇團攜手推出《內海城電波》，在劇場裡帶著觀眾穿梭時空，認識以台南為基底所架空出的內海城風華。 校外輔修戲劇，兩次赴美求學 是到比較大之後，呂毅新才知道自己的成長過程跟同儕並不相同。 父母皆是學者，來往結交的多半是文學、藝術、劇場或電影界的朋友，從小她就跟著雙親看電影、跑劇院，還會請假去台北看雲門舞集演出，「我是在家裡知道美麗島事件的，因為有人跑來告訴爸媽，他當時親眼所見所聞，我以為別人也是這樣，後來才意識到那是因為我爸媽他們很早就在做很不一般的事。」因為如此，電影或表演藝術對呂毅新來說一點都不陌生，早已是她生活裡的一部分。 大學念成大中文系，她笑說自己其實有輔修「手語社」跟「戲劇系」，那時她開始在小劇場出沒，畢業後在華燈藝術中心當企劃，「常常要跑台北看戲，我乾脆把鴻鴻、黎煥雄的作品請到台南。」呂毅新所說的輔修，不只是發生在校內，透過投入南部劇場界的實務工作，她盡情接觸從小就熟悉的劇場。 但這對她來說還是不夠，在網路還沒面世的時代，她把圖書館裡與表演藝術相關的書都翻遍，也思考當時劇場在他人眼中的景況，「常有人說搞劇場很自溺，總是困在自己的象牙塔裡，跟劇場外的世界很脫節。」她不認同戲劇和社會界線應如此分明，自己寫作和做戲對象也包含不同族群。在劇場工作3年後，帶著精進的渴望，她決定負笈美國，繼續攻讀戲劇碩士。 那是呂毅新首次赴美求學，在蒙大拿大學（University of Montana）念戲劇的時期，她因老師之故而有機會跟知名的「被壓迫者劇場」（Theatre of the Oppressed）創始者、巴西劇場大師奧古斯都．波瓦（Augusto Boal）學習；「很多時候我們會區分這一塊是教育界來做、這一塊是社運圈的人做、這一塊是戲劇界的範圍，但波瓦的劇場實踐，讓這些事情產生了變化
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延長音站在時代之上
在音樂的宇宙裡，幾乎每20年即新星輩出，興奮地訴說著屬於自己的語彙。拉赫瑪尼諾夫（1873-1943）應該很難想像如今的王羽佳（1987-）在自己150周年馬拉松紀念音樂會中，一口氣演完所有協奏曲，穿著無比性感的禮服甚至舉行了一場大型實驗，記錄台上樂手及台下部分觀眾的心率，證實音樂的流動真能同步所有人的心跳！而貝多芬（1770-1827）、舒伯特（1797-1828）應該也很難想像在不到約莫20年後的蕭邦（1810-1849）於音樂上的想像是如此截然不同。花腔的迷人紋理成為可由鋼琴如詩似夢投射出來的歌唱，這在當時還與大鍵琴、擊弦鍵琴（Clavichord）相仿的早期鋼琴（Period Piano）音色上真的是判若雲泥，無法在同一個維度想像。 今年3月，一代宗師義大利鋼琴家波里尼（Maurizio Pollini）永遠地離開我們。他的驟逝，不僅令人錯愕、惋惜，更提醒著我們另一個時代的消逝。波里尼是1960年第6屆蕭邦大賽的冠軍，也是蕭邦大賽第一位非斯拉夫裔得獎者。他的得獎不僅轟動一時，得獎後的歸隱沉潛更是傳為佳話！因其沉澱修煉後錄製的蕭邦練習曲全集至今仍是難以超越的經典典範。然而，就如人工智慧ChatGPT，Sora的光速發展，鋼琴界人才代代輩出，我猜許多年輕學子可能已經不認識這位一代宗師波里尼，而更熟悉七、八、九年級代表生，甚至是千禧後的Z世代。如紀辛（1971-）、朗朗（1982-）、趙成珍（1994-）、任奫燦（2004-）等。 我時常在想，電影中預測的場景其實一一在現實世界中實現。蘋果於今年新推出的第一部空間運算設備Apple Vision Pro即還原了阿湯哥（Tom Cruise）在2002年電影《關鍵報告》（Minority Report）中諸多場景，也讓人聯想起漫威的《黑豹》（Black Panther），在電影中人人高科技化地對著只存在於視線中卻在空間中不真實存在的螢幕點擊操作著複雜的程式。想到如此，不禁產生巨大疑惑，為何阿諾的《魔鬼終結者》（The Terminator）系列電影，或威爾．史密斯（Will Smith）2004年的《機械公敵》（I, Robot）還不能帶給我們足夠深刻的警惕？現下人工智慧已能夠寫出比很多人更無錯誤的文章、甚至作曲、下西洋棋、創造影片，而這項技術還繼續飛駛發展中。若人們將同等的注意
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特別企畫 FeatureNSO 2024歐巡再起
繼去年在美、日巡演後，今年國家交響樂團（NSO）同樣以「台灣愛樂」（Taiwan Philharmonic）為名，在4月初重啟歐洲巡迴。樂團由音樂總監準・馬寇爾（Jun Mrkl）領軍，踏上3個國家國土：從瑞士蘇黎世音樂廳（Tonhalle Zrich）、日內瓦維多利亞大廳（Victoria Hall）、巴賽爾音樂廳（Stadtcasino Basel），經過德國布藍什外格國家劇院（Staatstheater Braunschweig）、漢堡易北愛樂廳（Elbphilharmonie）、漢諾威庫佩爾音樂廳（Kuppelsaal, Stadthalle Hannover），到法國香榭麗舍劇院（Thtre des Champs-lyses），共7場音樂會。一來展現樂團的實力，二來在末站也為了2024年7月台灣即將在巴黎舉行的「文化奧運」暖身。 為此，本企畫將分兩大部分， 第一部分「20204 NSO歐巡再啟」依序從巡演簡介，與音樂總監、作曲家李元貞、執行長郭玟岑的專訪，了解巡演從規劃、創作到表演的用心與思考策略。第二部分「2024 NSO 歐洲巡演地圖」，則帶讀者們一一探訪樂團所登上的音樂廳及其周邊藝文景點，並邀請定居台灣多年的鋼琴家魏樂富（Rolf-Peter Wille）及另一半葉綠娜引路，了解故鄉布藍什外格的歷史、名人及文化場所。最後由馬寇爾總監重回母校，親自帶領音樂學子嚮往的漢諾威音樂、戲劇與媒體學院（Hochschule fr Musik Theater und Medien Hannover, HMTMH）一遊。讓您宛如身歷其境，跟著NSO的步伐，走一趟歐巡之旅。
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特別企畫 Feature3國巡演7場音樂會 傳遞福爾摩沙之聲
1986年，國家交響樂團（NSO）在前身「國家音樂廳交響樂團」的時代，曾經到過古典音樂重鎮如德國、奧地利、維也納等重要音樂殿堂演出，寫下歷史。之後沉寂一段時間，直到2013、2017年兩度重啟歐巡，逐漸在國際間打出名號。回首來時路，從早年的自費到現在的獲邀演出、進入知名音樂節系列......走過無數歲月的期間，歷屆領航者、音樂家、行政團隊等，在一棒接一棒的傳承中所付出的貢獻，都在今日有了豐厚的累積。 繼去年在美、日巡演後，今年NSO同樣以「台灣愛樂」（Taiwan Philharmonic）為名，踏上瑞士、德國及法國國土。一來展現樂團的實力，二來在歐巡末站也為了2024年7月台灣即將在巴黎舉行的「文化奧運」暖身。
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特別企畫 Feature帶著台灣的音樂啟航，邁向亞洲頂尖樂團
「當第一次去新的地方演奏得好時，觀眾感到驚豔，但音樂行業發展得快，很快就會被遺忘；當第二次去時，可能喚起了對方的印象。當第3次、第4次之後，觀眾就會真正地肯定樂團。我們在做的，就是建立這樣的關係！」對於國際巡演，NSO音樂總監準・馬寇爾有著他長遠的計畫。確實，至今37歲的NSO征戰歐洲多個知名音樂廳，然而中間歷經很多年都未曾如此輝煌，直到前音樂總監呂紹嘉率團重啟，到今年才又有馬寇爾領軍邁入第4次的歐洲巡演。 歷經去年的美國、日本巡演後，樂團不僅獲得了國內外樂迷的掌聲，連馬寇爾自己也認為NSO有大幅度的成長。「巡演可以確認我們走在對的方向上，也能藉這個機會提升更好的品質。」在這樣的成績下，樂團再度出訪歐洲宣揚台灣，更是向前邁進了一大步。看著周圍的團員，馬寇爾了解有些人對歐洲很熟稔，因為學生時代曾在那裡求學，但對於第一次到訪的團員，除了有機會認識各國環境、音樂廳、音樂家之外，也能夠藉機會打開眼界，累積更多經驗與新的想法帶回台灣。 曲目安排上，選擇柴科夫斯基鋼琴及小提琴協奏曲、德弗札克第8號交響曲有非常實際的原因。馬寇爾表示：「多數的外國聽眾從未聽過這個台灣的樂團，所以我們必須有一個強烈吸引他們前來的理由。因此熟悉的樂曲、好的獨奏家，都是關鍵的因素。此外，當然我們也強調一定要有來自台灣的音樂。」為此準備的節目內容，即為NSO執行長郭玟岑所形容的「用音樂說土地的故事。」馬寇爾認為台灣有許多來自民間與自然的聲音，這對歐洲人來說非常有特色。因此除了演奏《美濃之道》外，他還讓傳統樂器在舞台上展現。例如第二樂章結尾有一個金鈸的擊響，馬寇爾則要求樂手不但將聲音敲擊出來，更要刻意拿著向前亮相，在傳遞音響的同時也讓觀眾清楚地看到它的模樣。 「所以來自台灣的我們，可以貢獻新的音樂理念！」他笑著說，以往我們接受的都是由歐洲傳到亞洲的，如今我們有一些特殊語言，反而能夠倒回去引起歐美注意。 在短短的十幾天內，樂團登上7個不同的音樂廳，著實是個相當大的考驗。馬寇爾笑著回憶：「蘇黎世和日內瓦的音樂廳都非常美麗，巴賽爾的音響效果也非常好，有點像台灣的國家音樂廳，但規模較小。易北愛樂廳則完全不同，聲音非常清晰，對樂手來說有點可怕（笑）！不過這也是好事，因為可以更注重細節和優美的樂句。」快速地適應不同的音樂廳、在有限的時間測試聲響、靈活
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特別企畫 Feature用管絃樂，說客家情
當代音樂作品的命運多舛，眾多樂曲總在首演後，就此塵封消逝。然而《美濃之道》卻在2024NSO歐洲巡演首度亮相前，就已被演出高達十數次了！這部有著高亢的獨奏、帶著客家山歌傳統，卻又有現代風味的作品，在作曲家李元貞的不斷琢磨下，儼然成為NSO攜出國門，打前鋒又留餘韻的迷人佳作。 樂曲原為2019年NSO受客家委員會委託，預定於2020年歐洲首演所作，可惜新冠疫情來襲，延至2022年在台首演。2023年為了美巡改編為單簧管絃樂五重奏帶到華府，直到今年才完整地將管絃樂版本帶到歐洲。不過這首作品也相當爭氣，在2020年以室內樂版本錄製後，即以《來自臺灣呂紹嘉的原鄉情懷》獲得金曲獎最佳藝術音樂專輯。 回溯創作當時，李元貞的功課做得徹底，不但買書研讀、訪談，更直接到美濃采風。由於自己並非客家人，她更能以一位外來者的角度觀察、發掘與學習。但她對美濃也並不完全陌生，由於父親曾任地方記者，幼年時她便隨父親到訪過美濃。加上當地有一些家人、朋友，因此在接到委託時，她就認為自己「能從已經知道的地方開始，誠實地講出心裡所想的事實。」 事實上，李元貞對客家歌曲原本就不陌生。她透露在2006年就已經跟臺灣國樂團合作，由民族音樂學者吳榮順主持，在「臺灣真美」系列《客家風情畫》音樂會中，改編了多達半場客家音樂的作品，由客家歌手賴碧霞等人演唱。她回憶：「當時為了改編已經聽了很多原汁原味的歌曲，種下了種子，所以在13年後創作《美濃之道》時，就覺得內心已經有材料了！」 將自己放進美濃的時間，李元貞感受著當地的水氣氤氳、數著遠方層層交疊的的山巒，體會被土地包圍的感覺。她好奇當地人們日出而作日落而息的生活之道、人與人的關係，以及當地的風土民情直到與一位農夫描繪道：「這裡從早到晚，看到的天色是不一樣的！」這句話聽在作曲家耳裡，瞬間轉化成詩情畫意的點，讓她萌生了這首樂曲的開頭，於是氛圍、顏色、層次，逐漸在她的構思中蔓延開來。 另一個重要的參考元素，就是客家歌手李喜娣女士演唱的搖籃曲。李元貞說：「她的唱法讓我印象深刻，尤其是抖音特別多。《美濃之道》第一樂章〈八丘〉一開頭3個音，就是模擬那個山歌吟唱，所以小提琴首席就必須注意用一個很有特色的方法呈現。」而且因為山歌有詞，因此母
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特別企畫 Feature以土地的味道，打造品牌的辨識度
「旅行演奏這件事情很特別，因為每個廳都得調整聲音，因此樂團必須要變得敏銳。短短的旅程是一個團隊一起進步跟成長的好機會。雖然行程非常緊湊，但所有音樂家在台上都卯足全力專注在音樂中。」巡演期間，NSO執行長郭玟岑帶著微笑說：「樂迷以發出各種聲響來回應他們內心的喜愛，這是很美好的事情！」 回看此度，3場音樂會在富麗堂皇的瑞士音樂廳、3場在以古典音樂為榮的德國，以及1場在具有歷史意義的巴黎香榭麗舍音樂廳，最難得的就是讓鮮少直接表現熱情的歐洲人都能起立鼓掌。這表示近10年來，NSO以「台灣愛樂」為名在外巡演，一次次地在前人打下的基礎上持續累積所得到的成果。而今，樂團在歐美是什麼樣的存在？郭玟岑回答：「簡單來說，就是『品牌辨識度』。」國際上交響樂團何其多，但如今能夠做到被了解、甚至被認可，著實不簡單。 「國際巡演不賺錢，為什麼要做？要怎麼做？」郭玟岑回問自己。在與國外談判時， 什麼時候要軟、什麼時候要硬，恰當地拿捏談何容易。「但對自己文化有信心與責任心這件事情，就讓我們永遠不會放棄。」她以文化當內容，再加以完整的包裝來行銷。例如計畫演台灣作品前，便妥善準備了英文、德文資料，以及帶法國媒體預先來台聆聽音樂會。讓整個文化內容變成一個故事，並且用西方世界可以接受的論述來呈現。 再往前推，當年委託台灣作品時，就明確地將目標定在國際市場的標準上，「既要容易聽、也要有經過轉化的台灣元素等等」。此外，她還想到作品以組曲的方式創作，如此一來，在時間不夠的時候可以有彈性調整的機會。「也謝謝客委會特地到美濃拍了紀錄片。」她感激地說：「有作曲家及時任音樂總監呂紹嘉的現身說法，也有風土民情可以說故事。」因此在規劃上同時展現了雙重的關係：第一，樂曲有台灣本土作品、有柴科夫斯基的元素、也有德弗札克的民族音樂手法，所以曲目上就是一個「土地的味道」；第二則是將台灣作品與西洋經典作品並駕齊驅，這些都是事先準備好的策略。 以往巡演大多是台僑力挺，但現在已經是不同階段了！回顧這次巡演票房亮眼，郭玟岑認為原因不只是演出而已，而是樂團不斷在國際間參與會議、組織，以及跟媒體、樂團、經紀公司的分享等等，持續讓台灣愛樂以不同形式被世界看見所致。因此巡演不只是一時的，而是在產業中不斷努力。她說：「不管是哪一類的好產品，要進入一個市場，都需要很大的力氣去做市場
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戲劇永恆且共同的當下
今年TIFA推出《黑》與《鏡：KAGAMI》兩檔混合實境（Mixed Reality）的作品。《黑》改編自法籍作家塔妮亞．德．蒙泰涅（Tania de Montaigne）的書，訴說無名英雄克羅黛特．柯爾文（Claudette Colvin）在民權運動史上遭世人遺忘的一生。觀眾戴著HoloLens 2這款可以看到數位影像疊加在現場物件上的MR眼鏡在展場中自由遊走，故事中主角或人群的行為，以數位影像疊加在現實具體物件（像是椅子、窗戶、屋內裝設）上的方式，創造出明確的時空脈絡，推動並定義了敘事在公車、法庭、街道、虛構的美好世界這些不同場景間的轉變。觀眾可以穿梭在故事之中，甚至可以與劇中人物並肩坐在公車的座椅上，或者與民權運動者一同上街，抗議審判不公。 相較於《黑》在柯爾文生命史與美國民權運動史的不同時空之間轉換，《鏡：KAGAMI》則是坂本龍一留給後人的最後一場獨奏音樂會，整場表演都以坂本龍一的鋼琴彈奏作為主要場景，伴隨著曲目的變化，影像及氣氛只是效果與相應的視覺化表現而已。雖然觀眾可以戴著Magic Leap 2眼鏡在限定的範圍內自由移動，但在這個表演中，多數人的移動幅度都不大，往往是選定了一個特定的位置之後，就幾乎不變換位置地看完整場表演。
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焦點專題 Focus當我們談論電音，我們在談論什麼
電音並非專屬夜晚的聲音，雖然此刻我們依舊習慣在傍晚以後，釋放自己疲倦的靈魂，搖擺於音樂的場域，然而電子音樂充滿生命力的節拍，其所召喚的動能，應被更廣泛的認識。5月份在臺中國家歌劇院有兩檔打破聲音界限的演出Max Cooper 3D 迷幻音像《神馳無限》與吳秉聖╳邱俊霖╳劉承杰《感覺的邊界》，趁此機會，我們藉由專題「當我們談論電音，我們在談論什麼」，邀請3位當代DJ共同談論電音於自身的影響。撇除歡快與享樂，電音原來能夠滲透人的靈魂，創造一個平等多焦的舞台，使人安放自己的身心。 （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）
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焦點專題 FocusGemnital 只要愛得夠深，你的音樂通常不會出錯
Gemnital（註）說起話來斯文內向，一旦站上舞台播音樂，身體又自然跟著節奏律動。他說自己舞動的身體，是在柏林念書時被徹底打開的，至於聽音樂的耳朵，則是從小養成的習慣。 「我一直都很喜歡音樂，高中大家在念書的時候，好像只有我一個人在趕稿寫樂評，投稿給當時還有的MTV音樂台。」Gemnital說，彼時的他，是個貨真價實的「聽團仔」，曾以為當時的耳朵已收攏各種不同形式的音樂了，卻在幾年後到柏林念書，才發現真正的音樂遠不只如此。 至於改變他的，正是電音。 「到了柏林，光是走進巷口一家雜貨店，都可以聽見他們在放電音。」 Gemnital回憶，電音是該地的日常，而非夜店的特例；至於派對生活，更是此處的文化，舞動中的身體，也如此順理成章地注入進在地人、甚至每一個造訪過柏林的旅人的靈魂之中。 「在那之前，我從來沒有踏進夜店或者任何一場派對，也不曉得自己原來這麼喜歡跳舞。可是真的開始跳起來以後，我發現身體存在很多過去自己不了解的律動，一口氣被喚醒了。」 說也奇怪，Gemnital談到跳舞時，神情是肅穆且閃亮，他平穩地描述音樂與舞蹈的結合，那不只是一種身體的「解放」，更帶著對自己的「接納」。他形容的音樂現場，眾人起舞的當下，是所有界線的消弭無關年紀、職業、性別，甚至性向。 他在柏林感受到的舞池，不是情慾流動的現場，而是眾生平等的舞台。 以至於Gemnital後來因疫情返回台灣，幾乎可說是為了重拾這份渴望舞蹈的純粹，把原先就熱愛音樂的自己，推向DJ的舞台上。
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焦點專題 FocusSonia Calico 跟自己「玩」，打造那些魔幻時刻
你是否也曾想過，「夜店裡的DJ到底在『忙』什麼？」或者是好奇：「走進舞池裡的人，都是為了什麼而去的？」這類音樂小白的問題，Sonia Calico聽了眉頭也不皺一下，大概是類似的疑惑她聽多了，倒是揚起輕輕的笑容，道：「或許應該這麼說，音樂活動的主角本來就不是DJ，而是觀眾本身。」 出身自電子搖滾女團Go Chic， Sonia身上同時蘊涵多種音樂能量創作、表演、製作，乃至近年從事策展相關活動。她是被音樂派對、搖滾與電音文化哺育長大的，這樣的她，一方面感受著音樂無邊的能量，二方面也經常感受到台灣音樂環境所存在之諸多限制：「比方說，即便到了現在，有些時候仍難以說服大眾：電子音樂是一種藝術。可是，像是在其他國家，DJ甚至可以走進美術館放歌，電音不單單只是一種娛樂而已。」 然而，若所有的文化藝術都能夠視為一種「表演」，電音其實突破了「觀看的方式」，與會者需要將心意，放在自己與空間的關係上。對於這點， Sonia喜歡以「玩在一起」這個詞彙來形容。 「以我辦活動為例，做舞台的時候，我們都會特別注意讓燈光聚焦在舞池上，DJ反而不是重點。換句話說，讓走進來的觀眾是『亮』的，觀眾能夠享受自己成為主角，開始跟自己玩、跟音樂玩、跟身邊的朋友玩」 玩在一塊兒的時候，人群中會釋放出一股很特別的能量，加深現場音樂的連結性。「我有時候在現場聽到一首歌，覺得真的好棒，就偷偷記下來。不過，等到回家重新拉出來聽的時候，就覺得其實也還好。在某個特定的時間、環境之下，我們聽歌的心情也不同，連帶影響了對音樂的感受度，這真的很奇妙。」
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焦點專題 FocusAndy Chiu 讓電音回歸聲音，更單純地感受它的存在
時間回溯至2015年，出發去柏林以前，他還是個服裝設計師學徒；離開柏林以後，他的靈魂半已交付音樂。 Andy Chiu說，那都是因為柏林地下音樂的催化之故。 Andy大學唸動畫，畢業以後轉往服裝設計，過程中也曾找老師學音樂，「但那時純粹就是想了解，夜店裡的音樂如何能對舞池充滿渲染力？」他說。 這樣的他，被柏林改變了。 「我之前在台北也會跑幾間夜店，多是以播放主流音樂為主，完全就是以娛樂目的為取向，不知道原來還有別的可能。到柏林以後，自己寫了幾間願望清單，想著哪些Club非去不可，經過朋友的介紹下，Berhain就是其中之一。」 這個異質的空間，讓他體會到「活著」 即便不是音樂圈的人，大概也略有耳聞Berhain是個什麼樣的地方，這間位於柏林的偌大建築，長年來是許多鐵克諾（Techno）樂迷的朝聖之地。且還不是誰都能進，門外的保鑣目光敏銳，被他擋下則絕無入內之可能，但入場條件也沒說個準，派頭得夠酷炫嗎？不能夠成群結隊嗎？Andy說：「第一次到Berghain的時候，發現周遭排隊的人不管是穿著、還是態度，都散發著某種很強的個人風格。而我只是一個初訪柏林、穿著素色黑T的觀光客，深怕自己『不夠酷』會被擋在門外，結果意外的是，去了幾次，竟然從來沒有被擋過。」 Berhain完全是一個全新的異質空間，Andy說，「那裡給我的感覺該說像是個戰場嗎？某個面向來說是很相似的，外露的鋼筋，廢墟般的氛圍，有些（跳舞跳到）筋疲力竭的人緩慢移動走出」他努力尋找字詞想要整理那場所給予他的震撼，卻是愈形容愈得不到要點似的，好像自己的靈魂被這個空間中「吸入」，感官變異，脫離現實。 「大家不斷地跳舞，卻又彼此保持一個舒服的空間，感受得到尊重，也感受得到自由，就好像」Andy想了一會兒，慢慢地說：「就好像活著的感覺。」 那樣的空間，是否徹底改變了Andy對於「電音」的想像呢？ 「在那段時間的經歷後，我對於電子音樂的感受已經超出音樂本身了。」Andy說，他一心一意地轉而思考，這是什麼？這個空間是什麼？這個全新的、
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寫在沒有主義的年代懸置的概念
藝術的倫理和典範體制同時宰制西方藝文創作與評論長達兩千多年之久，一直得等到18世紀末起，於各個領域（人文、美術、社會、心理）突破與新思潮的匯集之下，才出現了藝術的美學體制（aesthetic regime of art，或可譯為「美感體制」）。 也就是在這時，藝術終於取得了自主地位，不用再為倫理服務，也不用負起教化大眾（即維持現有秩序）的重任。藝術自給自足，主要的功能就是提供美感經驗，至於這種經驗能否改變人心或引發社會運動，不在藝術家的創作思維之內。因為它不具任何實用功能，藝術與其他人造物比起來屬異質存在，因此擁有超凡的地位。 從康德到席勒 美學體制的源頭極為多元，為了簡單說明，我們可以從康德談起。康德首先提出藝術的「無用之用」、「無目的之目的」，之後晚輩席勒（Friedrich von Schiller）將他的理念發揚光大，於其經典著作《論人類的審美教育書簡》（1795年），論及美感教育與人格教育之間的緊密關係。 藝術能帶給人們什麼樣的美感經驗？人們面對藝術品時進入了什麼樣的心理狀態？洪席耶特別強調「懸置」（suspension，也意指「暫止」）。 多次上課或演講裡，聽眾大多無法充分理解懸置的概念，不妨藉此機會進一步說明。簡單地說，藝文作品引發的美感經驗讓我們暫時擱置世俗與功能性考量，也同時擱置了「不信」：例如我個人對於時空旅行的想法絕不買單，但這並不妨礙我觀賞和它有關的科幻片。然而，懸置的意義不只如此。 設想我們來一下高空彈跳：直體墜落令人悚懼，到底後反彈上來令人心安，之後時上時下，但上下輪替的剎那間感受的失重錯覺最為奇妙，彷彿打敗了地心引力，懸宕於半空中。或如雲霄飛車，飛車上升是為了向下俯衝，向下俯衝之後是為了往上爬升，此為刺激之所在，皆於預期之內，但是每當飛車倒懸繞圈時，我們正好處在地心引力與衝力相互抵銷的失重狀態，一時以為懸浮於半空中。 另一個例子是鐘擺，只要不故障，鐘擺會不停地左右來回搖晃。假設某天，擺錘懸空地靜止於某處時，我們一定會感到錯愕而不得其解：莫非時間暫止了？抑或是，脫離了現實而進入無時間感的狀態？ 藝術帶來的懸置感即與「失重」與「暫止」類似，彷彿從現實脫離出來，進入另一個境界。
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曼谷搬演「失而復得」主題3作品 河城藝術中心疫後重振藝術活力
曼谷河城藝術中心（River City Bangkok）位於曼谷老城區昭披耶河畔，以藝術展覽和藝術品拍賣在泰國藝術圈打出名號，「藝術實驗室」（Experimental Art Lab）則是 COVID-19疫情後，河城藝術中心支持泰國藝術發展的一項新計畫。 在COVID-19疫情期間，由於泰國政府祭出防疫規定，許多表演場所因此被迫關閉或暫停營業，藝術家也因此無法進入表演的地方練習演出，或是無法獲得藝術製作所需的設備和資源，所以在疫情逐漸趨緩後，河城藝術中心希望補足疫情前和疫情後藝術發展上的落差，因此在2023年中發起藝術實驗室計畫，支持各種形式的藝術展演。 河城藝術中心的藝術實驗室是一個只能容納100人的小劇場，可以用來舉辦劇場或舞蹈演出、放映電影、舉行座談會或工作坊等，由於空間不大，觀眾可以和台上的表演者近距離接觸，感受現場表演的魅力。 藝術實驗室和泰國多個知名的製作或表演團體合作，例如今年2月和3月以「失而復得」（Lost and Found）為主題推出3齣劇場作品，主題圍繞著現代人的都市生活，呈現現代人的焦慮、困惑、寂寞和遊蕩等不同的心境，進而描繪出現代人在這些心境下各自不同且獨特的成長過程。