屏東演藝廳計畫於十二月三日正式開幕，自十月底起，已然啟航的「開幕藝術季」，以法國鋼琴家夏瑪尤，及來自捷克的SKETY人聲樂團打頭陣。接下來，從本月直至年底，還有更多國內外的演奏家、創作者與表演團隊，將陸續登台、合力慶賀這全新誕生的表演地標，歌頌獨屬南方的文化風情。
台灣的離婚率高居世界之冠，新世代的年輕人為何「草食化」不婚不子了？剩男剩女、草食男女所選擇的人生風景為何？多元成家是未來家庭組成的樣貌嗎？愛情是人生的解藥、迷藥還是毒藥？編舞家俞秀青所創立的人體舞蹈劇場，二○一六年全新製作音樂肢體劇場《男歡女愛》將成為「愛情診療室」，她從自己的生命經驗出發，並編織了時事報導、田野調查與訪談，透過八位表演者們的集體創作，深入了解感情的多角面向與兩性關係的變化。 俞秀青作品多探討人的情感，編有《激戀》、《春之祭@100》、《生命是條漫長的河》、《暖化》、《Time Flies》、《Metamorphose》、《穿越》、《妳正百無聊賴我正美麗》、《Invisible Touch》等，去年演出的生命劇場《CrossLife 迴》，亦透過舞台裝置、多媒體影像、戲劇與舞蹈的跨界結合，探問生命。
多以東方傳統元素入舞的肢體音符舞團藝術總監華碧玉，年度製作《月牙泉》繼二○一○年《水晶瓶中的敦煌》之後，再次以敦煌壁畫為題，結合數位科技，以「紙」作為此次的主要創作素材，「紙與敦煌都是歷史的產物，紙的剝落與敦煌壁畫日積月累的風化，有著類似的時空痕跡。」於是她嘗試將「紙」應用在舞台及服裝上，反思當代社會現況。 全作分為三個段落：〈時空星光〉、〈穿越敦煌〉、〈月牙泉〉。八名舞者由現代出發，走進一千五百年前的敦煌石窟，甚至進到未來。華碧玉指出，「當人類行為愈來愈被電子產品制約，需要聲光影像來滿足感官時，過去唱歌跳舞最純粹的美好與感動是否更值得保存，可供大家省思。」 值得一提的是，舞者所穿的特殊紙製服裝出自服裝設計師翁孟晴之手，有別於傳統的布料設計，尋常的打版、裁縫邏輯全部都得拋棄。她表示，在維持服裝美感的同時，還得兼顧舞者在舞台上表演的需求，「紙的厚度、硬度，都會影響整體造型，充滿挑戰。」而音樂則由董昭民創作，藉由結合紙製服裝與震動喇叭及壓力感應器，透過流變的聲音與影像，從當代的角度解析古文明之美。
一對老夫妻，滿台空椅子，看不見的客人。一九五二年，法國劇作家尤涅斯柯（Eugene lonesco）寫下了《椅子》Les chaises，以荒謬筆法，直探人生的虛無本質。今年，致力於戲曲實驗的栢優座，以東方戲曲語彙轉譯西方荒謬劇作，代表台灣參加鈴木忠志發起的「亞洲導演競賽」。導演許栢昂說，上世紀五○年代，尤涅斯科提供了荒謬的覺察，直至今日，我們是否可以用同樣的文本，找出荒謬人生中的秩序或是依然無奈的共性？ 栢優座的《椅子》，以戲曲作為表演形式，透過程式化的語彙、象徵的符號，靈活寫意地碰觸人心真實。許栢昂認為，戲曲是生活樣態的美化與提煉，自成一個審美體系；戲曲的虛擬美學，有更多可運用象徵的手段，寫意的表演程式、自由的空間觀，及以身體作為主要表述手段的特性，能夠強化劇中戲劇行動的荒謬性，同時又能合理化荒謬的戲劇動作。《椅子》由許栢昂與黃宇琳夫妻同台演出，兩人將以行當為表演基底，建構類型角色，面對不存在的客人，自由運用身段功法，在生旦淨丑不同行當之間任意轉換。
臺中國家歌劇院的開幕迎來了許多世界知名的演出，而其中最讓我期待的節目便是由法國巴黎市立劇院原裝來台演出的《犀牛》，《犀牛》是法國荒謬劇場大師尤涅斯柯的作品，也是我非常喜歡的劇作之一，他的劇本讀來有一種韻味，出其不意的情節也吸引著我迫不及待地繼續往下閱讀。《犀牛》即便是二戰前後的作品，在個人主義當道的現代卻依舊能發人深省的原因大概是，在追求不一樣的同時，每個人卻又往同一個目標走去，不管是在金錢、權力、地位面前，皆無人能抗拒變成犀牛。非常期待能十一月一睹德馬西-莫塔導演版本的《犀牛》！
十一月我最期待的音樂會，當然就是月底楊頌斯將帶領德國巴伐利亞廣播交響樂團（BRSO）的來台演出。 他們已經來台多次，每次都獲得很好的回響。而且因為政府給予補助，票價相對親民，比起國內藝術經紀公司辦的天團音樂會或相較於國外，票價便宜許多。（此時感覺納稅是很有意義的義務） 以往他們來台，大都是在國家音樂廳演出兩場，今年特別在台中國家歌劇院演出第三場。三套不同的曲目，從海頓、貝多芬、馬勒、理查史特勞斯一直到斯特拉溫斯基等作曲家，涵蓋了古典音樂最精華一百多年中重要作曲家的作品。 楊頌斯自從二○○三年開始擔任樂團的首席指揮之後，該樂團的水準就一直提升，至今水準已與與歐洲三大樂團（柏林愛樂、維也納愛樂、阿姆斯特丹大會堂管絃樂團）並駕齊驅。 二○一四年十一月我特地先去東京聽他們的演出，再回台灣連續兩天聽他們兩場不同的曲目。很驚喜的發現，他們在台北的演出還更優於東京呢！大概是台灣觀眾的熱情給他們更多的活力吧！讓我們期待十一月卅日到十二月二日BRSO的三場演出。
作為一位華裔大提琴演奏家，秦立巍不管在獨奏或室內樂演奏，皆有斐然成績。在獲得第十一屆柴科夫斯基大賽銀獎之後，又在二○○一年紐約贏得瑙姆堡國際大提琴比賽的金獎。曾兩度獲邀在世界知名的倫敦「逍遙音樂節」表演，更與環球音樂旗下的DECCA品牌錄製發行了多張唱片。優異的表現曾獲得《紐約時報》讚許道：「秦立巍的演奏擁有柔美至極的音色、完美無瑕的音準和鋼鐵般的技巧。」 鋼琴家安寧，出生於北京的音樂世家，八歲赴美，十六歲起就以演奏家身分登台。其中西文化並存的背景，使得他具有與眾不同的氣質。不但演出遍及世界各地，在國際大賽得獎更是不勝枚舉，包括拿下包括比利時伊利莎白女王鋼琴大賽季軍等榮耀。《紐約音樂會評論》曾稱讚其演出：「彈奏清晰明確，能充分掌握大規模戲劇性的張力與平衡。安寧擁有對音樂抽絲剝繭的洞察力、完美駕馭技術的能力、充滿激情的表演張力，並結合以上三者，成就完美的演奏。」兩位華人樂壇之星首次攜手合作，將帶來貝多芬、舒曼、蕭斯塔可維奇與帕格尼尼等人作品，一場華麗的組合，將是年終值得期待的音樂宴饗。
大提琴家馬友友曾說過：「我從小帶著這份音樂天賦長大，使我根本毫無選擇。我從未致力成為一個音樂家，而是自然而然地陷入其中。我一直在思索自己是誰？定位是什麼？而我認為世上七十億人都和我有一樣的想法！」樂壇中，有多少人汲汲營營站上大舞台，但自小就展露鋒芒的馬友友，卻不斷思考著更深刻的問題。為此，他從二○○○年發起「絲路計畫」，廣邀來自世界各地的音樂家們，以音樂作為彼此溝通的媒介，讓文化、藝術、人文碰撞交流。多年來，他們不但找出跨越東西方相容的語彙，更組成「絲路合奏團」，透過他們的詮釋，讓世界聽見他們的心聲。 在今年，由奧斯卡金獎導演摩根．內維爾（Morgan Neville）所執導的電影《馬友友與絲路音樂會》，便從各種角度出發，記錄了這段從「家」的概念出發，直到回歸至「家」的歷程。年底，在馬友友剛過花甲之年後，將再度率領樂團來台演出。幾位電影中的主角、來台獨奏過的明星，也都將齊聚一堂。在合奏團裡，音樂無國界、也沒有時空的限制。在彼此對談中，或許人生的意義，得以在此找到解答。
舒伯特所譜寫的藝術連篇歌曲《冬之旅》是西方古典樂壇的經典之作，在廿世紀末時，德國作曲家漢斯．詹德大膽改寫融入當代音樂，以表現主義的手法，用各種聲音暗示每一首歌詞的意境；此次將在台中國家歌劇院演出的《孤絕的詠歌冬之旅》，由男高音博斯崔吉詮釋，導演妮夏．瓊斯以黑白影像表現冬天萬物休眠的寂寥風景，重新詮釋舒伯特晚年的孤寂與流星般快速燃燒殆盡的生命旅程。
源於朝鮮高麗時代，結合音樂與說書的傳統表演藝術「板索里」，和世界各地的傳統藝術一樣，同樣面臨與當代觀眾對話和傳承的問題。跳脫原本取材民間傳說和歷史故事的框架，說唱藝術家Jaram Lee向西方文學取經，改編德國劇作家布萊希特的《四川好人》與《勇氣媽媽》，這次來台的《陌生人之歌》則改編自南美作家馬奎斯短篇小說〈總統先生再會〉，演繹馬奎斯筆下流離失所的異鄉人。
極簡美學、專注安靜，是陶身體劇場給觀者最明確可辨的深刻印象，當然，還有以數字編成的舞碼名稱，迄今已發展出《2》、《重之三部曲》（《3》）、《4》、《5》、《6》、《7》和《8》。數字代表舞者人數，不落意義詮釋，編舞家陶冶與夥伴專注於內視「舞蹈」、「身體」的純粹性。時隔兩年再度訪台，將演出《4》與《8》，讓台灣觀眾看到該團對身體的最新探索軌跡。
今年的兩岸小劇場藝術節以「生活有戲，戲在生活」為題，台灣團隊作品已於九月在北京九劇場陸續登場，而中國團隊作品則有黑色喜劇《你好，瘋子！》、詩歌入戲《隨黃公望遊富春山》、懸疑推理劇《山居》及形體劇場《吾愛至斯》這四齣不同類型的原創劇作，也將從十月中旬來台演出，這次更添高雄場次，讓南台灣觀眾也能欣賞對岸的小劇場創意。
迄今已邁入第五屆的「香港週」，是港台兩地的藝文交流盛會，每年都迎來備受矚目的藝文展演，讓台灣藝文愛好者體驗最in的香港文化風景。今年除了有兩項與香港時裝及歷史建築的展覽外，更有多組演藝團體來台獻藝，包含傳統南音、粵劇、交響樂、無伴奏合唱劇場與現代舞，讓台灣觀眾一窺香港表演藝術大師的歷練和新生代的精采。
由現代音樂大師布列茲所創立的樂團EIC（Ensemble Intercontemporain），是大師探索與詮釋新音樂的重要團隊，於二○一五年在新點子樂展留下觀眾讚嘆的掌聲之後將再度訪台，這次將帶來廿世紀的大師之作與近期的新音樂創作，以「透視性觀點」呈現演出，向甫於今年一月辭世的大師布列茲致敬。
西班牙古樂大師約第．沙瓦爾，再度率領晚星廿一古樂團訪台，這次將演出向十四世紀探險家伊本．巴圖塔致敬的作品，透過樂曲的鋪陳，樂迷將跟著探險家走過北非、阿拉伯半島、印度甚至中國，透過樂音，遙想那個以音樂交流文化，另一種「全球化」的想像。
西西里位於地中海正中央，和義大利本島僅相距兩英里，與北非突尼西亞則不到一百五十公里，自古就受到東方和西方文化洗禮。古希臘、阿拉伯、拜占庭、基督教等多種音樂傳統，在此交織激盪。這次「地中海的珍珠西西里島的引吭高歌」音樂會，將由Unavantaluna樂團帶來屬於西西里島獨特而多元、傳統又現代的美妙樂音。
百人木琴演出的規模龐大，集結費時費力，放眼全球都是十分少見的演出形式，但活力十足的朱宗慶打擊樂團竟然要辦第三次！為了慶祝樂團創立卅周年，以群策群力才能完成的百人木琴音樂會自然是最適合的慶生方式。除了出動自家三團與國內演奏家，也邀請歐美與中國的擊樂家參與，樂團特地委託改編了三首樂曲演出，讓樂迷在柔美溫暖又厚實清亮的合奏中，體驗交響樂般的波瀾壯闊。
繼《八月，在我家》之後，吳念真、吳定謙父子再度聯手，改編搬演普立茲獎劇作《當妳轉身之後》，原劇以一位罹患癌症的女教授為主角，探討死亡、醫德倫理、生命價值等議題。此劇是吳念真第一部直視「死亡」題材的作品，並由王琄、柯一正、譚艾珍、羅北安、曾少宗、張靜之等演出。
「漂亮、漂亮」是部落中常用語，不只是用來形容漂亮或美麗的事物，可能更貼近於肯定自我存在與自信的展現。於是，將新作取名《漂亮漂亮》，對布拉瑞揚來說，即是一種「不再說明自己，而是接受我的樣子，我即是我。」暫解《阿棲睞》的糾結，舞者們在海邊奔跑也排練，這就是他們的當下，《漂亮漂亮》書寫著舞團走過風災、重建的生活痕跡。
從卅分鐘發展迄今成為一小時的長篇，七年級編舞家田孝慈的《洞》除了在作品中保持一貫探索肢體表達情緒的可能性外，也試圖將濃稠的黑暗情緒找到開口。甫結束半年的法國駐村，孤身在外的她更能用另一種角度思考「困頓」，對於同世代人的低迷氣氛她感同身受，藉由舞作《洞》，她「希望把這個『口』打開，看看出口在哪，能不能讓一些風吹進來。」
強調連結學生與社區居民、教學與實務的藝術節慶「關渡藝術節」，自即日起在臺北藝術大學校園展開，此次的主題為「Voyage游於藝」，包含舞蹈、戲劇與音樂等來自國內外的演出，還有踩街、市集、工作坊等活動，邀請參與者踏上一場藝術的探索旅程。
今年的亞太傳統藝術節以「無物不成偶傳統偶戲藝術的當代碰撞」為主題，委託無獨有偶工作室劇團策畫，透過「人才培育」、「在地連結」、「國際交流」與「作品研發」，以宜蘭傳藝園區為基地向外輻射，連結起在地與國際的網絡。藝術總監鄭嘉音，將以五年為一個階段，進行深入的人才培育和創作交流，廣泛培養偶戲創作者、製作行政人才、藝術種子教師和參與藝術的民眾。
在發現和修復的過程中，藝術家和沙發的物質性、形式樣態、功能設計不斷地遭遇，也可說是一種在運用過程中的實務檢證，由此符合柏拉圖晚期以實踐過程來檢證理型的想法。不過，當觀者更仔細去看這些沙發的其他再現版本，比如當它們被發現時的殘破樣態的照片群，這時採用柏拉圖的理型來理解原型，又顯得不足。
以經歷過白色恐怖的舞蹈家蔡瑞月之名舉辦的國際舞蹈藝術節，十年來皆是以台灣舞蹈圈少見的社會議題性策展，諸如環境保育、學運世代、政治維權、土地家國等，今年邁入第十一屆，以「人文、司法正義」為題，邀請了日本編舞家石井漠、石井綠、美國編舞家埃立歐．波瑪爾（Eleo Pomare）等，演出上世紀初的經典之作。 當年留日習舞的蔡瑞月曾師事日本舞蹈家石井漠門下，後又隨石井漠得意門生石井綠學習，這次策展人蕭渥廷將師徒舞作選粹，將演出蔡瑞月一九七八年首演的《同舟》重現少女時期的日本青春年華記憶，與石井漠《登山》（1925）以登山比喻人生，別有一番師徒時空交錯的對話趣味。 此外，石井漠的另一之舞作《瘋狂的動作》（1933）則將焦點置於精神病院，重新思考疾病、瘋狂、體制的隱喻。而波瑪爾的《苦酒》（1966）則以美國藍調女歌唱家貝西．史密斯（Bessie Smith）為藍本，為探討人權、種族的經典之作。
戰爭殘酷且無情，卻往往能催生以鮮血暈染的美。古往今來多少冤魂命喪沙場，青春少年和激情文人卻以璀璨詩歌嚮往戰場。第一次世界大戰前夕的藝術家們咒罵著盛世的無趣而期待著，向上帝祈求一場追求榮光的大戰，後果卻是一卷卷描繪死亡和硝煙的詩篇。 《戰火浮生》不只只有劇情和角色，更以奇特的音效和舞台裝置敘述了一群青年藝術家在戰爭前後的理想與徬徨，藉由心理式的手法，讓不同的聲音敘述熾烈的感情和憤怒。在戰火依舊漫延的今天，我想看《戰火浮生》如何詮釋戰爭的面向，也想看導演如何以聲音說故事，在節奏和樂音中思考藝術得以引領的未來。
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