PAR 表演艺术杂志

多角度的创意经验丰富美学探讨

从《楼兰女》、《奥瑞斯提亚》（当代传奇剧场），到太古踏的《生之曼陀罗》、《诗与花的独言》、林丽珍的《醮》、优剧场的《云脚台湾》、刘凤学的《曹丕与甄宓》、《黑洞》、汉唐乐府的《艳歌行》、《俪人行》、台北越界的《天国出走》、江之翠的《南管游赏》、光环舞集的《移植》、法国编舞家Susan Buirge的《月影台》等，以至于去年与林怀民导演、舞台设计大师李名觉合作，于奥地利格拉兹歌剧院秋季艺术节首演的《罗生门》歌剧，及今年再度受邀参与德国名导演Lutz Graf执导的华格纳《崔斯坦与伊索克》，担任服装造型及道具设计；在这些与国内外多个团体的合作经验里，丰富了自己的创作世界。同时也想将这些努力的成果，重新研究、整理，透过这次展览与大家分享。

舞台艺术在现今文明社会中扮演十分重要的地位，因为不仅可以反映出地区性文化的特质，尤其藉著舞台艺术的呈现，民众普遍的内心诉求得以彰显、反省。台湾在目前自由开放的气氛中，吸收各国文化的精粹，开发了属于自己的一套美学语言。我在创作中，曾经尝试以不同的切入点，试图找寻多种角度的原创意与经验，研究世界各地文化特质，用来丰富以人为主体的美学探讨。

常问不同的创作者，意念是以何种方法产生？有些以传统出发，有些出自抽象的构图，有的编舞家用动作的节奏、结构，亦有先出现生活的片断，再凝造动作的表情；当然也有由音乐或其它方法来发想的。

呈现服装精神性，凝结戏剧张力

我个人则喜欢把自己先确立在观众的立场。想像自己在看这出戏、舞蹈时，最想得到什么经验，接著反问自己问题，如什么样的观众？在什么样的地方表演？什么时候、什么季节、天气？现场的结构，表演者与观众的距离？时代感？演出者、团体的特质、背景？表演的性质、规模？

我曾设计如《奥瑞斯提亚》的户外大型表演，演员与观众并置于一个户外大空间，霓虹灯管、飞机在天上划过，公车也不时加入配乐的情形下，我把造型的形式与现场观众明确区分开来，在视觉上与观众一起凝结戏剧的张力。之后，在汉唐乐府《艳歌行》的创作中，勾栏舞台的精致花园，舞者就在观众眼前，我尝试把整个原来的传统舞蹈造形概念古典化，使用真实的骨董首饰、真实的发型，化妆淸雅，把所有服饰细节处理为简约的线条，不断交错的雪舫与极柔软的真丝，透叠出重重华采，让观众感受古代幽幽之美。

服装造型的精神性，是我想要研究的主题，希望透过服装在舞台上的呈现，引发观众对美的爱好及感染舞台上独有的魅力。

为剧场服装设计重新取名字

「剧场服装设计」（Costume Design）在西方有很长远的历史，界定也十分明确。它是指在一特定范围、戏剧内所设计的衣服，包括了发型、化妆在内的戏剧性，与日常的流行服装（Fashion）是不一样的。Costume Design只能存在于一个特定时空，它是为一出戏，一个舞蹈、一个角色而存在。严格来说，每一件服装都不适宜转移到与原创设计环境相去太远的表演场地，甚至当演员不一样时，最好能重新设计属于这个表演者的独特气质与动态性格的服装；很好的服装，穿在不对的演员或是场地都是令人伤心的经验，同时Costume Design与舞台、灯光、道具是一体数面，不可划分，它存在于整体的共融性，不能独立于外。但中文用服装设计一词，却与Fashion有所混淆，这一点有待学者专家为这种只属于舞台、戏剧的人物造型艺术找到属于它的名字。

与「戏」连结的服装设计是我非常强调的，一件服装的展示，必须提供一出戏的独特气质。就像马雅文化一个小泥塑，一个农村的女人，半蹲在石地，迎接一只向她扑来的家犬，妇人的动作与小狗的嘴相互碰触的刹那，呈现了整个马雅文化的农村生活风貌。因此一件单独的服装是否能呈现出整个戏的独特情感是非常重要的，因为它提供了戏剧本身时间、空间、情感取向的投射面。

最好的造型应使舞台具有魔幻性

以「人」为创作元素的舞台服装设计，必须兼顾演员与角色之间的微妙关系，因为它直接使戏剧的生动性自然流入观众的脑海，形成鲜明的印象。最好的造型应融合整体的美学氛围，产生一种舞台独有的魔幻性，使观众享受到对人物、情节的认同及对戏剧经验的想像、美学经验的提升与愉悦。

这次造型创作展览中计有超过十组以上的工作纪录，呈现出历次演出从开始构思、沟通、制作到完成正式公演的各阶段资料、草图、摄影作品及演出活动的主要角色造型。

 

文字｜叶锦添  剧场服装设计师