PAR 表演艺术杂志

前先时日一度采访《＠梦》的编导陈瑶，她说要在剧场里造梦，要让久习于疏离冷漠的观众，感动。笔者虽然佩服她的创作理念，可是在心里深处仍存留著问号：在剧场里发生的感动不只要有心意，更要有一双熟谙操作剧场技法的巧手，才能编织出一出不落俗套、不见凿痕，令人忘却尘嚣、坦然敞开心怀接纳的作品。

那日，当笔者坐进了观众席，被巨大银幕上绵延飞来的云层包裹时，立时一扫连日来因SARS蒙上的阴郁；而当仿佛水蛇柔摆腰款的软枝缓缓出现，后方天幕和前方垂悬的景片连成了一片迷雾森林，我必须说，陈瑶真的做到了──至少在动画影像的部分，她让观众一点也看不到技巧地，表达了她心里的梦与感动。

可是这毕竟是一个剧场作品，姑且不论这是不是一个「舞蹈」演出，倘若无法和舞蹈、音乐、舞台、灯光等剧场元素达成有机的组合，就算影像做得再好，也像倒了杆的帐篷，依然无法撑起剧场的一片天空。

群舞被吃掉了

《非爱情故事》二部曲──《＠梦》，并非《非爱情故事》续集。故事架构仍以第一版为纲，从「云母」造云，逐一写出梦与现实交会的场景。《非爱情故事》是影舞集与古名伸、舞蹈空间舞团的舞者，所尝试的第一个结合大量动画影像与舞蹈演出的大型制作；而《＠梦》可以说是影像与舞蹈创作者在第一次的试验之后，在调适技术与跨领域创作各层面之下，所做的修正版。

《＠梦》以「音乐剧场」自称，但从其动画影像所占的比重来看，或许称之为「影像剧场」会更适切一点。同样的，《＠梦》也逃不开任何一个使用影像的剧场作品会遇到的一个问题：当影像与现场表演同时存在，该如何适切引导观众的视觉焦点落在作品的发展线上？不过《＠梦》的问题并不在此，影像与舞蹈之间的焦点调配、主从关系的互动并未产生太大的问题，更大的问题反而出在影像和现场表演（舞蹈）之间，因调性不同所产生的不协调感。

或许是因为剧场太大，音乐热闹繁复，影像的视觉冲击更毋庸置疑地强烈，让编舞者古名伸在许多片段大量采用群舞、动作群组的方式处理。然而，一颗苹果加两颗葡萄，我们很容易看到三颗水果；但当有了数以万计的苹果之后，就算加了五十颗苹果，结果依然是：一堆苹果，很难是别的（我想我被苹果日报的广告轰炸得太厉害了）。舞蹈不管在处理所谓易变的爱情也好，或是人际关系猜疑的议题也罢，都因处理主题的方式过于庞大，使得舞蹈的情感无法深化，舞者吃力再勤快的动作，也被影像和偌大的剧场给吃掉，而显得虚弱不堪。

独舞与影像的互动有趣

反倒是几个独舞的小片段，特别是跟影像互动的部分，处理得相当细致而有兴味。例如：海边钓客巨大的剪影和一个不自主地被拉扯向上而挣扎的女人，适切表达了人生太多无可抗拒的意外；照镜子的女人，和镜子里投影的一个夸张变形的动画角色，以幽默的手法传达了两者之间的对照，简洁明快地表现了内在与外表之间的差异、矛盾与虚实。

这些独舞与影像互动的片段之所以有趣，有很大的原因是因为它们与动画影像深具诗意的特质，起了加乘的发酵作用。陈瑶的创作有种万花筒的趣味──很简单的元素，却又有意想不到的变化，像海边的潮汐，可以坐在那儿发呆，任凭思绪游走。

舞台上立著一扇门。天幕上出现了一个盖得很奇怪的房子，明明向下的楼梯却走到了二楼。舞者开了门，房子悄悄地扭转了起来；关上门，房子又回复它原本奇怪的样子。

短短的一瞬间，让笔者看到了儿时对黑暗与陌生的莫名恐惧。

景片飞出层次感

除了动画本身的创意，影像与舞台活动景片的互动也是《＠梦》的另一项特点。

编创者利用天幕，与前后悬吊景片的搭配，分别投影在两者的影像，制造出远近的层次感（layer）。逐一飞降的景片映著快速兴建都会的动画，在重工业式的音乐搭配之下，强而有力地描绘出一幅吞噬了童话森林的景象；顶楼平台与楼梯间的各个平面，切割成几个投影区域，不管是在对镜或象征梦境破灭后的红色飞鸟段落等，都有效地传达了创作者的意图。

相对于舞台调度频频产生的惊奇感，到了下半场，那座顶楼平台却处于正中后方，一动不动，稳如泰山的主舞台布景，显得巨大而呆滞。

运用影像的剧场最棘手的，莫过于灯光的处理。但尽管在影像与表演者之间的亮度拿捏上，《＠梦》还有待修整（尤其大量纸片自上方落下的片段，根本看不到影像），但整体来讲，灯光的处理已经算是相当不错。尤其下半场，当众人离去，喧哗尽褪，独留一名男子，自上方打下的几片淡蓝色的光，清冷、薄如蝉翼，更显孤独寂寥。

从初次合作至今已届四年，《＠梦》凸显的问题仍是不同领域的创作者，对彼此的艺术特质不够熟稔，凸显表演主体影像跟舞蹈之间的认知差异。特别是这么大的一个制作，更要考虑如何运用对方艺术类型的优点，以强化双方在剧场表现的长处，光是各展所长，并不能达到最好的效果。

文字｜陈品秀 舞蹈文字工作者