应台湾「疯戏乐工作室」之邀，美国音乐家、曾任《狮子王》等多出知名音乐剧音乐总监的约瑟夫．邱吉（Joseph Church），首度访台举办大师班，分为「词曲创作」与「演员训练」两组，指导台湾学员创作与表演音乐剧的诀窍。借由大师的提点，学员们学到了「在音乐剧中，不只要让音乐说话，还要让音乐『合理地』说话」的种种秘诀。
音乐剧本身就是多种音乐形式的混合，它的养分来自古典、爵士、轻歌剧，在近代更加入了拉丁音乐、摇滚乐、流行音乐等元素。也因为这样，音乐剧的作曲家往往具备不同的创作背景，从不同的领域转换跑道，一起在剧场中营造既魔幻又写实的音乐力量。这次由疯戏乐工作室所举办的音乐剧大师班，也是台湾第一次邀请国外大师，举办以音乐剧创作为主的工作坊。事实上在学校，我们也没有机会能学到所谓的「音乐剧创作」，连个专业课程都没有，更别说是「音乐剧创作系所」了！也因此，这次来参加的学员，大部分也都是来自不同领域的词曲创作者：古典音乐、电影配乐、合唱／重唱音乐、流行歌曲，有些人曾经有音乐剧创作发表，有些人则还在起步中。现在我们难得有机会就「音乐剧作曲」这门专业科目，亲自接受音乐大师约瑟夫．邱吉（Joseph Church）指导，也难怪同学们纷纷带来一叠又一叠自己所创作的歌曲乐谱／音乐档，希望邱吉老师能打通大家在创作上的任督二脉！
让音乐说话
在音乐剧中，不只要让音乐说话，还要让音乐「合理地」说话——这是邱吉在作曲工作坊第一天，就一再谆谆告诫学员的重要关键，而这也是音乐剧创作和歌剧创作最大的不同。在古典歌剧中，音乐为主戏剧为辅，即使光听歌剧录音，也可以感受到作品的完整性。但音乐剧就不一样了，所有音乐和舞蹈的元素，都必须符合戏剧面的合理性。不知道是不是因为来到一个遥远、有著不同语言、不同文化的国家，邱吉也很诚实地和我们分享：「像现在相当流行的音乐剧电视电影《歌舞青春》High School Musical系列，或是音乐剧影集『欢乐合唱团Glee』，虽然成功地让更多人接触到音乐剧，不过我实在很受不了那些不知道从哪里出现的音乐，明明在一个教室里面，忽然间背景就响起雄壮的交响乐团与规模浩大的合唱，这到底是打哪来的？」
这当然是老师的个人意见，也不想在此得罪广大《歌舞青春》与「欢乐合唱团」的影迷乐迷（当然还包括了工作坊的一些学员或是工作伙伴），不过其实邱吉所要表达的重点也就是：「虽然音乐剧本身常常被视为一种非写实或是超现实的剧场形式，毕竟在现实环境中并不会有人走在路上就忽然开始跳起舞来，或是讲话讲一讲就开始唱起歌来，但我们必须诚实地捕捉音乐的『写实性』及『合理性』，利用音乐结构来支持戏剧结构的起承转合，才能利用音乐，说出那些用语言所无法表达的角色情感！」
至于要如何让音乐「合理地」说故事呢？这就是邱吉老师在之后的作曲讲座中所要和我们分享的小秘诀啦！
让文化记忆成为你的创作素材
要让观众感受到音乐的合理性，作曲家可就必须要妥善运用「文化记忆」。所谓的「文化记忆」，就是那些大家已经深刻制约在心中的音乐结构符码，举例来说：听到五声音阶就会想到中国、听到Bossa Nova就会想到巴西的海洋、听到管风琴就会想到宗教音乐、听到探戈想到危险又刺激的夜生活一样。一旦作曲家建立了音乐与现实环境的连结，就能利用音乐来塑造场景或是强化角色形象，而不会让观众感到突兀。疯戏乐工作室团长暨音乐总监王希文也和大家分享了当年在纽约大学与邱吉老师求学的秘辛：当时正在创作音乐剧《木兰少女》的王希文，每个礼拜都会带著刚出炉的乐曲请老师修改，虽然邱吉老师听不懂中文，却也能从乐曲本身的走向提出精辟建议，这当然是靠「文化记忆」的功劳。
有时候前辈作曲家所创作那些知名的乐曲／乐句，也能成为「文化记忆」的元素，像是知名音乐剧《吉屋出租》Rent除了剧情改浦普契尼歌剧《波希米亚人》La Boheme，也多次在乐句中引用了剧中歌曲〈Musetta’s Waltz〉的主旋律。当然，有时候在创作中，「文化记忆」的使用反而加强了音乐语汇中的「刻板印象」，不过邱吉也强调他的创作经验多来自商业音乐剧剧场创作，自然免不了得运用这些意象强烈的「音乐符码」，来为一般观众建构出一幅清楚明了的音乐图像。尽管如此，邱吉也不吝于与我们分享如何在「文化记忆」的音乐元素下，还能创造出乐句上的惊喜。
规律的建立与打破
「文化记忆」除了有时候会带来刻板印象的负面效果外，有时候重复使用也会让整首乐曲、甚至整个音乐剧作品，都显得枯燥乏味、没有变化。看著同学们的作品，邱吉老师观察到一个大家所共有的问题：「大概是受到流行音乐的影响，不只是这次大师班的学生，甚至许多我自己的学生也常常会在作品中出现固定的A-B-A-B-C-A结构，主歌副歌重复进行；但事实上同样的东西说一遍就够了，作曲家必须要学习如何打破这种曲式结构的框架，用更多元的音乐结构来促成剧情或是角色情绪的推移。」
要怎么利用音乐来营造情绪或是场景的变化，借由惊喜感来让观众愿意更进一步「听下去」呢？邱吉为我们提供了一个最简单的途径：在一开始先建立乐曲规律，之后再打破这个规律，制造出令人意想不到的惊喜感。建立乐曲规律，并不代表乐句间无谓的反复，而是巧妙地与戏剧动机的结构进行搭配，再借由转调、节奏转换等方式，让整首乐曲更进一步地展开，才能紧紧地抓住观众的心。
从歌曲片段扩张到更全面的戏剧场景
邱吉老师这几天下来听了每个人作品不下卅首，有些同学带来的作品本身就是单独的曲目，有些人则带来自己创作的戏剧作品选曲，从这些作品中，老师也看到了大家深受流行歌曲影响的另一个小毛病：「有时候听起来，常常会觉得作品本身都很像，找不到重心在哪里，虽然旋律好听，但听完后却往往无法记在脑海中。」所以邱吉老师也提醒大家在创作的过程中，不要放任心里的旋律一路跑下去，而要从一个最小最小的「概念」或是「动机」出发，先清楚地建立了这首歌曲的主题后，在利用这个音乐上的主题，扩展到更全面的戏剧场景。当然，就如同邱吉一开始就提及的重点：「在音乐剧创作中，所有的音乐铺陈一定得符合剧本。千万不可以因为这里要有首情歌，就作出一首情歌；或是这里要有首磅礡的大合唱，就谱出一曲极有气势的大合唱。」大家必须要仔细地阅读剧本，推测在这首歌演唱的之前与之后，人物及事件分别有了什么样的转折，再利用音乐来填补之中的变化，这样一来，才能作出既有戏剧性又有合理性的音乐剧歌曲。
在音乐创作的路上，我们不孤单！
这次的作曲工作坊，除了让学员有机会亲自接受大师的指点，发现自己在创作上的盲点以外，也给了很多机会阅读、评论彼此的作品。大家身为词曲创作者，平常总少有机会能够认识其他同行，总是只能闷著头创作，既没人可以分享好作品完成时的喜悦，遇到瓶颈时也没人鼓励安慰。能借由这次工作坊，认识这么多有志于此的朋友们，也是极大的收获！就像邱吉老师所说：「千万不可以对自己的作品太自恋！你们一定要记得，没有一件作品是不需要修改的！」只是有时候，每个人总有自己的盲点，无法客观地来修改自己的作品，这时能有其他同行一起讨论，在创作上将会是一大助力。虽然和邱吉老师相处的时间只有短短五天，但我们也彼此约定好，定期见面分享自己的作品，继续在台湾音乐剧创作这个领域好好努力！
音乐剧演员的表演功课
抽丝剥茧 别放过音乐提供的线索
身为音乐剧演员，除了要能够把歌唱得好听，把戏演得好看之外，最重要的，就是要了解音乐在剧中所扮演的功能。如同邱吉老师在作曲工作坊中所分享的创作关键，在表演工作坊中，邱吉老师也反过头来，提醒演员们该如何利用这些创作元素，来解读、诠释歌曲：「如果你有心想要当一位优秀的音乐剧演员，那么学会看谱对你来说绝对是个必要的投资。」这可是邱吉老师对大家语重心长的期勉。学会看谱后，除了要看自己声部的谱，还要学会看伴奏的谱，就如邱吉老师所说：「有太多太多情绪或是戏剧上的细节，都可以从音乐本身看出端倪，要懂得看谱，才能知道『音乐』想要说的到底是什么！」
老师也特别举了知名音乐剧作曲Alan Menken所创作的〈Part of Your World〉作为示范说明。这首歌是出自大家都耳熟能详的迪士尼卡通《小美人鱼》，当时小美人鱼一边数著自己的珍宝，一边盼望自己能有机会到人类的世界看一看。在音乐结构的处理上，因此出现了许多零碎的乐句，呼应人鱼所数点的那些四散身旁的小东西们；但几句零碎的乐句之后，又会延伸开展出一段较完整的句子，也代表了人鱼心境的转折，以及她深刻的渴望。
有时候尽管是男女调情的二重唱，也千万别忽略伴奏在乐曲中所扮演的「第三者」角色！最佳的范例就是《吉屋出租》里的〈Light My Candle〉，必须借由伴奏、男声、女声三方之间互相丢球，才能建立整曲的暧昧律动。仔细小心地处理这些小细节，将「音乐」视为与「剧本」相辅相成的文本，才能帮助演员更为完整地诠释剧中歌曲。（白斐岚）
关于约瑟夫．邱吉
一九五七年生于纽约，美国知名指挥、作曲家、编曲家、钢琴家，现任教于纽约大学。古典音乐背景出身，但随后与多位重要剧场导演如茱莉．泰摩（Julie Taymor）等人合作，作品横跨古典、剧场、音乐节等，曾担任热门音乐剧《狮子王》The Lion King、The Who's Tommy、蓝迪．纽曼（Randy Newman）的《浮士德》Faust、《恐怖小店》Little Shop Of Horrors的音乐总监。
