排王嘉明的戏，演员会在排练前期「一起上课」，像这次排《理查三世》演出前半年就开始全体演员聚首学习的「训练」课程，有配音课、小丑课、梨园戏、肢体开发，甚至魔术。戏里都用得上吗？不一定，但这是让演员有机会一起寻路「共同工作的开始」。对演员而言，参与王嘉明的制作，似乎更像是成为创作者之一，在从零到有的过程中，透过「身体力行」的方式，找到各自参与创作的平衡点。
《理查三世》演出前约半年，走进莎妹排练场，演员们跟在南管老师魏美慧身后，亦步亦趋学著梨园戏的基本科步。有人口中喃喃复诵：「举手到目眉，分手到肚脐。」有人忙著询问其他演员，确认提手、偏触。若你在此时提问：「这是戏里哪一段？」所有演员都会马上回答：「不知道耶，哈哈。」然后继续琢磨当天课程进度的细节，透过各自不同的方式，理解、并享受当下的学习，以及，为「表演」带来的新的刺激。
找「大家一起呼吸的方式」
排练前期，这般一周一次、全体演员聚首学习的「训练」课程，包含一堂配音课、一堂小丑课、四堂梨园戏；到了排练中期，穿插数次肢体开发动作课程，甚至还有堂小小的魔术讲座。
在王嘉明的工作过程，这是重要的环节。除了增进戏里需要使用的表演技巧，更让演员有机会一起寻路「共同工作的开始」（包括演员之间在「表演」上的互动关系，以及演员和导演在工作「表演」时，互动、沟通的基础）；并且透过演员「自身」这个身体空间，初探「这出戏强调的、通往的」（可能）会是什么？
举个例吧。周明宇说，很多人讲，唱歌的中心点在「丹田」；但对他而言，是要找到「呼吸的重心」，找到了，「气就不会浮起来，不是只剩一颗头在唱。」演王嘉明戏的训练，「就像是一种过程，在找『大家一起呼吸的方式』。」
此外，就他观察：「王嘉明最大的特色，是对于声线的处理。他的思考『很音乐』，是能用『纵向』方式看待剧场的导演。」有别于一般惯用「音乐」一词强调「横向」的旋律起伏，周明宇所指「纵向」的观点，是如同阅读合唱总谱、交响乐总谱时，不同乐器、声部间的交织与对位等关系、配置。
从「纵向」视角切入，也可进一步看见，其实，在王嘉明的剧场里，每一部分都是「表演」（比如，演员必须关注所有场上正在发生的事，包括自己没在演的时候，像是上、下道具、布景的节奏、方式等，也都需要随时维持高度警觉）。在形式强烈的作品中，观众看演出，或许容易仅将演员视为导演手法的执行者，然而，从演员的角度看来，参与王嘉明的制作，似乎更像是成为创作者之一，在这趟从零到有的过程中，透过「身体力行」的方式，找到各自参与创作的平衡点。
得以在相对压缩的时间内，让演员们不光只是「演自己的」，而是通力合作完成、主动彼此协助，也是训练过程最实质的成果。长期与王嘉明合作的Fa形容：「工作过程中，信任感这件事，是很微妙的。一开始花时间做训练，让演员们可以彼此帮忙、给意见，也累积了演员之间的默契。这也是为什么每一次演嘉明的戏，演员团队之间，都会有好的化学变化。」
提醒演员：如何看待表演
同时，Fa也强调：「给训练，不是要直接用在戏里；而是提醒演员：如何看待表演。或许不是那么立即，但是一种更宏观的视野，花更多时间，让演员内在根本的东西，有些改变。这也是一直以来嘉明作戏的习惯。像这次对演员来说，是如何不断检视你自己的机会。」
梅若颖举例：「像写实表演，很容易在做功课时，很会分析、很会说，但实际执行却出现落差。这种状况下，很容易绑死自己，甚至落入表演者无法意识到的陷阱。演员自己演得很有感觉，但和角色在该场景中面对的困境，真的有连结上吗？观众真的『有感觉』吗？」
回看梨园戏的训练，传统戏曲中，对于台上表演者每一瞬间的精练、饱满，相较于（目前在现代剧场中常见）看似「自然」实则「琐碎」的表演习惯，确实是重要的提醒。
当然，提醒，不代表一蹴可几。郑尹真指出：「去芜存菁、沥除杂质的过程，从演员穿戴上角色，到心理与外在的统合，至少需要一年以上密集的训练。就训练来说，需要下更多工夫，也是目前制作期面临的挑战。导演这样的野心，其实也暴露出戏剧教育的现状。」之于针对演出所做的短期表演训练，郑尹真表示：「如果没有延续，这种『看见』很容易就变成观光客的目光，重点仍是回到『每天做的事』。」
所谓的「演员训练」，或可视为一出戏的工作起点、一种刺激的开始，但后续也必得是演员「在路上」不断向前迈进的一种状态、一股动力。不只一次听Fa分享：「演员不可能永远只演自己，需要一直累积许多才艺，要用的时候，就能马上拿出来。」也或许正如梅若颖所说：「演员训练提醒的是，如何让自己维持在不断前进的状态，而不是『这样就够了』。当演员，就需要不断学习！」
不断学习的路上，且让我们暂以诗人木心的话作结：「若顿悟不置于渐悟中，顿悟之后恐有顿迷来。」共勉之。
