虽然视觉艺术与表演艺术结合的展演非始自近年，但这两年陆续有剧场、舞蹈创作者如河床剧团、谢杰桦与董怡芬等，应邀从黑盒子剧场进入美术馆的「白盒子」，呈现演出并与观赏者互动。当代艺术开始转向尝试建构情境式的、异质空间式的创作型态，艺术家借以反转、探测公／私、日常／非日常的界线，又或者以作品带给观众新的体验，而表演艺术，正是创造特殊经验的方式之一。
在二○一三年于台北市立美术馆举办的「真真：当代超常经验」展，河床剧团带著「开房间计划」的两出剧码《没有人会受伤》及《四季》进驻；同年在台中国立台湾美术馆举办的「2013亚洲双年展——返常」，亦邀请郭文泰《More than this》及何采柔《半透明的》参展。河床剧团在这一年进入美术馆演出，可说是近年剧场进入白盒子最受瞩目的例子。
而近期在北美馆所举办的展览「爱丽丝的兔子洞——真实生活：可理解与不可被理解的交缠」，谢杰桦＋董怡芬的作品《日常编舞》受邀参展，又是将表演艺术纳入视觉艺术展览的另一例，显然，无论是表演艺术或视觉艺术，这样的合作都开启创作更为多元的面貌。
不过，这里显然有一个问题是：当剧场与舞蹈进入美术馆，脱离原本表演的场域，我们该如何看待这些作品？
白盒子里的表演艺术有什么意义？
以表演艺术与视觉艺术的合作而言，近年都有不少精采的作品可供参考。二○一一年于南海艺廊的《尘埃碎屑II——城市之光》（简称城市之光），就是结合视觉艺术和剧场演出的案例，这件作品其实仅有郑安齐与黄立慧两人是视觉艺术背景，其他人则来自剧场界。《城市之光》主要在探讨都市更新议题，当时在南海艺廊的展场，艺术家们透过银幕投影与现场直播演员演出的方式，在真实与虚构之间的平行线来去；展场中有空间装置，另外还有举牌工与发送传单的现地演出。在这件作品中，展场空间的性质变得模糊而不稳定，其融合剧场与视觉艺术的特质，让观众很难去定义《城市之光》的艺术类别，《城市之光》未正式进入白盒子，却已替剧场进驻视觉艺术空间开启先例。
当然，谈跨界合作在表演艺术中的例子不胜枚举。但现在再从跨域合作探讨作品的意义已不合时宜，毕竟剧场常常在谈的「总体艺术」就已融合不同类型的艺术元素，它本就是个同时结合视觉与听觉的创作型态；但是，当表演艺术的作品进入美术馆，它所代表的意义究竟是什么呢？也许这该从作品所属的展览脉络来观看，始能谈出表演艺术进入美术馆的意义。
让观众「违反日常」也「重返日常」
在「真真：当代超常经验」一展中，河床剧团的「开房间计划」首度进入北美馆。在为期近四个月的期间，以每天十场、一场限定一位观众进入的方式演出。剧场的进驻最大的改变，就是颠覆观众在美术馆的观展经验。观众从原本主动性的观看，转而被动性的观看，他们在既定的框架下接收展场空间与演员给定的讯息，进一步地被暂时性抽离展场与现实生活空间。这样的断裂，唤起观众对于日常生活的意识，在获得全新感知经验的同时，亦从中发现得以检视自身日常的机会。二○一三年底在台中国美馆的剧码，同样是呼应该届亚洲双年展的主题「返常」，从郭文泰《More than this》那个封闭如棺材、让观者不知身在何处的箱子，到何采柔《半透明的》最后被拖曳开来的房间，都在创造一种巨大的、与日常断裂的经验。剧场进驻白盒子，既是创造出「违反日常」的体验，同时也是让观众获得「重返日常」的机会。
另一件进入美术馆的作品，是正于北美馆举办的「爱丽丝的兔子洞」一展中，由谢杰桦＋董怡芬合作的《日常编舞》。《日常编舞》与其说是将舞蹈拉进美术馆展场，倒不如说是艺术家借用舞蹈的概念、形式与框架，以舞蹈的壳包裹观念性的内容，将美术馆展场转变成为表演舞台。《日常编舞》中，观众得戴上耳机、按照所听到的指令在限定的舞台空间中舞动肢体，而唯有当观众上舞台与作品互动（接受创作者的指令）的当下，作品才真正成立。当然，观众（指令执行者）不同，也构成不同的舞码，这使得作品的面貌不断地变动，并且存于每个当下的时空、存于观众参与作品的时刻。《日常编舞》所欲探讨与突破的，同时踩在视觉艺术与舞蹈艺术的两端，它推向两者的边界，并抛出「这是舞蹈，还是观念艺术」的问题，还有就是，舞蹈是否能作为雕塑群众的工具？
在此想特别提到的是，二○一三年获颁威尼斯双年展最佳艺术家金狮奖的提诺．赛格尔（Tino Sehgal）即是舞者出身。他曾于二○一一年庞毕度中心举办的「舞动人生」展览中回顾舞蹈与视觉艺术的关系，而赛格尔的作品正因结合舞蹈、吟唱等形式，并以此建构出特殊的情境而受到瞩目，他在作品中结合不同的艺术元素，开展出视觉艺术的新方向。
在美术馆建构情境式、体验式的观赏
从上述提到的几个剧场与舞蹈进入美术馆空间的例子，我们不难察觉到，当代艺术开始转向尝试建构情境式的、异质空间式的创作型态，艺术家借以反转、探测公／私、日常／非日常的界线，又或者以作品带给观众新的体验。尽管回顾美术史，一九七○年代包括激浪派（Fluxus）与偶发艺术（Happening Art）的艺术家，分别透过具有表演性的行动或撷取日常生活元素作为创作的框架，可视为表演艺术进入美术馆或视觉艺术创作的先声。然而在当代，表演艺术进入美术馆、被纳入当代艺术的展览架构时，剧场或舞蹈的演出就已脱出原本的脉络，被截断成为探测日常、创造特殊感知经验的独立作品。
剧场与舞蹈进入美术馆看似是一种潮流，但也许这与视觉艺术圈（美术馆、策展人与艺术家等）开始思索如何以展览、作品或空间为平台，提供观者去拥抱新的体验有关。而目前在欧洲各重要美术馆，及英国泰特现代美术馆，均纷纷举办表演艺术的相关展览或专属节目；也许在思考剧场与舞蹈进入美术馆展览之外，更值得思考的是，对于美术馆而言，表演艺术的进驻，是否为传统定义下的美术馆带来了什么样的改变吧！
