「歌剧是有戏剧的音乐演出，注重歌者的展演，以音乐优先；音乐剧更强调角色与戏剧，歌曲及风格被依附在文本的基底上，歌曲是『可演的』，唱得好听与否并不是音乐剧最主要的目的。」音乐剧作曲家王希文说。
从这样的定义来看，「音乐剧是否必须琅琅上口」是个值得深思的问题。他提到，90年代韦伯（Andrew Lloyd Webber）后的音乐剧，确实因为商业考量，刻意如此。但音乐剧最终还是得回到文本，歌曲再动听，若只是不停重复旋律，就失去「剧」的意义。一个好的音乐剧旋律，要能唤起剧情脉络，反复与否在剧本创作时，自然会有再现及变奏的考量，此外，也要思考戏本身的声响质地是否适合以「悦耳」呈现。例如近作《当金莲成熟时》，其音响色泽即从文本出发，王希文以复杂的和声及破碎的节奏为基底，让观众印象深刻。
关于音乐剧的创作过程，王希文特别提到「song spotting」一词，指在剧本大纲阶段，编剧、作词、作曲就要讨论哪个段落要唱歌、歌名、歌曲情境与形式等，先有大概的想像及全面思考，才能看到整体平衡。他说，许多国外音乐剧创作者认为，直接把词、曲创作者关在一起3个月是最佳状况，词曲才能不断地来回修改。如伯恩斯坦（Leonard Bernstein）及桑坦（Stephen Sondheim）创作《西城故事》时也是同居。在读剧及制作阶段，能接收到导演、演员、编舞等不同的观点，因此在排练场上会继续挖掘可能及调整词曲，甚至重新制作时也会再次修改。
华文音乐剧最大的挑战之一，在于华文是音调（tone）语言。比起语调（intonation）语言的英文，要让观众不靠字幕也能听懂歌词，对词曲创作者而言，确实棘手。王希文举例，将英文百老汇翻译成中文时，如果歌曲是同音旋律，那转化成中文时几乎就受限于一声字，否则很难听懂。然而，若只按照声调创作，又会充斥太多五声音阶或4、5度，反而弱化了旋律及词意传达。事实上，有些字不照声韵也能听懂，且若能在关键字词掌握好华文音调独特的「方向性」，各种音程与音阶皆可谱曲，再妥善利用半音与滑音装饰音等技巧，不但能让歌词被清楚传递、符合声韵，还能从限制中延伸出特色，玩出蓝调或爵士的音乐质感。
王希文认为，唯有诚实的创作，才能感动自己和他人，因此作品必须是自己认同、有共鸣的，才能展现真正的自己，不然即使有技术也只会流于匠气及表面。但问他是否喜欢自己作品时，他笑了笑但「诚实」地回答：「不一定。」回头看过去的作品，有遗憾、满意、有趣天真、平淡呆板等不同想法。虽然早期创作稚嫩又偏执，却也因为没有框架更显热情。撇除所有技艺展现，当每个作品都忠实记录创作者的不同阶段时，或许这也是音乐剧能感动人的原因吧！
王希文
电影配乐、音乐剧作曲、编曲、音乐制作人。纽约大学电影配乐作曲硕士。师从好莱坞资深作曲家Ira Newborn及百老汇音乐执导Joseph Church，为台湾首位在纽约接受正统音乐剧训练的作曲家，风格融合摇滚、爵士、蓝调、流行及古典。2009年获个人首座金钟奖。2011年创办「Studio M 疯戏乐工作室」，致力于华语原创音乐剧创作与推广。
