PAR 表演艺术杂志

1997年，奥拉弗．埃利亚松（Olafur Eliasson）以《单色房间》受到瞩目；2003年在伦敦泰德现代美术馆创作《天气计划》，迷雾笼罩发光的巨大「太阳」打造沉浸式体验，吸引约200万名观众参与，成为泰德的经典展之一，也确立埃利亚松的国际名声，这使得首次来台个展「你的好奇旅程」备受期盼（当然还有Netflix于2019年推出《抽象》纪录片的加持），开展后更是热度爆棚。

艺术经过「设计」，取得最大值的共鸣

开幕那天，台北市立美术馆安排一场艺术家导览，《苔藓墙》展间被人潮占满，埃利亚松简扼谈及个展作品的思考，观众就像聆听牧师布道般，觉得意犹未尽、等待进入下一个展间之时，他却就此结束导览。

埃利亚松多次表示，不希望对作品做过多的说明与文字诠释，美术馆也应当如此，「引导观者打开感官，并且相信自己的感官、感受」是他的理念。事实上，从这次个展观之，毋须导聆、也不用紧抱导览手册，仅仅17件作品，以具有节奏感的动线规划，回归人们感知经验和美学体验的召唤，也让观者较有精神上的余裕驻足观看、挖掘和思考，并展开自身的探索旅程。

为了让观者接收、感知和体验，不难发现，埃利亚松的作品是经过缜密的「设计」而成，它们有些共通性：一是他常以大自然、几何造型、日常物件等作为呈现，人们都知道植物、水、彩虹和冰川，也认识三角、圆形、曲线等基本造型，由此出发，容易引起共鸣。

早期作品《美》（1993）就已展露这样的意图，在展场创造自然现象的彩虹之「美」，随著观看的远近、视角的高低等变化，每个人所见到的色彩状态各不相同，造就独一无二的体验；但倘若展场没有人，也就不会有彩虹╱艺术的存在，这意味著观者是埃利亚松的艺术完成与否的关键，他提到经常会思考作品如何与观者相遇？观者能从作品中体验到什么？

关照观者的体验，可视为埃利亚松创作的一项特质，也反映在看似高科技艺术的外表下，实则是运用光学、物理学、色彩学等原理，观者只消具备粗浅的科普知识便能看出端倪，如：《环星共振器》（2018）利用棱镜折射、灯源的错位与调动等，在墙面映现出美妙的黄绿色同心圆；还有在美术馆大厅摆荡的《循环扇》（1995），受到自身及周遭气流牵引产生不规则的律动，犹如马戏团空中飞人的优雅姿态，也让人们感受空气的无形力量。

代表作《单色房间》放诸今日依旧大胆。在空无一物、只有满满黄光的空间，挑战人们习以为常的视觉经验。在单色光强制干预下，其他色彩仿佛消失一般，原本熟悉的环境也变得陌生。正因作品与观者共构而生，埃利亚松被视为开启当代艺术「体验经济」和「沉浸式体验」的先行者。2003年，《单色房间》代表丹麦参加第50届威尼斯双年展，而今，这件作品对省思视觉经验本质的提示依然有效，走进北美馆展场，因视觉出现异样感到诧异的同时，也不由得思考这究竟是怎么回事？

身体之于空间、自然界的感知挑战

埃利亚松喜爱引用大自然，和成长经验有关。父亲是冰岛人，母亲是丹麦人，埃利亚松年少时和父亲在冰岛共度的时光大多与自然为伍，他也曾沉迷于霹雳舞，1980年代中期前，和同伴在公共场合表演。这些经验让他对自然、空间与身体的关联分外敏锐，反映在作品中所欲召唤的身体性——包括身体作为空间的度量和记忆的容器等原始能力，展出作品《多重影子屋》（2010）、《动作显微镜》（2011）都从身体出发，前者是观者可参与的空间装置，后者是一部影片，借由舞者的慢动作舞动，带领镜头穿梭在埃利亚松于柏林的工作室当中，除了一窥工作室的日常，包括著名的员工食堂，也在舞者动作的牵引下，对空间细节有更多的观察。

埃利亚松的工作室是由工艺、建筑、行政、技术与研究员、档案管理、厨师等专业人才组成的大型团队共同运作。在创意发展的过程中，团队会想出「怎么制作（how）」，他则担任「为什么（why）要做」的决定性角色。

埃利亚松也跨足建筑设计，2019年还曾被任命为联合国开发计划署（UNDP）气候行动亲善大使，关注环境永续议题，这次展出《冰河的最后七天》（2024）将冰岛「钻石海滩」（Diamond Beach）的冰块进行数位扫描后，转以青铜雕塑呈现，每个青铜冰块对应一颗玻璃球，意喻冰块融化后的水量，提醒人们气候变迁的冲击正在发生中。

综观埃利亚松逾30年的创作，横跨绘画、摄影、雕塑、装置等多样媒材，召唤人们失落的感知能力，也打破理所当然的知觉惯性，他形容人生是不断在改变的旅程，唯有承认自身的「脆弱」，才有机会学习和接纳更多不同的可能。他的艺术可直观以对，意涵又因人延伸，诗情之外亦富哲思，在时局纷乱的当前，这些体验或许有助于人们重新整理和找寻己身立命的位置。