PAR 表演艺术杂志

Q：你今年对自己最满意的一件事是什么？

A：我最满意的一件事，是在高强度的生活里，学会重新与自己对话。

过去，我总被责任与理想推著向前，几乎忘了停下。今年我尝试放慢节奏，让「活著」这件事重新变得清晰。创作与生活的界线开始模糊，我发现，能真实地感受日常，感受时间流动的微光，本身就是一种创作。

能好好活著，是一种能力，也是一种选择。

Q：今年你最深刻的一个「转向现场」是什么？发生了什么事，让你改变或更强化了选择、方向或信念？

A：我观察到表演艺术正朝著「跨媒体」、「互动性」的方向发展，也走向更深层的「观众参与」。观众不再只是静静坐在黑暗中观看，而是被邀请进入作品，与创作者一同成为叙事的呼吸。这样的变化，让剧场重新找回它的社会能量与即时性。

同时，我也注意到「全球化与在地化」的角力，以及「经典与创新」之间那细腻的并存。许多复排作品不再只是重演，而是在当代语境里重新对话，让旧文本透出新的政治意涵与族群光谱。

我喜欢这样的成熟——当创作者能以当下的身体向历史提问，那是一种诚实又动人的创作状态。这些经验，让我更明白自己想把创作带往哪里。未来，我希望透过「晃晃跨幅町」，持续实践这个角度的思考——让作品与观众的边界更流动，让创作不只是被观看的事件，而是一次共同的存在与感受。

Q：在你所处的领域中，有哪些变化是你乐观以对的？又有哪些让你焦虑或不安？

A：我乐观地看见，表演者与观众之间的界线正在慢慢消融。

创作不再只是「完成的作品」，而是「进行中的关系」。观众不只是看，而是一起感受、一起共振，剧场因此更贴近生活的本质。

AI 与新科技的出现，也为我们打开新的感官与想像。它迫使我们回头问：「什么是人？」、「当科技刺激观赏时的感受，什么是身体与情感在现场中的不可取代性？」

但我也焦虑。时间被压缩，创作者在生存与创作之间拉扯。当速度凌驾于沉淀，作品便容易失去了节奏与温度。我希望我们仍能守住那份「等待」的空间，让作品有时间发酵，有机会慢慢长出自己的形状。