Q1：您认为导演一场「读剧」最该注意的原则是什么？
与完整演出不同，读剧的主体不在于调度、形式或技术层面的展现，而是回到剧本本身的文字核心。因此导演的任务应使观众理解文本的逻辑与情感，让文字能在有限的资源下被清晰传达。试著优先考虑文本的传递，并使形式奠基于理解之上。因此在以上思考逻辑下，我通常会尝试将「听觉」摆在第一位。除了基本的情节、场景及角色分析需要处理以外，以下分享过往经验中，感受到使听觉层次更加丰富且能辅助文本传递的几项策略：
舞台指示的运用：在读剧形式中较为特别之处是可以运用舞台指示，选择台词以外希望传递的资讯。适时透过此特点去展现剧作家的画面及意图，使观众可以于脑中建立场景及画面感。除了可以降低相关陈设的需求，同时因舞台指示的书写与对白有所差异，亦可运用舞台指示的朗读去调整读剧的节奏。
演员的多重扮演：文本有时会发生角色较多，但在资源较有限的读剧演出中，演员需一人饰多角是常见的呈现方式。而除了上述功能性的重复扮演外，透过文本线索寻找角色之间的特性，使其接近或有因果关系之角色透过同一演员诠释，或许能强化文本中角色之间的关联，亦可透过演员的声音表演达到既有差异性同时使角色之间产生叠影的作用。
读剧场地的选择：过往经验中，多数观赏及执导的读剧演出都是于非典型演出空间进行，而此情况下更须考虑场地的氛围及特质，包含空间自有的声响、隔音状态及人声传递的质感。我印象深刻的一次观赏经验是创剧团《解离》的读剧演出，场地选择在林森北路巷弄中的「湿地Venue」。当演员叙述著文本中台北街景及来往的人群时，与场地窗外车水马龙的声响产生了连结，这样有机的交集让我瞬间被拉进文本中魔幻写实的世界当中。
读剧使文本从阅读走向聆听，如何把握好听觉的流动及节奏，让剧本说话是我首要思考的核心。同时不应试图将读剧变正式演出的「简化版」，误导观众认定为正式演出的半成品。
Q2：您认为「读剧」是一种怎么样的演出？为什么？
虽然读剧演出或许不会像正式演出那样有完整的设计及调度，但它仍然有观演关系，当有演出者及观者则已是一种演出状态。读剧演出并非只是剧作家与导演、演员之间的工作会议。可以是作品尚未完成时的阶段呈现，也可能是演出团队对于某些形式的实验。在某些情况下，读剧甚至可能比正式制作更能突显文本的结构特性与语言魅力。印象中我曾经与他人分享过某个演出比起正式版本，我更喜欢读剧版本。其原因来自于读剧演出独有的留白，使观众拥有一定程度的诠释空间。当这些想像在更完整的制作中被具体呈现后，因想像空间变少而产生落差感。（是不是有点像《哈利波特》粉丝有分小说派及电影派？）
这样的情况下，导演工作就不仅是使文本被朗读这么单纯，而是要思考整体读剧演出的整合与平衡。导演应该有自己的观看立场，但同时拿捏诠释方式的力度，而不仅是再现。
在现今剧场愈来愈多元的创作语境中，「读剧」不再只是团队内部创作初期的试读或排练需求，它逐渐被发展为一种独立的形式，一种介于排练与演出的中介地带。面对这样一种「非正式但仍具观演关系」的演出形式，是作为开发阶段的创作交流、市场检测还是后续的行销策略？延伸需要面临的可能是该读剧是公开索票、邀请制还是仅限团队内部观赏？在资源有限、开发阶段或文本主导的制作中，读剧所展现的不仅是文本的魅力，也是一种对于现今剧场环境中作品开发模组的重新思考及审视的可能性。
Q3：身为导演，您会希望「读剧」是怎样的形式？读剧里是不是应该有任何设计、导演概念？
在思考形式之前，我会先尝试「盘点现有资源」，可能包含场地、人力及技术限制，甚至是当下整体环境的状态。并在条件下找寻与文本之间的连结及可能性，诚实地面对限制，同时也展现对文本的理解与诠释角度。
在台湾COVID-19疫情最严峻的2021年，三级警戒使我们无法群聚进行实体演出，各种线上演出纷纷出现。在那样的环境局势下我们进行了一场线上读剧演出《乡愁行星》。整体以演员各自录音的方式读剧后进行音档剪辑。而直播画面中是以俯视的方式拍摄桌面，摆著类似卷轴的图画纸。在读剧音档播放的同时，剧作家针对该场次的画面同步手绘，产生了类似连环漫画的形式。这样的方式回应到疫情时期的应对措施，也因文本中寓言故事般的风格及剧作家具有的绘画能力，三者交集产生了这样的形式，是一次十分有趣的尝试。
因此我不会预设读剧演出该长什么样子或什么形式，而是从文本内容与资源限制的交界点中前行，找寻是否需要有走位调度、小道具、灯光变化甚至多媒体的辅助。而前提是这些形式能够深化对于文本的理解，而非超越它。同时深信有限资源的状态下可以使创作者更加谨慎思考。在资源丰沛的情况下发挥空间当然更大，但也可能导致失去读剧演出的简洁与焦点。更准确地选择哪些是必要且有效的，搭建起文本与观众之间的桥梁。
