PAR 表演艺术杂志

林罗伯的设计风格，多是以「拼贴」为主要手法，可能在选取与组合之间，创造强烈的视觉，也可能从个别的元素里，寻找演出作品于其间的蛛丝马迹。

以他近期替国家两厅院「新点子实验场」设计的主视觉来说，收纳的不只有一部创作，更倾向于「概念」的表现与整合。「新点子实验场的命题，对我来说是非常强烈的，无论是『新点子』还是『实验』，都告诉我要准备处理的东西不是工整的，也可能带点混乱，或是具有实验性的符号在里面。」林罗伯认为，这反而是个很好、且有趣的状态，因此他以新点子实验场提供的「迈」这个概念为核心，将舞台、路标、甚至梦境里的元素都缝补起来。

「今年的视觉，从大方向来看，是很鲜艳、缤纷的，在画面里可以看到不同元素，表现出它的概念。同时，我也在里面放了很多跟道路有关的物件，像是路标、或是指涉性的符号，还有每个演出也会有概念性的符号出现，建筑出新点子实验场的世界观。」

非科班出身的林罗伯，似乎用他与表演艺术、平面设计的参与位置，反复拿捏自身与作品间的拼贴状态，组合出希望传达的那个瞬间。

人生转弯，来自艺术电影与剧场的视觉刺激

林罗伯在大学念的，是与表演艺术、平面设计八竿子打不著的「生命科学系」。

不过，由于他就读的东海大学很重视通识课程，他也因此在专业科目之外，透过大量必修的通识课程接触不同领域，其中影响他最深的是「艺术电影」。「我刚开始并不是从设计开始接触，反而是艺术电影，才慢慢转向设计。毕业后，有去考实践大学的媒体与视觉设计相关研究所，但没有考上。」当完兵后的他，先是在诚品艺术书店工作，后来到了台原偶戏团。从这个时候开始，林罗伯的生涯规划似乎就与生命科学没太大关联了。

在台原偶戏团，林罗伯虽非专职设计，但在工作中逐渐接触剧团的不同面向，包含制作、操偶等，后来也陆续参与美术设计；于是在离开剧团后，找的工作就直接以「设计」为主。

林罗伯回忆，后来在工作中陆续与美术馆、博物馆合作，而第一个正式接案的表演艺术类型的平面设计，是2019年的大稻埕国际艺术节。「当时的制作人高翊恺注意到我有一些比较视觉型的作品，于是问我有没有兴趣。」当年的策展方向采取1920年代的狂骚精神，并推出「街区共同策展」概念；因此，林罗伯将街区中的不同块面加以组合，并用鲜明的黄色落成文字，压在主视觉上，突显冲突感。

「那个时候做的可能不是那么平面设计，但也不是那么视觉艺术，有点跨在中间位置。」林罗伯这么说。于是，他的主视觉海报也往往带给观看者冲击，甚至不一定能直觉反映出作品本身，需要从中找寻更多线索。

拆解内容与手法，确定风格走向

「我觉得自己在创作的过程中，会把『内容』与『手法』拆开来。『内容』是我设计的东西怎么更贴近这出戏想传达出来的感觉，那『手法』可能有点类似风格，就是我如何用不同种的风格去对应这出戏想要传达的内容。」林罗伯有点总结式地进行分析。

举例来说，他一定会跟对方沟通好他们的「内容」，包含这出戏讲的是什么、作品采取怎样的创作元素等，然后再跟他们说明自己拥有、或倾向的几种「手法」。他提到：「若是内容方面有办法贴合演出作品本身，在手法部分多半都会采取比较自由的态度让我去设计。」

因此，林罗伯也重新梳理他的设计流程。「我在做平面设计的时候，会先询问导演心中的画面，还有他想要的主视觉到底是什么样子，然后我可能会做出范本，进行『来回辩证』的过程。」首先，他会请剧团提供演出企划书，从中抓取关键词，然后与团队进行反复讨论，包含这出戏的走向、采用的视觉手法等，借此归结出贴合这出戏本身的样貌。

而对于「风格」的掌握，也存在于他的事前功课。林罗伯会在接下设计案时先去搜寻这个剧团过往的视觉风格，「每个剧团本身都有想要自己想要走的风格，所以我会跟剧团讨论，这次的主视觉希望是贴近？还是要做一些突破？这都是可以讨论的空间。」不过，林罗伯笑说，会去找他做设计，大概都清楚他的风格比较不是「内敛型」的，多半是想要做点改变、或是与过往风格不一样的选择。

用「存在时间」长短，判断设计原则

有趣的是，林罗伯本身也有参与偶戏演出——从台原偶戏团开始，到后来导演伍姗姗在不同剧团导戏，都给予林罗伯不同类型的机会。而自身的演出经验，确实提供他不同的设计角度。「如果我同时参与演出也做演出的视觉设计，我觉得我会比其他设计师更了解这个作品，也更会贴合戏本身，掌握未来呈现的样貌。」

不过，这多少反映出，表演艺术作品在主视觉设计时仍带有一定程度的不确定性。林罗伯认为，为了配合作品行销周期，他所从事的主视觉平面设计，通常早于作品的创作排程，「落差倒不至于，我觉得都还是会有关联，只是关联性的强弱而已。」这也回到前述提及，他对于设计流程与讨论的讲究，去避免过大的落差。

他认为：「平面设计是演出作品第一个跟观众接触的东西，借此让观众去理解这出戏可能的样子、或是带给他的感觉是什么。我觉得看待观众跟视觉这件事情是很重要的，说白了，视觉也是行销的一环，就是要让观众愿意买票。有想像的空间，他可能才会进剧场看演出。」

同时，他也将其他类型的设计进行比较，认为「这个设计需要存在多少时间」是很重要的。林罗伯举了公司行号的LOGO，可能得伴随公司10余年以上，所以在设计上就不能太夸张，要以舒服、精简、内敛为原则；相较之下，书籍的存在时间会落在几年内，之后可能会再有改版可能，就可以操作一些比较感性、或是稍微有些冲击的元素。但，一个演出作品的平面设计大概就存在半年左右的时间，「我会觉得『吸睛度』必须更强，得在短时间里就要达到效果。另外，反正它能够被视觉接收的时间也不会那么长，所以我会比较不考虑舒适度。」

或许正是林罗伯接触剧场的方式，是从剧团内部的运作开始，让他思考到平面设计与表演艺术间的关系，而达到两者相得益彰的辅助关系。

（本文出自OPENTIX两厅院文化生活）