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跨国制作
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焦点专题 Focus移动、连结、共构──给未来剧场的备忘录
在COVID-19重塑全球节奏之后，剧场资源紧缩、巡演模式改变、资源与观众结构重组，一波又一波的剧烈转变，使剧场工作者不得不重新思考「连结」的本质：我们为何需要合作？又该如何与他者、社群、世界建立关系？ 我们从「移动、连结、共构」出发，记录表演艺术机构、艺术节与艺术家、制作团队在跨国的制作生态中的实践策略。借2025 Taiwan Week举办之机，我们邀请比利时列日剧院艺术总监塞吉．宏哥尼（Serge Rangoni）、英国Dance Umbrella艺术总监佛瑞迪．欧波库-艾岱（Freddie Opoku-Addaie）和国家两厅院艺术顾问施馨媛进行深度对谈，讨论当前欧陆与亚洲表演艺术机构与艺术节的合纵连横策略；并借由欧亚交流论坛侧记聚焦各国单位的实践与未来发展方向，一窥艺术市场趋势脉动。3篇跨国移动日志则呈现艺术家与制作人如何在不同文化场域中协调、协作、定位自我，并带著作品走到更远的地方。 当剧场以不单靠输出与输入节目维持国际关系，合作的形式与节奏也在改变。这些经验不只是近年表演艺术制作生态的实践记录，更是我们如何共构下一阶段剧场的备忘录。
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焦点专题 Focus 艺术家的移动日志坚守艺术话语权，回应世界变动──专访聚合舞制作团队罗芳芸Ｘ陈成婷
若以疫情作为分水岭，全球艺术的发展正随著疫后各国文化政策的走向开启新纪元，连带著牵动了艺术家与团队的创作思考，以及作品在全球巡演移动、网络连结的策略布局。而以德国、台湾两地为核心，长期与欧陆艺术机构进行交流与合作的「聚合舞制作团队」（Polymer DMT），正处于全球趋势变动的体感第一排。
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焦点专题 Focus 艺术家的移动日志温思妮：从没有经验所造成的「痛」与「错」开始
如果说跨国合作对我有什么意义，那就是让我更清楚「自己是谁」。 挑战西方，跨国制作，是件能快速的事情？ 我的第一个国际剧场交流经验，是2007年因欧丁剧场导演尤金诺．芭芭（Eugenio Barba）来江之翠剧场开工作坊，我因此参加了团员征选。当时团长周逸昌说：「若有心参与演出的人，请努力练习南管梨园身段与我们的表演身体训练课程。」老实说，我最初只是被「国际剧场大师」的名气吸引，并不理解周老师为何坚持寻找「亚洲的身体」，而剧团邀请印尼舞蹈家Mugiyono Kasido、Siti Sutiyah、Bambang Besur来教授工作坊时，我则惊叹为什么亚洲有那么厉害的剧场我却不知道？当我看到尤金诺．芭芭恣意拆解梨园的身体和语言时，我有一种非常强烈的直觉「这哪里不对劲」现在我知道这叫东方主义与文化挪用。但我很快就把这些疑惑先抛在脑后，前往「进步的」德国学剧场。 我在德国的每一次校内校外演出算是跨国合作或文化交流吗？我想不是。
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焦点专题 Focus 制作人的移动日志陈汗青：信任、长期经营与连结──谈疫情之后的台日共制《诚实浴池》
对莎士比亚的妹妹们的剧团而言，《诚实浴池》是疫情后首个能够实体进行双向移动与交流的国际共同制作作品。 在与日本第七剧场完成为期3年的交流计划后，莎妹剧团再度与日本艺术家展开合作，这次锁定对象是原本就活跃于日本与欧洲的「庭剧团Penino」编导谷野九郎，经由数年时间的酝酿，才终于踏上正式的创作过程。两位导演皆擅长于书写原创剧本，并且对于空间上的设定充满想法，作品风格经常获得截然不同的评价，而这次两人采取共同编剧、共同导演的创作方式，自然会让曾经看过两人作品的策展人及观众更加充满好奇。 但相较于台湾观众对国外表演艺术充满渴望、积极期待再次迎来国际作品的氛围，日本的剧场生态在疫情后反而处于一种缓慢而凝滞的状态，并且出现严重的观众断层问题。根据东京都生活文化局于2022年进行的调查显示，有73.8%的观众表示在疫情后剧场观赏频率下降，甚至完全未曾进过剧场，其中20至29岁的年轻族群受到的疫情影响最为明显。此外加上「不完全燃烧世代」对于团体认同的断裂与消失，也加速了剧场观众的缺席。 部分日本媒体以「不完全燃烧世代」一词，称呼在新冠疫情期间（2020至2022）正值学生时期或刚踏入社会的新鲜人，这群于1998至2004年前后出生的年轻人，在人生阶段里最常被描绘在日剧或动漫题材的青春时期，失去了「全力燃烧」的机会，包含文化祭、甲子园、校外教学、毕业典礼，甚至是面试活动与社会化的过程，都因为疫情而被取消或转为线上进行。对他们而言，从小贯彻的兴趣失去了展现的舞台、甚至从求职到工作前期都不曾踏入过办公室因为缺少与他人「共同燃烧」的群体经验，产生强烈的丧失感与缺乏目标。 在这样的背景下，难以对由团队齐心合作的剧场创作形式产生认同感，而在数位剧场及其他媒体盛行的情况下改变了参与艺术与娱乐的方式。但另一方面，也有人指出因为这样的缺憾与空白，表演艺术反而更有机会成为让人重新寻回热情与连结的平台。因此，如何重新找回流失的剧场观众，并吸引年轻人进场，便成为剧场营运方的重要课题。
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焦点专题 Focus 比利时列日剧院Ｘ英国Dance UmbrellaＸ台湾国家两厅院当「连结」成为未来剧场的答案与挑战──塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．欧波库-艾岱、施馨媛谈全球剧场网络的下一步（上）
在全球艺术生态剧烈变动，「连结」成为最重要的关键词。借2025年Taiwan Week举办之机，本刊邀请比利时列日剧院总监塞吉．宏哥尼、英国Dance Umbrella艺术总监欧波库-艾岱，和国家两厅院艺术顾问施馨媛举行深度对谈，探讨国际网络的重要性与未来趋势。 在剧场资源缩减、巡演结构改变等多重挑战下，如何以不同方式回应全球「连结」的趋势？3位触及了在地培育与国际交流之间的关系，也提出了对评论角色转型、永续共制、跨地域合作模式的具体思考。 本次对话回顾了STAGES永续剧场联盟的诞生历程，并从台湾、比利时、英国的视角，检视了剧场如何突破边界，寻求新的合作机会，展现全球表演艺术网路连结的效益，也针对表演艺术未来的国际趋势提出看法。
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企画特辑 Special 2016 Pulima艺术节登场
台湾与国际原住民族艺术的对话盛会
今年迈入第三届的「Pulima艺术节」，有别于前两届专注推展台湾节目，今年的新企画邀来纽西兰毛利族的当代舞团呈现作品，独立展示或与本地原民舞团互访合作，促进原住民剧场跨国制作能量；另也发展「表演艺术新秀征件」，让潜伏各处、身怀技艺的创作者，能有机会站上更大的舞台。
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特别企画（二） Feature 现象8：戏剧跨国制作，跨不过语言的障碍？
制作期短磨合不足 声音转译徒留表演鸿沟
跨国制作风潮不歇，从年初两厅院的《爱情剖面》，台北艺术节的《目连拯救母亲大地》、《九面芙烈达》，到近期由廖琼枝主演的《残酷日志》，都是国外编导与台湾团队或演员的合作。但令人期待的合作却未都令人满意，过程中处处显露跨国合作的不协调与表演体系的不同调，舞台上语言、声音表达转译也呈现严重断裂。制作期短让本地演员难以消化文本建构自然的语言表演，不谙本地语言的外籍导演也无法进入语境与演员工作，都是未来跨国制作须注意改善的方向。
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新锐艺评 Review
茧伏．折叠．《有机体》
舞作《有机体》乃是一种褶叠；羊毛从茧化线、舞者破茧成个体，是变态、褶转后的新生。然，末尾，并列舞者们赤手为纬，穿织羊毛线衣与线幕间，成了一种褶曲动态平面。于是，后茧时代的生命体，乃推皱效应的结成，此时，完整明确的不是生命体，而是不断变动皱褶的世界。
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编辑精选 PAR Choice
跨文化三男身体 逼近律动原始单纯
继去年中以结合舞蹈与现场影像的《早餐时刻》令台湾观众惊艳后，旅德编舞家孙尚绮回归身体，将演出作品三部曲的最终章《浮．动》。接续《我不语》、《穿越》，《浮．动》中孙尚绮与另两位男舞者，以抽象的语汇，逼近律动的原始单纯。
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特别企画（二） Feature 现象观察五：跨国制作蔚为风潮
生命与文化的激荡 一场关于「编织」的旅程
跨国制作早有前例，今年则在舞蹈与剧场领域都呈现了新面貌，甚至在国际性艺术节之外，民间舞团与校园都出现了跨国制作的演出。尽管不同的制作有著不一样的行事作风，很难以「跨国制作」一概而论；但所有参与其中的人都提到了「聆听」、「主动回馈」、「不预设立场」的创作立场，也让台湾教育下习惯一个指令一个动作的演员／舞者更愿意自我挑战，也更能理解他人的不同。
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编辑精选 PAR Choice
以声音形塑表演 演绎社会悲剧经典
去年以《Jumel挛生姊妹》令台湾观众惊艳的法国导演法兰克．迪麦可，今年来台执导中、台、法三地跨国制作的《沃伊采克》，要将德国剧作家毕希纳的断简残编搬上舞台。擅用声音的法兰克，这次和亚洲演员合作，面对不熟悉的语言，法兰克说，他必须要用另外一种方式处理语言和声音，在文本的意义之外，让声音元素表现出音乐性的质地。
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最PAR！
「跨」一步，海阔天空？
目前台湾的几出所谓跨国制作，其实都还在起步的阶段；成功的跨国性制作不仅需要时间累积认同，还要有具备国际眼光、普获国际尊重的艺术策展人（或说制作人）的主导，加上政府的后援支持与充分的经费挹注；但是中间执行者能否对这样的合作建立共识和付诸热诚，更是攸关成败的关键。这样的理想不但适用于主流剧场制作，小剧场界更该拓展国际市场，也更有市场潜力。
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东京
莎剧、能剧、悲剧、警世剧
故事是熟悉的：一个看不透权力本质的老迈君王和三个女儿间的分家悲剧；原始背景是政治的：内战爆发前的英国，法国正虎视眈眈地伺机而动；演绎的版本是多元化的：前有黑泽明的《乱》，近有女性主义的电影版A Thou-sand Acres；是的，莎士比亚的《李尔王》从来就不是个容易的题材，太多珠玉在前、太多角度可拣。 九九年九月，日本名导蜷川幸雄给自己一个追加难度的挑战，与莎剧权威团体──RSC合作，并邀来以主演电影《疯狂乔治王》（The Madness of King George）而获金像奖提名的耐吉欧．豪森（Nigel Hawthorne）饰演「李尔王」，与国人熟知的日本明星真田广之巧扮「愚人」（The Fool）。全剧以英语发音，先在日本彩之国艺术剧场演出十六场，十月底再赴伦敦巴比肯中心公演二十四场，接著自十二月初也已在莎翁故鄕史特拉福（Stratford-upon-Avon）作千禧跨年的四十三场演出。这样的跨国制作除了牵涉大批人力物力，更隐含著背水一战的必胜决心：想想看，日本人指导RSC演莎剧！笔下从不留情的英国剧评人想必早就跃跃欲「批」，火眼金睛地准备大审一场。 聪明的蜷川集合日本设计好手，给了《李尔王》一个多重国籍的古典包装，再大刀阔斧地修枝剪叶，以简洁的动线与轮廓塑出现代感，不时还缀洒些零星的东方情调，果然赢得英日一片好评。在戏剧表现上，蜷川放下以往讨好的夸张肢体，谨守「少就是多」（Less Is More）的准则，作出某种东方内敛气质的示范，怪不得泰晤士报赞道：「终场更是深刻动人，就因为它是如此的单纯、沉静，而充满尊严。」蜷川能在东西文化间拿揑得如此得宜，真是高招！ 《李尔王》设计群表现杰出 即使在像我这样对所谓「东西合璧」、「跨国合作」抱持怀疑态度的挑剔观众眼里，堀尾幸男设计的舞台也令人喝采。开场的气势慑人：左右幽深的竹纹木墙，从两边向远侧中线延伸至未知的黑暗里；向前倾斜的舞台中央，稳稳地放著独一无二的权力宝座，在前面摊开来的是张绘有地图的大毯，暗示著一场至亲手足间的领土争夺即将在其上展开。音乐设计宇崎奄童和音效设计井上正弘与蜷川合作多年，其用日本三弦、邦乐混出的声音，神秘而富张力。 从斜坡后背光出现的人物，像是彼此命运中无法选择或抗拒的因子
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东京
在老英的地盘上征服莎剧
曾于一九九三年率团来台演出的日本剧场导演蜷川幸雄，日前在东京近郊的彩之国艺术剧场推出「莎翁回顾系列」的第四出大戏《李尔王》（King Lear）。这部与英国皇家莎士比亚剧团 合作演出的跨国制作，此刻更已远征伦敦与莎翁的故鄕，进行跨年度的六十七场公演。
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纽约
偶戏人生 York
在这个艺术节里，你看不到偶戏的过去，你看到的是偶戏的现在与未来。
