跨国制作早有前例，今年则在舞蹈与剧场领域都呈现了新面貌，甚至在国际性艺术节之外，民间舞团与校园都出现了跨国制作的演出。尽管不同的制作有著不一样的行事作风，很难以「跨国制作」一概而论；但所有参与其中的人都提到了「聆听」、「主动回馈」、「不预设立场」的创作立场，也让台湾教育下习惯一个指令一个动作的演员／舞者更愿意自我挑战，也更能理解他人的不同。
近几年来跨国制作蔚为风潮，台湾观众应该对这四个字并不陌生，特别是两厅院过去推出的多出旗舰计划，不乏邀请国外剧场大师与台湾创作者合作的「跨国制作」，如歌剧《黑须马偕》、罗伯．威尔森与优人神鼓、唐美云合作的《郑和1433》、或是其与京剧名伶魏海敏合作的《欧兰朵》。这类强调跨国文化结合，借由他国艺术家观点与台湾艺术特质产生对话的「跨国制作」，终在二○一一年邀请铃木忠志执导的《茶花女》引发热烈讨论——究竟台湾剧场期待的，是什么样的跨国制作呢？
不只「跨国」也跨「身体差异」
一年前关于《茶花女》的争议，似乎并未让跨国制作的企图缓下脚步。今年两厅院的国际艺术节依然出现多出跨国制作，如与法国卡菲舞团（Compagnie Käfig）合制的《有机体》。《有机体》跨越的，可不只是国界而已，还跨越了现代舞与街舞、学院与非学院、舞蹈与时尚设计的界线。编舞家穆哈．莫苏奇（Mourad Merzouki）结合台湾服装设计师古又文立体针织作品的「编织」概念，分别找了五位台湾的现代舞者及五位法国的街舞舞者，自二○一一年九月开始排练，并于二○一二年初在巴黎密集排练两个月，将文化与身体的差异慢慢「编织」为一个作品，不但让「街舞」登上了国家剧院的舞台，也让编舞家穆哈．莫苏奇有了另一番诠释「街舞」的想像。
不像TIFA的跨国制作节目有著来自两厅院的经费，由林文中舞团与芝加哥沙尔顿舞团联手演出的《【小】系列和他的朋友们》为团队自发性的跨国接触。得到麦克阿瑟基金会赞助的沙尔斯舞团，在朋友的介绍下决定要寻找一个台湾舞团作为跨国合作对象，并借由网路找到了林文中舞团。于是，林文中带著舞者们先到芝加哥进行一个月的密集排练，期间由林文中与凯莉．韩森为双方各编一支舞，于芝加哥首演后移师台湾进行演出。在合作过程中，文化上的差异让彼此必须花更多的时间进行讨论，此外舞者也有著不同的身体质地，例如沙尔顿舞团的舞者偏向肌肉性运动，林文中舞团的舞者则擅长处理较为细腻的动作。将身体质地的差异「编织」在一起，有取有舍，似乎正是跨国舞蹈制作的迷人之处！
跨语言的高难度剧场挑战
相较于舞蹈作品可借由肢体沟通，戏剧制作所面临的沟通障碍就没这么好过。今年下半年分别有台北艺术节由台南人剧团与德国导演提尔曼．寇勒（Tilmann Köhler）合作的《金龙》，以及北艺大与去年曾以《沃伊采克》震撼小剧场的法国导演法兰克．迪麦可（Franck Dimech）合作之秋季公演《Preparadise Sorry Now》。两出制作刚好都由欧陆导演执导近代／当代欧陆剧本，对于合作的台湾演员而言更是另一种挑战。
向来重视文本的台南人剧团，特别找了德文翻译全程跟排。如何在剧场处理完全陌生的语言，成为导演的挑战。在导演要求下，演员在排练场所说的每一句台词都需翻成德文让导演衡量，许多时候更需完全依据原作剧本的词语顺序，而不将就于中文／德文的文法差距，借以呈现德国剧作家罗兰．希梅芬尼（Roland Schimmelpfennig）意图以文字传达的视觉画面。语言转换的代沟也形成了演员戏称的「灰色地带」，双方的想像落差往往产生意想不到的诠释；语言隔阂也让剧组尽力避免口语讨论，必须针对每个可能性身体力行。面对陌生的台湾演员与陌生的台湾文化，导演并没有任何预设立场，而是完全地信任演员、了解每个演员的生命经验，同时也希望演员能够主动给予创作上的回馈，并非只是完成导演想像中的画面而已。
在法兰克．迪麦可执导的《Preparadise Sorry Now》制作中，同样仰赖演员的生命经验，让这个由德国电影导演法斯宾达所著的文本孕育成形。如同《金龙》一般，不谙中文的导演在为期半年的制作中仰赖翻译的协助，仰赖演员的意见回馈，在双方的交叉讨论中处理这个自己并不熟悉的语言，及其延伸的剧场美学。不过在法兰克．迪麦可的诠释中，剧本仅只是创作的素材之一，如何借由演员在舞台上的存在感、生命经验、自身形象，带入社会性的批判，都是需要和文本一同「编织」的素材。
期待更多元的跨国制作面貌
有些跨国制作的过程，从发展剧本开始，例如今年初两厅院国际艺术节由台原偶剧团、伊斯坦堡皮影戏团与北京皮影剧团合制的《人间影》。合作计划可回溯于两年前，多年经营传统皮影戏的北京皮影剧团想要现代剧场元素，因此找到了台原偶剧团作为合作伙伴。之后双方构思了一出有关「丝路」的剧本，于是又找了伊斯坦堡皮影戏团参与。三方分工明确，台原偶剧团负责剧本、舞台设计等部分，另两团则以演员为主。尽管来自不同国家，但面对逐渐式微的传统文化，创作者不管来自何方，都得积极寻找和当代观众沟通的语汇。
每一个跨国制作都是个文化交流的过程，也让人想起了剧场该是个兼容并蓄之处。尽管不同的制作有著不一样的行事作风，很难以「跨国制作」一概而论；但所有参与其中的人都提到了「聆听」、「主动回馈」、「不预设立场」的创作立场，也让台湾教育下习惯一个指令一个动作的演员／舞者更愿意自我挑战，也更能理解他人的不同。但庞大的制作预算，也让跨国制作总依附著大型戏剧节而生，由团队自发性的合作机会少之又少；合作对象似乎也以欧美（或是欧陆）为主。期待在未来的台湾剧场，能看到更多「跨国制作」不一样的样貌！
