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独角戏
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戏剧 重新布局空间 展现独角戏功力《笼子里的白狐》 施冬麟续说城市怪谈
《笼子里的白狐》是金枝演社资深团员施冬麟编、导、演的独角戏，最早发表于2024年底，与另一出同样由团内资深团员李允中发想创作的《鸡鸡好吃》，以「1+1」的方式共同于牯岭街小剧场演出，被视为金枝演社的「中生代创作系列」。 施冬麟表示：「团内有时会尝试二哥（王荣裕）之外的创作可能，就提到能否做做看比较小型的制作，于是我跟允中有举手！」过程中有不同方案、组合的提出，最终是两人各自发展一部短篇作品，分成上、下半场演出。
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特别企画 Feature 最想看谁演的独角戏？导演／编剧邓依涵的许愿清单好想给姚淳耀一束光，让他在舞台上搬演平凡而不凡的故事
姚淳耀在影像作品中挑战过多种不同面向、甚至极端的角色，但无论他演的角色是明亮的、阴暗的、压抑的或愤怒的，他的表演始终保持著一种收放自如的诚恳与清晰。 他不是那种一出场就占满画面的演员，真正吸引人的，是他那些不强调、却极具力量的细节让人感觉：这个人身上正在发生什么。因为这些特质，我认为他特别适合独脚戏。我想像他站在舞台上，不需要太多布景，只要一张椅子、一束光，他就能开始讲一个普通男人的故事。用很轻的语气、很真实的呼吸，慢慢把那些人性里的复杂不安、逃避、幽默、倔强一层层地打开。 我相信，姚淳耀能让一个人的独白，变成观众愿意静下来听的一段生命。
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特别企画 Feature 最想看谁演的独角戏？制作人方尹纶的许愿清单如果高天恒有一场独角戏，他的个人创作宇宙会如何爆炸？
作为一个制作人，对「独角戏」这样的作品会有不同面向的期待：一是站在观众面思考，我认为独角戏的演出最让观众著迷之处在于它能以最纯粹、最密集的能量，将一个表演者的生命经验、创作脉络与个人魅力，毫无保留地倾泻而出。二是在演出制作面，如果要完整体现一个表演者爆发性的演出能量，能够集编、导、演于一身的人，会是最符合剧场「经济效益」的模式。 所以，我非常期待「高天恒」的独角戏。他以刺点创作工坊团长与音乐剧编导的身分，多年来致力于原创中文音乐剧，累积了《苦鲁人生》、《今晚，我想来点》等大受好评且风格鲜明的作品。并且常常在演出内容中置入许多彩蛋和宇宙的串联。
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特别企画 Feature 最想看谁演的独角戏？资深剧迷／评论吉米布兰卡的许愿清单若邀请古辛内建的「变声」能力，还能长出怎么样的面貌？
我太想知道古辛「长」怎样了，方方面面！ 我们都知道古辛内建柯南的蝴蝶结变声器，非常擅于改变角色的声调口音，就连行走与动作的姿态与样貌都可以随之变换，让他在剧场演出可以一个打十个，男的女的、年轻的老的，万能 Swing。那，如果活用这能力，有没有可能以一人之姿演出需要多角色的经典，像是 Andrew Scott 挑战凡尼亚舅舅的 Vanya。
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特别企画 Feature 最想看谁演的独角戏？主妇张智惠的许愿清单平常没有走进剧场的人，应该也都知道谢盈萱是谁吧？
我没事不会走进剧场，如果真的去看戏，也是女儿买票说要带我去的关系，所以我今天也是第一次知道「独角戏」是什么。但如果真的可以许愿，我想要看谢盈萱演的独角戏。 很久以前女儿也带我进剧场看过谢盈萱的演出，这几年她只出现在电视、电影萤幕上了，虽然好像更频繁走进我们的视线中，不过总觉得距离更远。我很少喜欢过一个演员，不过只要她出现的场合，我就觉得很有意思，扮丑扮美都可以，讲话很有力量，记得我以前在剧场里面，不管坐得再远，都能看到很多他身上有的细节。我印象最深是有一次看了《明年，或者明天见》，谢盈萱在里面演孕妇的时候，我后来跟女儿说：「那个人连脚指头都会演戏，我怀孕的时候也常常觉得脚要抽筋，脚指头动个不停」现在想起，还是觉得很有趣。
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特别企画 Feature王世纬：再亲密的文本，也终究是演员的一件衣服
作为一个演员，王世纬穿戴过各种SOLO的角色，其中最为人所知的如《鬼扯》，演绎神怪鬼事；或是，带著孕肚上舞台的《蚬精》，每一次的开演广播都提醒观众自己随时会生。而在成为母亲多年以后，她再次重回SOLO的表演中，是四把椅子的《好事清单》，此剧本是一趟青春期漫行至成年的旅程，她走进角色中将自己的生命经验紧紧结合在剧本之中，因此，观众看见的不再是过往鬼魅艳丽的那个「剧场妖姬」，但王世纬的温柔仍保有她独特的性感，使人看著看著，又忍不住陷落在她的表演之中。
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特别企画 Feature何冠仪：我们不能真的在舞台上梭哈
演完一出SOLO好像老了5岁，何冠仪说。《大伙快炒》这个由她自身生命经验出发的作品，结合大家族的故事，是给自己的成年礼。2025年8月演出结束以后，她狠狠休息了1个月。若说独角戏真的是她给自己的礼物，那从中得到的不仅只是她如何爬梳家族记忆的方式，而是发现，身为演员，原来需要练习的事情还有这么多：例如休息的状态，例如崩溃的界线，例如站在台上的时候，演员如何一点一滴地的把自己的自主权找回来。
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特别企画 Feature简诗翰：表演是能把一切灰色地带都接住的地方
简诗翰考上台艺大戏剧系后上的第一门表演课，首次课堂呈现的主题，是「我」；到了大四那年修表演课的课堂呈现，题目依旧是「我」。后来他负笈英国，在伦敦大学金匠学院攻读表演创作，第一学期第一堂课要做的表演，还是「我」。数次接近表演、学习表演的重要时刻，简诗翰都是独自一人在台上，告诉观众也告诉自己：「我是谁？」虽然这个提问的回答，常常不怎么完美，还时不时在变动，但在充满弹性的表演里，这是再自然不过的现象了。 做单人演出，孤独的状态是必要的 大概是大三、大四那一阵子，有几件事相继发生简诗翰看了王世纬挺著孕肚上台的单人演出《蚬精》，注意到在高雄教书的杜思慧开了单人表演专题，也跟著蔡佾玲加入超亲密小戏节的作品创作。 「加上大四最后一学期的表演课，呈现题目又是『我』，在我学了两三年的表演、看了这些演出又参与创作之后，我的确就蛮关注solo这件事的。」简诗翰已经想不太起来究竟何时开始被单人表演吸引，但他仍清楚记得自己想做单人表演的初衷，是「自己好像可以做一点什么！」那是单人表演帮他撬开的想像，即使只有一个人站在台上，也可以是很有主动性的表演者。 而一直以来，简诗翰身边不乏其他视觉艺术家朋友，看著他们在创作上的单打独斗，他也曾开过玩笑：「视觉艺术家都关在自己的工作室里，不懂得跟其他人合作！」只是后来他同样有机会参与视觉艺术，撇除过于困难的技术得外包之外，艺术创作的核心技术，例如画家要绘画的这件事，终究得要艺术家本人才能完成，「这跟做独角戏一样啊，那种孤独的状态，是必要的。」从表演再到视觉艺术，总是得回到自己身上，才能继续往下走。 所以每每排练单人演出，简诗翰走进排练场地，都是先在地板上躺两个小时，看似什么都没做，但却什么都做了。放松、把一切还给地板、还给重量、还给所有事情，得让一切归零，他才有办法开始进入表演。
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特别企画 Feature独角戏，原来这么寂寞——林子恒Ｘ萧东意的《灰男孩》对谈（上）
独角戏的寂寞，许多人都曾经谈过。那是一种只存在于舞台上：一个人、一整本无法被分担的台词，无数种角色的转换。然而《灰男孩》的寂寞，在排练场上就开始累积虽说如此，这个作品仍可以有两种体温、两种呼吸、两种存在方式。 同党剧团的《灰男孩》于2023年首演，由林子恒担纲演出。从白色恐怖时代的肃杀气氛出发，环绕著深情于主人翁的际遇之中。首演之初，便广收大量的好评。到了2025年，再次回归，回归之时，这一人分饰19角的演出，推出双卡司版本：除原班底林子恒之外，又加入萧东意的上场。由是，一个角色，两副身体；一出独角戏，生成两种答案。 他们演的不是彼此的替身，更像是彼此的回声在相同的故事里，证明人可以有无数种可能。 林子恒，是先走进黑暗的人，实际上他喜欢群体、喜欢演员与演员之间的互相陪伴，可是当《灰男孩》将舞台上所有声音都收走，只剩自己、包括呼吸、文本，包括进场与离场，他第一次体会到「无人可逃避」的重量；至于萧东意，则是接棒上场的那位，他拿著前一个版本留下的光，却无法选择复制，只能重新于黑暗中再次出发，他说，那像是接手一段前世未完的旅程，既有路径，也有必须重新踩出的泥地。 如今回望《灰男孩》的双卡司阵容，邀请二位演员正式对谈，一同回望，当初那把火如何被延续、被重新命名、翻转与思考？
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特别企画 Feature独角戏，原来这么寂寞——林子恒Ｘ萧东意的《灰男孩》对谈（下）
Q：让我们重新回到独角戏的脉络中来谈，此前此后，两位对于表演是否有新的体悟与想法？ 林：在《灰男孩》过后，我可能更意识到演出前跟同伴的哈啦有多重要吧？（笑） 萧：听起来很荒谬，可是确实如此。 林：那种感觉，就像是彼此说说笑笑踏入战场。我常常觉得，在一出戏剧作品中，每一个表演者都像穿戴一个隐形的竹篓，我们把台词想法及各种诠释方式，都放在竹篓里，如果多一个人上场，彼此就能互相检查里头的东西是否安稳、确实放好。如果每个人在演出前都战战兢兢、不敢交流，其实那氛围会更紧张不安。但若我们彼此都能有说有笑、即便谈笑的内容不是戏剧本身，你也能感觉到那流动是舒服的。 萧：很像是一种心理的暖身，又不同的话题，知道彼此有连结在一起、大家都上线的感觉。这种感觉微妙，无法具体说明到底产生什么影响，但经过那种说笑，会明确知道有人在后面撑著你，而我也撑著其他人。再加上，剧场本身就是一个与观众不断产生连接与沟通的地方，若场上有伙伴能撑起这个连结的网络，彼此就会开展出一个很强的能量场。 可是，独角戏就无法这么做。演出《灰男孩》的时候，我记得上场前开始跟crew、助理眼神示意、招呼，不断找人做连结（笑）。如果没人打招呼、自己坐在休息室那更闷。
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特别企画 Feature杨奇殷：单人表演是很自由的，念头来了就做
今（2025）年6月，杨奇殷上大学同学、同时也是剧场导演黄鼎云的Podcast聊表演，他们从毕业制作开始合作，其中有几次都是杨奇殷独自在台上的演出作品，让黄鼎云总有种「杨奇殷做了很多solo」的错觉。但杨奇殷的确在单人表演上交出代表作，由王墨林执导，他所编剧、演出的《王子．哈姆雷特》拿下第20届台新艺术奖「表演艺术奖」，这几年也持续投入单人表演；这是他得以松一口气的生活方式，也是他以双胞胎身分出生之后，面对人生课题的尝试解方。
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特别企画 Feature那是一个人的战场，即便始终知道不只有自己一人
寂寞，专注，且以相对低的成本打造一个浑圆饱满的新生这是此趟SOLO访问下来，我们试著整理出的3个关键字。 寂寞是演员，专注的是观众，且有趣的是，多数人同意他们最早想做独角戏的初衷，是源自成本考量。 演员王世纬谈起这些事情非常公开透明，成本绝对是所有人做戏的时候无法回避的第一考量。事实上，筹办「单人实验场」的策展人李昀芷也是因为深知此事，才希望进一步降低年轻演员的负担，渴望打造一个平台邀请演员讲述自己的故事。 又，几年前，疫情的波浪之下，剧场连齐心合力说故事的行为都被禁止，然而被禁止的身体却压不下更多好故事的念头，于是如许哲彬引领的四把椅子剧团，开始与演员合作多部独角戏演出，如脍炙人口的《爱在年老色衰前》、至今仍在巡回路上的《好事清单》等。 起先，会说这件事情「有趣」，乃因在艺术文化产业，谈及利益、金钱之事，弄个不好简直就像是一句脏话，好像投身艺术中人，必然得苦其心志、劳其筋骨，最好笃信孔子所谓的「君子固穷」。不过，少有人能切身明白，资源、钱财其实并不与好的作品有所冲突，事实上，创作者脑中的宇宙的确需要等比的资金挹注才能够搭建出来。这一点在独角戏创作者们的讨论中，时时刻刻被点出。 独角戏，是我们不需回避这个问题的第一步。 在某人的注视下，经过一个空的空间 当然，有的时候甚至不只是钱的问题，而是等不到演出的机会；有时候也非关才华的问题，而只是形象不对。在什么场合需要什么演员的理由千百种，无法一概而论。 同时，演员长年来作为一个被动的等待者，似乎像是等待兔子的萝卜那样，兀自在土壤中肥大才是唯一选择。 然而，独角戏的存在其实提供演员另外一种可能如同魏隽展所说的，一个「自我赋权」的可能性。专访中，他提及自己早些年想实验不同的表演方法，若无人可问、无人指导，他找一处客厅、邀请同学两三，一同观看点评。 这样的形式，单纯得回到彼得．布鲁克于《空的空间》所描述的剧场之定义：「一个人在某人的注视下，经过一个『空的空间』，就足以构成一个『剧场行为』。」
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特别企画 Feature 导演许哲彬：当舞台只剩一个人，导演能做的事情可多著
许哲彬不只说过一次，会开始做独角戏，全然是彼时疫情之下的制作考量。他说自己的喜好明确，对于自己擅长的方向也有概念，因此排练方法的路径相似，他说：「通常会从『聊天』开始。我很仰赖从聊天当中感受演员的性格以及近期的生活状态，理解他们的生命转变以后，才能够同面对我们之间的第三者也就是剧本。」至于独角戏，许哲彬试著用同样的方式理解他，差别只在于：「我聊天的对象变成只有一个。」
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特别企画 Feature 创作顾问魏隽展：框出战场，打造演员的成年礼
独角戏，是演员「念能力的战场」。魏隽展说，关于独角戏发展的基本功，他都鼓励大家先去看《猎人》。认真的，没有在开玩笑。里头讲得很清楚：把气留在体内的「缠」、断绝气散失之「绝」、觉察额外气之所在的「练」、而后才是「发」操控自如以后，感受自己的气通往哪里。这套基本功的修炼，几可说是魏隽展早年创发自身独脚系列的原点，而今，也以类似的逻辑，作为顾问角色，与三缺一剧团这些年陪伴的4位创作者何冠仪、陈瑞祥、杜逸帆与蔡茵茵，共同孵育他们的独脚作品。
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特别企画 Feature 导演X演员王墨林 X 白大铉：不断反省自己，才能让表演变得诚实（上）
这已经不是王墨林和白大铉第一次搭档了！2010年，白大铉为纪念韩国工运斗士全泰壹自焚40周年所编写的作品《再见！母亲》，就找来王墨林执导，也建立起双方深厚的合作关系。2017年的《脱北者》、2018年的《父亲．李尔王》，再到最新的《祭典．马克白》，四度担任彼此的演员／导演，王墨林和白大铉的作品里，是导演眼中「视线习惯化」以外的细节，也是演员对自身生命状态的反省。
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特别企画 Feature 导演X演员王墨林 X 白大铉：不断反省自己，才能让表演变得诚实（下）
Ｑ：但即使有导演的陪伴，演出时仍然只有演员独自站在台上，那会有种孤独感吗？ 王：那就是孤独啊！那演员要面对这份孤独，靠的不是台词，而是要有勇气，发自内心的一股勇气。 白：我同意大墨的说法，那的确是种孤独感。像这阵子我在彰化排练的时候，常常在休息的时候到外面跑步，把那种在广阔大地上只有自己独自一人的感觉，带到舞台上。 王：我希望演员保持一个独立个体的状态。 Ｑ：既然如此，面对孤独感的勇气从何而来？以及，打从剧本创作就是从演员自身出发，无论是反思自己或是诚实，也都需要勇气对吧！ 白：书写文字本来就要诚实，写出来的东西是真话还是谎言，你自己最清楚。 王：可是要诚实到什么程度？写出来的东西要让这么多人知道，可能是陌生的观众，也可能是像我这样跟你熟悉的导演，面对这种恐惧，你的勇气有多少？ 白：写的时候我其实没有想这么多。 王：那写完以后呢？写完之后你也是会反复观看啊！ 白：嗯我觉得会变得诚实，是因为跟大墨之间的讨论，我的文字像是土地，是有了你（指王墨林）给的想法，才有办法在上面盖起建筑物，呈现给观众。 我一直对你的《哈姆雷特机器诠释学》这件作品印象深刻，我看了开场前5分钟哭了，我可以感觉到你在戏里不断在反省自己，反省自己是不是做对或做错事情；在韩国的左派都是一副很了不起的样子，但你不是这个样子，你非常诚实地面对自己。 所以回到《祭典．马克白》来说，不是因为我写得很诚实，是因为你，这部戏才变得诚实。 王：但你在剧本里的诚实对我来说很重要，你把马克白这个他者转换成自己，我才能找到跟你对话的点，我不是去诠释你的剧本，而是去诠释你的身体，引导你用身体做表达。
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特别企画 Feature 2025 台湾独角戏观察4套作品，排练无限可能
聚思制造端《白兔红兔》：现场开箱的剧本，表演者的挑战或挑衅？ 开演前24小时才能够拿到隔日演出的相关说明，《白兔红兔》是一出交给演员的重量级炸弹，引爆以后的结果可能是其表演生命的升华或者毁灭？此实验剧作是伊朗剧作家 Nassim Soleimanpour 的大胆实验，2022年末聚思制造端尝试引入，遵从剧作家的指引，在正式演出当下才能让演员「现场开箱剧本」，当下对照著剧本中的「你我他」，在不同的演员思考路径之下，指涉的代词及权利关系也将跟著改变。这个作品从另一个角度将表演及故事的魅力全权赋予演员，然而一场「几乎无法事前准备」的表演，之于表演者来说，挑战与挑衅仅是一线之隔。观众将在这样的表演形式之中，将可能模糊表演与实的界线，使表演者的本质无所遁形，是SOLO形式中另一层次惊人的展现。
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抵达终点左转为什么要一个人站在＿里？
该说是「那里」还是「这里」，我愈来愈不确定了。 如果是那里，我就在看是观众也好，写字抒发也好，那代表了距离。如果是这里，我是被看在演，或导，成了一个标靶（target）。这篇文章我想谈单人表演，却发现自己的定位都在晕眩。 一直对于渴望做solo的人，充满好奇。成为标的或许是表演的某种必然，但成为舞台上唯一的标靶是另一回事。我曾以为的戏剧，是一种编织，人与人与事件与物的串动。我以为的戏剧不是源于一个议题亮点，除非那是创作者脑袋里的灵光。再之后，以为成了作为。羞耻心一勺勺挖起来换，反应过来才发现那原来是消耗品。 第一次注意到的灵光，是《Fleabag》（译作：伦敦生活、邋遢女郎）。我先看了影集，然后看回舞台剧录影。英文台词跟不上，捧著剧本追，前后看了不下十几遍。我拿《Fleabag》影集当教材，每次都失败学员跟不上台词，搞不清楚角色之间暗潮汹涌，不懂要看什么。尽管我都拿第一集用，第一季女主角开场就打破第四面墙，我谈这被用烂的「形式」，如何从舞台过度到镜头，并在之后赋予格外的意义，建构男女主角的关系。更爱反复共读第二季的第一集，那整顿饭吃得惊心动魄我拆解镜头数，视线分析角色。以及演员如何讲话但不停止动作。 因为太喜爱，所以教不好。我总是现场最兴奋的那个，宛如主创Phoebe的狂粉。其实最想谈的核心是「改编」，可是每次到了最后，看著被学员们被轰炸过的表情，我只能轻巧带过。改编是商业技术，是编剧与导演的工作，不是原创。观众只能奢求对美好故事的经验不会被取消就好，能二次享受是宇宙福气。 近几年IP化的浪潮不断，我总是纳闷这浪为何一直打在作者（尤其是文学小说）头上？影视化是转译，原著够好就有外译扩充的潜力，若一开始就用中英交杂的晶晶体写，再翻也依然语意不清。《Fleabag》的成功，让我对「独角戏」有了全新的好感与其说单人表演是充斥著演员技术展现的意图，有没有可能，更大的企图是：他╱她真的好想谈一件事？ 于是「演员」这个职业集合，成了「人」。那这跟脱口秀又有什么区别呢？我想起以前在英国学表演时，班上一位丹麦女同学的毕制独角戏，就是在探求这两者
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四界看表演 Stage Viewer创作能量尚待恢复 走出疫情挑战再起（下）
独角戏竞争激烈 在音效设计开发卓越表现 由于演出与住宿成本惊人，独角戏一直是艺穗节常见的形式（演工作人员愈少愈好），除了本来就很受英国人欢迎的Stand-up comedy外，独角戏演出非常仰赖好剧本和好演员来吸引观众进场。官方统计2022年共有来自63个国家、3334个节目在爱丁堡上演，竞争之激烈，可见一班。 今年我最推荐的独角戏《害怕不祥之事降临》（Feeling Afraid as if something terrible is about to happen），是由剧作家桑多斯（Marcelo Dos Santos）所作，也是夏日剧场（Summerhall）全数售罄的演出之一。剧本由英国知名喜剧演员巴涅特（Samuel Barnett）出演。虽然只是讲述单纯的约会经验，但本剧的设定就已经立见高下：试问，当一个喜剧演员终于遇上真命天子，但这个人偏偏有一个致命的缺陷：他无法大笑，因为只要一笑，他就有可能会死掉；渴望爱情却也热中于喜剧事业的演员，该怎么办呢？这个剧本不仅挑战了喜剧演员生命中最大的成就与脆弱，更轻盈地玩弄美国人与英国人之间的文化差异，整场演出笑声不断，毫无冷场，巴涅特高超的演技和节奏感完全撑起了这个精采的文本。 综观今年欣赏的几部独角戏，虽然大部分文本不见得有突出之处，但都有一个共通点：音效设计上的卓越与精准。这是过往比较少见的，如喜剧演员麦可法森（Patrick McPherson）的新作《庞大》（Colossal）探讨当代的爱情观：从第一次约会到最后分手的简讯，从不顾一切的投入到最后的粉身碎骨，在他揣摩不同场景和角色时，灯光、音效与不同方向的音场整合切换，可以说是秒秒到位，完全弥补了台上只有一个演员的空虚感，更让观众身历其境。值得一提的是，即使这是出非常「直男观点」的戏，创作者在描绘自己情史时，仍不忘加了一位生理男性在其中。感觉未来探讨当代情感的戏剧，「性别与情欲的流动」会是一个新的趋势与走向。 由跨性别艺术家玛里布兰卡（Daniel Mariblanca）所创作的《71个身体，1支舞》（71 BODIES, 1DANCE）；灵感取自71位分别来自挪威、瑞典、丹麦与西班牙跨性别者的生命经验及故事，希望能透过艺术来唤醒大众对跨性别社群的关注，以
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话题追踪 Follow-ups 年度大奖与表演艺术奖小剧场独角戏夺两大奖 反省自身也传承美学
第20届台新艺术奖已于7月2日揭晓颁发。20年来该奖项产生逾60位得主，唯今年很特别，第一次得奖的人力飞行剧团，分别以独立创作的《感伤旅行》，以及与身体气象馆共同创作的《王子．哈姆雷特》，包办年度大奖及表演艺术奖、两部作品演出场地都在承载小剧场梦想起飞的牯岭街小剧场、都是独角戏、都是由资深表演艺术摄影家许斌肩负平面摄影、都是由牯岭街小剧场馆长姚立群担任制作人。 诚实面对也自我开创 独角戏提供反省机会 「独角戏可贵之处在于不管是导演或演员，可以不依赖别人、不受别人支配下，告诉你是谁、你的存在是什么。」王墨林强调，反省很重要，但在台湾要冷静下来思考，是一件很困难的事情。幸好独角戏提供了一个反省的机会。「就是完全回到自身，面对自己，反省自己，而这个反省不必是公开性、社会性的，我们的精神实属密室，这个反省可以在秘室进行，一重一重打开。」 为了让独角戏演员明白「自我」到底是什么，王墨林要求演员书写剧本。「独角戏演员在舞台上自言自语，说一连串的台词，唯有自己写剧本，才能清楚他所说出的每一句话究竟在讲什么。」此次杨奇殷在王墨林要求下写给自己、给众人的《王子．哈姆雷特》剧本，修了至少40次。 除了要求演员必须「诚实」面对自己，王墨林也要求演员具有自我开创的能力。「独角戏演员处在一个人的状态下，他没有对手戏，讲话或者不讲话，都是表演，他要解决很多问题，譬如跟观众的关系：观众看他这件事是存在的吗？或者他不管观众看他这件事?或者他跟剧场空间的关系？如何把这个小小剧场空间放大想像，成为你自己的精神世界？诸如这种变化的能力很重要。」 传承美学技艺 让微观走向宏观的观察 「我这年纪，差不多就这样了！」王墨林把自己说得淡然。他看著身旁的杨奇殷说，「他们需要舞台需要空间发展。做独角戏很好的感觉就是，可以把我40、50年来的身体美学技艺传承下去。」 「我就是要让年轻人站在前面，但是他一点准备都没有，不明究里的人会想『这个演员怎么得奖的啊』！」王墨林说的是颁奖典礼那天。聚光灯打在舞台上代表领奖的导演黎焕雄及演员杨奇殷身上，来宾眼神全投向激动情绪哽咽的两人；而炫目镁光没照到的，舞台下，王墨林，原本一双瞇瞇眼，此时瞇成了一